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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Animación Suspendida. [MÉXICO] Obras del: Centro de Compositores de Nuevo León (México) 7 jul 2017 Concierto en el que se escucharán obras escritas por la generación actual de becarios del Centro de Compositores y compositores con trayectoria nacidos o radicados en el Estado de Nuevo León, que tienen una relación estrecha con el Centro de Compositores del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León. En este ocasión serán obras con uso de electroacústica tanto mixtas como acusmáticas. Se contará con los instrumentistas especialistas en música contemporánea Juan Manuel Flores -Violín, Eusebio Sánchez - Percusión y Sabo Romero-Saxofón. Centro de Compositores de Nuevo León (México) Fue inaugurado en el año 1998 con la finalidad de crear un espacio de creación musical contemporánea. Por sus características, el Centro de Compositores es un espacio de vanguardia México, donde se imparten talleres, cursos, clínicas y clases magistrales para la comunidad artística musical. El Centro también trabaja en la recopilación de compositores que hayan desempeñado su labor creadora en el Estado. Actualmente se ha archivado la obra de Ramiro Luis guerra, Eva Carmen Garza, Nicandro Tamez y Paulino Paredes. Han sido coordinadores: Radko Tichavski: 1998-2002, Alejandro Padilla: 2003-2007, Alejandro Gómez: 2008-2010, Rolando Cruz: 2012-2013, Alejandro Padilla: 2014-2015, Roberto Carlos Flores: 2015-2016 y Eduardo Caballero: 2016-2017. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Sleepwalker. A birdbath made from teeth. [REINO UNIDO] Michael Begg (UK) 7 dic 2018 Michael Begg ofrecerá un concierto con los resultados de una residencia de producción, durante 2 semanas en el CMMAS, para producir una nueva pieza de música electrónica experimental que toma como tema las pinturas de Leonora Carrington. Empleará métodos surrealistas para tratar de descubrir los mundos sonoros de las pinturas extrañas, inquietantes y a menudo perturbadoras de Carrington. Michael Begg es un galardonado compositor, artista sonoro y músico con sede en East Lothian, Escocia. Su música se encuentra en el lugar donde se encuentran la composición formal y la erosión electrónica; un espacio liminal teñido por el anhelo y la incomodidad Ha lanzado, ya sea solo o en colaboración con una amplia gama de artistas, más de 15 grabaciones de larga duración y se ha presentado en toda Europa. En 2018 ganó el premio New Music Scotland por una obra de arte sonoro electroacústico para TITAN, encargado por Cryptic para ubicarse en el puente de mando de la grúa Clydebank Titan, a 150 pies sobre el río Clyde. Las comisiones anteriores han sido por parte de Artichoke, BBC y National Galleries Scotland. Los escritos de Michael sobre música y teatro han aparecido en Sound on Sound, The Quietus, Audio Media International, Total Theatre, The Scotsman, Adverse Effect y Paraphilia. El Polish Soundscape Institute tradujo muchos de sus escritos al polaco para su conferencia internacional en Cracovia, 2015. En 2016, fue designado para el panel de revisión por pares de RFO artístico y creativo de Creative Scotland. También está incluido en el portafolio de educadores de artistas de la Talbot Rice Gallery de Edimburgo. Seeing Hearing UK México, una colaboración de tres años entre el Reino Unido y México es posible gracias al apoyo de Anglo Arts, el departamento cultural de The Anglo Mexican Foundation A.C; British Council Mexico; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) y Cryptic. Seeing Hearing UK Mexico, a three-year collaboration between the UK and Mexico made possible with the support of Anglo Arts, the cultural department of The Anglo Mexican Foundation A.C; British Council Mexico; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) and Cryptic. Previous Next

These are the voyages of the 'Magical Musical Sherpa Shaman' Adventures. The goal of these soundscape musical meditations is to interact and to be inspired by the sonic landscapes and interacting with different time levels while we travel inward finding a peaceful center for our wellbeing. < Back Ir al final | go to botom Exploring Remote Layered Musical Soundscape Meditations These are the voyages of the 'Magical Musical Sherpa Shaman' Adventures. The goal of these soundscape musical meditations is to interact and to be inspired by the sonic landscapes and interacting with different time levels while we travel inward finding a peaceful center for our wellbeing. Y así comienza (3:24) This was the first recording of an Audio Journal of remote layered recording in my old home in Mexico, reconnecting to past friends and memories and experiencing these places again through layered soundscape-meditations. It has also been a meditation on using the same instruments