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Ir a cmmas.org < Regresar Ravish Momin [E.U/INDIA] Artista: Ravish Momin 27 abr 2012 Uno de los músicos más interesantes de la actualidad presentará una selección de obras nuevas con tecnología. El programa del concierto incluirá obras trabajadas durante el taller de Ravish. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: "Música de Alas". [ARGENTINA] Ensamble Rondon Crowell (Argentina) 30 mar 2017 El concierto se presenta en el marco del proyecto "Música de Alas: intercambios regionales de música contemporánea en Latinoamérica". El repertorio consta de obras de autoría propia que integran las dos producciones discográficas del Ensamble Rondon Crowell; por un lado la Suite Electroacústica (2016), obras mixtas, para solista y ensamble con electroacústica de soporte y procesamiento de sonido en tiempo real; y su primera producción, Suite T rece42 (2013), compuesta de cuatro piezas para flauta, clarinete y violoncello. El Ensamble Rondon Crowell nace de la necesidad de crear un espacio de exploración de nuevos lenguajes en pos de un desarrollo musical y experimental, mediante la improvisación, la composición y la ejecución de música contemporánea instrumental con medios mixtos. El Ensamble Rondon Crowell fue creado a comienzos del año 2012 como cuarteto junto a Emanuel Chiesa en el Violín y posteriormente conformado trío por Lucas Percuoco en flauta, Matías Padellaro en clarinete y Jhon Escobar en violoncello. Además de su formación de base, el ensamble ha explorado otras formaciones instrumentales como, trío de guitarras, medios electroacústicos, instrumentos no convencionales de luthería propia y performance con video en vivo. Los miembros del ensamble se formaron en la Licenciatura en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes. Becarios del Fondo de Desarrollo Cultural Argentino en 2016 para realizar el proyecto "Música de Alas" en la ciudad de Morelia, Michoacán, México. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: P: pincharse (serie plexus). [MÉXICO] JuanJosé Rivas (México) 30 may 2019 P: pincharse (serie plexus) Punzar, picar, agujerear, clavar. Introducir un instrumento afilado y puntiagudo en un objeto o una persona. Acción sonora para tres tornamesas y un tirador. Plexus es una serie de acciones sonoras basadas en múltiples movimientos corporales que buscan generar un diálogo a nivel simbólico con distintos conceptos físicos a través de la improvisación, el error, el azar y lo inestable. Las acciones que componen la serie son determinadas por azar al seleccionar una letra del abecedario; con esto, cada pieza es delimitada y definida por un verbo en infinitivo que empiece con la letra seleccionada. Los elementos estéticos, la técnica y las herramientas tecnológicas o de representación están delimitadas por las condicionantes físicas del verbo seleccionado, así como por las limitaciones físicas y logísticas del espacio en donde se presenta o ejecuta. JuanJosé Rivas* Artista sonoro especializado en medios electrónicos con una maestría en Estudios de Diseño. Ha sido artista residente en SBK en Karlsruhe Alemania, en HANGAR Centro de Creación Artística en Barcelona y en MATADERO en Madrid. Fue becario del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2013 y ha recibido en dos ocasiones la beca del Programa Jóvenes Creadores en la especialidad de Multimedia (2005 - 2010) FONCA-CONACULTA. Fue Miembro del Consejo de Planeación y Evaluación para el Festival de Artes Electrónicas y Video Transitio_MX (2010-2014). Actualmente es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA. Profesor en la Universidad Centro. Cine, diseño y televisión y director artístico de VOLTA Sesiones de Improvisación y Experimentación Sonora en la Ciudad de México. *Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tarana [INDIA - EUA]. Creadores: Ravish Momin y Rick Parker [INDIA - EUA] 9 may 2013 TARANA es un duo de trombon/sintetizador y bateria/laptop emocionante y innovador que cruza los límites entre el electrónico y el acústico. Combina sus influencias como jazz, discoteca y bollywood. Con el uso de electrónicas digitales y analógicos hacen bucles de melodias y texturas en vivo sobre sus instrumentos acústicas que resultan en una sinfonía de sonida y una exploración del ritmos del todos lados del mundo. "" Tarana ha tocado en VDU Jazz Connections, Kaunas, Lithuania (2012), El San Servolo Jazz Meeting, Venice, Italy (2010), The LOLA Fest, and Guelph Jazz Festival, Canada (2010) , Aguascalientes Music Festival, Mexico (2010), Jazz Lent, Maribor, Slovenia (2009), The Calgary Jazz Festival (Canada, 2009), Cultural Festival Zacatecas (Mexico, 2009), The Jazz Ao Centro Festival (Junio, 2008, Portugal) y fue seleccionado por la agencia Asian Arts (UK) en una concesión artística del Estado de Inglaterra para realizar una gira por ese país (Abril, 2008). También fue galardonado como US National Endowment para la Arts Grant para presentarse en el Mediawave Festival en Hungría (2006). El Trío Tarana se ha presentado en New York City's Rubin Museum y Queens Museum en diversas ocasiones, Chicago's Hothouse Jazzfest (2005), Jazzin' Tondela (Portugal, 2005), el prestigioso Instituto Smithsonian de la Freer Gallery (Washington, DC, 2005), y el New Music Circle (St. Louis, MO, 2005), Taipei Arts Festival (Taiwan, 2004), en la 9ª. edición del Asian American Jazz Festival (Chicago Cultural Center, 2004), entre otras presentaciones. Ha realizado giras por Italia, Portugal, Polonia, Eslovakia, Canadá y EUA. Han sido publicados por 'Village Voice' (New York), 'Jazz.pt' (Portugal), Pittsburgh Post-Gazette, AllAboutJazz-NY, JazzImprov (France), por mencional algunos. Tarana, formado en 2003, está dirigido por el percusionista y compositor Ravish Momin, nacido en India y quien actualmente reside en la ciudad de Nueva York. El duo utiliza ritmos principalmente de la India y del este asiático, incluyendo japoneses, afganos e indonesios, como la fundación de una nueva experiencia musical; ellos también emplean composiciones que sin sutileza mezclan el material escrito con la interacción espontánea del grupo. Han publicado un disco debut aclamado por la crítica, nombrado “Climbing the Banyan Tree” (2004), por el sello portugués CleanFeed Records. Sobre su CD debut, AllAboutJazz.com ha dicho: “Es justo decir que Tarana es sin precedentes en el mundo de música improvisada. Una síntesis verdadera del norte africano, el sur y el este de los motivos asiáticos con la organización clásica y la inmediación que la libre improvisación probablemente no ha tenido antes de ""Climbing the Banyan Tree."" Ravish Momin (composición, percusión, voz, laptop), Ha actuado en la televisión con la estrella del pop Shakira, y ha realizado giras y grabó con los saxofonistas Kalaparush Maurice McIntyre (Tel Aviv Jazz Festival, Israel, EraJazzu Festival, Polonia, Sons D'Hiver Festival, París, Francia, Kerava Jazz