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Festival Visiones Sonoras 19 Sonido, medio ambiente y cambio climático Sound, environment and climate change Marzo / March 6 - 10 . 2023 EL FESTIVAL VISIONES SONORAS Se celebra anualmente desde 2005 en Morelia, Michoacán, México y se enfoca en propuestas artísticas que incluyan nuevas tecnologías como parte primordial de su creación, ofreciendo al público asistente propuestas con una visión actual de lo que está sucediendo globalmente en la creación artística. VISIONES SONORAS FESTIVAL Held annually since 2005 in Morelia, Michoacán, Mexico, focuses on artistic proposals that include new technologies at the core of artistic creation, offering a current perspective of what is happening globally in artistic creation. TESTIMONIOS Crónica PROGRAMA | PROGRAM INSTALACIONES | INSTALLATIONS Recopilación de equipo electrónico en desuso INVITADOS | GUESTS Ediciones anteriores | Previous editions 2021 2021 2021 2022 2019 2018 2017 2020 2016 2015 2014 2013 2012 2011 2010 2009 2008 2007 2005 2006 Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Punto de convergencia. [COLOMBIA / ARGENTINA] Claudia Robles - Angel (Colombia/Alemania) 25 ene 2019 Obras audiovisuales de Claudia Robles-Angel En sus composiciones audiovisuales, Claudia Robles trata los elementos visuales y sonoros como entidades separadas e individuales, no relacionadas entre sí: texturas visuales y auditivas son combinadas en contrapunto creando sin embargo en algunos momentos puntos de convergencia entre lo auditivo y lo visual. De esta manera el público se ve inducido a un estado de duda permanente y está en sus manos el decidir en cada momento qué dirección (visual o sonora) seguir. En Ideas Sónicas 2014, bajo el título Audiovisual: perspectivas de una entidad indivisible, Claudia Robles presenta detalles de su propuesta artística con relación a la composición audiovisual, la cual está inspirada en escritos de Gilles Deleuze sobre lo audio-visual. Claudia Robles-Angel es artista audiovisual y de nuevos medios. Nació en Bogotá - Colombia y actualmente vive y trabaja en Colonia -Alemania. Su obra cubre diferentes aspectos del arte visual y sonoro, el cual se extiende desde obras audiovisuales en medio fijo hasta performances interactuando con señales biomédicas usando interfaces tales como la EMG que mide la tensión muscular y la interfaz EEG (electroencefalograma) que mide la actividad cerebral. Ha sido artista en residencia en diversos centros de arte, entre los mas destacados el Center for Art and Media - ZKM Karlsruhe, la KHM Colonia y recientemente en el ICST Institute for Computer Music and Sound Technology, ZHdK in Zurich. Su obra es constantemente presentada no sólo en festivales/conferencias de nuevos medios y arte sonoro sino también en exposiciones individuales y colectivas a nivel mundial, entre los más destacados se encuentran el ZKM en Karlsruhe, Enter3 en Praga, en la exposición de Capitales Europeas de la Cultura: Luxemburgo y Rumania; en el centro de multimedia KIBLA en Máribor; en la Conferencia Internacional de Música por Computador - ICMC en Copenhague, Montreal y Utrecht; en la SIGGRAPH Asia Yokohama, Conciertos en el Limb0 y en el ESPACIO Fundación Telefónica en Buenos Aires, el festival de música electroacústica de Nueva York -NYCEMF; en la conferencia de nuevas interfaces para expresión musical NIME, Oslo; en el simposio internacional de artes electrónicas ISEA Estambul, Manizales y Durban, en el Museo de Arte Contemporáneo Bogotá - MAC, en el espacio para arte de nuevos medios LEAP en Berlín, en el Simposio de música por computador CMMR en Marsella y Plymouth, en el Salón Suizo - evento colateral oficial de la 55. bienal de Venecia, Audioart Festival en Cracovia, Miami New Media Festival, en el centro para Artes con Medios Digitales Harvestworks en Nueva York, en el Kunstquartier Bethanien en Berlín, en el centro para arte Nabta Cairo, Festival MADATAC en Madrid, en el Festival de Arte Digital en Atenas ADAF y recientemente en el Experimental Intermedia New York City. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: 23rd JEU DE TEMPS / TIMES PLAY, IN COLLABORATION WITH CMMAS [CANADÁ - LATINOAMÉRICA] "Canada Véro Marengère Steven Webb Latin America Alejandro Brianza Juan Cáceres Avitia Guillermo Eisner Sagüés Oscar Andres Chaves Morales" 23 jun 2023 "-Steven webb -- iSAD v.1.0 (2021 /13:51) [Videomusic] iSAD or “Internet Separation Anxiety Disorder” is a term used online to describe the anxious feelings associated with being separated from the digital world for an extended period. During the pandemic, this digital separation manifested with real consequences, as any loss of signal led to a loss of communication with other humans entirely. Exploring online forums during the first Covid lockdowns of March-December 2020 led me to encounter other peoples' stories of their battles with loneliness, and highlighted to me the importance of digital spaces in contemporary social life. Intersecting with these spaces are AI Bots, which are becoming an increasingly frequent part of moderating online communities. I posed questions to the AI GPT-3, asking it about happiness, predictions for the future and how it felt to be separated from humans. Compiling these answers, I interspersed them with the sounds of 1990s Apple Macintosh computers and a poem by Victoria Liao. ¡Sad — a friend Or a closet face at home to mend and clothed to send to caustic space? Is ad a friend, or made to end? A cause to pace home to amend that sad’s a face, lost to a rend. I sat a friend at home to mend. —Victoria Liao -Oscar Andres Chaves Moreales -- The Garden on the other side of the fence (2021 /8:28) The Garden on the Other Side of the Fence is born of a listening score for an electroacoustic mixed work with tape, accordion and guacharaca, and meant to be played live. The graphic possibilities afforded by representing sound parameters as spectral visualization provide the tools to go further with some additional emotional understanding: colours, proportions and thresholds not only quantify but can express as well. This work seeks to articulate a bothersome situation in my life in the rainy Colombian countryside: to live next to a large flower-growing company that exports its harvest for sale to countries in the Northern Hemisphere during the winter. -Alejandro Brianza -- kowloon (2022 / 5:51) Located in Hong Kong and also known as “the city of darkness”, Kowloon was the most densely populated settlement in history. And although its inhabitants maintained an organization based on a harmonious state of anarchy, certain problems related to gangs, drugs and other illegalities led to Kowloon’s demolition in 1994. The memory of Kowloon today is a cyberpunk postcard, swinging between tranquility and chaos. -Juan Cácares Aviti -- Entendre la Sensation (2021 / 6:42) What matters here is the double meaning of the French verb “entendre”: to listen and to hear, but also, to understand. - Guillermo Eisner sangüés -- Esculturas temporales (2022 / 7:53) Esculturas temporales is arranged as a continuum of sound fragments that seeks to construct diverse ways of sculpting time, diverse gestures, diverse paths of accumulation and distension of energies. Composed exclusively from double bass samples, the work takes sound as a malleable material and proposes to sculpt on it as if we could grasp it, take it, feel it with our hands. In short, it is a vain attempt to make tangible an ephemeral material such as sound, of which we can only verify the temporal and spatial experience that its fleeting presence leaves us with. -Véro Marengère -- Hyra (2022 / 6:00) [Videomsic] Hydra is a 3D video artwork made with photogrammetry, scanning, 3D modeling and animation. The sounds are made exclusively from granular synthesis and voice synthesis via SuperCollider. The work evokes the quiet strength of plant beings. From being nearly totally paralyzed in a “natural” environment to being fully mobile and vibrant in an “artificial” environment, the plant no longer resembles a plant, but rather more an algae or mineral being. The work questions our tendency to oppose the natural of the unnatural. In this meditative and benevolent 3D alterworld, plants explore the ambiguity of their own identity." Previous Next

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Nicolas Varchausky Artista condecorado en todo el mundo Nicolás Varchausky (AR, 1973) es compositor, artista sonoro e intérprete. Es Licenciado en Composición Musical Electroacústica de la Universidad Nacional de Quilmes (Argentina), donde se desempeña como profesor asociado e investigador. También es profesor en la Universidad Nacional Tres de Febrero (Argentina) a nivel de posgrado y pregrado. Su investigación se centra en las relaciones musicales entre el espacio, el sonido, el habla y la memoria dentro de los entornos tecnológicos. Su producción artística incluye composiciones de música electrónica e instrumental, proyectos interdisciplinarios en espacios públicos, performances de arte sonoro e instalaciones artísticas interactivas. Los encargos recientes incluyen los de la 48ª Ferienkurse für Neue Musik en Darmstadt y la Bienal de Performance BP15 en Buenos Aires. Ha recibido la Beca IBERMUSICAS 2018 como artista en residencia en CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Tiene un doctorado en Artes Digitales y Medios Experimentales (DXARTS, Universidad de Washington, Seattle, EE. UU.). Ver cursos disponibles Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

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Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Diego Losa Nacido en Buenos Aires en 1962, estudió estudió flauta, saxofón y armonía. Realiza cursos introductorios de analisis musical y una certificacion de dirección orquestal. Posteriormente se especializa en técnicas de sonido. Antes de su instalación en Francia en 1996, fue director de producción en el LIPM (Laboratorio de Investigación y Producción Musical) enseñó técnicas de composición electroacústica en las universidades de Córdoba y Rosario .Actualmente es miembro del INA GRM (Grupo de Investigación Musical) en Radio France. Compuso músicas para espectáculos de danza y circo: «Crónicas del tiempo», una pieza acúsmática en multicanal (2005) en el GRM, con coreografía de Mercedes Chanquia-Aguirre (2007), Festividades del 14 de julio en Nantes con la compañía de Fréd Deb «Ici, là … ailleurs para la compañía «En hermosas hojas» en el 2do Festival de Circo Contemporáneo (2001), Compañía «Las Odas Azules» (1999) creación para el teatro Alexandre Dumas de Saint Germain en Laye, Scenes of Love and War (1998) . Participa como intérprete en conciertos de música popu.lar latinoamericana, electroacústica y jazz. Participó en el Festival Musicacoustica invitado por el Conservatorio Central de Beijing donde dictó clases magistrales. Ver cursos disponibles Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

CREATIVE MINDS COME TOGETHER EL FESTIVAL VISIONES SONORAS Se celebra anualmente en Morelia, Michoacán, México desde hace 17 años, sostenido bajo tres grandes pilares: exhibición, divulgación y educación. Se enfoca en propuestas artísticas que incluyan las nuevas tecnologías como parte primordial de su creación, ofreciendo al público asistente propuestas novedosas e inmersivas con una visión actual de lo que está sucediendo globalmente en la creación artística. -- VISIONES SONORAS FESTIVAL It has been held annually in Morelia, Michoacán, Mexico for 17 years, sustained under three main pillars: exhibition, outreach and education. It focuses on artistic proposals that include new technologies as a primary part of their creation, offering the attending public innovative and immersive proposals with a current vision of what is happening globally in artistic creation. Visiones sonoras CONOCE TODOS LOS CONCIERTOS CHECK ALL THE CONCERTS Button Mesas redondas ------ Round tables I'm a paragraph. Click here to add your own text and edit me. It’s easy. Just click “Edit Text” or double click me to add your own content and make changes to the font. Conferencias ------ Lectures I'm a paragraph. Click here to add your own text and edit me. It’s easy. Just click “Edit Text” or double click me to add your own content and make changes to the font. Actividades en vivo ------ Live activities I'm a paragraph. Click here to add your own text and edit me. It’s easy. Just click “Edit Text” or double click me to add your own content and make changes to the font. Button Conoce todas las actividades ACTIVIDADES ACADÉMICAS ACTIVIDADES ACADÉMICAS ACADEMIC ACTIVITIES ACADEMIC ACTIVITIES Acercamientos Sonoros Descripción I'm a paragraph. Click here to add your own text and edit me. It’s easy. Just click “Edit Text” or double click me. Acercamientos Sonoros View More Ver detalles Ars Electronica Sonja Descripción I'm a paragraph. Click here to add your own text and edit me. It’s easy. Just click “Edit Text” or double click me. Ars Electronica View More Ver detalles TALLERES | WORKSHOPS TALLERES | WORKSHOPS Sorteo | Raffle Descubre todos los productos que podrás ganar en el sorteo VS17 y como participar ¡Consigue tu boleto y se uno de los afortunados ganadores! -- Take a look to all the products that you can win in the VS17 raffle and how to participate Get your ticket and be one of the lucky winners! Button Descubre todas las instituciones participantes Discover the participating institutions REDES INSTITUCIONALES REDES INSTITUCIONALES INSTITUTIONAL NETWORKS INSTITUTIONAL NETWORKS Invitados | Guests Conoce a todos los artistas invitados | Discover all the artist guests Conoce a todos los programas del CMMAS | Discover all the programs of CMMAS Ediciones anteriores 2020 2019 2018 2017 2016 2015 2014 2013 2012 2011 2010 2009 2008 2007 2005 2006 COLABORADORES

Esta mesa redonda consta de cuatro presentaciones en las que estudiantes del Posgrado en Música de la UNAM, del área de tecnología musical, generación 2021, hablan de sus proyectos de investigación. La mesa es moderada por Jorge David García, profesor de investigación del mismo posgrado. < Back Ir al final | go to botom Perspectivas de tecnología musical - Mesa redonda Jorge David García (México) - Libertad Figueroa (México) - Alejandro Ramírez (México) - Sofía Matus Cancino (México) Esta mesa redonda consta de cuatro presentaciones en las que estudiantes del Posgrado en Música de la UNAM, del área de tecnología musical, generación 2021, hablan de sus proyectos de investigación. La mesa es moderada por Jorge David García, profesor de investigación del mismo posgrado. Jorge David García. Compositor e investigador especializado en temas de tecnología musical y estudios sonoros. Profesor de la Facultad de Música de la UNAM y miembro del Sistema Nacional de investigadores. Libertad Figueroa. Artista mexicana enfocada a la improvisación/experimentación/musical con sintetizadores y código en SuperCollider. Alejandro Ramírez. Compositor egresado de la Facultad de música de la UNAM. Su trabajo principal es en el ámbito cinematográfico, realizando música original, sonido directo, diseño sonoro y mezcla. Ollin Vázquez González. Compositor enfocado principalmente en las tecnologías musicales, la música experimental y la música vocal, egresado de la Academia de Arte de Florencia. Sofía Matus Cancino. Artista digital radicada en el Valle de México, egresada del Conservatorio de Música del Estado de México como técnico en piano y Licenciada en Arte Digital por la UAE ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Javier Álvarez 1956-2023 Comp ositor, creador, educador, gestor cultural Nacido en 1956 y criado en la Ciudad de México, el compositor, educador e intelectual Javier Álvarez creció en una familia de arquitectos, aprendió a tocar el clarinete y comenzó a componer a temprana edad, tocando jazz y música tradicional mexicana durante su adolescencia. La efervescencia artística, literaria y musical de su país natal y sus estudios de pregrado en el Conservatorio Nacional con los mentores Mario Lavista y Daniel Catán lo impulsaron a alcanzar el reconocimiento como compositor emergente a principios de los años setenta. Después de obtener más títulos académicos de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee y más tarde del Royal College of Music y la City University de Londres, donde vivió y trabajó durante casi 25 años, regresó a su país natal en 2005. La búsqueda musical de Javier Álvarez ha involucrado varios géneros a lo largo de su vida: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1978, a los 17 años, obtuvo reconocimiento nacional como ganador de un premio de composición orquestal y para 1993 había compuesto la música de Cronos, la ópera prima del cineasta ganador del Oscar Guillermo del Toro. La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. En las conceptualizaciones musicales de Álvarez, como en las de Ginastera, Bartok, Lutoslawski o Revueltas, esto no es solo un adorno fácil: cuando uno escucha obras como Temazcal se reconoce una voz individual, un poder cognitivo; ese que surge cuando, en cada nueva escucha de una pieza, uno percibe una singularidad que es nueva y desafiante pero identificable: una mezcla abstracta y fluida de fantasía, humor, inteligencia e imaginación que es única e individual. En consecuencia, la música de Álvarez impregna una trama fantástica, pero el oyente invariablemente percibe una "claridad de dicción", o lo que en música se refiere a la capacidad del compositor para convertir lo que primero se imagina y luego se escribe en una experiencia sonora memorable. Esta es una hazaña mental que solo unos pocos artistas logran lograr. En palabras del musicólogo Aurelio Tello, “las obras de Álvarez reflejan un lúcido deseo de borrar las fronteras entre lo erudito y lo popular y afirmar un compromiso con lo heredado, lo aprendido y lo creado. Imagina una escena para transformarse en sonido, ya sea un movimiento de remeros, como en Trirreme ; la mecánica de un objeto, como en De aquí a la veleta , la invención de un folclore imaginario, como en Geometría foliada , y un paseo rutinario que estimula la imaginación creadora del compositor, como en Jardines con palmera . Luego procede con una orquestación impecable, lo que resulta en el descubrimiento de una gran cantidad de timbres, una certeza sonora que distingue a Javier Álvarez como uno de los compositores contemporáneos más refinados, personales y originales”. Amigo entrañable y maestro en todos sentidos. Siempre agudo y con una crítica sincera pero constructiva. Padre, marido, amigo, compositor, intérprete, maestro, gestor, director. ¿Cómo se puede ser tantas cosas? En realidad, son una sola. Transportador de ideas en sonido y en palabras, en acciones y en gestos. Javier es la razón de escuchar diferente y conmoverme tanto con el sonido. “Debes de llevar esta idea al máximo. Cuando sientas que ya no da mas, ahí apenas estas comenzando” decía. Su música, sorprendente, conmovedora, conectada con lo importante. Interesado en tantas cosas. En el origami, el café, la política, los gadgets, los bichos, la foto, los espacios. Recordaba detalles significativos, pero estaba ahí para las cosas de cada día. Pilar siempre del CMMAS, de Visiones Sonoras y muchos otros planes. Te voy a extrañar para siempre y para siempre te daré las gracias mas profundas que puedan existir. Rodrigo Sigal (mayo 24, 2023) A manera de homenaje el CMMAS ha recopilado en este sitio el material que hemos tenido la fortuna de producir, apoyar y compartir. Los invitamos a escuchar, conocer y disfrutar del trabajo de Javier Álvarez: Recordar a los compositores que hemos conocido, contar sus historias, realizar sus dibujos verbales, su écfrasis creativa, es más importante y urgente de lo que uno piensa. Cuántos amigos de Revueltas se llevaron con ellos las anécdotas, las conversaciones, los recuerdos de los momentos vividos, o de Chávez, o Candelario Huizar cuando era laborioso y paciente bibliotecario del Conservatorio Nacional. Hay, si acaso, alguna foto. Porque no se usaban las fotos como ahora, podría decirse, pero tampoco hay fotografías de palabras, y las palabras no escaseaban entonces. El propio Manuel Enríquez, tan cercano a nosotros y tan lejano a la vez. Y ya que le he mencionado empezaré por ahí. Conocí a Javier en el viejo Cenidim, en el primer Cenidim, que fundó y a la sazón dirigía Manuel Enríquez, precisamente. Javier llegó desde las humedades grises de Londres para escribir una obra electroacústica en el laboratorio instalado en la calle de Liverpool (16), donde estaba atracado un Moog monumental, como en una película retro de ciencia ficción. —Vine de Londres a Liverpool, que chiste —dijo, siempre con un sentido del humor a flor de piel. Se aparecía, y daban ganas de sonreír. Contagiaba su vitalidad feliz. Tenía dentro de sí una especie de sol meridiano portátil que no le abandonó ni en los momentos más grises. Javier estaba ahí, invitado por Enríquez. Todavía no nacía la Mac, hay que decirlo, porque esas computadoras, desde la Classic, constituyeron uno de los detonantes de felicidad metafísica de Javier. Yo andaba por los diecisite. Era el año 79, quizás el 80. El Cenidim, en su primera versión, estaba ubicado en una casa porfiriana de gran belleza, con ventanas nostálgicas que empezaban a desanudarse de un pasado lleno de voces y sonidos. Ese pasado se desprendió del todo con el terremoto del 85. Todo alrededor. Pero la vieja casona sobrevivió de manera inverosímil, y ahí siguió, desfasada de su centro de gravitación, lo que pareció asentarla en un espacio descolocado de deconstrucción muy a la moda. Hoy es la sede de la fundación Ocavio Paz. Tenía una escalera de caracol con baldosas de mármol. Javier, como hijo de arquitecto, hacía constantes reflexiones sobre sus proezas constructivas, con gran tino, como si la casa le susurrara sus secretos al transitar por ella. Al fondo, en lo que inicialmente debió ser un jardín, se construyó una mole rectangulada, un tanto Bauhaus, que por fortuna parecía discretamente escondida. En la planta baja estaban instalados los gabinetes para el taller de composición, que dirigió por muchos años Federico Ibarra. En la segunda planta aguardaba el tesoro, el laborioso laboratorio instalado con exactitud ingenieril por el ingeniero Raúl Pavón, uno de los pioneros de la electroacústica quien recibió a Javier con el emotivo comedimiento con que son recibidos los héroes. Javier venía de escuchar otros sonidos más allá del oceano (no había Internet y los acetatos eran la tecnología de punta), y Pavón quería no tanto escucharlos, como imaginar sus centáuricas estructuras acústicas. En ese momento la electroacústica nos presentaba sonidos no escuchados, sonidos imposibles seguramente provenientes de otra galaxia. Escuchábamos las transformaciones internas del sonido como cosas de otro mundo, aunque la acústica nos las explicara como cosa sensata e inofensiva. Fue el paso desde la electroacústica que quería parecerse a los instrumentos, para sustituirlos, a una electroacústica que no quería parecerse a nada. De pronto emergió un instrumento insólito, un super órgano, que era como un cerebro exterior. Todo ocurría a través de cables, como si fuera un sistema de neuronas conectándose. Dado un sonido, un cable aportaba la altura, otro, la onda cuadrada o sinosoide, uno más, las envolventes de ataque y decaimiento, y había que agregar la intensidad, y las mezclas de las ondas (por ejemplo de la cuadrada con la triangular), y aún recursos candorosos de espacialización (candorosos si los comparamos con un sistema multicanales de hoy, aunque resultaba igualmente emocionante y espectacular). Todo eso era necesario para cada instante de sonido. Hoy hemos perdido esa latencia de lo insólito, y las sonoridades más remotas han adquirido una cierta indolencia doméstica. El laboratorio, cuyo cerebro era el Moog, se desplegaba en un laberinto de cables y conexiones, miles y miles, con cables rojos, verdes, amarillos y azules, cada uno con un código indispensable. Detrás de cada cable se ocultaba un universo desconocido y fantástico. El compositor electroacústico de entonces tenía la obligación de aprender acústica. Y por ahí se encuentra una de las historias de vida de Javier, siempre al día con la última posibilidad tecnológica, siempre agotando el último recurso en espera automática del nuevo. Javier nos cuenta con sus obras la historia tecnológica del sonido de las últimas décadas, de las décadas definitivas, en las que pasamos de grabar y cortar cintas a los procesadores del siglo XXI. Pavón quería saber cómo podía situarse su laboratorio de sonidos en el contexto de los espacios de creación que Javier había conocido en Europa y Estados Unidos, y le preguntaba constantemente por su punto de vista sobre los recursos encontrados ahí. Tenía dudas del profesionalismo de soluciones a la mexicana, con materiales comprados en la tlapaleria de la esquina, pero a la vez confiaba en la fortuna del resultado. En el centro había un Moog, que era como un sistema neuronal de un futuro distante hecho de conexiones por cables. Si ustedes han visto el área de cables del Cmmas, debo decirles que es cosa de niños frente a aquella habitación en la que los sonidos eran reducidos constitutivamente a su condición de cables. No es que cada cable fuese un sonido, pues cada sonido requería para consituírse un conjunto de cables. Algo verdaderamente alucinante. Una sola secuencia de sonido requería horas de trabajo conectivo. Había, claro, la intuición y la predicción teórica de lo que ocurriría con cada nuevo enchufe, pero siempre con el temor de algunas sorpresas que llegaron a volar las ventanas de vidrio. Entre otras cosas, ahí comprendí la potencia del sonido, que hasta entonces me había parecido inofensivo. En el doble sentido decibélico y simbólico. Fueron décadas de cambios prodigiosos, que Javier recorrió minuciosamente, escalón tras escalón. Durante medio siglo Javier compró cada artefacto que prometiera hacer algún ruido, al grado de que si los hubiera guardado (¿los guardó?) podría hacerse con ellos un museo del sonido que al mismo tiempo escribiera la biografía de Javier y de la electroacústica. La historia tecnológico-sonora de esas décadas es científica y a la vez fantasiosa, y descubre nuevos territorios de manera constante. Se llegó a decir que estábamos ante el fin de los instrumentos de madera y metal, ante el fin de las orquestas y cuartetos de cuerda. Javier veía en sus fierros y plásticos y pantallas verdaderos guarnieris en potencia. Iba de éxito en éxito con sus artefactos, pero al mismo tiempo de fracaso en fracaso, porque cada recurso mostraba sus límites con la salida del nuevo recurso, más potente, más rápido, más brillante, más poderoso desde el prestigio de su marca Acme. Hay algo triste en ese proceso, algo que no pasa, digamos, con los Guarnieri o los Stenway, que llegan para quedarse. Esa cosa efímera se vuelve constitutiva de la estética. Javier decía, con un realismo feroz, que lo que hacemos es efímero, un mero happening sin más trascendencia que el presente. Las propias historias de Javier son muy sugerentes al respecto, desde la que cita como su estímulo definitivo para tomar la decisión de ser músico, en una casa cuyas tuberías hacían propuestas percusivas aleatorias cada vez que alguien abría la llave. O aquellas historias de París, como huésped del entonces joven IRCAM. Generaba sus conexiones y lanzaba un proceso. Mientras los aparatos generaban los tres segundos de sonido inventado, Javier podía irse por un café a los Campos Elíseos y hasta escuchar de paso una sinfonía de Berlioz. Hoy eso mismo se hace en menos tiempo de lo que puede contar como tiempo. Hay que decir que Pavón escribía el que a la postre sería el libro pionero de la música electrónica en español (La electrónica en la música y el arte), y muchas de las cosas contenidas en él (yo estuve a cargo del proceso editorial) fueron tratadas por Pavón en esas conversaciones con Javier. Enríquez también era electroacústico en una buena escala, pero tanto como lo fueron Berio o Ligeti. Es la generación de Javier la que inicia con plenitud la vida electroacústica llena de aparatos que harán obsoletos en muchos sentidos a los conservatorios (Javier hablaba de ello con frecuencia), y en donde empezarán a existir compositores que vienen del ámbito de la ingeniería y no del contrapunto. A la vertiente tecnológica como medio de aproximación a Javier, sumaría una inmediatamente consecuente: el estallamiento de los sistemas de composición en tanto sistemas interválicos, base de la teoría por varios cientos de años. El sonido es otra cosa apasionante además de sus alturas. ¿Qué es? Esa sigue siendo una pregunta viable. Y con cada obra de Javier podríamos explorar una respuesta distinta. He pensado ahora que surge de pensar que hay una afinidad conceptual en el diseño de un mosquito y de un helicóptero, y escribe una obra que muestra la transición entre ambos mundos, que al final parece un simple asunto de decibeles. Mencionaré brevemente, por apremio de tiempo, un par de cosas más, que se entrelazan. Me refiero a su mexicanismo, un tanto nostálgico, imaginado por una buena etapa de su vida desde otras latitudes. La idea de poner títulos con nombres de estaciones del metro suena hoy natural, pero en su momento fue todo un desafío. Un guiño. En ese momento seguía presente, como lo está ahora, la disputa entre vanguardia y nacionalismo, como si fueran dos cosas incompatibles. Imaginemos de un lado a compositores como Leonardo Velázquez y del otro a Manuel Enríquez y Alicia Urreta. Javier, con un pie en cada lado, mostró otras posibilidades. Una especie de nacionalismo urbano contemporáneo, surgido de los sitios menos predecibles. Sin excluir los referentes simbólicos indígenas. Por ejemplo, Temazcal, que termina con una breve cita de música mexicana. Es una de sus obras más exitosas, porque reúne las señales más exactas de la obra de Javier, desde la selección ritual, chamánica, de las maracas, hasta la habilidad tecnológica. La aparición de la última cita es una revelación, parece que toda la obra es una deconstrucción de eso que escucharemos al final, como si todo lo electroacústico fuera esa cita vista desde el revés. La electroacústica como deconstrucción de lo real. Eso parece decirnos la obra. Y de pronto en una transición nos lo muestra. Esa sorpresa de ir de un punto abstracto, de sonidos que no existen hasta ese momento en que nacen, a otros sonidos que no sólo existen desde antes, sino que tienen una fuerza cultural absorbente, ahí, en esa transición, en esa frontera, ahí surge Javier Álvarez. Ahí, entre líneas, están las claves de lectura de la gran obra musical de Javier. Finalmente hablaré de poetas. Como Debussy, como Revueltas o Lavista, Javier amaba particularmente a dos poetas, al menos. Pero Tabasco y Yucatán y el sur en su conjunto forman una sola unidad cultural. Ambos tabasqueños. Ambos, poetas mayores. Pero a la vez, ambos mal leídos, por distintas razones. Por tanto no alcanzan a tener en el imaginario popular el alto rango que realmente poseen. Uno solar, transparente, admirado por el propio Revueltas en su versión joven: Carlos Pellicer. Formado con recursos de apariencia tradicional, su contenido de cien grados alcohólicos de poesía lo salva de los lugares comunes de manera permanente. La selva, el sol están en él como de algún modo también en Javier. El otro, que escribió un sólo vasto libro, José Carlos Becerra, otro Carlos. Su libro: El otoño recorre las islas. El otro extremo de lo solar, pero en el universo de la selva, del Caribe, de la humedad pesada de sonidos. Habría que buscar una lectura en clave de ambos Carlos para leer entre líneas la obra de Javier. Dije al principio que Javier, cuando aparecía, iba precedido de una sonrisa solar meridiana, en el doble sentido de Mérida y de medio día sin sombras. Luis Jaime Cortez (septiembre, 2024) Obra "La música de Javier Álvarez refleja la influencia de las culturas populares que van más allá de las fronteras de nuestro tiempo y espacio; su trabajo es representativo de una corriente sumamente importante en las artes." John Adams Homenajes Conferencias y entrevistas Galeria Conoce el homenaje en Sonus Litterarum

