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01.06.2022 < Regresar Jaime Reis (Portugal) 01.06.2022 Título de concierto Jaime Reis es un compositor portugués que estudió con Karlheinz Stockhausen y con Emmanuel Nunes (su codirector de doctorado), después de estudiar Composición y Música Electrónica con J.P.Oliveira. Es el fundador y director artístico del Festival DME y del Lisboa Incomum. Su música, tanto instrumental como electroacústica, ha sido interpretada en más de 20 países. Ha trabajado con instituciones/ensambles como ZKM, IRCAM, Musik Fabrik, The Vienna Acousmatic Project, Aleph Guitar Quartet, Musiques & Recherches. Es profesor de composición y música electrónica en la Escuela Superior de Música de Lisboa (ESML). Descripción del concierto: Concierto de música acusmática de compositores y compositoras portugueses. Programa: Mariana Vieira: The unexpected encounter with diversity (2021) António de Sousa Dias: A Dama e o Unicórnio - Paisagem (2018) João Castro Pinto: Re-ciclo (2017) Jaime Reis: Fluxus, Lift (2013) Marta Domingues: Yliathim (2019) Cláudio Pina: Temptations (2020) Previo Siguiente

29.06.2022 < Regresar Jorge Gregorio García Moncada (Colombia) 29.06.2022 BLAST - SPECTRA V1, el acordeón y sus nuevos repertorios en Colombia Compositor, intérprete y docente – PhD, Universidad de Birmingham, Reino Unido (2013), Master in Music de la Texas Christian University, Fort Worth, Texas, EEUU (2003), y Músico compositor, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia (2000) – Profesor asociado del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes, enfocado actividades de investigación / creación y docencia en los campos de la composición por medios electroacústicos, mixtos e instrumentales y la teoría musical. Es fundador y director de BLAST – Teatro de Sonido de Bogotá, Universidad de los Andes –, un sistema sonoro inmersivo multicanal de alta definición para la realización de conciertos a gran escala de obras musicales con formatos mixtos y electroacústicos. Es director del Festival Internacional de Música Electroacústica SPECTRA. Asimismo, junto al compositor Santiago Lozano, es integrante del dueto de música experimental Efímero, que explora el campo de la síntesis análoga modular y procesamientos digitales con la espacialización, dentro de formatos abiertos a la improvisación en tiempo real. Descripción del concierto: Esta colección representa una pequeña muestra del amplio espectro técnico y estético de la composición musical contemporánea colombiana, en este caso plateado bajo un común denominador: la problemática de la escritura para un instrumento tan emblemático y paradójicamente ausente en el repertorio de la música académica contemporánea nacional, como lo es el acordeón, y los medios electroacústicos en un formato mixto. Son obras inéditas, todas previamente presentadas en concierto público en la primera versión del Festival SPECTRA en Bogotá en 2016. Notas a las obras por los compositores Jorge Gregorio García Moncada (n.1975) Un amor, puro e incondicional (2016) para acordeón y soporte fijo de audio a 8 canales (versión estéreo). Dur: 13:42 De las pocas memorias que tengo de mi temprana niñez hay una particularmente especial: la de escuchar a lo lejos a mamá tocando valses en su acordeón mientras que yo jugaba en algún rincón de la casa. ¡¿Cómo escuchar el sonido de un acordeón sin pensar en ella?!... Y no hay que retener la imagen específica de cualquiera de los innumerables abrazos entre ella y sus padres para ser testigo del inmenso amor que los unía. Hay otros hilos que tejen esos retazos de memoria... Me acuerdo de mamá y papá hablando acerca de la violencia. Recuerdo con una fascinación particular oír hablar a mis papás acerca del 9 de abril… acerca del Bogotazo. ¡Qué contrastes!… historias de un amor tan puro, entrelazadas con otras propias de una sociedad sofocada en un conflicto que parecería eterno. Sergio Vásquez Carrillo (n.1981) Variaciones sobre un tema Yukpa o el baile del niño (2017) para acordeón y electrónica en vivo. Dur: 07:41 Entre varios rituales de los Yukpa del Cesar, existe el baile del niño (mashukapah iwapok) en el cuál bailan en torno a un niño o a una niña para preparale para la vida y darle un carácter fuerte. Los Yukpa cantan para acompañar la fermentación de la chicha. El canto, del Resguardo Sokorpa, Comunidad Sokorpa, es muy conocido y contiene una melodía sencilla, que se repite continuamente como un mantra. Ella es el material que origina esta obra. Variaciones rítmicas, (Digestibilidad rítmica) melódicas, junto con técnicas extendidas sobre el acordeón, generan una nueva música, donde la melodía original se desvanece. Los gestos rítmicos del acordeón (golpes, rasgueos, caricias) son reproducidos por la electrónica, que los comenta, repite o amplifica, extendiendo de cinco maneras el universo sonoro del instrumento. Ana María Romano Gómez (n. 1971) posdomingo 02.10.2016 (2016), para acordeón y soporte fijo a 8 canales (Versión estéreo). Dur: 7:36 posdomingo 02.10.2016 fue compuesta especialmente para la acordeonista alemana Eva Zöllner como parte del concierto inaugural del Festival SPECTRA V1, Bogotá, realizado en noviembre de ese año. Como sugiere el título, la obra se compuso justo después del domingo 2 de octubre de 2016, día en el que la aprobación del Acuerdo de Paz entre el gobierno colombiano y las FARC (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia) se llevó a las urnas para su aprobación y legitimación popular y el 50,4% de los votantes optaron por el No, mientras que el 49,7% lo hicieron por el Sí. Afectada emocionalmente como una gran parte de la población colombiana que esperaba la aprobación del Acuerdo, reaccioné creando esta pieza a partir de grabaciones muy diversas, desde paisajes sonoros, fragmentos de las marchas posteriores a favor del Acuerdo, entrevistas a líderes asesinados como Bernardo Jaramillo, Carlos Pizarro y Luis Carlos Galán. También incluí cantos evangelistas, uno de los grupos religiosos que más se opuso al Acuerdo. Desde hace unos años me ha rondado la pregunta ¿qué es ser compositora en el siglo XXI? Y uno de los recursos que aparece con frecuencia ante este interrogante es la posibilidad de crear en colaboración. En esta obra Eva y yo trabajamos conjuntamente en dos rutas: de un lado, proponiendo los paisajes sonoros y grabaciones de interés desde nuestros archivos personales, y por otro lado, la parte del acordeón es improvisada, sin pautas de parte mía, este hecho no solo favorece una conversación fluida entre los dos mundo (el acordeón de Eva y mis sonidos electroacústicos) sino que da la posibilidad de que mute cuanto sea necesario en cada nueva presentación. Carolina Noguera Palau (n. 1978). Canto del ave negra (2017), para acordeón solo. Dur: 6:31 Dentro de las tendencias contemporáneas de escritura para el acordeón se suelen ubicar dos caminos. Uno que se aparta del uso convencional del repertorio del instrumento (que comúnmente se asocia como enmarcado dentro de las músicas populares) y que, aprovechando los recursos del instrumento, se concentra en explorar lenguajes cromáticos, en ocasiones recurriendo a las técnicas extendidas del instrumento. Y otro que vuelve sobre la tradición y se instala en la resignificación de sonoridades y gestos de músicas populares, en combinación con todas las posibilidades que ofrecen las nuevas adecuaciones del instrumento. Mi pieza se sitúa en esta segunda aproximación, haciendo parte de las obras que he compuesto como Formas de recuerdo sin territorio, en donde construyo texturas oscuras y densas entre las que se enredan imágenes de músicas tradicionales, conocidas, que parecieran propias, pero que aparecen envueltas en la extrañeza con la que en realidad me relaciono con ellas. Carlos Andrés Rico (n. 1986). Nacido en el Valle, el Río y la Montaña (2015) para acordeón y soporte fijo de audio. Dur: 9:56 Esta pieza se ocupa de la relación entre naturaleza y Vallenato. Como lo da entender el título de ésta obra, se trata de una expedición a través de los diferentes paisajes que vieron nacer a uno de los géneros musicales más populares en Colombia. Previo Siguiente

Jueves 26 de septiembre 2024 Ir a cmmas.org < Back Visiones Sonoras - Concierto 3 Jueves 26 de septiembre 2024 Descubre el Acervo CMMAS Fuera de la galería Previous Next

JUEVES 06 DE OCTUBRE 2022 Ir a cmmas.org < Back Entrelazados. El posthumanismo en obras electroacústicas (Examen práctico) Gerardo Meza (México) JUEVES 06 DE OCTUBRE 2022 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

< Back < Back Concierto: Damian Anache (Argentina) Fecha de grabación 18 de octubre de 2023 Damián Anache (1981) artista argentino radicado en Buenos Aires. Sus trabajos de video y piezas sonoras exploran expresiones no-narrativas, micro-detalles, ruidos y geometría. Algunas de sus piezas musicales se han ejecutado en salas internacionales entre las que se destacan: Abrons Arts Center (NYC, USA), Lyric Theater, University of North Texas(USA); Conservatorio Santa Cecilia(ITA); Abingdon Studios(GBR); Museo de Arte Moderno de Ecuador(ECU); Espacio Sonoro UAM-X(MEX); CMMAS(MEX) y en diferentes ciudades argentinas. Su álbum debut "Capturas del Único Camino" (2014, 2016) fue editado por los sellos Concepto Cero(ARG), Inkilino Records(ARG), Already Dead Tapes(USA) y Must Die Records(GBR). En la actualidad trabaja como docente en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y en la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ) donde además participa en el área de investigación desde 2007. En 2019 compiló y publicó el libro "Tekné: Apropiaciones desde el arte actual" (Fundación Alfonso y Luz Castillo). PROGRAMA DEL CONCIERTO: Drishti Por mi culpa Velo

VIERNES 29 DE MAYO 2025 Ir a cmmas.org < Back Concierto Ensamble II, VI [México] VIERNES 29 DE MAYO 2025 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

In this talk, the MTI^2 Institute will be presented as a unique centre in the sonic arts possessing a global vision focusing on the combination of creative production, scholarly research and extensive outreach. It also celebrates its international collaborations, not least with CMMAS. The institute will be presented from a variety of angles to frame the other contributions (talks and works) presented at the festival and will attempt to demonstrate a vision of openness and an attitude of looking forward. < Back Ir al final | go to botom MTI^2 - Institute for Sonic Creativity: a centre with a vision (and a CMMAS partner) - Leigh Landy (Holanda- Reino Unido) In this talk, the MTI^2 Institute will be presented as a unique centre in the sonic arts possessing a global vision focusing on the combination of creative production, scholarly research and extensive outreach. It also celebrates its international collaborations, not least with CMMAS. The institute will be presented from a variety of angles to frame the other contributions (talks and works) presented at the festival and will attempt to demonstrate a vision of openness and an attitude of looking forward. Leigh Landy (www.llandy.dmu.ac.uk ) where he directs the Music, Technology and Innovation – Institute for Sonic Creativity (MTI2) at De Montfort University (Leicester, UK). His focus is divided between creative and musicological work. His compositions, many of which are sample-based, include several for video, dance and theatre and have been performed around the globe. His publications focus primarily on the studies of electroacoustic music. He is editor of “Organised Sound” (Cambridge University Press) and author of eight books including “What’s the Matter with Today’s Experimental Music?”, “Understanding the Art of Sound Organization” and “The Music of Sounds”. He is currently completing two books, “On the Music of Sounds and the Music of Things” with John Richards and “Experiencing Organised Sounds”. He directs the ElectroAcoustic Resource Site (EARS) projects and is a founding director of the Electroacoustic Music Studies Network (EMS). ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. < Back Playlist 4 This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. Want to view and manage all your collections? Click on the Content Manager button in the Add panel on the left. Here, you can make changes to your content, add new fields, create dynamic pages and more. You can create as many collections as you need. Your collection is already set up for you with fields and content. Add your own, or import content from a CSV file. Add fields for any type of content you want to display, such as rich text, images, videos and more. You can also collect and store information from your site visitors using input elements like custom forms and fields. Be sure to click Sync after making changes in a collection, so visitors can see your newest content on your live site. Preview your site to check that all your elements are displaying content from the right collection fields. Track Name Artist Name 00:00 / 01:04 Logos Previous Next

Viernes 13 DE OCTUBRE 2023 Ir a cmmas.org < Back PinkNoise Ensemble Viernes 13 DE OCTUBRE 2023 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Regresar Mesa redonda | Round table Contexto y procesos creativos en la obra "ISO 3200" Entrevista al compositor Alejandro Castaños que aborda el proceso de gestación de la obra ISO 3200 en el marco de su primera difusión pública. Alejandro Castaños Graduado de la maestría en composición del Conservatorio Real de la Haya, Holanda, en 2004-2005 realizó el curso anual de música por computadora del IRCAM/Centro Pompidou en París, Francia. Comenzó su carrera profesional en el Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) en la Ciudad de México, y en los talleres del mtro. Juan Trigos e Ignacio Baca-Lobera. En 2007, la Sociedad de Música de Cámara de Luxemburgo le dedicó un concierto integral a su obra y, en 2008, fue finalista del concurso Gaudeamus en Amsterdam, Holanda. Ha recibido encargos del ensamble Concorde de Irlanda, la Radio Nacional Alemana, el Birmingham Contemporary Music Group y el Grupo de Música Nueva de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, entre otros. Una parte fundamental de su labor creativa ha consistido en colaboraciones dentro de un amplio rango de proyectos que incluyen música para cine, radio, danza, teatro y artes visuales. Su trabajo ha sido apoyado por la Fundación Royaumont, el VSB Fonds, Prins Bernhard Cultuurfonds, Fonds voor de Podiumkunsten y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el marco del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

23.11.2022 < Regresar Doriana Mendes (Brasil) 23.11.2022 EVOÉ Maria! Doriana Mendes Singer, Actress-Dancer. PhD and Master in Music and Bachelor in Singing, she has been a singing teacher at UNIRIO (Rio de Janeiro) since 2013. She made her international debut at the Darmstadt Theater singing an opera by Jocy de Oliveira. In 2019, he premiered the multimedia opera “Helena y su ventríloquo” by Daniel Quaranta at the MUSLAB Festival (México-DF) and at the XV Festival Visiones Sonoras, in Morelia, Mexico. In 2016 he starred in the premiere of the opera Medeia by Mario Ferraro at the 1st edition of the “Bienal de Ópera Atual” (Current Opera Biennial), by FUNARTE. Soloist of Abstrai Ensemble dedicated to contemporary music and Codex Sanctissima specialized in medieval music. He performed in Germany, France, Ireland, Portugal, Chile, Bolivia, Argentina, Mexico and in all states of Brazil, on the Sonora Brasil-SESC tour (2011-2012). An expressive performer has made numerous world premieres as a guest soloist for national and international festivals, as well as operatic, musical, theater and dance casts. https://catalogoaudiovox.com.br/ Descripción del concierto: El concierto online EVOÉ Maria! presenta una propuesta para la creación de quatro obras electrovocales para voz solista y soporte electroacústico. El tema incluye como inspiración el conjunto de obras de la artista Maria Martins (1894-1973). En 2022 estaremos celebrando los 100 años de la Semana de Arte Moderno de 1922 —Maria tenía entonces 28 años— y, a nuestros ojos, el singular surrealismo de la artista representa una fuerza de diálogo con el modernismo brasileño inaugurado en el período.Doriana Mendes, creadora de la propuesta del concierto e intérprete, celebra, en 2022, 25 años de actuación en la música contemporánea brasileña e internacional. Los compositores invitados son creadores brasileños con amplia experiencia en música contemporánea y electrovocal: Arthur Kampela (Rio de Janeiro-New York), Guilherme Ribeiro (São Paulo-Lisboa), Neder Nassaro (Rio de Janeiro) e Ivan Simurra (São Paulo-Rio Branco). La ingeniería de grabación está a cargo del compositor Bryan Holmes (Rio de Janeiro-Santiago), especializado en música y tecnología.El artista digital Clelio de Paula hizo la intersección entre las obras inéditas, proponiendo un diálogo entre la visualidad de las esculturas de Maria Martins y la vocalidad performática de Doriana Mendes. Clelio creó 5 piezas en arte digital, de 1 minuto de duración, que hacen la provocación de la apertura del concierto e interactuán entre cada obra electrovocal hasta la coda final. El conjunto de obras de Maria Martins componen la inspiración para la creación de imágenes y posibles sonidos provenientes del cuerpo de estas esculturas, evocando el grito de las Bacantes como saludo a la contemporaneidad de la Maria modernista: ¡EVOÉ Maria! Notas de programa 1. MARIA! (Guilherme Ribeiro) Maria! é uma peça para voz feminina e eletrônica em suporte fixo dedicada à cantora Doriana Mendes e em homenagem à artista Maria Martins (in memoriam). Maria nasce do convite-proposta feito por Doriana Mendes para que eu compusesse uma peça tendo como referência e inspiração o trabalho e vida da artista brasileira Maria Martins (1894-1973). A peça tem em seu texto alguns trechos de dois poemas escritos por Maria Martins: “Explication I” (1946) e “Sem título” (1945?). « ainda muito tempo após minha morte, muito tempo após tua morte, eu quero te torturar, quero que meu pensamento como uma serpente de fogo se enrole no teu corpo sem te queimar, eu quero te ver perdido, asfixiado, errando nas neblinas mal-sãs tecidas por meus desejos, quero pra ti longas noites sem sono acompanhadas pelo tumtum ressoante das tempestades longínquas, invisíveis, desconhecidas, quero que a saudade da minha presença então te paralise. » Este é um dos trechos da poesia de Maria Martins utilizados nesta peça, que traz como tema e resultado o corpo. Mas não qualquer corpo, senão o corpo da mulher dos trópicos, da mulher brasileira e sua existência neste mundo machista e misógino. Neste sentido, não é a minha voz a falar, mas indubitavelmente a voz de Maria, de Maria Martins, de Doriana Mendes, e de muitas outras Marias. Maria!, por fim, se apresenta com muitas vozes, com muitas línguas, com muitas bocas: faladas, mutadas, cantadas, sussurradas, mastigadas, gritadas. 2. O IMPOSSÍVEL (Arthur Kampela) Embora ininterrupta, a obra pode ser dividida, basicamente, em 3 partes ou segmentos:1) A primeira é uma espécie de coral baseado em gravações superpostas da voz da Doriana. Aí já se inscreve um primeiro momento de reflexão e suspense onde o material é inspecionado sob o ponto de vista da harmonia e de suas conexões internas .2) A partir do minuto cinco da peça há uma intervenção rítmica de materiais contrastantes que corta este coral inicial. Faço uso primordialmente além de ruídos obtidos com a voz de Doriana, de um piano distorcido, ou seja, sons gravados em todas as partes de um piano de cauda (em suas teclas e no seu interior). Aos poucos a peça ganha muita ressonância e uma grande variedade dinâmica e rítmica, que, sinto, seria o equivalente sonoro dos "tentáculos" (cabeças) da escultura da Maria Martins – a parte monstro da escultura, mais precisamente.3) Este amálgama de ritmos e sons vocais vai paulatinamente se resolvendo, e o coral inicial retorna em meio ao turbilhão de sons deste segmento. Aos poucos, se escuta a emergência de uma melodia com caráter de modinha e francamente tonal, inicialmente obscurecida pelos ruídos e sons menos comuns que o suporte eletroacústico gera. Tal melodia ainda opaca à escuta, vai-se aos poucos afirmando em várias transposições. Finalmente, a emergência desobstruída desta melodia acontece nos últimos momentos da peça – uma espécie de "reconciliação", eu diria, com as formas mais angulares (cabeças) da escultura de Maria Martins, uma volta às origens vinda da anatomia humana do corpo da escultura. No último instante, esta melodia é abruptamente cortada por sons muito rítmicos e angulares provindos de um piano distorcido, e reminiscentes da parte anterior da composição. – Formalmente, uma espécie de micro-coda de caráter mais agressivo que sutilmente complementa a melodia tonal, enfatizando, assim, a metamorfose estrutural da escultura e da música que nela se baseou. 3. ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT (Ivan Simurra) “predamaquinação” Elaborada como uma criação musical em conjunto, ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT retrata as trocas de ideias de contextos, aparentemente, distantes e distintos: a escultura e o som; a música e o gesso, a floresta e o concreto. Contudo, é preciso discutir a desfiguração humana que é, neste contexto, o início de uma outra forma animal, vegetal ou outra. "preda, (má)quina e ação" são termos emprestados das conversas realizadas durante o processo criativo da obra: a ação predatória da máquina e da regeneração da floresta por intermédio dos sons, da interação humana com a natureza. Essa relação deve voltar a um equilíbrio que se perdeu em grande escala nos últimos quatro anos, especificamente, no Brasil. Como a floresta pode se esconder e se proteger? O que devoramos, deglutimos ou nos é socado/estocado “goela abaixo”? O soco no estômago - o vazio - o espaço da voz, do pronunciamento, do grito, da denúncia, do riso deslocado e nervoso. A proximidade da floresta. Passos. Pés que adentram o território. 4. FUNDO do POÇO (Neder Nassaro) A obra Fundo do Poço é um exercício de aproveitamento poético das potencialidades sonoras da voz humana. Sua escrita experimental, imersa numa ambientação eletroacústica de sons gravados e sintetizados, privilegia gestos livres, texturas baseadas em fluxos, e o emprego de técnicas não-convencionais de execução. Em um universo de combinações (fusão, contraste, inter-relação e interferência), Fundo do Poço permite à intérprete explorar suas capacidades criativas, gerando novas leituras e novas percepções a cada montagem. Previo Siguiente