Festival, Finlandia, Guelph Festival de Jazz, Canadá, Festival de Jazz de Chicago, entre otros), Sabir Mateen, Peter Epstein, con el guitarrista Brad Shepik, los bajistas Wilber Morris y William Parker, violinistas Billy bang, Jason Kao Hwang, percusionistas Susie Ibarra, Wolleson Kenny y Jim Negro, trompetistas Roy Campbell y Rafe Malik y pianista Tempore Ursel Schlicht de Ex. También ha trabajado con Dalek artista de hip-hop y estuvo de gira con la banda de rock the Fulton Lights, y registradas para Cleanfeed, Delmark, BuBop, CIMP, Entropy Studio, Blue Regard y PlasmaTorus Records. Rick Parker (Trombone) “Lúcido y moderno” (David Adler) es como describe la música del trombonista y compositor Rick Parker. Con cinco discos como líder o co-líder publicado por sellos discográficos como Fresh Sound New Talent, OutNow y Eleven2Eleven, ha ganado notoriedad entre críticas y publicaciónes tales como la Downbeat Magazine y Jazz Times. Parker es dos veces ganador del ASCAP young Jazz Composer Award. Sus agrupaciones han participado en algunos de los festivales y clubes mas prestigiosos del Nueva York como Red Hook Jazz Festival, Williamsburg Jazz Festival, Somers Point Jazz Festival, 55 Bar, Cornelia St. Cafe, Knitting Factory y otros ciudades como Blues Alley, Chris’ Jazz Cafe y en Mexico en el Zinco, Aguascalientes Festival de Jazz, y Irapuato Festival de Jazz. Sus grupos y discos han incluido algunos de los músicos mas importantes de la ciudad como Tim Berne, David Binney, Jaleel Shaw, Maurice Brown, Ziv Ravitz, Brad Shepik y Sam Barsh. Su disco “Finding Space” fue denominado como uno de los mejores CD’s del año 2006 por el periódico All About Jazz. Ademas que su sonido acústico, por muchos años Parker ha desarollado un sistema muy único con la incorporación de los effectos electrónicos con su instrumento. Este sonido individual de Parker se puede encontrar en algunas de las proyectos mas creativos del Nueva York. Es miembro del Tarana, un duo con el baterista Ravish Momin con quien ha performado en festivales y clubes en México, Noruega, Républica Checa, Lituania, Letonia y Hungría. También se puede encontrarle con otros grupos reconocidos como lo de Frank Lacy, Darcy James Argue Secret Society, Charli Persip, Bjorkestra, Todd Clouser, Tim Kuhl, Super Hi-Fi y Beninghove’s Hangmen. Por causa de toda esta creatividad la critica Glen Asitaria escribio que “Rick Parker tiene lo que es necesario para hacer una diferencia en la comunidad del jazz del mundo.” Programa HAVA DISPOSABLE TEHRAH NIGHT SONG INVOCATION FIVE FOOLS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Récitations, Aperghis. [ARGENTINA/GRECIA] "Intérprete: Cecilia pastorini (Argentina) Compositor: Georges Aperghis (Grecia)" 24 abr 2015 Presentación del ciclo de canciones para voz sola de Georges Aperghis, Récitations, interpretadas por Cecilia Pastorino. Programa: 14 recitaations de Georges Aperghis Cecilia Pastorino Es egresada de la carrera de Composición Musical de la U.N.L.P. Cantante solista desde el año 2004, de la agrupación “Compañía Oblicua” especializada en Música Contemporánea y dirigida por el compositor Marcelo Delgado. Ha estrenado e interpretado obras de diversos Compositores argentinos y latinoamericanos, entre ellos: Gerardo Gandini, Juan Ortiz de Zárate, Eduardo Cáceres, Martín Liut, V. Pelisch. Durante el 2013 y 2014 ,ha interpretado en diversas Salas y Teatros de Bs AS las “RECITATIONS” para voz sola del compositor G. Aperghis con puesta de Ariel Farace y realizado una segunda versión junto a la Compañía de Danza del I.U.N.A . Durante el año 2013, realizó la grabación del CD “en vivo” del “Cancionero Regional” para voz solista y ensamble del compositor Marcelo Delgado junto a la Cia. Oblicua para el Ciclo “Raras Partituras” de la Biblioteca Nacional . además de grabar las Folk Songs de L. Berio en el Cd Kammermusik . Ha cantado como solista o en coro en diversas producciones del ciclo: ”Colón Contemporáneo “ realizado en el Teatro Colón de BS AS. ( “Das Maedchen mit den Schwefelholzern” del Helmut Lachenmann,”CORO” de L .Berio,), en el Ciclo de Música Contemporánea : Laborintus II y Los gritos de Londres de L.Berio,” con F .Sarhan en su : “Performance en vivo”, obras de Morton Feldman,) y en otras producciones del Centro Experimental del Teatro Colón( “Anna O “, “El Aparecido” , Territorio Gandini, “Pierrot Lunaire” de A. Schoenberg). Paralelamente a su profesión como Cantante de Música Contemporánea, lleva editados dos Cds como solista en música popular con composiciones propias y de autores latinoamericanos :“ Voces Azules” en 2005 y “ Tejido en casa” (sello PAI) en el 2009. Previous Next

In-person interdisciplinary teaching presents its own challenges and limitations, but what happens when you move courses from different faculties online and have the students collaborate virtually on a music and dance video? As it turns out, it can be a remarkably engaging and rewarding process. < Back Ir al final | go to botom Dance Like Nobody's Watching: Student Experiences of COVID-19 in Canada In-person interdisciplinary teaching presents its own challenges and limitations, but what happens when you move courses from different faculties online and have the students collaborate virtually on a music and dance video? As it turns out, it can be a remarkably engaging and rewarding process. In the fall of 2020, during the heart of the global pandemic, students from Dr. Brenda Cantelo’s Religion and Dance course in the Faculty of Arts collaborated with students from Dr. Gordon Fitzell’s eXperimental Improv Ensemble (XIE) in the Desautels Faculty of Music at the University of Manitoba to create a dance video on the theme of living through COVID-19. Together with award-winning choreographer Stephanie Ballard, Cantelo and Fitzell first led the students through the process of brainstorming ideas in collaborative Zoom sessions and developing the work’s four-part approach to exploring the impact of the pandemic on our lives. Each dance sequence and musical track was then performed remotely by individual students. The video and music were then edited together to form a unified expression of our collective pandemic experience. Dr. Brenda Cantelo (Department of Religion, Faculty of Arts). University of Manitoba. Winnipeg, Manitoba. Canada. Brenda Cantelo joined the Department of Religion in 1998. Her scholarship centres on the religion and the arts, with specialization in Religion and Dance and the sacred art of India. Her current research projects include the production of a site-specific dance project and the documentation of sacred religious sites and rituals in Mexico. Dr. Cantelo teaches courses such as Indian Religious Art and Architecture in India, Religion and Dance and an Introduction to Eastern Religions. Dr. Gordon Fitzell (Desautels Faculty of Music). University of Manitoba. Winnipeg, Manitoba. Canada. Gordon Fitzell is a Canadian composer, improviser and sound artist. His music, described as “throbbing and trancelike” (New York Times), tends to explore peculiar points of connection between classical and popular elements of culture, freely inhabiting acoustic, electroacoustic and interdisciplinary performance environments. His music is featured on various albums, including GRAMMY-winning, Opus Award-winning, JUNO-nominated and West Coast Music Award-nominated recordings. Fitzell is an artistic co-director of the new music organization Groundswell, and a professor of composition at the University of Manitoba Desautels Faculty of Music in Winnipeg, where he leads the eXperimental Improv Ensemble. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Juliana Moreno y Patricia García- [ARGENTINA] Interpretes: Juliana Moreno y Patricia García Compositores: Juan Carlos Tolosa, Rodrigo Sigal, Edgar Guzmán, Edgar Guzmán, Marcos Franciosi, Mario Mary, Marcelo Toledo, Francisco Colasanto 24 ago 2012 Como parte de siu residencia el Duo MEI – música para flautas presenta este concierto con el siguiente programa: 1) Pentimento - dos flautas - Juan Carlos Tolosa 2) Wing of wind - flauta y sonidos electroacústicos - Rodrigo Sigal 3) Untitled - flauta baja - flauta en do con amplificación y reverb - Edgar Guzmán 4) Entrópica - dos flautas en do y dos flautas bajas - Marcos Franciosi 5) Les imaginations pareilles - flauta y sonidos electroacústicos - Mario Mary 6) Polifonía concreta - flauta baja amplificada - Marcelo Toledo 7) título? - dos flautistas - Francisco Colasanto MEI – música para flautas está integrado por las flautistas Patricia García y Juliana Moreno. Comenzó su actividad en el año 2002 con el propósito de recopilar, explorar, estrenar y difundir la música contemporánea para flautas con especial hincapié en la difusión y producción de la obra de compositores argentinos y latinoamericanos. El campo de desarrollo del proyecto abarca la performance en vivo y el área pedagógica. El repertorio está constituido por composiciones representativas de diferentes estéticas musicales de segunda mitad del siglo XX y XXI y obras compuestas especialmente para el dúo, producto del trabajo en colaboración que “MEI – música para flautas” establece en forma permanente con compositores. En el área pedagógica “MEI – música para flautas” dicta seminarios y talleres intensivos orientados a estudiantes y compositores, con el objeto de transmitir y estimular la investigación del lenguaje contemporáneo aplicado a la literatura para flautas traversas. Los conciertos del dúo están concebidos como un espacio visual donde transcurre la acción sonora; cada obra habita un contexto visual construido con diversos recursos: imágenes proyectadas, puesta de luces y procesos de ambientación escénica que intervienen el espacio. “MEI – música para flautas” ha realizado conciertos y clases magistrales en Buenos Aires, participó en el “IV Encuentro de Música Contemporánea” (Quito, Ecuador, 2004), en “8° Festival Internacional Música Clásica Contemporánea de Lima” (Perú 2010), en la Universidad de la República (Montevideo, Uruguay 2011), ha sido invitado a realizar actividades en México durante agosto del corriente año (UNAM Distrito Federal, CMMAS de Morelia) y en Setiembre en el “III World Flute Festival” (Mendoza, Argentina). Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Edmar Soria. Edmar Soria (México) 20 jun 2022 Curador: Edmar Soria Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica/live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. Ganador del Concurso Acousmonium INA GRM-Fonoteca Nacional 2016 (Francia-México), del concurso SONOM 2014 (Festival Internacional de Arte Sonoro), finalista del "Concours International de Composition Electroacoustique SIME 2018" (Lille, Francia) y becario de los Programas Creadores Escénicos 2018 (FONCA, México) y Resiliencias Sonoras-Composición Electroacústica 2020 (UNAM México), ha realizado residencias artísticas en dos de los estudios de música acusmática más importantes del mundo: Musique & Recherches (Bélgica) y el INA GRM (París, Francia). Ha realizado residencias de composición de música electroacústica y arte digital en DXArts (El Centro de Artes Digitales y Medios Experimentales, Universidad de Washington), el Conservatorio de Belo Horizonte-Brasil (bajo la dirección del compositor Joao Pedro Oliveira), y el CMMAS (Morelia, México). Ha sido reconocido internacionalmente mediante comisiones oficiales para composiciones y performances multimedia por el Difrazzioni Festival 2016 (Florencia, Italia), Multiphonies GRM 2017 (Francia) y New York University Music Ensemble (2017), así como en Bienales de Arte Digital (Reino Unido y Colombia, ambas en 2020). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentados en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Como investigador académico actualmente es perfil deseable PRODEP (SEP) y candidato a SNI (CONACyT); sus áreas de interés y áreas de trabajo incluyen la espacialidad/localización del sonido (acústica/psicoacústica), sonido para formatos inmersivos 3D, visualización/sonificación de datos, aplicaciones de inteligencia artificial al arte digital, filosofía de la computación, teoría general de sistemas y tópicos de matemáticas aplicadas al arte y tiene distintas publicaciones al respecto además de dos libros publicados como autor y co-coordinador. Ddirector y fundador del Coloquio Internacional Espacio Inmersividad que cuenta hasta ahora con 3 emisiones (2018-2019-2020) y de Desfases, Festival Inmersivo de Producción Multimedia (2021). Descripción del concierto Este concierto reúne 5 propuestas audiovisuales que exploran (cada una a su modo) distintos aspectos de lo virtual y lo maquínico como formas poéticas de construir lo real; como vías alternas de entender lo cotidiano y lo esencial. Cada una de las obras permite ver la manera en que las y los artistas abordan, reflexionan y develan (desde lo íntimo y desde lo abstracto) sus propias ideas acerca de lo antes referido. Utilizando diversos formatos y recursos multimedia, las y los autores, proponen obras que abarcan visuales complejos, live coding, visualizaciones/sonificaciones procedurales y recursos composicionales electroacústicos y acusmáticos, con el fin de transportarnos a una experiencia audiovisual particular. Las piezas están seleccionadas y ordenadas a modo de un viaje metafórico en el cual se hace alusión a una transición desde el dormir, soñar, deconstruir la realidad del sueño y alcanzar finalmente, una nueva realidad a través de todo lo anterior. Programa hipercuboLab Live set - Michel Soto & Aide Aspicit Visuales y música en vivo. Beats algorítmicos y visuales 3d. Visuales procedurales mandado y recibiendo datos del flujo sonoro. Ambas partes influyen y moldean a la otra via OSC. Música, texturas 3d y código interactuan en un solo sistema interactivo. Systema - Luciano Rodríguez Exploración audiovisual centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética y el caos, a través de patrones fluctuantes y sistemas de retroalimentación. Decoding Reality - Ricardo Dal Farra Animación generada algorítmicamente y sonidos grabados en las altas regiones del Cuzco y en los países bálticos.