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Documental < Back Oliver Ressler (Austria) - Everything's coming together while everything's falling apart Documental Oliver Ressler Is an artist and filmmaker who produces installations, projects in public space, and films on issues such as economics, democracy, migration, the climate crisis, forms of resistance and social alternatives. Ressler has had solo exhibitions at Berkeley Art Museum, USA; Museum of Contemporary Art, Belgrade; Centro Cultural Conde Duque, Madrid; Alexandria Contemporary Arts Forum, Egypt; The Cube Project Space, Taipei; Kunsthaus Graz, Graz and comprehensive solo exhibitions at Wyspa Institute of Art, Gdansk; Lentos Kunstmuseum, Linz; Centro Andaluz de Arte Contemporaneo – CAAC, Seville; SALT Galata, Istanbul; MNAC – National Museum of Contemporary Art, Bucharest; and Cultural Centre of Belgrade. Ressler has participated in more than 400 group exhibitions, including Museo Reina Sofía, Madrid; Van Abbe Museum, Eindhoven; MASSMoCA, North Adams, USA; Centre Pompidou, Paris; the biennials in Prague (2005), Seville (2006), Moscow (2007), Taipei (2008), Lyon (2009), Gyumri (2012), Venice (2013), Athens (2013, 2015), Quebec (2014), Helsinki (2014), Jeju (2017), Kyiv (2017), Gothenburg (2019) and Stavanger (2019), and at Documenta 14, Kassel, 2017 (exhibition organized by EMST). Ressler has completed thirty-eight films that have been screened in thousands of events of social movements, art institutions and film festivals. A retrospective of his films took place at Centre d’Art Contemporain Genève in 2013. In 2002, Ressler won the first prize at the International Media Art Award of the ZKM in Karlsruhe and he is the first prize winner of the newly established Prix Thun for Art and Ethics Award in 2016. For the Taipei Biennale 2008, Ressler curated an exhibition on the counter-globalization movement, A World Where Many Worlds Fit . A travelling show on the financial crisis, It’s the Political Economy, Stupid , co-curated with Gregory Sholette, has been presented at nine venues (2011-2016), including Pori Art Museum in 2013. Since 2019 Ressler directs Barricading the Ice Sheets, a research project on the climate justice movement, funded by the Austrian Science Fund, that will lead to an exhibition at Camera Austria in Graz in September 2021. Everything's coming together while everything's falling apart Not too long ago, global warming was science fiction. Now it has become hard science, and a reality we already live in. The latest reports from the sober Intergovernmental Panel on Climate Change (IPCC) suggest that the planet may be approaching multiple thresholds of irreversible damage faster than was ever anticipated. The title “Everything’s coming together while everything’s falling apart” refers to a situation in which all the technology needed to end the age of fossil fuel already exists. Whether the present ecological, social and economic crisis will be overcome is primarily a question of political power. The climate movement is now stronger than ever. It obstructed pipeline projects such as the Keystone XL tar sands pipeline. It stopped Arctic drilling and blocked fracking all over the globe. Coal-fired power plants were shut down by resistance, and the divestment movement that pressures institutions to unload their stocks from fossil fuel corporations has had successes. The story of this ongoing film project may turn out to be a story of the beginning of the climate revolution, the moment when popular resistance began to reconfigure the world. The project follows the climate movement in its struggles to dismantle an economic system heavily dependent on fossil fuels. It records key events for the climate movement, bringing together many situations, contexts, voices and experiences. There is one film for each event. Everything's coming together while everything's falling apart: Code Rood” - 2018 The film highlights the civil disobedience action “Code Rood” in the port of Amsterdam in June 2017. The blockade of Europe’s second-largest coal port draws a red line against this important infrastructure facility for fossil capitalism. The largest single source of the coal shipments is Colombia, where coal is extracted under ecologically and socially devastating conditions. “Everything's coming together while everything's falling apart: The ZAD” - 2017 The film on the ZAD focuses on Europe’s largest autonomous territory, located close to Nantes in France. The ZAD (zone to defend) emerged from the struggle against a new airport. In 2012 the French state's attempt to evict the zone was fiercely resisted by more than 40,000 people. The police have not set foot there since. Today 250 people in 60 collectives live permanently at the ZAD occupying the wetlands, fields and forests. The ZAD is a successful example of the way resistance and the creation of alternatives need to happen at the same time. While people take back control over their lives with self-organized bakeries, workshops, a brewery, medicinal herb gardens, a rap studio, weekly newspaper and a library, they hinder the construction of an unnecessary, ecologically disastrous airport project. The film is built around a group discussion with activists living at the ZAD. “Everything's coming together while everything's falling apart: Ende Gelände” - 2016 The film on the Ende Gelände (end of the road) action shifts the focus to a massive civil disobedience action at the Lusatia lignite coal fields (near Berlin). 