This presentation will introduce Space Control, a forthcoming software application enabling the realization and mixture of spatial gestures for electronic music composition. Space Control aims to provide an intuitive graphical interface for defining and combining spatial trajectories of arbitrary number and complexity within a user-defined loudspeaker arrangement, emphasizing precision, versatility, and ease of use. A discussion of the project's motivation, design, and operation will be accompanied by a software demonstration. < Back Ir al final | go to botom Space Control: A New Software Application for Intuitive Sound Spatialization - Raphael Radna (EUA) This presentation will introduce Space Control, a forthcoming software application enabling the realization and mixture of spatial gestures for electronic music composition. Space Control aims to provide an intuitive graphical interface for defining and combining spatial trajectories of arbitrary number and complexity within a user-defined loudspeaker arrangement, emphasizing precision, versatility, and ease of use. A discussion of the project's motivation, design, and operation will be accompanied by a software demonstration. Raphael Radna is a composer of acoustic and electronic music whose works embrace unconventional compositional strategies and new technologies. Specializing in interactive electroacoustic music and computer-assisted composition, he regards the computer-composer nexus as the foremost tool for discovering and realizing innovative directions in music composition and performance. Raphael’s music has been presented in concerts, festivals, and conferences across the United States and in Japan, including the International Computer Music Conference, the New York Electroacoustic Music Festival, the California Electronic Music Exchange Concerts, the UCSB Summer Music Festival, and the Osaka University of Arts Electroacoustic Music Festival. He also has extensive professional performance experience on guitar, bass guitar, keyboard, and electronics; his performance credits include appearances at The Hollywood Bowl, REDCAT, CounterPulse, The Center for New Music in San Francisco, and the Time-Based Art festival in Portland, OR. Raphael holds a BA in Music from Vassar College, an MFA in Electronic Music and Recording Media from Mills College, and is currently pursuing a PhD in Music Composition at UC Santa Barbara. His teachers include João Pedro Oliveira, Clarence Barlow, Curtis Roads, W.A. Mathieu, John Bischoff, Chris Brown, and Peter McCulloch. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto - In the archive: Electroacoustic Music. [SUECIA] Kent Olofsson (Suecia) 7 jun 2019 En el concierto, el compositor sueco Kent Clohson presentars algunas de sus piezas electroacústicas. Su música en este campo son exploraciones sonoras que comienzan con sonidos concretos e instrumentales que se transforman y se mezclan con materiales sinteticosy electrónicos Olofsson a menudo trabaja con formas de arte interdisciplinares y la música presentada en este concierto, que es puramente música de concierto, se basa en la inspiración de la mitologia, el arte y el teatro. Kent Clofsson (1962) es un compositor con una exterisa producción artistica de casi 200 obras que abar- can un amplio campo de géneros tipos de ensamblos y contextos que incluyen música para orquesta, música de cámara, música electroacústica, teatro musical, rock alternativo, música para instrumentos barrocos y obras para danza e instalaciones. Su música ha sido interpretada por ensambles y orquestas como Ensemble Recherche, Symphonloorchesters des Bayerischen Rundfunks, Radio Sueca Kammaren sembleN, Klangforum Wien, Oslo Sinfonietta y Avantil y por directores como Lothar Zagrosek, Gustavo Dudamel, Mario Venzago y Franck Ollu Desde 2009 colabora con el grupo de teatro suoco Teatr Weimar, Sus producciones han sido amplia mente reconocidas internacionalmente con actuaciones como "Hamlet I: Exit Ghost", "A Language at War" y "Arrival Cities: Hanoi", esta última compuesta para instrumentos vietnamitas, conjuntos de cámara y electrónica. Olofsson tiene un doctorado en investigación artistica con is tesis "Componiendo el performace una exploración de la composición musical como una estrategia dramatúrgica en el teatro intermedial can temporáneo desde 2018. En la tesis, analiza los procesos artisticos y colaborativos, en cinco presenta clones que creo junto con Teatr Weimar y que se encuentran en la intersección entre el teatro contam poráneo, la nueva música, las obras de radio y el performance. Previous Next