“Decoding reality” nos propone reflexionar acerca de la realidad, sus diversas interpretaciones y el modo en que cada uno pueda percibirla, entenderla, sentirla. Esta instalación que modela en el espacio imágenes generadas a partir de descriptores matemáticos con sonidos grabados e imaginados, busca en el contraste los canales de vinculación que permitan proponer un posible modo de comprender la existencia. ¿Qué es la realidad? Un objeto matemático, responden algunos filósofos. Es la de ahora, la que fue ayer… será mañana? Es propia, colectiva? Es la de este espacio, o la de algún otro que ni siquiera podemos penetrar? En Decoding reality los sonidos de la vida, la naturaleza y la cultura llegan con las imágenes de mundos inciertos, paisajes que intentamos recordar de lugares donde aún no hemos pisado. Mientras la realidad va cambiando, o quizás cada uno va transformando, los códigos de la vida parecen eludir la permanencia. Solitarios entornos aparecen, con las resonancias del humano que transita. Dispar e integrado a la vez, el código que permite leer la realidad se diluye al encontrarse con múltiples sistemas que traspasan las vivencias y quedan en el tiempo. Coalescence - Joao Pedro Oliveira La coalescencia es el proceso de unión o fusión de elementos para formar una masa o un todo. En esta pieza de música visual, tanto los materiales visuales como la música se unen y se separan en distintas unidades, formando formas y sonidos que son la combinación de elementos unidos. Los cielos infinitos - María Cristina Kasem | Nicolás Testoni "Los cielos infinitos " es una pieza de carácter grave y solemne que evoca la atmósfera de un rezo. Inspirada en algunos mitos y leyendas Tobas que evocan el viaje iniciático de la hechicera que transformada en águila sobrevuela los niveles cosmológicos del mundo. Puerto Diálogo intenso entre la materia visual y sonora que hace alusión a lo etéreo y efímero , creado con filme de 8mm y revelado de manera artesanal experimentando con los artefactos nativos de este medio, la banda sonora creada utilizando como elemento principal la voz experimenta con procesos digitales como contrapunto a su origen analógico. Biografías Aidé Aspicit Historiadora por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desarrolladora web por parte de Laboratoria. Especializada en producción audiovisual con programación en CENTRO. Interesada en temas de arte y tecnología, especialmente enfocada en explorar las pedagogías detrás de los productos culturales audiovisuales. Actual beneficiaria del programa de “La Venganza de la Basura del Centro de Cultura Digital” con un proyecto de animación y video. Ha participado en festivales como “La escucha como acción” en Perú; Ensemble For Sound Poetry And Contemporary Music en Polonia, así como diversos festivales nacionales como “La escucha activa en espacios públicos” por parte de la Fonoteca de Tlaxcala. Michel Soto 1993 Cdmx Compositor, artista multimedia y programador. Licenciado en Música y Tecnología Artística por la ENES UNAM Morelia. Estudió el bachillerato en música y humanidades con especialidad en composición en el Conservatorio de las Rosas. Fue becario del programa "Jóvenes creadores" del FONCA durante el periodo Dic. 2019 - Nov. 2020. Ganador del estímulo ¨La Venganza de la Basura¨ por el Centro de Cultura Digital y la Colmena en el año 2021. Sus obras han sido parte de festivales como Coloquio Internacional Espacio Inmersividad, Ecos Urbanos festival de arte sonoro y transmedia, Festival de Otoño de la Universidad de Aveiro, Latin American Project, entre otros. Su trabajo ha sido presentando en Suiza, Italia, España, Portugal, Estados Unidos y México. Ha trabajado con intérpretes internacionales como Ensamble Cepromusic, Henrique Portovedo, Iván Manzanilla, UMS n ́ JIP duo y Low Frequency Trio. Luciano Rodríguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en México, Bélgica, Alemania, Chile y Ecuador entre otros. Es co-fundador y co-director de Cima Estudio, donde desarrolla proyectos orientados al performance en vivo y a medios interactivos. Actualmente es el coordinador del departamento de Multimedia Arte digital y Medios interactivos de la Universidad de medios audiovisuales CAAV. Ricardo Dal Farra Profesor de artes electrónicas y música en Concordia University, Canadá. Director-Fundador del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIARTE), Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), Argentina. Director de la serie de simposios Internacionales Balance-Unbalance (BunB) sobre arte-ciencia y crisis ambiental, y Understanding Visual Music (UVM). Ha sido director del Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies de Canadá; coordinador del Área Comunicación Multimedial del Ministerio de Educación de Argentina; investigador del Music, Technology and Innovation Research Centre de De Montfort University en Inglaterra; coordinador de la alianza internacional DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; consultor senior del Centro de Arte y Nuevos Medios Amauta de Cusco, Perú; e investigador de la UNESCO, Francia, para su proyecto Digi-Arts. Co-diseñó la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF, y la Tecnicatura en Producción Musical de la Escuela Técnica ORT, en Argentina. Creador de la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana en la Fundación Langlois. Miembro del consejo editorial de Leonardo (MIT Press), Organised Sound (Cambridge University Press) y Artnodes (UOC), y del consejo directivo de ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Doctor en estudio y práctica de las artes. Compositor y artista, especializado en acciones transdisciplinarias con ciencia y nuevas tecnologías. Joao Pedro Oliveira Ha recibido más de 50 premios y reconocimientos internacionales por sus obras, incluyendo, entre otros, el Premio Giga-Hertz y el Premio Magisterium del Institut International de Musique Électroacoustique-Bourges (IMEB). En enero de 2020, Oliveira se incorporó al cuerpo docente de la Universidad de California en Santa Bárbara como profesor y titular de la Cátedra Corwin de Composición. Es el director del programa de composición e imparte cursos de composición, música electroacústica, música visual y técnicas contemporánea María Cristina Kasem Nació en Buenos Aires, Argentina. Se graduó en el Conservatorio de Música de Buenos Aires (Tecnicatura artística en violín). Sus estudios universitarios la llevaron a una Maestría en Etnomusicología en la Universidad 3 de Febrero en Buenos Aires, y una Maestría en Musicología en el Departamento de Musicología de la Universidad Lille III en Lille, Francia. Ha recibido varios premios y distinciones internacionales: primer premio en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges (IMEB) por la pieza Las aguas abismales (2009). El Premio Motus otorgado por la Fundación Destellos (Argentina) y Motus Acousma (Francia) por la pieza Lo inefable (2008). La pieza Niebla y Luz fue seleccionada para representar a Argentina durante los World Music Days. Kasem participó en el Consejo Internacional de Música ROSTRUM - UNESCO con el trabajo Pacha Mama en mayo de 2014 en Helsinki, Finlandia. Sus fuentes de inspiración son la cultura amerindia en particular, su espiritualidad a través del uso de instrumentos tradicionales. En 2013 creó junto a Ricardo Mandolini, la Semana Internacional de Música Electroacústica, un evento cultural anual que tiene lugar en la Universidad de Lille de la que sigue siendo su codirectora artística. Nicolás Testoni nació en Bahía Blanca, Argentina. Cursó estudios en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires. Es Director de Ferrowhite, museo taller del puerto de Ingeniero White, docente del Laboratorio TyPA de Gestión en Museos y del programa “Museos, formación y redes” de la Dirección Nacional de Museos de Argentina. Junto al Museo del Juguete de San Isidro y Ferrowhite, obtuvo el premio del concurso “La Coronación” durante la primera edición de El Museo Reimaginado. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Pablo Di Liscia [ARGENTINA] Creadores: Damián Anache, Mariano Cura, José Rafael Subía Valdez, Felipe Daniel Jácome Reyes, Nicolás Varchausky, Pablo Di Liscia 23 abr 2014 "Síntesis Espacial de Sonido Presentación Tengo el honor y el placer de presentar en este concierto la producción actual de algunos jóvenes músicos de varias generaciones de graduados de la Carrera de Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes y la mía. Todas las obras seleccionadas presentan un rasgo común: la concepción espacial del sonido en función de la síntesis y el proceso del mismo. Esta concepción, no exclusiva de las obras que presentamos y usualmente denominada síntesis espacial de sonido, está siendo intensamente explorada en la producción y la investigación sonora actual y ofrece una significativa expansión de las posibilidades de sentido y organización de la música a través de una manera singular de concebir el material sonoro en función de sus características espaciales. Todas las obras presentadas aquí crean y presentan, de manera distinta, espacios imaginarios variados en conjunción con el espacio real de su ejecución. Pablo Di Liscia (UNQ, Argentina) Programa Capturas del Único Camino: Paisaje Primero Damián Anache - (2014, para Electroacústica envolvente) Round Play - Mariano Cura - (2014, para Electroacústica envolvente) Quantum - José Rafael Subía Valdez - (2014, para Electroacústica envolvente y Video) Video en colaboración con: Felipe Daniel Jácome Reyes Resonancias, Turbulencias & Explosiones - Nicolás Varchausky (2014, para Electroacústica envolvente) /t/ /n/ /S/ El aire y la reja - Pablo Di Liscia - (2014, para Electroacústica envolvente y Clarinete Bajo) Clarinete Bajo: Alfredo Valdés Brito NB: Todas las obras serán difundidas en un sistema de múltiples bocinas rodeando a la audiencia usando aplicaciones informáticas para decodificación y difusión desarrolladas por el Lic. Mariano Cura en el marco del proyecto Síntesis espacial de sonido, excepto la obra Quantum de José Rafael Subía Valdez, en la que se usará una aplicación desarrollada por el mismo autor. Los autores Damián Anache Músico, Docente e Investigador, Becario de la Secretaría de Investigación y Posgrado del IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte), Técnico Electrónico (TRQ), Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos (UNQ ) y actualmente Doctorando en Ciencias Sociales y Humanas, de la UNQ (Universidad Nacional de Quilmes). Ha formado parte de diversos proyectos de investigación y producción sonora con tecnologías y actualmente integra el proyecto de Investigación “Síntesis Espacial de Sonido” (UNQ, Argentina). Sus obras se han presentado en diversas salas y auditoriums de Argentina, Ecuador e Italia. Sitio web personal: http://damiananache.com.ar/ Mariano Cura Compositor, docente e investigador nacido en Buenos Aires en 1971. Es Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes. Egresado del “Taller de Composición del Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla”. Profesor Ordinario Adjunto en la Universidad Nacional de Quilmes, en el Área Transdepartamental de Artes Multimediales del Instituto Universitario Nacional del Arte y docente de la Unniversidad del Cine. Dirigió la Carrera de Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes entre los años 2005–2011. Actualmente, es Coordinador de Investigación y Posgrado del Área Transdepartamental de Artes Multimediales del IUNA. Ha desarrollado su trabajo en investigación en el área de composición, diseño sonoro y puesta sonora, centrándose en el diseño y desarrollo de herramientas tecnológicas para su integración en el proceso compositivo y su puesta en obra. Ha realizado presentaciones de sus obras electroacústicas e instrumentales en el país y el exterior, numerosas actuaciones como tecladista y coordinador tecnológico del Ensamble Nacional del Sur (ENS) y con el grupo Buenos Aires Sonora (BAS). José Rafael Subía Valdez Nacido en Quito en el año de 1985, es Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos egresado de la Universidad Nacional de Quilmes en Argentina. Su música ha sido tocada en festivales de Ecuador, Argentina, Alemania y Sudáfrica. Como becario de la UNQ desarrolló tareas de docencia e investigación. Tomó clases de composición con el Maestro Julio Martín Viera y el Maestro Gerardo Gandini gracias a la Beca Melos/Gandini. Sus áreas de trabajo están enfocadas en informática musical donde ha desarrollado patches de max/MSP y PD que han sido utilizados en sus trabajos así como en distintas obras de reconocidos compositores. Actualmente es docente de Composición Electroacústica en el Conservatorio Nacional Superior en Quito y ha sido aceptado para iniciar sus estudios de posgrado en la Universidad de Edimburgo - Escocia. Felipe Daniel Jácome Reyes Nace en la ciudad de Quito el 2 de Enero de 1981. Inició sus estudios de dibujo con Pilar Bustos y después ingreso a la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador, posteriormente continuó sus estudios en el Instituto Universitario Nacional de Arte en Buenos Aires. Sus obras han sido expuestas en lugares como: el Centro Cultural Recoleta y en la Bienal Internacional de Escultura en el Chaco donde obtiene una mención especial del jurado. Ha participado en talleres con Oscar de Bueno y Ennio Iomi. Actualmente vive en Ecuador y enfoca su trabajo en ilumniación, escenografía, animación grafica y video donde trabaja para usar el video mapping como forma de iluminación alternativa e investiga sobre las nuevas tecnologías en el arte. Nicolás Varchausky Compositor, artista sonoro y docente-investigador de