and key centers (based off of the handpan I brought). How do these sounds and themes evolve over the trip and with the interaction of places, friends, and feelings.....? Cable Beachin’ (15:28) ○ Recorded on the shore of Lake Siskouyou which is located at the base of Mt. Shasta in Northern California. This was a 4 layered recording where the wind picked up during the day and these sounds became a changing part of the improvisation. Listen how the sounds of the water flowing and lapping against the shore inspire this piece. Planta electrica - dos estrellas (8:20) his composition was recorded in layers in the old electric plant at Dos Estrellas Gold Mine in Tlalpujahua, MICH, Mexico on 6/17/2021. You can sense the rich history of the location of the varied uses of the building over time. In 1937 a mudslide buried 1⁄3 of the town in a mining accident. The mine was still used into the 1960’s. Exploring the different time levels and uses of this building by recording a 4 layered composition where each musician inhabited a different part of the ruin of a building and then bring them together by interacting sonically and musically from the different time levels. Flowing-Calming-Light (2:32) Recorded at the Headwaters of the Sacramento River in th Mt. Shasta, CA. This soundscape/sound meditation uses the changing sounds of how water travels from within the earth transforming into a mighty river. Soundscape Musicians: David Blink (EEUU)- Cornet/Trumpet, Gong, Handpan, Jarana & Percussion Also on planta electrica - dos estrellas Juan Alzate (Mex)- Soprano & Tenor Saxophone Monica Reina (Mex)- Percussion, & Singing Bowls Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Monográfico. [REINO UNIDO] Scott Wilson (UK) 16 ago 2019 Este concierto presenta una variedad de obras de la producción del compositor, incluidas las obras del paisaje sonoro Kelp Road, basadas en grabaciones realizadas simultáneamente sobre el mar y en la costa de Gales, “Gotlandic Miscellanea”, con sonidos capturados durante una residencia en la isla sueca; Böse, basado en una recreación inmersiva de sonidos capturados de una serie de pianos (uno en pedazos); y Dark Matter, una sonificación de colisiones de partículas del Gran Colisionador de Hadrones del CERN, improvisando usando la técnica de livecoding, haciendo que los algoritmos generen música de una manera que les permita ser reescritos mientras se interpretan. Scott Wilson Durante las últimas tres décadas, la música y el arte sonoro de Scott Wilson han explorado la intersección de una variedad de prácticas diferentes y, a veces, contradictorias. Combinando aspectos de la composición instrumental / vocal, la grabación de campo, el sonido y la electroacústica multicanal, sistemas inmersivos, visuales, la colaboración intercultural, live coding y la improvisación, en obras que son una solución a la medida de un problema artístico único, su producción tiene pocas alianzas firmes con las escuelas, estilos o géneros, y regularmente transgrede los límites de lo "aceptable" que se encuentra incluso en los campos experimentales más probables de la práctica artística. Un interés particular en la colaboración ha dado lugar a una amplia gama de resultados, que incluyen trabajos interculturales e interdisciplinarios. Estas y otras piezas, que incluyen paisajes sonoros hiperrealistas que utilizan sonido del mundo natural, un palimpsesto musical colaborativo en grabaciones clásicas de Qawwali y música creada al sonificar las colisiones de partículas del Gran Colisionador de Hadrones del CERN, se han presentado en todo el mundo. Scott Wilson se encuentra activo como educador y mentor para jóvenes artistas, es el director de Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre y enseña en la Universidad de Birmingham en los EE. UU. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Eduardo Soto Millán [MÉXICO] Compositor: Eduardo Soto Millán (México) Intérpretes: Guillermo Portillo (flauta), Mauricio Nader, (piano), Carlos "Pelusa" Rivarola y Joao González (percusiones). 13 feb 2015 EDUARDO SOTO MILLÁN Realizó sus estudios musicales en la Escuela Nacional de Música de la UNAM; además, participó en el Laboratorio de Composición De Julio Estrada, y estudió armonía con Ramón Barce, análisis con Rodolfo Halffter, así como microtonalismo y acústica musical con Jean Etienne Marie. Fundó y dirigió el Grupo de Música Contemporánea de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, y el Ensamble Intermúsica. Ha sido Programador Musical en Radio Educación, Coordinador de las actividades musicales en la Casa del Lago de la UNAM, cofundador del Centro Independiente de Investigaciones Musicales y Multimedia, Jefe del Departamento de Música de Cámara de la Dirección de Música de Difusión Cultural-UNAM, presidente fundador de la Sociedad Mexicana de Música Nueva, fundador del Centro de Apoyo para la Música Mexicana de Concierto, Coordinador Académico y Director del Centro Veracruzano de las Artes “Hugo Argüelles”, Coordinador Nacional de Música y Ópera del INBA, director artístico del Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, y de El Arte de lo Intangible. Música Mexicana INBA-SACM, entre otros. Su actividad profesional abarca también el ejercicio de la crítica músical en periódicos y revistas especializadas mexicanas y del extranjero como World New Music Magazine, Performance, Pauta, La Jornada, UnoMásUno, El Financiero y Proceso. En el campo de la difusión, es productor discográfico así como coordinador y creador de varios ciclos de conciertos dedicados a la música mexicana. Compositor residente del Grupo Relâche en la Arizona State University West (1995-1996), y autor del Diccionario de Compositores Mexicanos de Música de Concierto -Siglo XX-, publicado por la Sociedad de Autores y Compositores de Música y el Fondo de Cultura Económica, Soto Millán recibe encargos de diversas instancias e intérpretes mexicanos tanto como extranjeros. Como compositor, dos de sus principales preocupaciones radican en aspectos acústico-espaciales y en los mecanismos de percepción. Su catálogo de más de cien obras comprende música de cámara, sinfónica y electroacústica, así como para danza y para teatro. Mauricio Nader El pianista mexicano Mauricio Náder Schekaibán (1967), se inició en el concertismo a los nueve años de edad y ha mantenido una activa carrera que lo ha llevado a los escenarios de cuatro continentes. A partir de sus actuaciones en España dentro las Semanas de Música de la Fundación Príncipe de Asturias (1994), se presentó en diversos escenarios de México, Estados Unidos, Canadá, Alemania, Bulgaria, España, Francia, Italia, Noruega, Portugal, Belice, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba,Ecuador, Perú, Puerto Rico, El Salvador, China, Líbano y Pakistán. En diversas ocasiones fue invitado a tocar ante mandatarios como el ex-Presidente Felipe Calderón, el Príncipe de Asturias y el ex-Presidente de Francia Nicolas Sarkozy. Ha tenido la oportunidad de difundir la Música Mexicana en escenarios como el Banco Interamericano de Desarrollo/BID (Washington), Spivey Hall (Atlanta), Jay Pritzker Pavilion/Millennium Park (Chicago), Americas Society (Nueva York), Oslo Konserthus (Oslo), Hotel National des Invalides (París), Centro Cultural de Belem (Lisboa), Teatro Municipal (Río de Janeiro), Art Institute of Chicago, National Center for the Performing Arts (Beijing) y muchos recintos más. A los diecinueve años de edad debutó en el Palacio de Bellas Artes como solista de la Orquesta Sinfónica Nacional y desde entonces es solista de todas las orquestas importantes de su país, así como de diversas orquestas de Europa, Medio Oriente, Centro y Sudamérica. Su calidez interpretativa, el poder de su personalidad artística y su capacidad de abordar un inmenso repertorio que abarca desde la música barroca hasta la contemporánea lo convierten en uno de los músicos latinoamericanos que más llaman la atención de los organizadores de conciertos de México y del extranjero. En su haber, se pueden destacar el "estreno en México" del Makrokosmos (Libros I y II) de George Crumb durante el XXXVII Festival Internacional Cervantino y el estreno en varios países del Concierto para piano y orquesta de Manuel M. Ponce. En 1996 ganó el Primer Lugar en el Concurso Internacional de Piano "Bartók-Kabalevsky" y el mismo año recibió una Medalla Conmemorativa del Milenio de Austria. También le fue otorgado el Primer Lugar en la Bienal de Piano (México), el Texas Music Teachers' Association Competition, el Tuesday Musical Club Young Artists Awards, Concurso Nacional de Xalapa y Concurso Nacional Edvard Grieg, así como otros premios y reconocimientos en el Primer Concurso Nacional de Piano "Angélica Morales" (México), Ibla Grand Prize-World Music Competition (Italia), Victoria Young Musicians' Competition (EUA), International Chopin Piano Competition of Texas (EUA), International Audio and Video Tape Piano Competition (EUA) y Joanna Hodges International Piano Competition (EUA). Ha sido becario del FONCA bajo la categoría de "intérpretes con trayectoria destacada" y actualmente colabora con el Grupo de Concertistas de Bellas Artes del INBA. Asimismo, es uno de los artistas mexicanos incluidos en el timbre conmemorativo "México del Siglo XX al Tercer Milenio/Arte" emitido por el Servicio Postal Mexicano en el año 2000 y fue integrante de agrupaciones como el Ensamble 3, el Composer's Forum, el Ensamble Ónix y el Ensamble Cello Alterno. Frecuentemente es invitado a ofrecer clases magistrales en varios países y ha sido invitado a fungir como juez del Concurso Internacional Lang Lang-Telefonica (2012), el Concurso de Piano de Bucaramanga (Colombia), el Concurso Internacional de piano Bartok-Kabalevsky (EUA), el Concurso Nacional de Piano "Angélica Morales" (México) y muchos otros; así mismo, también ha formado parte de la Comisión de Evaluación del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de varios Estados de la República Mexicana. Su trabajo se puede apreciar en una treintena de discos compactos, de entre los que destacan "Apuntes para piano" (Música Mexicana de los siglos XX y XXI), "Mauricio Náder à Paris" (Música de las Américas), "Piano music" (obras de Darián Stávans) y "Recital" (Mozart, Schumann, De Falla y Ligeti), así como el Concierto para piano y orquesta de Héctor Quintanar al lado de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, bajo la dirección de Juan Trigos. Mauricio Náder se formó musicalmente en el Conservatorio Nacional de Música, en la Escuela de Música de la Universidad de Houston y la Eastman School of Music, en donde obtuvo el grado de Maestría en Piano y fue premiado con el Performer's Certificate. Sus maestros fueron Carlos Bueno, María Teresa Rodríguez, Nancy Weems y Anton Nel. Carlos Enrique Rivarola Dominguez Llega a México en 1981, con una breve trayectoria musical como percusionista, al poco tiempo tiene la oportunidad de conocer personas entrañables y talentosas que serían sus compañeros de viaje en la música y en la vida a partir de entonces. Tania Libertad, desde 1982 a 1987. Recorriendo México y parte de Sur América. Grabo 2 DC con esta artista. Banco del Ruido, 1982 a 1990. Uno de los mejores grupos de Jazz latino que mezclaba folclor de América Latina y del Caribe. Graba 2 DC con ellos. Maldita Vecindad, 1998 a 2004. Grabó en su disco Mostros. Giras por México, USA y España. Lila Downs, de 2001 a 2004, graba en su disco Border. Giras por México, USA y Europa. Otros artista con quienes trabajó: Betsy Pecanins, Margie Bermejo, Caito, Arturo Márquez, Gabriel Macotela, León Gieco, Naty Mistral, Cecilia Toussaint, Malena Durán, Nicomedes Santa Cruz, Carmina Cannavino, Alejandro Aura, Liliana Felipe, Eugenia León, Jesusa Rodríguez, Los Cojolites. BaNdula. Carlos Rivarola crea este grupo en el año 1993 como un proyecto que buscaba amalgamar los conocimientos y experiencias adquiridos. En el año 1996 al conocer al poeta y cuentacuentos y niñólogo guerrerense Emilio Lome se transforma en grupo de música y danza para niños. En 1987 arrancan las actividades auspiciados por Alas y Raíces a los niños de CONACULTA. Joao González Grácio (Monterrey N.L. - 1982) Obtiene una maestría en dramaturgia musical en la Universidad Paris 8, Francia (2009) y una licenciatura en música, especializado en percusiones en el Conservatorio de las Rosas, en Morelia Michoacán(2005). En el 2002 cursó el diplomado en estudios avanzados de percusión impartido por Tambuco en el Centro Nacional de las Artes en la ciudad de México. Ha tomado diversos cursos de especialización con los maestros Pedro Carneiro, Ricardo Gallardo, Iván Manzanilla, Nebojsa Jovan Zivkovic, ICE (International Contemporary Ensemble), Tatiana Koleva, Zeferino Nandayapa, Ney Rosauro, Ludwig Albert, entre otros. Como percusionista se ha presentado en diversos foros y festivales de México, así como en diversos lugares de Francia, España y el Reino Unido. Interesado en la relación gesto/sonido trabaja regularmente con compañías de teatro. Desde el 2002 hasta la fecha ha dado clases percusión en diversas escuelas como son : el Conservatorio de las Rosas, Escuela Popular de Bellas Artes de la UMSNH, Academia de música "La lyra", Centro Cultural "La parota". Del 2004 al 2007 co-produce y conduce el programa radiofónico "Ionización" en el Sistema Michoacano de Radio y Televisión. Reside en París, Francia, del 2007 al 2012, donde trabaja como compositor, intérprete y actor con las compañías "Les Anthropologues", "Turbul" y "Cavaluna". En el 2012 es creador y director musical del espectáculo multidisciplinario "Rousseau à rebrousse temps" con la compañía "Les Anthropologues". Obra creada expresamente para el tricentenario del nacimiento de Jean-Jacques Rousseau, encargo de la ciudad de Montmorency. Del 2010 al 2012 obtiene el status "Intermittent du spectacle" en París. Fue el maestro encargado del taller musical del hospital psiquiátrico d'Orly del 2010 al 2012. Trabajó en el Instituto Nacional de Historia del Arte de Francia, en el área de catalogación del 2010 al 2011. Ha sido beneficiado en las siguientes convocatorias: - Educación por el Arte, 2003 - proyecto, "Siglo XX: Cien años de música desconocida" - Intérpretes michoacanos del Festival de Música Contemporánea de Michoacán, 2005, 2007 - Programa de Estímulo a la Creación y el Desarrollo Artístico de Michoacán, 2006 - proyecto "Conociendo la percusión" - Beca de excelencia en las Artes, Embajada de Francia en México, 2007 - Programa de apoyo de estudios en el extranjero FONCA, 2007 - BecA de residencia "L'improvisation en liberté", Fondation Royaumont, 2008 Previous Next

Playlist de música y diseño sonoro de videojuegos lanzados durante la pandemia. < Back Ir al final | go to botom Infected games Playlist de música y diseño sonoro de videojuegos lanzados durante la pandemia. Pedro Loperena (1997). Es un compositor mexicano interesado en la inmersión, narrativa y en el trabajo con medios audiovisuales. Comenzó sus estudios musicales en el Centro de las Artes de San Luis Potosí donde realizó estudios en piano. Su música ha sido interpretada en el Auditorio del CMMAS, en la Facultad de Música de la UNAM y en el festival Visiones Sonoras 2019. Sus piezas han sido tocadas por instrumentistas como Abel Romero y trabajó en conjunto con Iván Manzanilla y Henrique Portovedo. Actualmente realiza sus estudios universitarios en Música y Tecnología Artística en la ENES Morelia, UNAM, y está interesado en el diseño sonoro para animación y videojuegos. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

University of Arizona Fred Fox School of Music Electronic Music Studio presents multimedia works by UA composition faculty Dr. Yuanyuan (Kay) He and her students. For the past years they have been working on various audio editing techniques and also developing and exploring the use of visual art with electronic music. This concert is a showcase of the result of their hard work at the UA Electronic Music Studio. < Back Ir al final | go to botom University of Arizona - EMS University of Arizona Fred Fox School of Music Electronic Music Studio presents multimedia works by UA composition faculty Dr. Yuanyuan (Kay) He and her students. For the past years they have been working on various audio editing techniques and also developing and exploring the use of visual art with electronic music. This concert is a showcase of the result of their hard work at the UA Electronic Music Studio. L'appel du Vide - Zachary White “L’appel du vide” (“the call of the void”) is a work for drum kit and tape that illustrates the “untraditional” influences that one may possess behind a drum kit in a “traditional” jazz setting. Throughout the piece, the player finds themselves in a quasi-improvisatory setting that both dictates precisely what the player must perform and allows for free improvisation (the void). In these moments of free improvisation, the player must decide whether to succumb to their personal influences as drum kit players or to be informed by the [quasi] “traditional” jazz accompaniment presented throughout the piece (the call). Although there is no “correct” choice to be made in the improvisatory moments throughout the piece, the colorfully dictated narration of the player’s “instructor” (as represented by a sampled speech given by Buddy Rich that was directed at his band) is present to inform the performer in their improvisatory choice making. Throughout the piece, “l’appel” (the call) that the performer is faced with is further represented by the electronic manipulation of the “traditional” jazz accompaniment. In the context of this piece, the “traditional jazz” aspects of this accompaniment reside in its stylistic and harmonic language as well as the timbre of the grand piano. As much as the notation suggests that the performer makes personally informed/ improvisatory decisions, the accompanying track employs the player to evolve as the grand piano evolves throughout the piece via timbral synthesis (with synthesizers), spatial manipulation (via dynamic, delay, and reverb processing) and frequency equalization. dream – Tess Wagner for audiovisual dream is my first audiovisual composition, completed under the guidance of Dr. He during my pursuit of a Masters degree in Landscape Architecture at the University of Arizona. In this piece, I explored simple animation by manipulating and distorting over 30 layers of a digitally painted ocean scene I created in Photoshop. The piece was created during the Coronavirus pandemic and explores the properties of water and fire in a nebulous and saturated dreamscape. Working in this invented digital dream-space became a necessary escape for me during the chaotic isolation of life during the pandemic. On the Arch of a Monochrome Rainbow - Yuanyuan (Kay) He for clarinet and electronics Clarinetist: Jackie Glazier *Location Courtesy of the Pima Air & Space Museum, Tucson, AZ On the Arch of a Monochrome Rainbow for clarinet and cello was inspired by Nancy Rubins' sculpture "Monochrome," which is displayed on the UT Austin campus. "Monochrome" stands nearly 50 feet high and stretches across 24th Street. It comprises around 75 Kayaks, canoes, and small boats, arranged together to form a giant silver tree, and has become a significant landmark in Austin, TX. "Monochrome" develops a sense of mass and scale that is accompanied with true grace. Balance becomes the main theme of