4,000 activists entered an open-cast mine, blocking the loading station and the rail connection to a coal-fired power plant. The blockades disrupted the coal supply and forced the Swedish proprietor Vattenfall to shut the power station down. The action was part of an international “global escalation” against the fossil fuel industry, calling on the world to “Break Free from Fossil Fuels” and putting that imperative directly into practice. “Everything's coming together while everything's falling apart: COP21” - 2016 In the first film, activists contest the UN Climate Change Conference in Paris, a city then under a state of emergency. Like twenty failed annual climate conferences before it, COP21 in Paris in 2015 proved the incapacity of governments to commit themselves to any binding agreement that would curtail global warming through a definite strategy for the end of fossil fuel use. The resulting Climate Agreement avoids anything that would harm the economic interests of corporations. The governments now pretending that non-binding agreements can hold back climate change are the same ones whose binding free trade pacts make dead letter of local environmental and climate legislation. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

< Back Gabriel José Bolaños (Nic | EUA) - Mesa Redonda Gabriel José Bolaños (n. 1984 Bogotá, Colombia) es un compositor nicaragüense-estadounidense. Le gusta colaborar con intérpretes para explorar nuevos timbres y estructuras musicales, y frecuentemente incorpora la tecnología en sus obras. Bolaños se graduó con una licenciatura en música de la Universidad de Columbia y un doctorado en teoría y composición de la Universidad de California Davis. Actualmente es Profesor Asistente de Composición en Arizona State University, donde imparte cursos de composición, análisis, tecnología musical y acústica. Previous Next

En esta conferencia hablaremos del proyecto The FRONT Arte & Cultura, un espacio de arte ubicado en la frontera entre Tijuana y USA, y Nett Nett un proyecto de radio por internet nacida entre Tijuana y Los Angeles, enriquecido con creadores de todo el mundo. Ambos proyectos se mueven entre la transnacionalidad, la multiculturalidad y la colaboración sin fronteras para la creación sonora y multimedia. < Back Ir al final | go to botom El sonido del aire transfronterizo - Francisco Morales (México) En esta conferencia hablaremos del proyecto The FRONT Arte & Cultura, un espacio de arte ubicado en la frontera entre Tijuana y USA, y Nett Nett un proyecto de radio por internet nacida entre Tijuana y Los Angeles, enriquecido con creadores de todo el mundo. Ambos proyectos se mueven entre la transnacionalidad, la multiculturalidad y la colaboración sin fronteras para la creación sonora y multimedia. Francisco Morales - Pablo Francisco Morales (1981) es originario de la Ciudad de México y actualmente vive y trabaja en San Diego, CA. Francisco es compositor y artista multimedia. Crea instalaciones, intervenciones y performances musicales, sonoras y multimedia. Su trabajo se ha presentado en todo el mundo, específicamente en México, Estados Unidos, Europa y Sudamérica. Francisco es el actual Director de Galería en The FRONT Arte & Cultura, galería de arte binacional en la región fronteriza de San Ysidro US - Tijuana Mex, donde cura exposiciones de arte, talleres y performances. Centrado en la vida artística transnacional de la región, pero también atento a la escena artística internacional. Haydeé jiménez - Haydeé Virginia Jiménez MacFarland (San Diego / Tijuana 1981)Cofundador de nettnettradio y nettnett Tijuana. Explorador en los reinos de los enfoques artísticos y holísticos para la curación a través de frecuencias de sonido, vibraciones y música de computadora. Compositor / productor / intérprete de música electrónica también conocido como Hi-D / Hidhawk / AyDD. Promotor de músicos y artistas experimentales / electrónicos de la región - Borderlandnoise. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Lic. Cintli Elizabeth Ramos Mora. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM < Regresar El papel de la tecnología en la democratización de la producción musical Lic. Cintli Elizabeth Ramos Mora. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM La músico, compositora y filósofa Cintli Elizabeth Ramos Mora actualmente reside en la ciudad de Morelia. Realizó estudios de composición como carrera técnica en el Conservatorio de las Rosas, el grado de licenciada en Filosofía en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, y la licenciatura de Música y Tecnología Artística en la Escuela Nacional de Estudios Superiores, UNAM. Ha participado en festivales de arte contemporáneo, realizando live-coding como miembro de la Sociedad de Música Libre, ejecutando perfomance como parte del Circuito de Arte Independiente, y realizando instalaciones colaborativas en los museos Casa Taller Alfredo Zalce y en Centro Cultural Calvijero. A su vez, ha tenido distintas presentaciones en Sala Niños Cantores de Morelia, en el Teatro Ocampo y en diversos foros culturales como compositora e intérprete de piezas instrumentales de ensamble, solistas, electrónicas y mixtas. Así como múltiples participaciones en talleres y seminarios de índole estético, específicamente en el campo de lo sonoro, e impartido clases y talleres de música y filosofía. Actualmente labora en el proyecto Casa Centro, de filosofía aplicado a las disciplinas estéticas, del que ella misma es fundadora, y por comisiones como compositora, intérprete y artista sonora. cintli_123@hotmail.com , cintli.elizabeth@gmail.com Producción musical socicultural mexico .pdf Descargar PDF • 19.05MB MUSIC MEDIA HISTORY .pdf Descargar PDF • 3.67MB Producción musical socicultural mexico .pdf Descargar PDF • 361KB Crítica musical insutria mexico .pdf Descargar PDF • 142KB Anterior Siguiente

Sonus Litterarum es una plataforma dedicada a la música, una mezcla de revista digital con repositorio de documentos históricos, de red social especializada en música con el despliegue de un diálogo entre la filosofía de la música y la musicología, un espacio para partituras, fotos, grabaciones. Un espacio para hablar de la música en todas las perspectivas posibles. Del rock a la música más experimental, de la música indígena al arte sonoro. Con un énfasis especial en la música mexicana de todos los tiempos y geografías. < Back Ir al final | go to botom Presentación de Sonus Litterarum - Luis Jaime Cortez (México) - Ana Lara (México) Sonus Litterarum es una plataforma dedicada a la música, una mezcla de revista digital con repositorio de documentos históricos, de red social especializada en música con el despliegue de un diálogo entre la filosofía de la música y la musicología, un espacio para partituras, fotos, grabaciones. Un espacio para hablar de la música en todas las perspectivas posibles. Del rock a la música más experimental, de la música indígena al arte sonoro. Con un énfasis especial en la música mexicana de todos los tiempos y geografías. Ana Lara Compositora y promotora cultural. Ha desarrollado una incansable labor para la promoción de los compositores mexicanos y de la música contemporánea en general. Creadora de la serie radiofónica Hacia una nueva música en Radio UNAM con más de 30 años al aire sin interrupción. Organizadora de los Días Mundiales de la Música de la ISCM, 1993, fundadora del Festival Internacional Música y Escena, directora artística de Instrumenta Puebla Verano, coordinadora de música contemporánea del Festival Internacional Cervantino entre muchos otros festivales en los que ha colaborado. Fue Consejera Cultural en la Embajada de México en Francia y Directora del Instituto Cultural de México en París (2016-2017). Su obra abarca desde la música para instrumentos solistas, de cámara, sinfónica y coral hasta música coreográfica y teatral, que ha sido interpretada por algunos de los más importantes solistas, ensambles y orquestas nacionales e internacionales. Luis Jaime Cortez Compositor y musicólogo. Autor de los libros “Tabiques rotos: siete ensayos musicológicos”, “Mario Lavista: textos en torno a la música” y “Favor de no disparar sobre el pianista” (novela biográfica de Silvestre Revueltas), entre decenas de artículos y ensayos. Es autor de las óperas “La tentación de San Antonio” y “Luna”, además de la sinfonía “Lluvias” (a partir de un poema de Saint John Perse) y de una numerosa obra camerística. Realizó una intervención orquestal de canciones desconocidas del compositor Chucho Monge, que grabó con el tenor Francisco Araiza. Ha sido miembro, por tres ocasiones, del Sistema Nacional de Creadores, y miembro del Consejo Directivo del FONCA. Fue director del Centro Nacional de Investigación Musical Cenidim (1988 - 1994), rector del Conservatorio de las Rosas (1994-2004 y 2011-2017). Actualmente es miembro del equipo académico del Doctorado en Artes del Centro Nacional de las Artes e investigador del Cenidim. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Viernes 26 de septiembre 2025 Ir a cmmas.org < Back Visiones Sonoras Concierto Francis Brûlé Viernes 26 de septiembre 2025 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Estreno de obra encargo del CMMAS Regresar Estreno de obra encargo del CMMAS manifiest(ia)s Marianne Teixido (México) “Esta obra es parte del programa de encargos a jóvenes compositoras mexicanas del CMMAS 20022 “Creación y perspectiva” manifiest(ia)s es una composición sonora cuadrafónica generativa y colaborativa que permite la interacción entre une intérprete vocal y la computadora como agencia. Para su ejecución se instala un sistema de retroalimentación entre la computadora y le intérprete en dos niveles; texto/imagen y oralidad/audio. El sistema programado imprime, en tiempo real, frases reconstruídas a partir de una base de datos de manifiestas feministas creada para la pieza. Estos fragmentos de texto se visualizan en el sistema de proyección y fungen como guía para la improvisación oral para el intérprete vocal. Le intérprete improvisará sobre versiones sugeridas de los textos por medio de vocalizaciones que a su vez la computadora intervendrá como sonido. El audio procesado por la computadora, tomado de la entrada del micrófono, modificará la interpretación vocal, creando así retroalimentación. Ambas agencias se hacen manifiestas. Stephanie Marianne Teixido Guzmán ztp.txdo@gmail.com Mi labor profesional así como mi formación académica se ha tejido a partir de una serie de relaciones inter y transdisciplinarias. La transdisciplina me ha permitido crear por medio de la vinculación entre sonido, síntesis, código, lenguaje natural, textualidades y composición algorítmica. En el contenido de mi obra sonora, el texto como código, funge como partitura de ejecución que muchas veces desdibuja los límites entre la interpretación y la composición. En las líneas de programación busco escribir reflexiones de crítica social, feminista, situada e interseccional para cuestionar las condiciones sociales, políticas, económicas y culturales del contexto que habito y en el cual se adscribe mi obra. Mi trabajo es desarrollado principalmente con software libre y open source ya que gran parte de lo que hago no sería posible sin la cooperación y generosidad de la comunidad que mantiene un compromiso técnico con la libertad y apertura de las herramientas para la creación sonora así como del conocimiento que de ahí deriva. En mis exploraciones, tanto personales como colectivas he experimentado con la música electroacústica, sistemas multicanal, interacción con intérpretes, feedback entre la máquina y la ejecución en la improvisación al vuelo, música concreta, electrónica, géneros otrxs y actualmente estoy realizando una investigación artística sobre machine learning, memoria oral y organización sonora hackfeminista desde el proyecto RAM [Redes Autónomas de Memoria] que busca tejer voces de resistencia frente a la violencia machista mediante procesos de apropiación tecnológica. Por medio de la escritura, reescritura y hackeo de algoritmos de inteligencia artificial para la creación sonora, RAM entendido como espacio nodo, propiciará la creación de memoria oral para enunciar discursos disruptivos para el cuidado colectivo. Partitura: Descripción para reproducción: descripcion .pdf Descargar PDF • 251KB Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

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Este concierto presenta obras electroacústicas y mixtas realizadas por destacados compositores que forman parte de la planta académica de la Escuela de Artes Musicales y Sonoras y de la Escuela de Ingeniería Civil Acústica, ambas unidades de la Universidad Austral de Chile. < Back Ir al final | go to botom Concierto de académicos/compositores Universidad Austral de Chile Este concierto presenta obras electroacústicas y mixtas realizadas por destacados compositores que forman parte de la planta académica de la Escuela de Artes Musicales y Sonoras y de la Escuela de Ingeniería Civil Acústica, ambas unidades de la Universidad Austral de Chile. 1.- Mombasa mix (2020), 8’18"_Felipe Otondo (cl) 2.- Próxima parada (2021), 8'00"_Igor Marques (br/cl) 3.- Tramas particulares, acumulaciones complejas (2020), 5’00”_Alejandro Albornoz (cl) 4.- A Negative of Knowledge (2018) Parte 2: Audio Artifacts, 5'44"_ André Mestre (br/cl) 5.- Huellas (2018), Parte 1, 4’26”_Rodrigo Castellanos (mx/cl) Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

A selected showcase of creative sound practice, multi-media installation and collaborative performance currently emanating from compositional research at City, University of London. < Back Ir al final | go to botom SPARC: We Invoke The Creatures Within The Wallpaper A selected showcase of creative sound practice, multi-media installation and collaborative performance currently emanating from compositional research at City, University of London. Wallpaper During isolation we have looked to the internet to replace in person communication. However, those who lack access to the internet are excluded from these virtual social spaces. Wallpaper utilises words from those isolating without access to the internet. In an online recording session, their words were read back, performed and manipulated via the imperfections of the internet until digital noise overtook all meaning. These recordings were then arranged to create Wallpaper. Wallpaper exists in two versions: the digital download and a hotline available on +44 330 818 0351. Performers: Patricia Auchterlonie, Mimi Doulton, Ella Taylor and Juliet Wallace. Supported by Sound and Music. The Creatures Within: An installation for the sound and light sculpture Hulda Hulda is an audio-visual sculpture created by Lilja María Ásmundsdóttir. During performances Hulda’s surroundings are filled with sounds, patterns, shadows and colours that constantly change. Inside the sculpture are built-in lights connected to a computer that analyses the sounds and transforms them into light. The strings of the sculpture can be adapted to different tunings. The Creatures Within shows different perspectives from an installation for the audio-visual sculpture Hulda. The sounds of Hulda merge together with electronics made from the sculpture itself, environmental sounds and voice. We Invoke The Black. To Rest A collaborative composition and performance with Enam Gbewonyo, in response to Lynette Yiadom-Boakye’s exhibit Fly In League With the Night. A co-composed work including interview and discussion with five Black British people, discussing how we rest. What rest feels like, and what a lullaby might be to us, now. As a performer in this composition, I consider my role to be one of vessel or vehicle. Rather than exploit the spotlight to centre my voice, narrative, and experience (solely), I make efforts to perform in a way to allow the stories and narratives of my co-composers to exist alongside and with equal importance Lilja María Ásmundsdóttir (Iceland) is an artist, composer and performer from Iceland. In her practice, she often explores improvisational creativity and collaborative methods, working with artists from different fields. Jonathan Higgins (UK) a composer and performer based in London whose music focuses on exploring how noise can be utilised as a transformative and generative tool. His music has been performed and prized both nationally and internationally. Liz Lassiter (USA) is a composer and vocalist writing genre-less compositions with Black Women for Black Women. Her practice is rooted in storytelling and the “viscerality” of the imaginary. Currently, she is a PhD student at City, University of London studying how ethnographic composition can best answer questions around the Black Woman immigrant/ex-pat/trans-national identity. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

23.05.2022 < Back 5.- Curador: Nullpixel 23.05.2022 Está claro que, progresivamente, los medios de comunicación a distancia han ocupado el lugar del 'alma' y que a partir de este momento el motor [doble proyector, a la vez productor de velocidad y propagador de imágenes] narra el viaje y abastece las imágenes de ensoñación (Virilio) La relación de la imagen y el sonido deambulan en procesos perceptuales mediante los cuales afrontamos la realidad. La capacidad de percibir a través de las diversas frecuencias que nos rodean nos otorga la posibilidad de generar imágenes y secuencias que den cuenta del entramado vivencial, remontémonos a la caverna del mito de Platón y el devenir de la conciencia construida y elaborada mediante las sombras y los sonidos que subyacen en el espacio, siendo capaces de configurar y dar sentido al mundo. Descripción del concierto La representación visual del sonido amalgama el discurso del artista creando un código del lenguaje específico que da la pauta para generar contextos y condiciones estéticas que se remontan a lo más longevo de nuestra existencia, una partitura ancestral que coexiste en lo más profundo de nuestra humanidad, es por esto que la condición creadora de los artistas que trabajan con sonido y viceversa, ha permitido establecer formas específicas de acercarnos a particulares visiones del mundo, una lectura silenciosa que se articula en patrones rítmicos e imágenes volátiles, en una constitución de píxeles y notas caóticas que sigilosamente transcurren en un tiempo de exposición deconstruido en una realidad dislocada por los medios digitales, que nos permite romper los muros interiores en la representación de la velocidad y el vértigo en tiempos de urgencia y conflicto. Fátima Ramírez / Israel López nullpixel Programa Frank Dufour Words is an audiovisual composition using words in their oral or written forms as primary material. The work can be presented in a “concert” or theater format with the video projected on screen and stereophonic sound diffused through loudpseakers, however, it is best experienced in an intimate setting, on an individual screen and listen to through headphones. This work is inspired by Adrain Matejka’s poem A Simple History and its translation in multiple languages. A Simple History Here’s the story on the cavernous wall: the quadruped in me is sediment thick, glacially insistent. The homonym in me is prehistoric & sloped with subsistence ideas. Emergent, back bent in the long cycle of what we were & might be in our thin minute here. We’re as evolutionary as breathing air. We’re as ephemeral as the big bang of scattered intentions, flinting our knapped headways. In the safe cave days, the first tools blossom, corollas like a cycling sun—spread fingers, hands fanned out toward the yawning. It’s only like this for right now. & then: cacophony of wants, their sounds of chip, fist, drum. & then we are as biped as our thumbed imaginations. Frank Dufour (Fráncia, 1959) Websites: https://agence5970.com/frank-dufour Before joining the academia, Frank Dufour had a rich history in sound industry, first as a sound engineer specialized in the restoration of sound archives in Paris, France at the National Radio, then evolving into music production and video post-production, multimedia design, higher education, and art. Frank holds a Ph.D. in Sciences of Information and Communication from the University of Paris VIII and is currently Emeritus Professor at the University of Texas at Dallas in the school of Arts, Technology and Emerging Communication (ATEC), and Invited professor at the University of Nice Côte d’Azur. He spearheaded the creation and installation of innovative soundscape features in several Dallas institutions, including The Dallas Museum of Art (“Coastlines,” Soundscapes for Paintings, August 2010) and The Perot Museum of Nature & Science (Permanent Soundscapes for the 12 exhibit halls, March 2012-present). As active new-media artists, Frank & his wife founded Agence5970, an independent laboratory dedicated to artistic experimentation and sound design, which explores concepts emerging at the conjunction of perception and representation. Within this context, Frank is continually experimenting with sound from artistic, acoustic, philosophical, and technological viewpoints. Together with xtine burrough, Frank created in the school of ATEC at UT Dallas, the independent Laboratory of Synthetic and Electronic Poetry (LabSynthe) destined to observe, study, and create poetic experiences in the context of digital technologies. Recently, Frank created the sonic environment for the exhibition, SĪMURĞ, at Josée Bienvenu Gallery, NY, and, together with LabSynthE a sound exhibition at the Grotte du Lazaret in Nice for the French Poetry Festival. Birdsong Sequence Birdsong Sequence es una composición creada a través de collages de audio utilizando sonidos de grabaciones de campo que provienen de la naturaleza y samples grabados desde la aplicación de instagram del artista. Estas muestras contienen una gama ecléctica de piezas musicales, audio de bombas de la guerra y otros contenidos actuales proyectados por los algoritmos de la plataforma. Cada individuo percibe una realidad diferente dentro de su pantalla, Jack Smale hace una comparación entre El mito de la caverna de Platón, que es una alegoría sobre la realidad del conocimiento, y la cámara de eco, que es la descripción metafórica de la información, ideas o creencias amplificadas por transmisión y repetición en donde todo se distorsiona. Las redes sociales representan un nuevo espacio público, en donde además de texto, se comparten contenidos de imágen y sonido. Este proyecto es un viaje de corta duración que presenta mezclas de grabaciones y capturas de sonidos que han sido transformadas para crear una nueva pieza audiovisual, analizando la dualidad entre conceptos, principalmente sobre ̈lo virtual ̈ y ̈lo real ̈. Jack Smale (UK, 1989) Músico y artista sonoro originario de Cornwall, UK. Actualmente, vive en la ciudad de Brístol, en donde trabaja también en la Industria Aeronáutica como Ingeniero. Su práctica se divide en una amplia gama de contextos, trabajando en la música electrónica, experimental, proyectos audiovisuales y música alternativa. Jack comenzó su trayectoria musical tocando guitarra eléctrica, pero su interés en la ingeniería lo llevó a explorar proyectos cada vez más orientados a la música experimental. Su trabajo actual combina varios métodos y herramientas, que incluyen sampling, grabaciones de campo, sintetización, secuenciadores, composición y diseño de sonido. Su obra proviene de grabaciones realizadas en la naturaleza, ciudades, plantas de manufactura y sonidos cotidianos dentro del espacio personal. Axioma Las realidades en las que deambula el sujeto, dan cuenta de la noción de la materialidad anatómica del cuerpo en el plano físico orgánico, y la segunda, desde una construcción ontológica en la representación de lo irreal. En lo virtual encontramos las resonancias desde los diversos planteamientos en el arte y la argumentación del sujeto como figura en conflicto en una suerte dicotómica de interior-exterior, el cuerpo y su identidad, articulados como entes en continua (de)construcción: la humanidad vivirá en una especie de burbuja virtual en la que será prisionera de un encarcelamiento electrónico » (Virilio, 1999). Es una aproximación a la creación audiovisual con tecnologías de inteligencia artificial, una serie de algoritmos que conforman una máquina, en la que diversos instrumentos se conjugan para crear segmentos de píxeles en la pantalla, la divergencia en la toma de decisiones involucra un diálogo con la ejecución y el sistema artificial, detonando en un discurso audiovisual. Israel López (México, 1986) Websites: nullpixel.com.mx Artista digital, su obra se constituye en la manipulación de los medios digitales y su relación con el cuerpo humano, creando interfaces de interacción con el mundo digital implementando la tecnología como parte fundamental del proceso creativo, realizó estudios de composición y percusiones latinas en la ciudad de Guanajuato, su obra ha sido publicada en diversos medios y festivales entre los que destacan, ISEA International, Balance Unbalance en Reino Unido, Sound Image Coloquium en la Greenwich University, etc, es cofundador del laboratorio de experimentación artística nullpixel con quien ha producido piezas para el Circle of Light, Moscú, iMapp Bucharest, Novi light sensation en Italia, Japon, Belgica, Ukrania, entre otros. Actualmente, desarrolla investigación acerca de la implementación de los nuevos medios en el arte, especializado en sistemas interactivos, proyección no convencional y humanidades digitales. Previous Next

23.11.2022 < Regresar Doriana Mendes (Brasil) 23.11.2022 EVOÉ Maria! Doriana Mendes Singer, Actress-Dancer. PhD and Master in Music and Bachelor in Singing, she has been a singing teacher at UNIRIO (Rio de Janeiro) since 2013. She made her international debut at the Darmstadt Theater singing an opera by Jocy de Oliveira. In 2019, he premiered the multimedia opera “Helena y su ventríloquo” by Daniel Quaranta at the MUSLAB Festival (México-DF) and at the XV Festival Visiones Sonoras, in Morelia, Mexico. In 2016 he starred in the premiere of the opera Medeia by Mario Ferraro at the 1st edition of the “Bienal de Ópera Atual” (Current Opera Biennial), by FUNARTE. Soloist of Abstrai Ensemble dedicated to contemporary music and Codex Sanctissima specialized in medieval music. He performed in Germany, France, Ireland, Portugal, Chile, Bolivia, Argentina, Mexico and in all states of Brazil, on the Sonora Brasil-SESC tour (2011-2012). An expressive performer has made numerous world premieres as a guest soloist for national and international festivals, as well as operatic, musical, theater and dance casts. https://catalogoaudiovox.com.br/ Descripción del concierto: El concierto online EVOÉ Maria! presenta una propuesta para la creación de quatro obras electrovocales para voz solista y soporte electroacústico. El tema incluye como inspiración el conjunto de obras de la artista Maria Martins (1894-1973). En 2022 estaremos celebrando los 100 años de la Semana de Arte Moderno de 1922 —Maria tenía entonces 28 años— y, a nuestros ojos, el singular surrealismo de la artista representa una fuerza de diálogo con el modernismo brasileño inaugurado en el período.Doriana Mendes, creadora de la propuesta del concierto e intérprete, celebra, en 2022, 25 años de actuación en la música contemporánea brasileña e internacional. Los compositores invitados son creadores brasileños con amplia experiencia en música contemporánea y electrovocal: Arthur Kampela (Rio de Janeiro-New York), Guilherme Ribeiro (São Paulo-Lisboa), Neder Nassaro (Rio de Janeiro) e Ivan Simurra (São Paulo-Rio Branco). La ingeniería de grabación está a cargo del compositor Bryan Holmes (Rio de Janeiro-Santiago), especializado en música y tecnología.El artista digital Clelio de Paula hizo la intersección entre las obras inéditas, proponiendo un diálogo entre la visualidad de las esculturas de Maria Martins y la vocalidad performática de Doriana Mendes. Clelio creó 5 piezas en arte digital, de 1 minuto de duración, que hacen la provocación de la apertura del concierto e interactuán entre cada obra electrovocal hasta la coda final. El conjunto de obras de Maria Martins componen la inspiración para la creación de imágenes y posibles sonidos provenientes del cuerpo de estas esculturas, evocando el grito de las Bacantes como saludo a la contemporaneidad de la Maria modernista: ¡EVOÉ Maria! Notas de programa 1. MARIA! (Guilherme Ribeiro) Maria! é uma peça para voz feminina e eletrônica em suporte fixo dedicada à cantora Doriana Mendes e em homenagem à artista Maria Martins (in memoriam). Maria nasce do convite-proposta feito por Doriana Mendes para que eu compusesse