la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ), donde dirige el proyecto de investigación Sistemas Algorítmicos de Espacio y Tiempo en el Arte Sonoro (SAETAS). Su producción artística incluye obras electroacústicas e instrumentales, performance y piezas de arte sonoro, instalaciones interactivas y proyectos interdisciplinarios en espacios públicos. Su obra investiga las relaciones posibles entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Desde 2000 lleva adelante el proyecto Archivo PAIS, una colección de registros de voces anónimas que exploran las tensiones entre sonido y sentido. Su producción ha sido presentada en diversos festivales y ámbitos internacionales y editada principalmente a través de BAU Records e Inkilino Records. Ha recibido diversas distinciones entre las que se destacan la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica en la categoría Digital Musics & Sound Art por su obra La Biblioteca Ciega, la Beca Nacional a la Creación Artística del FNA y el premio Germaine Derbecq otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte por su obra Tertulia, en colaboración con Eduardo Molinari. Es PhD Candidate en el Centre for the Digital Arts and Experimental Media (DXARTS), University of Washington, Seattle, USA. Actualmente es músico estable del grupo de danza contemporánea KM29, dirigido por Juan Onofri Barbato. Pablo Di Liscia Doctor en Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina. Estudió composición de forma particular con los maestros Dante Grela y Francisco Kropfl. Fue Director de la Licenciatura en Composición con Medios Electroacústicos en la Universidad Nacional de Quilmes, en la que es, además, Profesor Titular. Actualmente, es Profesor Titular en el Área Transdepartamental de Artes Multimediales del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Dirige la Colección “Música y Ciencia” de la Universidad Nacional de Quilmes. Su producción artística, que ha recibido subsidios del Fondo Nacional de Las Artes, la Fundación Antorchas, la Fundación Rockefeller y la Fundación Música y Tecnología, ha sido distinguida en competiciones nacionales e internacionales (Fondo Nacional de las Artes, Secretaría de Cultura de la Nación, Concurso Internacional de Bourges, Francia, etc.) y se ha difundido tanto en el país como en el exterior, en Estados Unidos, Francia, Chile, Cuba, España, Holanda, etc. Ha publicado artículos y libros sobre estética y técnica de la música y las nuevas tecnologías, y desarrollado software para proceso de sonido y música, análisis musical y composición. Las obras (notas escritas por sus autores) Damián Anache: Paisaje Primero de “Capturas del Unico Camino” Paisaje Primero, es uno de los cuatro movimientos de Capturas del Único Camino, obra que propone una compañía para un momento de calma o relajación y a la vez ofrece un atractivo objeto de pasiva contemplación. Fue proyectada para ser exhibida en diferentes formatos, tanto en CD Audio en forma total como para ser expuesta individualmente cada uno de sus movimiento en formato de grabaciones de duración indeterminada o en forma de instalación de ejecución constante. El algoritmo de generación de la obra fue desarrollado en el entorno Pure Data y funciona a modo de intérprete electrónico de una partitura que involucra pautas y acciones mediadas por elecciones aleatorias, explorando además las posibilidades propias del medio electroacústico. Hablar de “capturas” en el título se debe a la articulación con conceptos generativos en el proceso de creación, lo que si bien da lugar a una pieza de duración indeterminada, se realizaron varias grabaciones de cada movimiento capturando instancias del algoritmo y eligiendo una única captura para las versiones públicas. Sería similar al proceso de tomar fotografías de un área particular de un paisaje que en realidad es inabarcablemente más extenso. Por otro lado, la idea de “el único camino” es tomado de los escritos de Alan Watts, quien junto a D.T. Suzuki y Thich Nhat Hanh han influenciado el proceso de creación de la obra. Sitio web de la obra: http://conceptocero.com/capturasdelunicocamino Mariano Cura: Round Play Round Play es una pieza para sistemas de reproducción multicanal, que presenta un campo sonoro inmersivo en el que se exploran de manera lúdica diferentes técnicas de síntesis y procesamiento espacial del sonido. Particularmente usadas en esta obra son las técnicas de análisis y resíntesis con métodos espectrales de sonidos acústicos que son divididos en diferentes regiones de frecuencia con dispersiones y movimientos espaciales diversos. Es una obra iniciada en 2014 que permanece en progreso. La espacialización de la obra ha sido realizada con la técnica Ambisonics. José Rafael Subía Valdez: Quantum Quantum es una obra electroacústica/audiovisual que trabaja una idea conceptual recurrente del compositor al querer reescalar eventos de distinta naturaleza, a proporciones variadas; por ejemplo como encoger una explosión o magnificar un pedazo de algodón, logrando una apreciación distinta de estos. Quantum esta inspirada en la idea de sonido atómico. Fue compuesta utilizando distintas técnicas de síntesis y procesamiento del sonido como VASP y síntesis granular, y utiliza ambisonics como sistema de espacialización. El video, es producto de una colaboración con el artista visual Felipe Jácome [3po]. Nicolás Varchausky: Resonancias, Turbulencias y Explosiones: /t/ /n/ /S/ La serie Resonancias, Turbulencias y Explosiones es un proyecto a largo plazo que se propone la exploración acústica del alfabeto, a partir de la creación de piezas electrónicas breves para sonido en 3 dimensiones. Cada pieza utiliza las componentes acústicas de una letra del abecedario para revelar y desplegar el paisaje sonoro interior latente en ella. La serie toma su nombre de las propiedades acústicas básicas de la oralidad: cuando hablamos, filtramos columnas de aire turbulento, hacemos resonar interrupciones periódicas de esas columnas y liberamos abruptamente presión acumulada debajo de la glotis. Al proponer sumergirnos en la interioridad misma de cada fonema, la mínima unidad sonora de la palabra, la serie se plantea como la búsqueda del sonido y sentido último de nuestro lenguaje. Se presentan en esta ocasión, las letras /t/ /n/ y /S/. Pablo Di Liscia: El aire y la reja El título de la obra hace una doble alusión hacia aspectos de la composición musical y sonora que su autor considera fundantes en la electroacústica. Por un lado, las divisiones o particiones que se realizan de los materiales sonoros en el tiempo, a través de la secuenciación y el montaje y las particiones en distintas regiones de frecuencia a través de las técnicas espectrales. Dichas divisiones o particiones generan materiales sonoros contínuos y secuencias como si la materia sonora de base (principalmente sonidos de clarinete bajo) de naturaleza contínua (el aire) pasara a través de una grilla (reja). Por otro lado, la obra tiene una organización de las estructuras de duración muy detallada a través de campos de duraciones controlados de forma estadística en variedad y densidad. También la organización de las duraciones pasa por la grilla métrica o mensurada y el tiempo contínuo. Estas dos maneras o modalidades de concebir los espacios sonoros resulta realizada a través de la segregación y fusión de estratos a través de diversos recursos, principalmente la espacialización. El aire y la reja está organizada en base a tres partes sin solución de continuidad, una electroacústica, una instrumental y la última mixta. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Dana Jessen / Paula Matthusen [USA] Dana Jessen, Paula Matthusen (USA) 14 mar 2014 During the course of the residency, Dana Jessen and I will be developing a new work for bassoon and live-electronics, entitled of an implacable subtraction. The title draws its name from Julio Cortázar’s landmark work Hopscotch, in which multiple, navigable paths are made suggested and made possible, disrupting the linearity of the narrative. Working with Dana Jessen’s wide range of extended techniques for the bassoon, I will explore the range of spectra the instrument can create (through multiphonics and singing) as well as their levels of stability and predictability. The spectra produced by the bassoon at different points will be analyzed in real time, and influence not only the actual live-processing of the sound, but also the potential paths the piece can follow. of an implacable substraction is part of a commissioning project made possible by the New Music Bassoon Commissioning Fund, which include new works by Sam Pluta, Tristan Perich, and Peter V. Swendsen. DANA JESSEN Praised for her diverse talents, bassoonist Dana Jessen is in high demand as a soloist, chamber musician, improviser and new music specialist. Dana is the founder of Splinter, a San Francisco-based reed quintet, and has performed with the San Francisco Contemporary Music Players, Ensemble Dal Niente, Calefax Quintet, Rushes Ensemble, Pamela Z, Lucky Dragons, Amsterdam Contemporary Ensemble, Callithumpian Consort and Harvard Group for New Music, among others. Her strong ambitions to explore free jazz and creative improvisation have led to performances throughout Europe and the United States with Han Bennink, Frank Gratkowski, Joe Morris, Taylor Ho Bynum, Michael Moore, Ab Baars, Anne La Berge, Wilbert de Joode, Fred Lonberg-Holm, Mike Reed and many others. In 2009, Dana created the New Music Bassoon Fund, an ongoing consortium commissioning podium dedicated to large scale works for bassoon. Through this ground-breaking organization, Dana invited 30 bassoonists to participate in the project’s first commission, an hour-long composition titled, Rushes, for seven bassoons by composer and Bang on a Can co-founder, Michael Gordon. Dana premiered Rushes in Fall 2012 with a hand picked ensemble of the most innovative bassoonists in the U.S. and continues to tour it around the world. Hailed as ""fascinating...Gordon's simple transformations achieve, in all their simplicity, a great expressiveness"" (NRC-Dutch National Newspaper), Rushes has been described as an evening length tour-de-force. Recent concert highlights include performances at the Ravinia Music Festival in Highland Park, Belgium’s Concertgebouw Brugge, Berlin's Universität der Künste, San Francisco’s Yerba Buena Center for the Arts, November Music in the Netherlands, Brooklyn’s Roulette, the Huddersfield Contemporary Music Festival and Amsterdam's World Minimal Music Festival at the Muziekgebouw aan' t IJ. She has been artist in residence at the Experimental Media and Performing Arts Center, Atlantic Center for the Arts, Amsterdam's STEIM, De Lindenberg Productiehuis, and the Omi International Arts Center. Her recordings as a bassoonist and improviser can be heard on RIOJA, Evil Rabbit and the New World record labels along with a forthcoming 2014 release on Bang on a Can's Cantaloupe Music. Dana has also been heard on radio programs including NPR's All Things Considered, Chicago Public Radio’s Relevant Tones and the BBC Radio's Hear and Now. Dana is currently a Lecturer at the Oberlin Conservatory of Music and has presented masterclasses and workshops on topics surrounding contemporary music and improvisation for students at the Massachusetts Institute of Technology, University of Michigan, San Francisco Conservatory of Music, the Peabody Institute of the Johns Hopkins University, and University of California at Berkeley among others. She holds a M.M. in Bassoon Performance with academic honors from the New England Conservatory of Music and a M.M. in Improvisation from the Artez Hogeschool voor de Kunsten in the Netherlands. She lived in Amsterdam for three years as the recipient of a2009-2011 HSP Huygens Fellowship and 2008-2009 J. William Fulbright Fellowship where she researched contemporary and improvised music. PAULA MATTHUSEN Paula Matthusen is a composer who writes both electroacoustic and acoustic music and realizes sound installations. In addition to writing for a variety of different ensembles, she also collaborates with choreographers and theater companies. She has written for diverse instrumentations, such as ""run-on sentence of the pavement"" for piano, ping- pong balls, and electronics, which Alex Ross of The New Yorker noted as being ""entrancing"". Her work often considers discrepancies in musical space—real, imagined, and remembered. Paula Matthusen Her music has been performed by Dither, Alarm Will Sound, International Contemporary Ensemble (ICE), orchest de ereprijs, Ballett Frankfurt, The Glass Farm Ensemble, James Moore, Kathryn Woodard, Todd Reynolds, Kathleen Supové, Margaret Lancaster and Jody Redhage. Her work has been performed at numerous venues and festivals in America and Europe, including the Tanglewood Festival of Contemporary Music, the MusicNOW Series of the Chicago Symphony Orchestra, Other Minds Festival, the Ecstatic Music Festival, Merkin Concert Hall, the Aspen Music Festival, Bang on a Can Summer Institute of Music at MassMoCA, the Gaudeamus New Music Week, SEAMUS, International Computer Music Conference and Dither's Invisible Dog Extravaganza. She performs frequently with Object Collection, and through the theater company Kinderdeutsch Projekts. Awards include the Walter Hinrichsen Award from the American Academy of Arts and Letters, a Fulbright Grant, two ASCAP Morton Gould Young Composers' Awards, First Prize in the Young Composers' Meeting Composition Competition, the MacCracken and Langley Ryan Fellowship and recently the ""New Genre Prize"" from the IAWM Search for New Music. Matthusen has also held residencies at The MacDowell Colony, Yaddo, create@iEar at Rensselaer Polytechnic Institute, STEIM, and the Atlantic Center for the Arts. Matthusen completed her Ph.D. at New York University - GSAS. She was Director of Music Technology at Florida International University for four years, where she founded the FLEA Laptop Ensemble. Matthusen is currently Assistant Professor of Music at Wesleyan University, where she teaches experimental music, composition, and music technology. Programa - Improvisation - Dana Jessen + Paula Matthusen - this person would be an animal - Dana Jessen - eden's arch of promise bending - Paula Matthusen - Of an implacable subtraction (work in progress) - Dana Jessen + Paula Matthusen - Dorian Reeds :: - By Terry Riley, performed by Dana Jessen + Paula Matthusen Previous Next