the sculpture. There are many extended techniques I use for clarinet solo, such as large scale glissando, bending tone, multiphonic techniques, etc. These create a very interesting sound palette, which become the source of the electronic sound. Sometimes it’s gentle and beautiful, sometimes it’s odd and harsh, sometimes it’s aggressive and overwhelming, sometimes it’s colorful and joyful, just like nature. How do we keep the balance in the world to continue to live along with nature? How do we enjoy the different shades of nature, and be part of it? It is just like dancing on the arch of a monochrome rainbow. It’s overwhelming and also joyful. Baba Yaga – Jacob Ransom for fixed media and video Baba Yaga is an exploration of live processing, sample-based music, and processed electroacoustic drumset performance. The character Baba Yaga (often referred to as “Bony-Legged") is a witch and common antagonist in Slavic folklore. The piece features a recitation of a Baba Yaga folk tale, from Politicizing Magic: an Anthology of Russian and Soviet Fairy Tales, in both the English and Russian languages. The tale intertwines and juxtaposes language and rhythm. The electronics of Baba Yaga contain many short samples played on a drum sampler pad, a series of fixed-media sections, and live audio processing for the drumset. The sampled material is constructed from both audio and MIDI instruments. The instrumentation of Baba Yaga includes a bass drum, snare drum, hi-hat, two cymbals, and a Roland SPD-SX (or similar) sampling pad. The piece uses a symbolic notation where each written note corresponds to a rhythmic drumset cell. The cell is notated in standard drumset notation in the instructions for the piece, while the melody for the SPD-SX sampler instrument uses a treble staff where each note corresponds to a pad on the sampler. Many electroacoustic pieces use triggers to advance large sections of a composition. In contrast, Baba Yagasounds like the performer is playing a sampler musically, as if it is part of the drumset, with melodies and rhythms unfolding organically. The music and the words fold together seamlessly and at times incoherently, many languages in music and speech all happening at the same time. The sound samples are short one-shot samples; the music sounds stylistically like someone using an old AKAI sampler, pressing buttons to arrange beats. There is a chord that corresponds to each MIDI-mapped pad that in turn corresponds to a rhythmic pattern on the drumset. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rupturas y encuentros. [MÉXICO] Jorge Hoyo (México) Enrique Mendoza (México) 11 oct 2019 En este programa, el timbre del saxofón se funde con el potencial de la electrónica para crear una policromía asombrosa. La búsqueda de estos compositores por encontrar un lenguaje apropiado para nuestro tiempo los lleva a cuestionar la forma en que escuchamos y pensamos la música en los albores del siglo XXI. Todas las obras en este programa son producto de una estrecha colaboración entre intérpretes y compositores. E M A C Ensamble Modular de Arte Contemporáneo Creado en 2015, el Ensamble Modular de Arte Contemporáneo (EMAC) es una agrupación que busca desarrollar un lenguaje musical apropiado para el siglo XXI. Nace a partir del interés común de sus fundadores por dar voz a las creaciones recientes, colaborando con compositores en la concepción y ejecución de obras nuevas. EMAC también se propone abordar un repertorio del siglo XX aún poco conocido por el gran público, dando a este catálogo de obras una nueva sonoridad en la voz de los saxofones. Parte esencial de su actividad se base en la estrecha relación que sus integrantes han desarrollado con creadores de disciplinas diversas para dar forma a expresiones artísticas propias de nuestro tiempo. Esta búsqueda ha dado origen a un repertorio tan ecléctico y policromo como la época que nos tocó vivir. Para este programa, EMAC está formado por Jorge Hoyo (saxofones) y Enrique Mendoza (electrónica). Jorge Hoyo, saxofones Músico interesado en la vanguardia, está siempre al acecho de un repertorio variado e innovador. En los últimos años se especializado en el repertorio contemporáneo y ha colaborado con compositores de diferentes nacionalidades para enriquecer el repertorio del saxofón. Originario de la Ciudad de México, realizó sus estudios en el Conservatorio de Boston con Ken Radnowsky y en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt (París) con Jean-Michel Goury. En 2010 obtuvo una Maestría en Educación Musical por la Universidad de Granada (España). Se ha presentado en diversos foros y festivales en los Estados Unidos, Francia, España, Bélgica, Tailandia, México y Costa Rica. Enrique Mendoza, electrónica En enero de 2014 lanzó su primer álbum de música electroacústica Below Sea Level, editado por Future Music Records (Londres). Su música ha sido interpretada en foros como el IGNM Strommusik (Viena), Blöckflute Festival (Ámsterdam), Tromp Percussion (Eindhoven), International Forum for Young Composers Sond’Ar-te Electric Ensemble (Portugal), el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez y el Festival de Música Contemporánea de Michoacán. Ha sido ganador de la Tribuna de Música Mexicana, el Concurso de Composición de Michoacán y de la Tribuna de Música de América Latina y el Caribe. Representó a México en sendas ediciones de la Tribuna Internacional de Compositores en París y Estocolmo con sus obras Los Mensajeros y La Muerte Multicolor. Es licenciado en Composición por el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM), título otorgado por The Trinity College of London. En 2010 obtuvo el título de Maestría en Composición para Cine por el Conservatorio de Ámsterdam. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Dark in the Song (Colectivo contemporáneo de Fagot) y Wendy Holdaway [USA/MÉXICO] Interpretes: Wendy Holdaway, Contemporary Bassoon Collective 8 may 2012 Programa Thicket (2011) Christopher Dietz b. 1977 Para cinco fagotes Come Closer (2011) John Fitz Rogers. b. 1963 Para cuatro fagotes con click tracks Music for Five Bassoons* (2012) Alex Weiser b. 1989 Para cinco fagotes Kiss of the Earth Dance Song Dancing on Death’s Chair* (2012) Michael Ippolito b. 1985 Para cinco fagotes Moderato ben marcato Leggiero Pesante Iftira* (2012) Felipe Perez-Santiago b. 1973 Para cinco fagotes y electrónica Air* (2012) Andrew Lewis para Fagot solo (Wendy Holdaway) *Estreno mundial DARK IN THE SONG is committed to leading the development of an adventurous and diverse new body of repertoire for bassoon ensembles. By working directly with composers to commission new pieces, performing, recording, arranging, educating audiences, and teaching a new generation of open-minded players, we seek to bring the bassoon to the forefront of 21st century music-making. Our recent appearances include the International Double Reed Society's 2010 and 2011 annual conferences, performances in North and South Carolina, and a residency at Bowling Green State University in Ohio. Upcoming residencies include South Carolina and upstate New York, culminating in the recording and November 2012 premiere and European tour of Michael Gordon's new concert-length work for seven bassoons, coordinated by bassoonist Dana Jessen. We see ourselves as active participants in the continuing conversation between the vast range of musical styles that now make up contemporary art music - from modernism and the avant-garde to minimalism, popular music and rock, electronica, and folk and traditional music from around the world. If you'd like to join in the conversation, be it from the point of view of a composer, listener, performer, educator, patron, arts presenter, or curious onlooker, please don't hesitate to contact us. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: THE TERRESTRIAL SEA [ESCOCIA] Mark Lyken (Escocia) 5 ago 2016 The Terrestrial Sea enaltece la diversidad y cambio constante del entorno del Cromarty Firth a través de la música y video. En 2012, Mark Lyken, era un artista residente en el Lighthouse Field Station in Cromarty, donde trabajó a lado del equipo de ecologista de la estación de Field, IOTA y la University of Aberdeen para grabar el álbum The Terrestrial Sea. Bajo esta comisión de Cryptic para Sonica, Lyken a desarrollado The Terrestrial Sea en un fascinante performance audio-visual con su constante colaboradora Emma Dove. Mark Lyken (1973) artista, cineasta y compositor que vive en la zona rural de Dumfries & Galloway, Escocia. Crea cine observacional, musical y trabajo sonoro performances e instalaciones que han sido presentadas a nivel nacional e internacional incluyendo: Brasil, India, Polonia, Rumania Suecia y por todo Reino Unido. Su trabajo más reciente explora la relación entre lugar y la interacción entre naturaleza y cultura, esto lo ha llevado a colaboraciones con artistas y científicos, particularmente de la University of Aberdeen’s School of Biological Sciences. Su film más reciente Mirror Lands, co-dirigida con Emma Dove, ganó el Premio por Creatividad en el IFFEST Documentary Art Festival 2014, Bucarest y su última comisión audio-visual, Oscillon Response, que fue estrenada en Sonica 2015, Glasgow. Actualmente realizara una gira en el Reino Unido como parte del PRS para la Music Foundation’s Beyond Borders. Lyken se convirtió asociado de Cryptic Associate en 2014 y ha lanzado música con Important Records, Time Released Sound y Gamma Proforma. Previous Next

In this presentation I will first focus on the relationship between music and language in order to approach the concepts of audiovisual music and composition. The presentation is illustrated with excerpts of my own audiovisual works since 1995 to 2021. < Back Ir al final | go to botom Music speaks an audiovisual language - Paulo C. Chagas (EUA) In this presentation I will first focus on the relationship between music and language in order to approach the concepts of audiovisual music and composition. The presentation is illustrated with excerpts of my own audiovisual works since 1995 to 2021. Music and language are analog systems of communication that elaborate forms in the medium of sound. Sound is the primary layer of both language and music as communication systems of the society. But sound is just the surface from which music dives us into meaningful depths. Through sound music discloses deep roots of beings and provides with a view from within that it is achieved through sound. Music is language because it speaks; it activates a movement from the immanent to the manifest, through which meaning emerges. In this presentation we will focus on music as audiovisual language, specially in the context of electroacoustic music composition. We observe a growing interest in audiovisual composition with increasingly electroacoustic works being coupled with visuals including film, video, visual projection, 3D images and virtual reality. New forms of audiovisual music emerge both from the convergence of different perceptions – sound, image, body, environment – as well from the diversity of forms. As sound relates to image it raises the consciousness of the interconnection between hearing and listening and intensifies the immersive sensorial experience. As a society inhabited with myriad trivial objects and gadgets of audiovisual technology taking a hold on our existence, we have become saturated by the torrent of audiovisual impressions. Faced with this flood of information that can lead to a state of entropy, it is important to develop a critical reflection on audiovisual communication. We need a comprehensive account of the relation between sound and image beyond the conventional form of cinema in order to understand its full creative potential. It is necessary to deconstruct the hegemonic discourses and point out the broad spectrum of possibilities and diversity of forms within audiovisual composition. Music speaks through a visual language, or music speaks an audiovisual language. Paulo C. Chagas is a professor of composition at the University of California, Riverside. He created more than 180 works for orchestra, chamber music, electroacoustic, audiovisual and multimedia. His works resulted from numerous orders and have been acclaimed in the United States, Europe, Russia, Asia and Brazil. Chagas develops extensive research in semiotics, philosophy, electroacoustics, multimedia, and technology. His book Unsayable Music (Leuven University Press, 2014) presents theoretical, critical and analytical reflections on key themes of contemporary music. He recently edited the book Sounds from Within: Phenomenology and Practice (Springer, 2021) and published the book Zwischen Klängen und Apparaten: zur Theorie und Praxis der elektronischen Musik [Between sounds and apparatuses: theory and practice of electronic music] (Rediroma, 2021) Chagas has received several international awards, including recently the prestigious Fulbright research grant for an audiovisual composition project in Russia. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Homenaje: Hector Quintanar (México, 1936-2013) Entrevista realizada por Ricardo Dal Farra en febrero de 2005. 1 ene 2014 "Héctor Quintanar (Ciudad de México, Mexico, 1936) es un compositor mexicano con una larga y destacada trayectoria. Su amplia producción cuenta, entre los años '60 y '70, con numerosas obras creadas utilizando medios electroacústicos. En 1967 compuso Aclamaciones para coro, orquesta y cinta por encargo de la Secretaría de Educación Pública de México. Esta obra fue estrenada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México por la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Carlos Chavez, en julio del mismo año. Quintanar compuso en 1968 Sideral I para cinta, y en 1969, Simbolos para grupo de cámara (violín, clarinete, saxo. corno, trompeta, tombón, piano), cinta, diapositivas y luces. En 1970 asumió como Director Artístico del primer Laboratorio de Música Electrónica de México, creado en el Conservatorio Nacional de Música como parte de su Taller de Composición. Quintanar compuso con los instrumentos de aquel laboratorio obras tales como: Opus 1, en 1970; Suite Electrónica, Ostinato y Sideral III, las tres en 1971; Voz para soprano y sonidos electrónicos, y Mezcla para orquesta y cinta, ambas durante 1972. Otras obras de Quintanar son: Play back para violín, piano, percusión, cinta, diapositivas, fotografías y luces, de 1970; Diálogos para piano y electrónica, y Dúo para percusión y electrónica, ambas piezas de 1975." Previous Next