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Dulce Huet Dulce Huet es una comunicadora especialista en música contemporánea Rafael Couto CDMX 1969. Artista visual, compositor y productor independiente de radio-arte experimental. Fundó el "Taller de gráfica El Mico", Ediciones San Antonio, los proyectos sonoros Ballet acuático, Sonido Laguna Verde, Sonido Ráfaga y Changorama. Alejandro Castaños Graduado de la maestría en composición del Conservatorio Real de la Haya, Holanda y del curso anual de composición y música por computadora del IRCAM/Centro Pompidou en París, Francia. Comenzó su carrera profesional en el Centro de Investigación y Estudios Musicales en la Ciudad de México, y en los talleres del mtro. Juan Trigos e Ignacio Baca-Lobera. Paul Rudy In 2012 I moved onto the land in NE Kansas. On these 70 acres of woods and prairie, I harmonize with the physical and metaphysical. I honor the energies and ancestors as I balance the feminine and masculine polarity. I play in mind, body, and spirit, and have built land art and a labyrinth where the non-physical becomes palpable. © Copyright CMMAS 2006 - 2021. Todos los derechos reservados.

To play, press and hold the enter key. To stop, release the enter key. © Copyright CMMAS 2006 - 2021. Todos los derechos reservados.

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Pablo Cetta Pablo Cetta realizó sus estudios musicales en la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA. donde obtuvo el Doctorado en Música, y cursó estudios de composición con Gerardo Gandini. Actualmente es Director del Instituto de Investigación Musicológica “Carlos Vega” y Director del Doctorado en Música de la FACM, en el área Composición. Ha recibido numerosas becas, encargos de obras y premios, en su país y en el exterior, y es autor de diversos libros y artículos referidos a su disciplina. Ver cursos disponibles Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

Festival Visiones Sonoras 19 SHOP Invitados | Guests Ediciones anteriores | Previous editions 2021 2021 2021 2022 2019 2018 2017 2020 2016 2015 2014 2013 2012 2011 2010 2009 2008 2007 2005 2006 Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Regresar Atotal Concierto audiovisual / Live AV La obra de arte total, cuando se lleva a su paroxismo de coincidencia absoluta de las percepciones de un espectador, se asemeja a las técnicas de manipulación mental de los regímenes totalitarios, procediendo a la aniquilación del espíritu crítico, al machaque semántico repetitivo, a los mensajes subliminales. “ATOTAL” A/V Live es un concierto audiovisual que pretende reconstruir para deconstruir mejor los procesos de imposición de la voluntad por la repetición y el sincronismo absoluto, para proponer una brecha hacia una descoincidencia potencialmente vital. FRANCK VIGROUX Artista proteiforme, Franck Vigroux se desenvuelve en un universo donde se cruzan música, teatro, danza y video. Performer, compositor y director de teatro, su trabajo abarca múltiples prácticas, desde el concierto hasta el Gesamtkunstwerk (obra de arte total). Luego de un largo recorrido por los escenarios musicales llamados experimentales, su música se desarrolla, tanto en una corriente exclusivamente electrónica, impulsada y concebida para espectáculos en vivo, como en largas composiciones abstractas electroacústicas. La época del 2010 fue marcada por su colaboración con Mika Vaino (Pan Sonic). En la misma época empezó a poner su música en escena y fundó su propia compañía para crear formas de platós multidisciplinarios. Colaboró con músicos como Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper Toeplitz, Marc Ducret, Joey Baron, Bruno Chevillon, Zeena Parkins, y ensambles como Ars Nova. Después de una larga experiencia en guitarra eléctrica, Franck Vigroux se dedica poco a poco a instrumentos propios de las músicas electrónicas en vivo y a la composición, ya sea para ensambles instrumentales, piezas electroacústicas, o la radio a través de numerosas colaboraciones con el Groupe de Recherches Musicales-GRM y Radio France). Realiza además “álbumes conceptos” entre relato y música. Al colaborar con escritores, dramaturgos, poetas, videastas – entre ellos Laurent Gaudé, Philippe Malone, Michel Simonot, Kenji Siratori, Alexis Forestier, Antoine Schmitt y Kurt d’Haeseleer – Franck Vigroux se sitúa en un cruce de disciplinas. En 2015 fundó el ensamble instrumental “eléctrico”, Ire, con el compositor Kasper Toeplit. Formado por cinco músicos, el ensamble interpreta obras nuevas (Cat Hope, Phil Niblock, Ulrich Krieger, etc.) y realiza presentaciones en vivo de piezas electroacústicas grabadas (Xenakis, Zanesi, Dumitrescu etc.). Los discos de Franck Vigroux fueron editados por numerosos sellos discográficos franceses e internacionales: Radio France, Signature, Dac Records, Leaf, Cosmo Rhythmatic, Matière Mémoire, Jezgro, Aesthetical, y Raster Media. ANTOINE SCHMITT Artista plástico, vive y trabaja en París, Francia. Antoine Schmitt crea obras en forma de objetos, en forma de instalaciones y de situaciones para negociar procesos del movimiento e interrogar las problemáticas intrínsecas, de naturaleza plástica, filosófica o social. Heredero del arte cinético y cibernética, alimentado ciencia ficción metafísica, interroga incansablemente las interacciones dinámicas entre naturaleza humana y naturaleza de la realidad. Al principio ingeniero programador en relaciones hombre-máquina y en inteligencia artificial, coloca ahora el programa, el material artístico contemporáneo y único por su calidad activa, en el corazón de sus creaciones para revelar y literalmente manipular las fuerzas que intervienen. Con una estética precisa y mínima, plantea la cuestión del movimiento, de sus causas y de sus formas. Antoine Schmitt se propuso, sólo o a través de colaboraciones, articular este enfoque a campos artísticos más establecidos como el baile, la música, el cine, la arquitectura o la literatura. Su trabajo recibió varios premios en festivales internacionales. Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

NUEVOS RITMOS, NUEVOS COMPASES para la COMUNIDAD MUSICAL De todos los elementos que conforman la música, el ritmo es quizás el que más desentraña la naturaleza del tiempo, pues marca su paso con firmeza; aunque, paradójicamente, como comentaba el antropólogo Levi Strauss también "es una máquina de abolir el tiempo". Por otra parte, probablemente es el elemento musical más antiguo de la humanidad, pues por su naturaleza todo parece indicar que fue compuesto en primer término. Es conocida la capacidad de nuestros primos los chimpancés para tocar ritmos en grupo como diversión. Por último, y no por ello menos importante, podemos comentar que los ritmos son una referencia cultural de los pueblos, pues sus estructuras suelen ser muy características en cada región. En un primer análisis de los ritmos, encuentro similitudes con ritmos del flamenco, músicas búlgaras, al rock progresivo, a Stravinsky, pero en ningún caso los ritmos corresponden a ninguna de estas músicas en específico, puede decirse que son productos de la imaginación de autor del proyecto, aunque esas referencias populares y académicas formen parte de su background musical. En estos ritmos encontramos un uso interesante de las matemáticas y la irregularidad, cosa que los hacen propicios para la composición, algunos ejemplos: a) Se podrían utilizar para crear polirrítmias fragmentándolos o combinándolos. b) En forma de canon, para crear estructuras más complejas desarrollándose en el espacio estereofónico. c) Como germen para orquestaciones pulsantes y dinámicas de contraste. d) Como ritmo de control para otros elementos sonoros de la mezcla, como seguidor de envolvente, sidechain, etc. Por supuesto, estas son solo ideas personales, cada creador los utilizará de forma diferente según sus intenciones e intereses estéticos. Otro aspecto a resaltar que proponen estas estructuras rítmicas es el uso de las politímbricas. Planteando dos niveles de discurso, uno en la base de la estructura fundamental y otro en la combinación los distintos instrumentos (sumas y restas), eso crea diferentes niveles dinámicos o agógicos a lo largo del ritmo. Es decir, se propone una forma de desarrollo de los ritmos originales por la suma o resta tímbrica que crea otras acentuaciones o acrecentar las que ya existen. Otra aplicación posible para estos ritmos es en el ámbito de la danza contemporánea. Su estructura de cuentas, su discontinuidad-continua, sus acentuaciones, los hacen muy propicios al movimiento del cuerpo. Por otra parte, los ritmos hacen referencias a cierta temática hermética, espacios de misterio que siempre son muy fructíferos para la imaginación creadora. English Esplendor 1.- Ritmo o Compás Esplendor Fruto de la colaboración con Esplendor Geométrico Sensación irreal de aceleración al seguir el ritmo después de la parte 16 Amalgama de cinco 3x8 + un 1x8 Se puede ver como un 16x8 con las partes fuertes en 1, 4, 7, 10, 13, 16 Descargar MIDI Ejemplo en audio 1 Ejemplo Audio Ritmo ESPLENDOR - Ibermusicas Artist Name 00:00 / 00:31 Descargar PDF Cábala 2.- Ritmo o Compás Cábal a 613 Inspirado en la fórmula cabalística 613 = 10 Simbolizado por los frutos de la granada Amalgama de 6x8 + 1x8 + 3x8 Se puede ver como un 10x8 con los acentos en las corcheas 1, 7, 8 Descargar PDF Ejemplo en audio 2 Ejemplo Audio Ritmo CABALA 613 - Ibermusicas Artist Name 00:00 / 00:30 Descargar MIDI Aditivo o count-up 3.- Ritmo o Compás Aditivo o count-up, 1 2 3 4. Amalgama de 1x8 + 2x8 + 3x8 + 4x8 Sería un 10x8 con los acentos en las corcheas 1, 2, 4, 7 Descargar PDF Ejemplo en audio 3 Ejemplo Audio Ritmo ADITIVO - Ibermusicas Artist Name 00:00 / 00:30 Descargar MIDI Psicomágico 4.- Ritmo o Compás Psicomágico Número mágico en Psicología, 7 más 2 o menos 2 = es 9 ó 5 Amalgama de 9x8 + 5x8 haciendo posible la hemiola con dos 7x8 El 9x8 está subdividido como 3x8 + 2x8 + 2x8 + 2x8 y el 5x8 como 3x8 + 2x8 Si se ve como un 14x8 las partes fuertes son las corcheas 1, 4, 6, 8, 10, 13. Ejemplo en audio 4 Ejemplo Audio Ritmo PSICOMAGICO - Ibermusicas Artist Name 00:00 / 00:29 Descargar PDF Descargar MIDI Sustractivo o count-down 5.- Ritmo o Compás Sustractivo o count-down, 4 3 2 1 Amalgama de 4x8 + 3x8 + 2x8 + 1x8 Sería un 10x8 con los acentos en las corcheas 1, 5, 8, 10 Ejemplo en audio 5 Ejemplo Audio Ritmo SUSTRACTIVO - Ibermusicas Artist Name 00:00 / 00:30 Descargar PDF Descargar MIDI Descargar informe musicologico Descargar informe musicologico de Markus Breuss Descargar explicaciones teoricas NEW RHYTHMS, NEW MUSICAL TIMES for the MUSIC COMMUNITY Of all the elements that make up music, rhythm is perhaps the one that most unravels the nature of time, for it firmly marks its passage; although, paradoxically, as the anthropologist Levi Strauss commented, it is also "a machine for abolishing time" On the other hand, it is probably the oldest musical element of mankind, since by itsnature everything seems to indicate that it was composed in the first place. It is known the capacity of our cousins the chimpanzees to play rhythms in group for fun. Last but not least, we can comment that rhythms are a cultural reference of the people, since their structures are usually very characteristic in each region. In a first analysis of the rhythms, I find similarities with flamenco rhythms, Bulgarian music, progressive rock, Stravinsky, but in no case do the rhythms correspond to any of these music in specific, it can be said that they are products of the imagination of the author of the project, although these popular and academic references are part of his musical background. In these rhythms we find an interesting use of Mathematics and irregularity, whichmake them suitable for composition, some examples: a) They could be used to create polyrhythmics by fragmenting or combining them. b) In canon form, to create more complex structures developing in the stereophonic space. c) As a germ for pulsating orchestrations and contrasting dynamics. d) As a control beat for other sonic elements of the mix, such as envelope follower, sidechain, etc. Of course, these are just personal ideas, each creator will use them differently according to their intentions and aesthetic interests. Another aspect to highlight that these rhythmic structures propose is the use of the polytimbrics. By proposing two levels of discourse, one at the base of the fundamental structure and the other in the combination of the different instruments (additions and subtractions), this creates different dynamic or agologic levels throughout the rhythm. That is to say, a form of development of the original rhythms is proposed by the addition or subtraction of timbre that creates other accentuations or increases those that already exist. Another possible application for these rhythms is in the field of contemporary dance. Their bead structure, their discontinuity-continuity, their accentuations, make them very conducive to the movement of the body. On the other hand, the rhythms make references to certain hermetic themes, spaces of mystery that are always very fruitful for the creative imagination. English Splendor 1.- SPLENDOR RHYTHM The result of a collaboration with the band Esplendor Geométrico Unreal feeling of acceleration when following the rhythm after part 16 Amalgam or complex time of five 3/8 and one 1/8 It can be seen as a 16/8 time with accents on eighth notes 1, 4, 7, 10, 13, 16. Download MIDI Audio sample 1 Audio Sample SPLENDOR Artist Name 00:00 / 00:31 Download PDF Kabbalah 2.- Kabbalah 613 Rhythm Inspired by the kabalistic formula 613 = 10, symbolized by the fruits of the pomegranate Amalgam or complex time of 6/8 1/8 3/8 It can be seen as a 10/8 time with accents on eighth notes 1, 7, 8. Download PDF Audio sample 2 Audio Sample CABALA 613 Artist Name 00:00 / 00:30 Download MIDI Additive or count-up 3.- Aditive or count-up, 1 2 3 4 Rhythm. Amalgam or complex time of 1/8 2/8 3/8 4/8 It would be a 10/8 time with accents on eighth notes 1, 2, 4, 7. Download PDF Audio sample 3 Audio Sample ADDITIVE Artist Name 00:00 / 00:30 Download MIDI Psychomagical 4.- Psychomagical Rhythm Magic number in Psychology, 7 plus 2 or minus 2 = is 9 or 5 Amalgam or complex time of 9/8 5/8 making possible the hemiola with two 7/8 bars. The 9/8 is subdivided as 3+2+2+2/8 and the 5/8 as 3+2/8 If viewed as a 14/8 the strong parts are the eighth notes 1, 4, 6, 8, 10, 13. Audio sample 4 Audio Sample PSYCHOMAGICAL Artist Name 00:00 / 00:29 Download PDF Download MIDI Substractive or count-down Audio sample 5 Audio Sample SUSTRACTIVE Artist Name 00:00 / 00:30 5.- Subtr active or count-down, 4 3 2 1 Amalgam or complex time of 4/8 3/8 2/8 1/8 It would be a 10/8 time with accents on eighth notes 1, 5, 8, 10. Download PDF Download MIDI Download musicological report Download musicological report of Markus Breuss Download theoretical explanations

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto TouchDesigner I y II Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Descripción del curso Este curso abarca los aspectos generales del software “Touch Designer” herramienta de programación gráfica que hace posible la creación de imágenes generativas en 2D y 3D de forma intuitiva. Está diseñado para que toda persona interesada en los gráficos interactivos tenga las nociones para la generar y manipular material audiovisual en tiempo real. Además de la lógica y el flujo de trabajo se mostrará un amplio acervo de técnicas para sintetizar video y transformarlo, así como diversas formas de controlar las herramientas que se construirán a lo largo de las clases. El objetivo es que los participantes obtengan el conocimiento necesario para realizar sus propios proyectos multimedia de manera eficiente con una propuesta estética interesante. Nivel I Plan de estudio: Capítulo 1. Interfaz Sesión 1. Presentación. Sesión 2. Panorama General del software. Sesión 3. Tipos de Operadores. Sesión 4. TOPS(Texture Operators) y primeras conexiones. Sesión 5. Animación, composición y bifurcaciones. Sesión 6. Colapsado de nodos, grabación y formatos. Capítulo 2. Señales de control y conexiones entre familias de operadores Sesión 1. CHOPS(Channel Operators) y sus diferentes funciones. Sesión 2. Exportación de valores entre familias de Operadores Sesión 3. Interacción física a través de controles externos. Sesión 4. Circuito de retroalimentación simple. Sesión 5. Animación audio reactiva y grabación con audio. Capítulo 3.Gráficos 3D Sesión 1. SOPS (Surface Operators) Funcionamiento y peculiaridades Sesión 2. Creación de escenas y configuración para Renderizado Sesión 3. Visor de Geometrías y manipulación de iluminación y cámara. Sesión 4. Aplicación de materiales y texturas a geometrías. Capítulo 4. Gráficos 3D intermedio Sesión 1.Modelado procesal. Sesión 2. introducción al Instanciamiento. Sesión 3. PBR (physically based rendering) y aplicación de mapas de texturas. Sesión 4. Instanciamiento avanzado. Capítulo 5. Interfaz de control y sistemas de partículas Sesión 1. Configuración del sistema de partículas Sesión 2. Circuitos de retroalimentación alternativos Sesión 3. Desarrollo de interfaz gráfica Sesión 4. Partículas como ‘’point sprites ‘’ Capítulo 6. Técnicas alternativas de retroalimentación Sesión 1. Sistema de Reacción-Difusión Sesión 2. Sistema de Pixel Sorting Sesión 3. Sistema de Pixel Relocator Nivel II Plan de estudio: Capítulo 1. Instanciamiento de Texturas Técnica 1 Técnica 2 Técnica 3 y camera blending Capítulo 2. Nubes de puntos (point clouds) Cargado y manipulación de nubes de puntos, Cámara en primera persona (WASD) Generación de "plexus" a partir de nubes de puntos generativas Capítulo 3. Seguimiento Facial (Face tracking) Instalación de los archivos necesarios. Creación de un rostro interactivo a partir de instanciamiento. Utilización del modelo facial 3D interactivo e instanciamiento. Puntos de seguimiento de rostro e incorporación de elementos en tiempo real (realidad aumentada). Capítulo 4. Simulación de fluidos (Nvidia Flex solver) Esquema básico del simulador Simulación de fluidos y colisionador Manipulación de fuerzas y posiciones Capítulo 5. Simulación de impactos (Nvidia Bullet solver) Esquema básico del simulador Interacción de simulaciones y colisiones (Flex solver + Bullet solver) Capítulo 6. Partículas y ajuste de patch para presentaciones con tiempo definido Generador de partículas en el GPU (actualización) Cómo ajustar un patch a un evento de duración definida, modulación de de escenas y preparación para ejecutar "perform mode" Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Copyright © 2021 CMMAS

Sonic Ideas 31 online materials 1 // CHEERS TO US.S..S… : quotation, allusion, and pastiche in acousmatic music 1.1 Sound Example 1 00:00 / 01:04 1.2 Sound Example 2 00:00 / 02:01 1.3 Sound Example 3 00:00 / 03:00 1.4 Sound Example 4 00:00 / 02:57 1.5 Sound Example 5 00:00 / 04:08 1.7 Sound Example 7 00:00 / 09:18 1.6 Sound Example 6 00:00 / 00:29 2.1 - Sound Example 1 - Grains of Temporality 00:00 / 09:59 2 // GRAINS OF TEMPORALITY: composing the eclectic and polystylist hybrid 3 // INTEGRATING ELECTROACOUSTIC AND POPULAR MUSIC THROUGH DYNAMIC HYBRIDISATION 3.1 Sound Example 1 - Ill Wait 00:00 / 06:47 4 // COLLABORATIVE ACOUSMATIC STORYTELLING 4.1 Sound Example 1 Growing Stories for Different Climates 00:00 / 08:35 6 // ELECTROACOUSTIC MUSIC AND PAINTING 5 // DISPARATE KINGDOMS TANGLED IN THE ABYSS 6.1 Sound Example 1 - #hash audio part 00:00 / 02:40 7 // VIRTUAL REALITY IN VISUAL MUSIC 8 // MELTING BUILDINGS

Javier Álvarez 1956-2023 Comp ositor, creador, educador, gestor cultural Nacido en 1956 y criado en la Ciudad de México, el compositor, educador e intelectual Javier Álvarez creció en una familia de arquitectos, aprendió a tocar el clarinete y comenzó a componer a temprana edad, tocando jazz y música tradicional mexicana durante su adolescencia. La efervescencia artística, literaria y musical de su país natal y sus estudios de pregrado en el Conservatorio Nacional con los mentores Mario Lavista y Daniel Catán lo impulsaron a alcanzar el reconocimiento como compositor emergente a principios de los años setenta. Después de obtener más títulos académicos de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee y más tarde del Royal College of Music y la City University de Londres, donde vivió y trabajó durante casi 25 años, regresó a su país natal en 2005. La búsqueda musical de Javier Álvarez ha involucrado varios géneros a lo largo de su vida: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1978, a los 17 años, obtuvo reconocimiento nacional como ganador de un premio de composición orquestal y para 1993 había compuesto la música de Cronos, la ópera prima del cineasta ganador del Oscar Guillermo del Toro. La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. En las conceptualizaciones musicales de Álvarez, como en las de Ginastera, Bartok, Lutoslawski o Revueltas, esto no es solo un adorno fácil: cuando uno escucha obras como Temazcal se reconoce una voz individual, un poder cognitivo; ese que surge cuando, en cada nueva escucha de una pieza, uno percibe una singularidad que es nueva y desafiante pero identificable: una mezcla abstracta y fluida de fantasía, humor, inteligencia e imaginación que es única e individual. En consecuencia, la música de Álvarez impregna una trama fantástica, pero el oyente invariablemente percibe una "claridad de dicción", o lo que en música se refiere a la capacidad del compositor para convertir lo que primero se imagina y luego se escribe en una experiencia sonora memorable. Esta es una hazaña mental que solo unos pocos artistas logran lograr. En palabras del musicólogo Aurelio Tello, “las obras de Álvarez reflejan un lúcido deseo de borrar las fronteras entre lo erudito y lo popular y afirmar un compromiso con lo heredado, lo aprendido y lo creado. Imagina una escena para transformarse en sonido, ya sea un movimiento de remeros, como en Trirreme ; la mecánica de un objeto, como en De aquí a la veleta , la invención de un folclore imaginario, como en Geometría foliada , y un paseo rutinario que estimula la imaginación creadora del compositor, como en Jardines con palmera . Luego procede con una orquestación impecable, lo que resulta en el descubrimiento de una gran cantidad de timbres, una certeza sonora que distingue a Javier Álvarez como uno de los compositores contemporáneos más refinados, personales y originales”. Amigo entrañable y maestro en todos sentidos. Siempre agudo y con una crítica sincera pero constructiva. Padre, marido, amigo, compositor, intérprete, maestro, gestor, director. ¿Cómo se puede ser tantas cosas? En realidad, son una sola. Transportador de ideas en sonido y en palabras, en acciones y en gestos. Javier es la razón de escuchar diferente y conmoverme tanto con el sonido. “Debes de llevar esta idea al máximo. Cuando sientas que ya no da mas, ahí apenas estas comenzando” decía. Su música, sorprendente, conmovedora, conectada con lo importante. Interesado en tantas cosas. En el origami, el café, la política, los gadgets, los bichos, la foto, los espacios. Recordaba detalles significativos, pero estaba ahí para las cosas de cada día. Pilar siempre del CMMAS, de Visiones Sonoras y muchos otros planes. Te voy a extrañar para siempre y para siempre te daré las gracias mas profundas que puedan existir. Rodrigo Sigal (mayo 24, 2023) A manera de homenaje el CMMAS ha recopilado en este sitio el material que hemos tenido la fortuna de producir, apoyar y compartir. Los invitamos a escuchar, conocer y disfrutar del trabajo de Javier Álvarez: Recordar a los compositores que hemos conocido, contar sus historias, realizar sus dibujos verbales, su écfrasis creativa, es más importante y urgente de lo que uno piensa. Cuántos amigos de Revueltas se llevaron con ellos las anécdotas, las conversaciones, los recuerdos de los momentos vividos, o de Chávez, o Candelario Huizar cuando era laborioso y paciente bibliotecario del Conservatorio Nacional. Hay, si acaso, alguna foto. Porque no se usaban las fotos como ahora, podría decirse, pero tampoco hay fotografías de palabras, y las palabras no escaseaban entonces. El propio Manuel Enríquez, tan cercano a nosotros y tan lejano a la vez. Y ya que le he mencionado empezaré por ahí. Conocí a Javier en el viejo Cenidim, en el primer Cenidim, que fundó y a la sazón dirigía Manuel Enríquez, precisamente. Javier llegó desde las humedades grises de Londres para escribir una obra electroacústica en el laboratorio instalado en la calle de Liverpool (16), donde estaba atracado un Moog monumental, como en una película retro de ciencia ficción. —Vine de Londres a Liverpool, que chiste —dijo, siempre con un sentido del humor a flor de piel. Se aparecía, y daban ganas de sonreír. Contagiaba su vitalidad feliz. Tenía dentro de sí una especie de sol meridiano portátil que no le abandonó ni en los momentos más grises. Javier estaba ahí, invitado por Enríquez. Todavía no nacía la Mac, hay que decirlo, porque esas computadoras, desde la Classic, constituyeron uno de los detonantes de felicidad metafísica de Javier. Yo andaba por los diecisite. Era el año 79, quizás el 80. El Cenidim, en su primera versión, estaba ubicado en una casa porfiriana de gran belleza, con ventanas nostálgicas que empezaban a desanudarse de un pasado lleno de voces y sonidos. Ese pasado se desprendió del todo con el terremoto del 85. Todo alrededor. Pero la vieja casona sobrevivió de manera inverosímil, y ahí siguió, desfasada de su centro de gravitación, lo que pareció asentarla en un espacio descolocado de deconstrucción muy a la moda. Hoy es la sede de la fundación Ocavio Paz. Tenía una escalera de caracol con baldosas de mármol. Javier, como hijo de arquitecto, hacía constantes reflexiones sobre sus proezas constructivas, con gran tino, como si la casa le susurrara sus secretos al transitar por ella. Al fondo, en lo que inicialmente debió ser un jardín, se construyó una mole rectangulada, un tanto Bauhaus, que por fortuna parecía discretamente escondida. En la planta baja estaban instalados los gabinetes para el taller de composición, que dirigió por muchos años Federico Ibarra. En la segunda planta aguardaba el tesoro, el laborioso laboratorio instalado con exactitud ingenieril por el ingeniero Raúl Pavón, uno de los pioneros de la electroacústica quien recibió a Javier con el emotivo comedimiento con que son recibidos los héroes. Javier venía de escuchar otros sonidos más allá del oceano (no había Internet y los acetatos eran la tecnología de punta), y Pavón quería no tanto escucharlos, como imaginar sus centáuricas estructuras acústicas. En ese momento la electroacústica nos presentaba sonidos no escuchados, sonidos imposibles seguramente provenientes de otra galaxia. Escuchábamos las transformaciones internas del sonido como cosas de otro mundo, aunque la acústica nos las explicara como cosa sensata e inofensiva. Fue el paso desde la electroacústica que quería parecerse a los instrumentos, para sustituirlos, a una electroacústica que no quería parecerse a nada. De pronto emergió un instrumento insólito, un super órgano, que era como un cerebro exterior. Todo ocurría a través de cables, como si fuera un sistema de neuronas conectándose. Dado un sonido, un cable aportaba la altura, otro, la onda cuadrada o sinosoide, uno más, las envolventes de ataque y decaimiento, y había que agregar la intensidad, y las mezclas de las ondas (por ejemplo de la cuadrada con la triangular), y aún recursos candorosos de espacialización (candorosos si los comparamos con un sistema multicanales de hoy, aunque resultaba igualmente emocionante y espectacular). Todo eso era necesario para cada instante de sonido. Hoy hemos perdido esa latencia de lo insólito, y las sonoridades más remotas han adquirido una cierta indolencia doméstica. El laboratorio, cuyo cerebro era el Moog, se desplegaba en un laberinto de cables y conexiones, miles y miles, con cables rojos, verdes, amarillos y azules, cada uno con un código indispensable. Detrás de cada cable se ocultaba un universo desconocido y fantástico. El compositor electroacústico de entonces tenía la obligación de aprender acústica. Y por ahí se encuentra una de las historias de vida de Javier, siempre al día con la última posibilidad tecnológica, siempre agotando el último recurso en espera automática del nuevo. Javier nos cuenta con sus obras la historia tecnológica del sonido de las últimas décadas, de las décadas definitivas, en las que pasamos de grabar y cortar cintas a los procesadores del siglo XXI. Pavón quería saber cómo podía situarse su laboratorio de sonidos en el contexto de los espacios de creación que Javier había conocido en Europa y Estados Unidos, y le preguntaba constantemente por su punto de vista sobre los recursos encontrados ahí. Tenía dudas del profesionalismo de soluciones a la mexicana, con materiales comprados en la tlapaleria de la esquina, pero a la vez confiaba en la fortuna del resultado. En el centro había un Moog, que era como un sistema neuronal de un futuro distante hecho de conexiones por cables. Si ustedes han visto el área de cables del Cmmas, debo decirles que es cosa de niños frente a aquella habitación en la que los sonidos eran reducidos constitutivamente a su condición de cables. No es que cada cable fuese un sonido, pues cada sonido requería para consituírse un conjunto de cables. Algo verdaderamente alucinante. Una sola secuencia de sonido requería horas de trabajo conectivo. Había, claro, la intuición y la predicción teórica de lo que ocurriría con cada nuevo enchufe, pero siempre con el temor de algunas sorpresas que llegaron a volar las ventanas de vidrio. Entre otras cosas, ahí comprendí la potencia del sonido, que hasta entonces me había parecido inofensivo. En el doble sentido decibélico y simbólico. Fueron décadas de cambios prodigiosos, que Javier recorrió minuciosamente, escalón tras escalón. Durante medio siglo Javier compró cada artefacto que prometiera hacer algún ruido, al grado de que si los hubiera guardado (¿los guardó?) podría hacerse con ellos un museo del sonido que al mismo tiempo escribiera la biografía de Javier y de la electroacústica. La historia tecnológico-sonora de esas décadas es científica y a la vez fantasiosa, y descubre nuevos territorios de manera constante. Se llegó a decir que estábamos ante el fin de los instrumentos de madera y metal, ante el fin de las orquestas y cuartetos de cuerda. Javier veía en sus fierros y plásticos y pantallas verdaderos guarnieris en potencia. Iba de éxito en éxito con sus artefactos, pero al mismo tiempo de fracaso en fracaso, porque cada recurso mostraba sus límites con la salida del nuevo recurso, más potente, más rápido, más brillante, más poderoso desde el prestigio de su marca Acme. Hay algo triste en ese proceso, algo que no pasa, digamos, con los Guarnieri o los Stenway, que llegan para quedarse. Esa cosa efímera se vuelve constitutiva de la estética. Javier decía, con un realismo feroz, que lo que hacemos es efímero, un mero happening sin más trascendencia que el presente. Las propias historias de Javier son muy sugerentes al respecto, desde la que cita como su estímulo definitivo para tomar la decisión de ser músico, en una casa cuyas tuberías hacían propuestas percusivas aleatorias cada vez que alguien abría la llave. O aquellas historias de París, como huésped del entonces joven IRCAM. Generaba sus conexiones y lanzaba un proceso. Mientras los aparatos generaban los tres segundos de sonido inventado, Javier podía irse por un café a los Campos Elíseos y hasta escuchar de paso una sinfonía de Berlioz. Hoy eso mismo se hace en menos tiempo de lo que puede contar como tiempo. Hay que decir que Pavón escribía el que a la postre sería el libro pionero de la música electrónica en español (La electrónica en la música y el arte), y muchas de las cosas contenidas en él (yo estuve a cargo del proceso editorial) fueron tratadas por Pavón en esas conversaciones con Javier. Enríquez también era electroacústico en una buena escala, pero tanto como lo fueron Berio o Ligeti. Es la generación de Javier la que inicia con plenitud la vida electroacústica llena de aparatos que harán obsoletos en muchos sentidos a los conservatorios (Javier hablaba de ello con frecuencia), y en donde empezarán a existir compositores que vienen del ámbito de la ingeniería y no del contrapunto. A la vertiente tecnológica como medio de aproximación a Javier, sumaría una inmediatamente consecuente: el estallamiento de los sistemas de composición en tanto sistemas interválicos, base de la teoría por varios cientos de años. El sonido es otra cosa apasionante además de sus alturas. ¿Qué es? Esa sigue siendo una pregunta viable. Y con cada obra de Javier podríamos explorar una respuesta distinta. He pensado ahora que surge de pensar que hay una afinidad conceptual en el diseño de un mosquito y de un helicóptero, y escribe una obra que muestra la transición entre ambos mundos, que al final parece un simple asunto de decibeles. Mencionaré brevemente, por apremio de tiempo, un par de cosas más, que se entrelazan. Me refiero a su mexicanismo, un tanto nostálgico, imaginado por una buena etapa de su vida desde otras latitudes. La idea de poner títulos con nombres de estaciones del metro suena hoy natural, pero en su momento fue todo un desafío. Un guiño. En ese momento seguía presente, como lo está ahora, la disputa entre vanguardia y nacionalismo, como si fueran dos cosas incompatibles. Imaginemos de un lado a compositores como Leonardo Velázquez y del otro a Manuel Enríquez y Alicia Urreta. Javier, con un pie en cada lado, mostró otras posibilidades. Una especie de nacionalismo urbano contemporáneo, surgido de los sitios menos predecibles. Sin excluir los referentes simbólicos indígenas. Por ejemplo, Temazcal, que termina con una breve cita de música mexicana. Es una de sus obras más exitosas, porque reúne las señales más exactas de la obra de Javier, desde la selección ritual, chamánica, de las maracas, hasta la habilidad tecnológica. La aparición de la última cita es una revelación, parece que toda la obra es una deconstrucción de eso que escucharemos al final, como si todo lo electroacústico fuera esa cita vista desde el revés. La electroacústica como deconstrucción de lo real. Eso parece decirnos la obra. Y de pronto en una transición nos lo muestra. Esa sorpresa de ir de un punto abstracto, de sonidos que no existen hasta ese momento en que nacen, a otros sonidos que no sólo existen desde antes, sino que tienen una fuerza cultural absorbente, ahí, en esa transición, en esa frontera, ahí surge Javier Álvarez. Ahí, entre líneas, están las claves de lectura de la gran obra musical de Javier. Finalmente hablaré de poetas. Como Debussy, como Revueltas o Lavista, Javier amaba particularmente a dos poetas, al menos. Pero Tabasco y Yucatán y el sur en su conjunto forman una sola unidad cultural. Ambos tabasqueños. Ambos, poetas mayores. Pero a la vez, ambos mal leídos, por distintas razones. Por tanto no alcanzan a tener en el imaginario popular el alto rango que realmente poseen. Uno solar, transparente, admirado por el propio Revueltas en su versión joven: Carlos Pellicer. Formado con recursos de apariencia tradicional, su contenido de cien grados alcohólicos de poesía lo salva de los lugares comunes de manera permanente. La selva, el sol están en él como de algún modo también en Javier. El otro, que escribió un sólo vasto libro, José Carlos Becerra, otro Carlos. Su libro: El otoño recorre las islas. El otro extremo de lo solar, pero en el universo de la selva, del Caribe, de la humedad pesada de sonidos. Habría que buscar una lectura en clave de ambos Carlos para leer entre líneas la obra de Javier. Dije al principio que Javier, cuando aparecía, iba precedido de una sonrisa solar meridiana, en el doble sentido de Mérida y de medio día sin sombras. Luis Jaime Cortez (septiembre, 2024) Obra "La música de Javier Álvarez refleja la influencia de las culturas populares que van más allá de las fronteras de nuestro tiempo y espacio; su trabajo es representativo de una corriente sumamente importante en las artes." John Adams Homenajes Conferencias y entrevistas Galeria Conoce el homenaje en Sonus Litterarum

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SHOP Talleres | Workshops Para participar en cualquiera de nuestros talleres gratuitos, es necesario que te inscribas previamente. Si estás interesado en alguno, por favor escribe a tonalli@cmmas.org para reservar tu lugar. 06. Marzo | March 15:00 - 18:00 - Sounding the Data Scott Wilson (Re in o Unido) Sede: Salón de cursos 1 Curso dictado en inglés This workshop will explore some possibilities of the use of data sonification for music creation, with a particular focus on datasets related to climate change. Taking a hands-on approach focussing on creative use of these techniques, this workshop will be suitable for beginners, and no previous experience with sonification or programming will be required. 15:00 - 17:00 - Acoustic Ecology Soundwalk and Field Recording Workshop Rob Mackay (Rein o Unido) Sede: Sal ón de cursos 2 Curso dictado en inglés Acoustic ecology/field recording/live-streaming workshop led by Dr Rob Mackay (Chair of the UK and Ireland Soundscape Community (an affiliate of the World Forum for Acoustic Ecology)). Rob will lead participants on a sound walk, introducing them to deep listening practices. Field recording techniques will then be explored through a range of devices, including different microphones, hydrophones and contact mics, in order to listen in to the often unheard sounds of different environments. Finally, Rob will introduce participants to high-quality live-streaming of environmental sounds using the Locus Sonus Soundmap and the LocusCast app. 07. Marzo | March 15:00 - 17:00 - The Sound of Science: making music with sonified science data Andrew Lewis (Rein o Unido) Sede: Salón de cursos 1 Curso dictado en inglés Andrew Lewis will deliver a workshop for composers and musicians on practical techniques for turning various kinds of data into sound, including work with Max/MSP. This will include online contributions from scientists at Bangor University. Composers will be invited to supply their own sources of data for use in practical, hands-on demonstrations of compositional techniques. 15:00 - 17:00 - Listening to the environment and field recording techniques Annie Mahtani (Re in o Unido) Sede: Salón de cursos 2 Curs o dictado en inglés 08. Marzo | March 15:00 - 18:00 - Hacie ndo música con los sonidos de nuestro entorno ecológico - Parte 1 Leigh Landy (Rein o Unido) Sede: Salón de cursos 1 Cu rs o dictado en inglés Reflecting my talk and my piece already presented at the festival, a talk will be offered regarding how sampling is for everyone and how sampled materials can be treated creatively and related to issues in today’s world. This will take place on the first day and followed by a session where the participants will form groups and record sounds in Morelia which will form the material for a short composition. Day 2 is focused on the groups composing with the materials focusing on how, through organising sounds, we can raise awareness regarding our environment and climate change. The final part of that day will include a sharing of the works and a collection of participants’ views on this subject. 09. Marzo | March 15:00 - 18:00 - Haciendo música con los sonidos de nuestro entorno ecológico - Parte 2 Leigh Landy (Rein o Un ido) Sede: Salón de cursos 1 Curso dictado en inglés Reflecting my talk and my piece already presented at the festival, a talk will be offered regarding how sampling is for everyone and how sampled materials can be treated creatively and related to issues in today’s world. This will take place on the first day and followed by a session where the participants will form groups and record sounds in Morelia which will form the material for a short composition. Day 2 is focused on the groups composing with the materials focusing on how, through organising sounds, we can raise awareness regarding our environment and climate change. The final part of that day will include a sharing of the works and a collection of participants’ views on this subject. 10. Marzo | March 15:00 - 17:00 - Flotar Yair Lopez (México) Sede: Sal ón de cursos 1 Curso dictado en inglés A través de la exploración de la poesía y la prosa, los participantes aprenderán a utilizar su voz y su creatividad para crear obras que aborden estos temas importantes de una manera artística y emocional. Además, el taller incluirá actividades prácticas de grabación de campo para capturar sonidos ambientales y crear piezas sonoras que reflejen la belleza y la fragilidad de nuestro planeta. El objetivo final es crear una compilación de obras literarias y sonoras que sean un llamado a la acción y una reflexión sobre nuestra relación con el medio ambiente y el cambio climático. Los talleres han alcanzado su capacidad máxima de inscripción. Queremos agradecer a todos los que mostraron interés en participar. Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org