Obra < Back Richard Festinger (Estados Unidos) - Icarus in Flight Obra Composer Richard Festinger has garnered international recognition for his extensive catalogue of vocal and instrumental compositions. Writing for the Tanglewood Music Festival, Frank J. Oteri describes Festinger’s music as “notable for its combination of propulsive energy with an impeccable sense of poise and balance,” and WQXR Radio in New York has dubbed him “an American master.” Festinger is a professor emeritus of San Francisco State University. He received M.A. and Ph.D. degrees in composition from the University of California, Berkeley, and in 1985 co-founded the acclaimed San Francisco based modern music ensemble Earplay. Festinger’s music is published by C.F. Peters Corp. and Wildcat Canyon Music Press. His works have been recorded for the Naxos, Bridge, CRI, Centaur, and CRS labels. The recipient of numerous major awards and commissions, he has been honored with both the Walter Hinrichsen Award and an Academy Recording Award from the American Academy of Arts and Letters. Icarus in Flight Icarus in Flight In modeling the earth1s changing climate, my new quartet, Icarus in Flight, uses historical data on population growth, carbon emissions and land-use transformation, during the period 1880 projected out to 2080, to control certain aspects of the music. - Population growth controls the average density of musical events over time, increasing, in the worst case, by a factor of 9. In this context, density means the number of musical events in a given time period (if more than one instrument initiates an event at the same time it is still considered one event). - Carbon emissions control the frequency range of the music, from lowest to highest pitch, increasing gradually from a perfect fifth in the middle register to a span of 6.25 octaves, before collapsing to almost nothing. - With respect to land-use , an increase from 13% to 43% of the earth1s land surface devoted to human use (i.e. habitation, agriculture and grazing) is represented by the increasing proportion of music that is played with specialized timbres (tone colors), including mainly pizzicato, tremolo bowing, and bowing close to the bridge (producing a fragile timbre characterized by a greater proportion of high frequency partials). The era of international cooperation on climate change begins circa 1979. If one listens closely one can hear fleeting moments of repose on the interval of a major 3rd marking the dates of international meetings. Icarus in Flight is comprised of three large sections played without pause: the first representing the years 1880 to 1945, when the data are growing slowly; the second from 1945 to 2015 when growth accelerates exponentially; and the third from 2015 to 2080. In the last section, our future, the controlling data alternate between the best and worst case future scenarios (i.e., representative climate pathways 2.6 and 8.5) based on the models developed by the Inter-governmental Panel on Climate Change (IPCC), a scientific body under the auspices of the United Nations. Each year occupies eight seconds of musical time, the entire piece lasting about 27 minutes. The title of my new quartet offers a metaphor for the trajectory of climate change. Imprisoned by King Minos on the isle of Crete, the brilliant Athenian craftsman Daedalus fashioned wings of feathers fixed with wax for himself and his son Icarus, so to escape from the isle by flight. Daedalus warned his son against flight too low or too high, to avoid both the ladening dampness of the sea and the wax-melting heat of the sun. Elated by the thrill of flight, Icarus ignored his father1s admonitions, venturing high into an environment too warm to sustain him. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

“Surface Tension” is a collaborative interdisciplinary work for piano and interactive video created by pianist Eve Egoyan and artist David Rokeby. It was commissioned by the Open Ears Festival with a grant from the Canada Council. It was premiered at Open Ears in Kitchener in May of 2009. < Back Ir al final | go to botom Surface Tension and works for augmented acoustic piano “Surface Tension” is a collaborative interdisciplinary work for piano and interactive video created by pianist Eve Egoyan and artist David Rokeby. It was commissioned by the Open Ears Festival with a grant from the Canada Council. It was premiered at Open Ears in Kitchener in May of 2009. “Surface Tension” is a collaborative interdisciplinary work for piano and interactive video created by pianist Eve Egoyan and artist David Rokeby. It was commissioned by the Open Ears Festival with a grant from the Canada Council. It was premiered at Open Ears in Kitchener in May of 2009. In “Surface Tension”, Eve’s performance at the keyboard is transformed and interpreted by a computer into live visual images projected onto a screen rising from the body of the piano. The visuals respond to a variety of performance parameters including dynamics, pitch, the harmonic relation between pitches, the use of the sustain pedal, and the duration of individual notes. This extends the piano into a visual instrument as well as a musical one. Much of the visual material is based on simulations of natural processes such as the swarming behaviours of insects, the trajectories of planets or the rippling of water when a pebble hits the surface. Eve's performance triggers and modulates aspects of these simulations; the visual representations respond to Eve, but also have a sort of life of their own, becoming in a sense a partner in the performance. In one movement, each note played on the piano contributes to the construction of a three-dimensional tower. In another, Eve draws out the trajectories of falling snowflakes, manipulating the live processing of a pre-recorded video. Yet another charts the harmonic relationships between the notes that Eve is playing. The performance itself is a loosely structured audio-visual improvisation in 5 movements. The improvisation is shaped partly by Eve's response to the system's visual response to her playing. Except for the change of software programs between movements, all visual activity on the screen is directly responsive to Eve. The result is an extraordinary integration of sound and image in which neither of these elements dominate the other. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS