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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Nullpixel. Fátima Ramírez (México) Israel López (México) 23 may 2022 La relación de la imagen y el sonido deambulan en procesos perceptuales mediante los cuales afrontamos la realidad. La capacidad de percibir a través de las diversas frecuencias que nos rodean nos otorga la posibilidad de generar imágenes y secuencias que den cuenta del entramado vivencial, remontémonos a la caverna del mito de Platón y el devenir de la conciencia construida y elaborada mediante las sombras y los sonidos que subyacen en el espacio, siendo capaces de configurar y dar sentido al mundo. La representación visual del sonido amalgama el discurso del artista creando un código del lenguaje específico que da la pauta para generar contextos y condiciones estéticas que se remontan a lo más longevo de nuestra existencia, una partitura ancestral que coexiste en lo más profundo de nuestra humanidad, es por esto que la condición creadora de los artistas que trabajan con sonido y viceversa, ha permitido establecer formas específicas de acercarnos a particulares visiones del mundo, una lectura silenciosa que se articula en patrones rítmicos e imágenes volátiles, en una constitución de píxeles y notas caóticas que sigilosamente transcurren en un tiempo de exposición deconstruido en una realidad dislocada por los medios digitales, que nos permite romper los muros interiores en la representación de la velocidad y el vértigo en tiempos de urgencia y conflicto. Fátima Ramírez / Israel López nullpixel Programa Frank Dufour Words is an audiovisual composition using words in their oral or written forms as primary material. The work can be presented in a “concert” or theater format with the video projected on screen and stereophonic sound diffused through loudpseakers, however, it is best experienced in an intimate setting, on an individual screen and listen to through headphones. This work is inspired by Adrain Matejka’s poem A Simple History and its translation in multiple languages. Frank Dufour (Fráncia, 1959) Before joining the academia, Frank Dufour had a rich history in sound industry, first as a sound engineer specialized in the restoration of sound archives in Paris, France at the National Radio, then evolving into music production and video post-production, multimedia design, higher education, and art. Frank holds a Ph.D. in Sciences of Information and Communication from the University of Paris VIII and is currently Emeritus Professor at the University of Texas at Dallas in the school of Arts, Technology and Emerging Communication (ATEC), and Invited professor at the University of Nice Côte d’Azur. He spearheaded the creation and installation of innovative soundscape features in several Dallas institutions, including The Dallas Museum of Art (“Coastlines,” Soundscapes for Paintings, August 2010) and The Perot Museum of Nature & Science (Permanent Soundscapes for the 12 exhibit halls, March 2012-present). As active new-media artists, Frank & his wife founded Agence5970, an independent laboratory dedicated to artistic experimentation and sound design, which explores concepts emerging at the conjunction of perception and representation. Within this context, Frank is continually experimenting with sound from artistic, acoustic, philosophical, and technological viewpoints. Together with xtine burrough, Frank created in the school of ATEC at UT Dallas, the independent Laboratory of Synthetic and Electronic Poetry (LabSynthe) destined to observe, study, and create poetic experiences in the context of digital technologies. Recently, Frank created the sonic environment for the exhibition, SĪMURĞ, at Josée Bienvenu Gallery, NY, and, together with LabSynthE a sound exhibition at the Grotte du Lazaret in Nice for the French Poetry Festival. Birdsong Sequence Birdsong Sequence es una composición creada a través de collages de audio utilizando sonidos de grabaciones de campo que provienen de la naturaleza y samples grabados desde la aplicación de instagram del artista. Estas muestras contienen una gama ecléctica de piezas musicales, audio de bombas de la guerra y otros contenidos actuales proyectados por los algoritmos de la plataforma. Cada individuo percibe una realidad diferente dentro de su pantalla, Jack Smale hace una comparación entre El mito de la caverna de Platón, que es una alegoría sobre la realidad del conocimiento, y la cámara de eco, que es la descripción metafórica de la información, ideas o creencias amplificadas por transmisión y repetición en donde todo se distorsiona. Las redes sociales representan un nuevo espacio público, en donde además de texto, se comparten contenidos de imágen y sonido. Este proyecto es un viaje de corta duración que presenta mezclas de grabaciones y capturas de sonidos que han sido transformadas para crear una nueva pieza audiovisual, analizando la dualidad entre conceptos, principalmente sobre ̈lo virtual ̈ y ̈lo real ̈. Jack Smale (UK, 1989) Músico y artista sonoro originario de Cornwall, UK. Actualmente, vive en la ciudad de Brístol, en donde trabaja también en la Industria Aeronáutica como Ingeniero. Su práctica se divide en una amplia gama de contextos, trabajando en la música electrónica, experimental, proyectos audiovisuales y música alternativa. Jack comenzó su trayectoria musical tocando guitarra eléctrica, pero su interés en la ingeniería lo llevó a explorar proyectos cada vez más orientados a la música experimental. Su trabajo actual combina varios métodos y herramientas, que incluyen sampling, grabaciones de campo, sintetización, secuenciadores, composición y diseño de sonido. Su obra proviene de grabaciones realizadas en la naturaleza, ciudades, plantas de manufactura y sonidos cotidianos dentro del espacio personal. Axioma Las realidades en las que deambula el sujeto, dan cuenta de la noción de la materialidad anatómica del cuerpo en el plano físico orgánico, y la segunda, desde una construcción ontológica en la representación de lo irreal. En lo virtual encontramos las resonancias desde los diversos planteamientos en el arte y la argumentación del sujeto como figura en conflicto en una suerte dicotómica de interior-exterior, el cuerpo y su identidad, articulados como entes en continua (de)construcción: la humanidad vivirá en una especie de burbuja virtual en la que será prisionera de un encarcelamiento electrónico» (Virilio, 1999). Es una aproximación a la creación audiovisual con tecnologías de inteligencia artificial, una serie de algoritmos que conforman una máquina, en la que diversos instrumentos se conjugan para crear segmentos de píxeles en la pantalla, la divergencia en la toma de decisiones involucra un diálogo con la ejecución y el sistema artificial, detonando en un discurso audiovisual. Israel López (México, 1986) Artista digital, su obra se constituye en la manipulación de los medios digitales y su relación con el cuerpo humano, creando interfaces de interacción con el mundo digital implementando la tecnología como parte fundamental del proceso creativo, realizó estudios de composición y percusiones latinas en la ciudad de Guanajuato, su obra ha sido publicada en diversos medios y festivales entre los que destacan, ISEA International, Balance Unbalance en Reino Unido, Sound Image Coloquium en la Greenwich University, etc, es cofundador del laboratorio de experimentación artística nullpixel con quien ha producido piezas para el Circle of Light, Moscú, iMapp Bucharest, Novi light sensation en Italia, Japon, Belgica, Ukrania, entre otros. Actualmente, desarrolla investigación acerca de la implementación de los nuevos medios en el arte, especializado en sistemas interactivos, proyección no convencional y humanidades digitales. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Images of Music. [PORTUGAL] João Pedro Oliveira (Portugal) 27 ene 2017 Concierto de música acusmática y video en el que espacio, imagen y sonido interactúan para formar una especial experiencia sonora y visual. João Pedro Oliveira compositor acusmático, instrumental y video music. Ha recibido más de 40 premios internacionales gracias a sus composiciones. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Sound shapes. [ARGENTINA] Nicolás Melmann (Argentina) 18 may 2017 Sound shapes es una performance que combina arte y nuevos medios utilizando electrónica, instrumentos acústicos, grabaciones de campo, textos y visuales. Una experiencia contemplativa donde materiales digitales y analógicos convergen para crear un único lenguaje y donde imagen, música, y texto forman una única composición. Melmann, como un hombre orquesta, utiliza electrónica, instrumentos acústicos ( harpa, hang drum, lira, percusión, crystal harp, melódica), procesa y combina estos diferentes materiales, construyendo paisajes sonoros. Entre la melodía y el ruido, su música va delicada y minimalista creando estas atmósferas electrónicas y orgánicas. Esta performance fue presentada en Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Francia, Italia, España, Polonia, Austria, Rusia, Japón, China, Korea del Sur, Perú, Brasil y Chile incluyendo conciertos en el Metropolitan Art Museum (New York junto a Alva Noto & Ryuichi Sakamoto), Victoria and Albert Museum res) Sónar Festival (Buenos Aires), Polytech Museum (Moscow) Expo Milano (Milano) entre otros. Nicolás Melmann músico y artista sonoro de Buenos Aires, Licenciado en Composición con Medios Electro acústicos -UNQ. Se vale del sonido como materia prima y canal de expresión, utilizando diversas fuentes sonoras, combinando electrónica, instrumentos no convencionales (arpas, guzheng, lira, cristal harp, hang drum, flautas etc), grabaciones de campo y texto para construir paisajes sonoros. Ha producido 6 discos, realizando giras por USA, Europa, Asia y Latinoamérica, Presentándose en escenarios como el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Victoria and Albert Museum (Londres), Polytech Museum (Moscow), SEMA (Seoul Museum of Art), Sónar Festival, EXPO MILANO (Milano), ah trabajado como curador - ciclo "Lenguajes Sonoros" Museo Mar. Ha realizado residencias en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Red Bull Music Academy (New York - Londres) entre otros, produciendo instalaciones sonoras, música para TV, cine, teatro y video juegos. Como parte de su primer visita a México Melmann estará realizando una residencia en Ciudad de México para el programa Asylum Arts y una serie de conciertos en el país. Previous Next

Conferencia - Día 2 < Back Roberto Morales y Miguel Reyna M. (México) - Jardín Unión (hacia una instalación autogenerativa) Conferencia - Día 2 Descripción En esta plática abordaremos: la metodología, el diseño y la construcción de los módulos generativos que hicieron posible la realización de esta instalación. Originalmente, Jardín Unión consta de 8 módulos autónomos con alimentación solar colocados en los árboles del Jardín Unión en Guanajuato fue una pieza comisionada por el Festival Internacional Cervantino en su edición 2022. En la versión de CMMAS utilizaremos sólo cuatro módulos para el patio principal dadas las dimensiones del espacio. 
Esta obra está basada en este espíritu surrealista sonoro que existe y sorprende al transeúnte en su caminar por el patio principal del CMMAS. Jardín Unión, busca la percepción de ritmos cinéticos animados por el movimiento del sonido en un medio virtual indeterminado. Es una instalación sonora con ocho generadores autónomos, en donde coexisten las voces de duendes, aves, y fantasmas de personajes exóticos, que se proyectan y modifican sonoramente en tiempo real, provocando en su conjunto un resultado estético y semiótico multívoco, ambiguo y abierto. Miguel Reyna Martínez (México) Ingeniero en Electricidad y Automatización egresado de la UASLP, Maestro en Artes egresado de la Universidad de Guanajuato. Se ha desarrollado en trabajos artísticos en diferentes disciplinas entremezclando las tecnologías con las artes escénicas, arte sonoro e instalaciones. Las Líneas de trabajo e investigación están enfocadas en el desarrollo de plataformas para la medición de variables en fenómenos físicos, como soporte para la gestación de interfaces electrónicas en piezas artísticas, así como procesos algorítmicos para sistemas autogenerativos. Procesamiento en tiempo real de sonido por medio de lecturas de datos externos al sistema e ingeniería sonora. Becario del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico San Luis Potosí emisión 2014, en la disciplina de Danza, interdisciplina. Becario del Programa Jóvenes Creadores 2016 de FONCA en la disciplina de Medios Audiovisuales, Multimedia. Becario del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico Guanajuato emisión 2020, en la disciplina de Artes Visuales, Multimedia. Roberto Morales (México) Doctor en Composición por parte de la Universidad de California Berkeley, sus intereses están centrados en la composición en tiempo real, composición generada a partir de modelos matemáticos para la creación de nuevos arquetipos composicionales, sistemas de aprendizaje aplicados en computación para audio y video, captura de gestos, procesamiento en tiempo real de imagen y sonido, divulgación y docencia en composición y arte electrónico. En 1992 funda el Laboratorio de Informática Musical LIM en la Escuela de Música de La Universidad de Guanajuato. Como compositor ha ganado varios premios nacionales internacionales y su música se toca regularmente en México, Estados Unidos y Europa . Como investigador, Morales cuenta con publicaciones en revistas arbitradas, ha sido invitado como compositor-investigador en residencia en varias Universidades como: Stanford, UC Berkeley, McGill, NYU, Columbia, entre otras. Ha organizado fundado y dirigido los festivales Internacionales "La Computadora y la Música" por medio del INBA, "Callejón del Ruido. Composición, ideas y tecnología”, por medio de la Universidad de Guanajuato y Transito_MX04 por medio del CENART. Tinker profesor por parte de la Universidad de Stanford y actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores, coordina y organiza los cursos y seminarios de composición, música y matemáticas y arte digital. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Históricamente la esfera pública ha sido vedada a las mujeres, por ello su participación en la historia de la música, en general, y de la electrónica puntualmente sigue llena de omisiones. En el ámbito de la electrónica estas ausencias han sido animadas, entre otras, por un prejuicio extendido ampliamente y es que la tecnología es del ámbito masculino. En las recientes décadas ha habido un creciente interés por revelar no solo los nombres sino los aportes y por amplificar las voces de quienes han sido silenciadas por el relato canónico. En esta mesa, más que listar nombres o recitar biografías, nos ocuparemos de problematizar la idea de pionera, proponer alternativas a los relatos canónicos y revisar las condiciones, los contextos y las circunstancias por las cuales se mantienen los vacíos. < Back Ir al final | go to botom El lado B que también es el lado A: Pioneras de la música electrónica en América Latina Históricamente la esfera pública ha sido vedada a las mujeres, por ello su participación en la historia de la música, en general, y de la electrónica puntualmente sigue llena de omisiones. En el ámbito de la electrónica estas ausencias han sido animadas, entre otras, por un prejuicio extendido ampliamente y es que la tecnología es del ámbito masculino. En las recientes décadas ha habido un creciente interés por revelar no solo los nombres sino los aportes y por amplificar las voces de quienes han sido silenciadas por el relato canónico. En esta mesa, más que listar nombres o recitar biografías, nos ocuparemos de problematizar la idea de pionera, proponer alternativas a los relatos canónicos y revisar las condiciones, los contextos y las circunstancias por las cuales se mantienen los vacíos. Ana Maria Romano Compositora, artista sonora e interdisciplinar colombiana. Sus preguntas creativas se sitúan desde la intersección entre género, sexualidades, sonido y tecnología atravesados por la escucha, paisaje sonoro, espacio, cuerpo y las dimensiones políticas en la creación. En todos los espacios de su vida considera fundamental el trabajo colectivo y colaborativo. Sus obras han sido presentadas y publicadas en Latinoamérica, América del Norte, Europa y Asia. Ha recibido reconocimientos dentro y fuera de Colombia. Ha sido artista en residencia en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). En 2019 fue nominada al CLASSICAL NEXT AWARD INNOVATION por la gestión con el Festival En Tiempo Real en la visibilización del trabajo de artistas mujeres. Ha desarrollado una profunda investigación en torno a la compositora Jacqueline Nova, pionera de la música electroacústica en Colombia. Actualmente es docente en la Universidad El Bosque y coordina la Plataforma Feminista En Tiempo Real. Adina Izarra Adina Izarra, compositora venezolana actualmente residente en Guayaquil , Ecuador, donde es profesora de la Universidad de las Artes. Se desempeña en las áreas de los electrónicos en vivo y visuales audio-reactivos. Tiene un dúo con Rubén Riera, quien toca instrumentos antiguos y contemporáneos de cuerda pulsada, con quien realiza improvisaciones originales, obras de ambos, así como versionan mucha música antigua, transformadas a través de los electrónicos. Adina acaba de recibir el título de Magister en Postproducción Audiovisual Digital de ESPOL, Guayaquil y posee un PhD en composición de la Universidad de York, Inglaterra Alma Laprida Alma Laprida (1985) es compositora, artista sonora, docente y gestora cultural. Como artista, se presentó en los museos y centros culturales más relevantes en Buenos Aires. Presentó obra también en Bogotá, Valparaíso, Ciudad de México y Sao Paulo. Creó el ciclo de conciertos Ciclo Hertz y un proyecto de colaboraciones entre artistas visuales y sonoros llamado Estrépito y contemplación. Como curadora, trabajó en el Centro de Arte Sonoro y de manera independiente. Actualmente desarrolla junto a Gabriela Da Mola y María Belén Alfaro un libro sobre pioneras de la música electrónica en Argentina para la editorial independiente Dobra Robota. Teresa Diaz de Cossio Flautista, y docente. Estudió en la Universidad Autónoma de Baja California, San Diego State University y Purchase College. Desde el comienzo de su carrera, se inclinó a buscar compromisos significativos con comunidades a través de su práctica creativa. Una primera iteración fue con Música para la Paz, una organización sin fines de lucro que cofundó y dirigió durante cinco años, el programa enseñó música a niños en orfanatos y comunidades en Ensenada y Tecate. Teresa participó en conciertos con Plácido Domingo, el conjunto Decoda afiliado al Carnegie Hall y Los Tigres del Norte. Recibió una beca de Resiliencia Sonora: Intérpretes, de la UNAM, y el próximo verano Teresa grabará obras de compositores mexicanos. Kato Trio, que cofundó en 2020, explora y crea piezas con instrumentos acústicos y grabaciones de campo de ciudades urbanas (Reykjavík, Ensenada y Nueva York). Entre los intereses actuales de Teresa, investiga la vida y obra de las compositoras mexicanas del siglo XX, con un enfoque particular en Alida Vázquez Ayala. Al respecto, Teresa contará con una charla en "Unsung Stories: Women at Columbia's Computer Music Center.” Actualmente cursando un DMA en interpretación en UC San Diego. Teresa mantiene otros compromisos en la Universidad Autónoma de Baja California, Ensenada, donde imparte clases de flauta en los programas propedéutico y licenciatura, y coordina el Festival de Música Nueva, Ensenada. Valeria Valle Compositora, gestora cultural, productora y académica del Instituto de música de la PUCV y de la Universidad Alberto Hurtado. Ganadora del premio Classical Next Innovation Award, fundadora del Colectivo Resonancia Femenina, Sub Directora de la Fundación Orquestas de Mujeres de Chile, miembro de la Red de Compositoras Latinoamericanas y Miembro de la Academia de Grabación Latín Grammy. Estudia en el Instituto de Música de la PUCV pedagogía, licenciatura, y el Postítulo en Composición. Posteriormente estudia el Magister en Composición en la Universidad de Chile desarrollando el proyecto de investigación y composición sobre el hörspiel basado en el trabajo de Leni Alexander, dando origen a la obra: Ciclo de Radioteatro Recordando Chile: Mujeres a contratiempo estrenado en noviembre de 2016. Ha participado en publicaciones, conciertos, festivales, encuentros y ponencias tanto en Chile como en el extranjero, destacando la temática sobre metalenguaje musical, desarrollo del imaginario sonoro y problemáticas de género en la música. Ha participado en la producción del Festival Internacional de Música Contemporánea Darwin Vargas, el programa de televisión Sonido Directo que fue transmitido en UCVTV y el programa Análogo en Modo Jazz. Gracias al fondo de la música 2019 graba su primer disco solista con obras para orquesta que está disponible en Spotify y el año 2021 lanza su segundo disco titulado El Arco de Juana en el Talón de Aquiles. --- Comparto una lista, que tiene como límite en fechas de nacimiento la década de 1960, para quienes se interesen en indagar en las compositoras que también son parte de la construcción de la historia de la música electrónica en Latinoamérica desde sus inicios. Con seguridad faltan nombres y no están todos los países, en algunos de ellos pareciera que las mujeres que han dinamizado estas prácticas son nacidas a partir de la década de 1970 y por eso no las incluyo en este catálogo (tampoco descarto que aparezcan nombres de artistas nacidas antes). Esta lista de compositoras que he ido descubriendo a lo largo de mi proceso de investigación en torno al tema de las pioneras de la música electrónica en América Latina, ha sido construida por diferentes caminos y cuenta con aportes valiosos de otras mujeres con las que he conversado o intercambiado en diferentes momentos. A ellas mi agradecimiento: Adina Izarra, Emi Bahamonde Noriega, Gabriela Aceves, Gabriela Yaya, Isabel Nogueira, Janete El Haouli, Macri Cáceres, Mar Alzamora, Renata Roman, Vanessa Valencia Ramos. También agradezco a las panelistas por sus aportes en la mesa y en otros momentos en los que hemos conversado y apostado por espacios para encontrarnos, conocernos y reconocernos. También agradezco a los nutritivos encuentros que me ha regalado ser parte de la Red de compositoras Latinoamericanas – redcLa (www.facebook.com/RedCompositorasLatinoamericanas). Ana María Romano G. / Bogotá / Julio 2021 ARGENTINA Nelly Moreto (1925-1978) Hilda Dianda (1925) Regina Benavente (1932) Beatriz Ferreyra (1937) Graciela Castillo (1940) Elsa Justel (1944) Susana Antón (1947) BRASIL Jocy de Oliveira (1936) Vania Dantas-Leite (1945-2018) Denise H.L. Garcia (1955) Janete El Haouli CHILE Leni Alexander Pollack (Polonia, 1924-Chile, 2005) Iris Sangüesa (1933) Cecilia Garcia-Gracia (1968) Francesca Ancarola (He encontrado dos fechas de nacimiento: 1968 y 1971) COLOMBIA Jacqueline Nova (1935-1975) Catalina Peralta (1963) Claudia Robles (1967) Ivonne Caicedo CUBA Mirta de la Torre (1960) Ileana Pérez (1964) Keyla María Orozco Alemán (1969) Marietta Véulens MÉXICO Alicia Urreta (1930-1986) Alida Vásquez Ayala (1931-2018) Hilda Paredes (1957) Alejandra Hernández (1961) URUGUAY Renée Pietrafesa Bonnet (1938) Silvia Suárez (1963-4) VENEZUELA Beatriz Bilbao (1951) Adina Izarra (1959) Oksana Linde Do you have comments or questions to the artist? 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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Carmelo Saitta [ARGENTINA] Carmelo Saitta (Argentina) 19 jul 2013 Programa 1) Collage (1973) 2) Primera composición electrónica (1977) 3) La Maga o el Ángel de la Noche (1989) 4) Pliegues, Borras de Humo, Sueños (1996) Biografía Compositor argentino nacido en Stromboli (Sicilia) en 1944; vive en la Argentina desde 1951. Estudió composición con Enrique Belloc, José Maranzano, Francisco Kröpfl y Gerardo Gandini. Ha compuesto obras de cámara y de música electroacústica; por ""La Maga o el Angel de la Noche"" recibió un premio en Bourges en 1990. Y el Primer Premio instituido por la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires en 1991. También ha compuesto música para cine. Ha estrenado numerosas obras de otros compositores, tanto como percusionista como en calidad de director. Desarrolla una intensa actividad docente en las Universidades de Buenos Aires y La Plata, como también en otras instituciones. Son de destacar sus aportes al conocimiento y uso de los instrumentos de percusión en la composición musical, y al tratamiento del sonido y la música en los medios audiovisuales Previous Next

< Back Edmar Soria (Mex) - Post-antropoceno / animación procedural y música Seminario 1 Edmar Soria Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica/live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. Ganador del Concurso Acousmonium INA GRM-Fonoteca Nacional 2016 (Francia-México), del concurso SONOM 2014 (Festival Internacional de Arte Sonoro), finalista del "Concours International de Composition Electroacoustique SIME 2018" (Lille, Francia) y becario de los Programas Creadores Escénicos 2018 (FONCA, México) y Resiliencias Sonoras-Composición Electroacústica 2020 (UNAM México), ha realizado residencias artísticas en dos de los estudios de música acusmática más importantes del mundo: Musique & Recherches (Bélgica) y el INA GRM (París, Francia). Ha realizado residencias de composición de música electroacústica y arte digital en DXArts (El Centro de Artes Digitales y Medios Experimentales, Universidad de Washington), el Conservatorio de Belo Horizonte-Brasil (bajo la dirección del compositor Joao Pedro Oliveira), y el CMMAS (Morelia, México). Ha sido reconocido internacionalmente mediante comisiones oficiales para composiciones y performances multimedia por el Difrazzioni Festival 2016 (Florencia, Italia), Multiphonies GRM 2017 (Francia) y New York University Music Ensemble (2017), así como en Bienales de Arte Digital (Reino Unido y Colombia, ambas en 2020). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentados en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Como investigador académico actualmente es perfil deseable PRODEP (SEP) y candidato a SNI (CONACyT); sus áreas de interés y áreas de trabajo incluyen la espacialidad/localización del sonido (acústica/psicoacústica), sonido para formatos inmersivos 3D, visualización/sonificación de datos, aplicaciones de inteligencia artificial al arte digital, filosofía de la computación, teoría general de sistemas y tópicos de matemáticas aplicadas al arte y tiene distintas publicaciones al respecto además de dos libros publicados como autor y co-coordinador. Ddirector y fundador del Coloquio Internacional Espacio Inmersividad que cuenta hasta ahora con 3 emisiones (2018-2019-2020) y de Desfases, Festival Inmersivo de Producción Multimedia (2021). Previous Next

Playlist de música y diseño sonoro de videojuegos lanzados durante la pandemia. < Back Ir al final | go to botom Infected games Playlist de música y diseño sonoro de videojuegos lanzados durante la pandemia. Pedro Loperena (1997). Es un compositor mexicano interesado en la inmersión, narrativa y en el trabajo con medios audiovisuales. Comenzó sus estudios musicales en el Centro de las Artes de San Luis Potosí donde realizó estudios en piano. Su música ha sido interpretada en el Auditorio del CMMAS, en la Facultad de Música de la UNAM y en el festival Visiones Sonoras 2019. Sus piezas han sido tocadas por instrumentistas como Abel Romero y trabajó en conjunto con Iván Manzanilla y Henrique Portovedo. Actualmente realiza sus estudios universitarios en Música y Tecnología Artística en la ENES Morelia, UNAM, y está interesado en el diseño sonoro para animación y videojuegos. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Musgos [MÉXICO] Tito Rivas (México) Morris Trujillo (México) 19 feb 2016 Concierto audiovisual de música electrónica para 8 bocinas y proyecciones en 16 mm modificadas en tiempo real. El músico y artista sonoro Tito Rivas ofrece un live performance sonoro en donde explora la utilización de sonidos concretos, samples de grabaciones y paisajes sonoros modificados, proponiendo una aproximación estética que ondula entre la música electrónica y el arte sonoro junto con la participación del cineasta experimental Morris Trujillo quien realiza un performance visual a partir de proyecciones múltiples en formato de 16 mm, reutilizando cintas de archivo, documentales y mashups con imágenes de diferentes proveniencias, lo que establece un interesante diálogo audiovisual, en tiempo real, con la música de Tito Rivas. El concierto postula una experiencia sinestésica inmersiva, a partir de un sistema de espacialización de sonido multicanal. Tito Rivas. Músico, artista sonoro e investigador. Sus intereses artísticos han explorado la música experimental, el paisaje sonoro, la instalación sonora de sitio específico, la composición sonora multicanal, el radioarte y la poesía sonora. Asimismo ha desarrollado una investigación teórica sobre el fenómeno de la escucha a partir de un enfoque filosófico basado en la fenomenología y la arqueología epistemológica. Estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad del Claustro de Sor Juana, Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y música en la Escuela Autónoma de Música. Director musical del Ensamble Psycoacústico y tecladista del grupo de rock electrónico Pez Diablo, su proyecto solista de electrónica experimental y arte sonoro lleva por título Mosses/Musgos. Fungió como director artístico del Centro de Creación Radiofónica de la Cd. de México. Actualmente es subdirector de programación y experimentación sonora de la Fonoteca Nacional de México. Morris Trujillo. Cineasta experimental, artista visual, film performer, co-fundador de los proyectos Trinchera Ensamble, TRYO (MX) y el Laboratorio Experimental de Cine, LEC; proyectos que vinculan el cine con otras artes contemporáneas como el performance, la instalación, el arte objeto, el arte conceptual, etc. Sus films experimentales individuales y colectivos han sido mostrados en Festivales y Museos en Europa y en México se ha presentado en sitios como el Laboratorio Arte Alameda, el Museo de la Ciudad, el Museo de Arte Carrillo Gil, Festival Aural entre otros. Ha sido apoyado por varias instituciones como la Fundación BBVA-Bancomer, CONACULTA, FONCA, Fundación de Arte Contemporaneo de Uruguay y el Centro Cultural de España de Argentina. Previous Next

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: sax y electrónica. Neil Leonard (EUA) 17 abr 2015 Composiciones contemporáneas para saxofón, electrónica en vivo y video. Programa - Improvisation - Barracon - True Bread - Secret Garden - Improvisation - Nocturnal Remix - Echoes and Footsteps - Attachment Unavailable Neil Leonard a composer, saxophonist, and interdisciplinary artist. His compositions and performances have been featured by Carnegie Hall, Havana Jazz Festival, International Computer Music Convention, Tel Aviv Biennial for New Music, Moscow Autumn, and Museo Reina Sofia. Leonard's ""Dreaming of an Island"", (for orchestra, electronics and live-video) was premiered by the Indianapolis Chamber Orchestra, and he has collaborated with artists Marshall Allen, Juan Blanco, Joanne Brackeen, Don Byron, Uri Caine, Robin Eubanks, Bill Frisell, Vijay Iyer, Phill Niblock, Rudresh Mahanthappa, Robin Rimbaud aka Scanner, Evan Ziporyn, and many others. Leonard's collaborations with Maria Magdalena Campos-Pons have included film/video, multimedia installation, and public intervention, and their work has been featured by the Museum of Modern Art, 49th/55th Venice Biennial, Havana Biennale, Guangzhou Triennial, and the Dak’art Biennale of Contemporary African Art. Leonard contributed sound to Tony Oursler's performance ""Relatives"" that was presented at the Whitney Biennial. Leonard's recent sound/video installation ""True Bread"" explores aspects of exile, censorship, global capitalism, and transformation of urban sound. Holland Cotter described the piece in the The New York Times as ""a haunting, rhythmic, chant like score, secular spiritual music for a New World."" Leonard is the Artistic Director of Berklee College of Music's Interdisciplinary Arts Institute. He is currently on the Fulbright Specialist Roster and is a Research Affiliate at MIT's program in Art, Culture and Technology. Previous Next