uma peça tendo como referência e inspiração o trabalho e vida da artista brasileira Maria Martins (1894-1973). A peça tem em seu texto alguns trechos de dois poemas escritos por Maria Martins: “Explication I” (1946) e “Sem título” (1945?). « ainda muito tempo após minha morte, muito tempo após tua morte, eu quero te torturar, quero que meu pensamento como uma serpente de fogo se enrole no teu corpo sem te queimar, eu quero te ver perdido, asfixiado, errando nas neblinas mal-sãs tecidas por meus desejos, quero pra ti longas noites sem sono acompanhadas pelo tumtum ressoante das tempestades longínquas, invisíveis, desconhecidas, quero que a saudade da minha presença então te paralise. » Este é um dos trechos da poesia de Maria Martins utilizados nesta peça, que traz como tema e resultado o corpo. Mas não qualquer corpo, senão o corpo da mulher dos trópicos, da mulher brasileira e sua existência neste mundo machista e misógino. Neste sentido, não é a minha voz a falar, mas indubitavelmente a voz de Maria, de Maria Martins, de Doriana Mendes, e de muitas outras Marias. Maria!, por fim, se apresenta com muitas vozes, com muitas línguas, com muitas bocas: faladas, mutadas, cantadas, sussurradas, mastigadas, gritadas. 2. O IMPOSSÍVEL (Arthur Kampela) Embora ininterrupta, a obra pode ser dividida, basicamente, em 3 partes ou segmentos:1) A primeira é uma espécie de coral baseado em gravações superpostas da voz da Doriana. Aí já se inscreve um primeiro momento de reflexão e suspense onde o material é inspecionado sob o ponto de vista da harmonia e de suas conexões internas .2) A partir do minuto cinco da peça há uma intervenção rítmica de materiais contrastantes que corta este coral inicial. Faço uso primordialmente além de ruídos obtidos com a voz de Doriana, de um piano distorcido, ou seja, sons gravados em todas as partes de um piano de cauda (em suas teclas e no seu interior). Aos poucos a peça ganha muita ressonância e uma grande variedade dinâmica e rítmica, que, sinto, seria o equivalente sonoro dos "tentáculos" (cabeças) da escultura da Maria Martins – a parte monstro da escultura, mais precisamente.3) Este amálgama de ritmos e sons vocais vai paulatinamente se resolvendo, e o coral inicial retorna em meio ao turbilhão de sons deste segmento. Aos poucos, se escuta a emergência de uma melodia com caráter de modinha e francamente tonal, inicialmente obscurecida pelos ruídos e sons menos comuns que o suporte eletroacústico gera. Tal melodia ainda opaca à escuta, vai-se aos poucos afirmando em várias transposições. Finalmente, a emergência desobstruída desta melodia acontece nos últimos momentos da peça – uma espécie de "reconciliação", eu diria, com as formas mais angulares (cabeças) da escultura de Maria Martins, uma volta às origens vinda da anatomia humana do corpo da escultura. No último instante, esta melodia é abruptamente cortada por sons muito rítmicos e angulares provindos de um piano distorcido, e reminiscentes da parte anterior da composição. – Formalmente, uma espécie de micro-coda de caráter mais agressivo que sutilmente complementa a melodia tonal, enfatizando, assim, a metamorfose estrutural da escultura e da música que nela se baseou. 3. ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT (Ivan Simurra) “predamaquinação” Elaborada como uma criação musical em conjunto, ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT retrata as trocas de ideias de contextos, aparentemente, distantes e distintos: a escultura e o som; a música e o gesso, a floresta e o concreto. Contudo, é preciso discutir a desfiguração humana que é, neste contexto, o início de uma outra forma animal, vegetal ou outra. "preda, (má)quina e ação" são termos emprestados das conversas realizadas durante o processo criativo da obra: a ação predatória da máquina e da regeneração da floresta por intermédio dos sons, da interação humana com a natureza. Essa relação deve voltar a um equilíbrio que se perdeu em grande escala nos últimos quatro anos, especificamente, no Brasil. Como a floresta pode se esconder e se proteger? O que devoramos, deglutimos ou nos é socado/estocado “goela abaixo”? O soco no estômago - o vazio - o espaço da voz, do pronunciamento, do grito, da denúncia, do riso deslocado e nervoso. A proximidade da floresta. Passos. Pés que adentram o território. 4. FUNDO do POÇO (Neder Nassaro) A obra Fundo do Poço é um exercício de aproveitamento poético das potencialidades sonoras da voz humana. Sua escrita experimental, imersa numa ambientação eletroacústica de sons gravados e sintetizados, privilegia gestos livres, texturas baseadas em fluxos, e o emprego de técnicas não-convencionais de execução. Em um universo de combinações (fusão, contraste, inter-relação e interferência), Fundo do Poço permite à intérprete explorar suas capacidades criativas, gerando novas leituras e novas percepções a cada montagem. Previo Siguiente