Search Results

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensamble A Tempo - Música de cámara contemporánea [México] Claudia Pearl Emmanuel Ontiveros Jimena Contreras Adalberto Tovar Nur Slim Rolando Cruz 21 nov 2024 Ensamble A Tempo Ensamble A Tempo es un grupo de música contemporánea conformado por artistas radicados en el estado de Guanajuato. Con más de una década de actividad, su objetivo principal es difundir la música nueva de compositores mexicanos, aunque también incluye en su repertorio piezas de otros países. Gracias a las capacidades musicales de sus integrantes, el ensamble posee una versatilidad única e interpretan obras acústicas y electroacústicas. A través de una convocatoria de composición abierta de manera continua, buscan incentivar la creación artística, formando su repertorio con obras compuestas específicamente para el ensamble por creadores emergentes y consolidados de diversas partes de México y del extranjero. Se han presentado en diversos foros, entre los que destacan: el Festival Internacional Cervantino, el Encuentro de las Artes Escénicas, el Festival Internacional de Arte Contemporáneo, el Ollin Yoliztli, el Festival Convergencias , Territorios del Arte/Mercado Escénico, el Centro Cultural Casa de las Diligencias de Toluca, el Festival Expresiones Contemporáneas, el Festival Internacional de las Artes de Lerdo, WhiteNoise.Fest, el Foro del Lago de la Feria Estatal de León, el Centro Cultural Kino Room, el Espiral Foro Cultural Universitario, entre otros. Para más información: https://www.festivalmorelia.mx/evento/7/ensamble-a-tempo Programa: - Destroy the enemy - Claudia Pearl - Túnel de pájaro - Emmanuel Ontiveros - Dreams - Jimena Contreras - Súplica - Adalberto Tovar - Esqinas - Nur Slim - Effigies Sui - Rolando Cruz - Danzón Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: DIÁLOGOS TRANSVERSALES (Edición 2017). [MÉXICO] Seminario Interdisciplinario de Creación e Interpretación. Posgrado en Música, UNAM (México) 16 jun 2017 Proyecto "Diálogos Transversales" del Seminario Interdisciplinario de Creación e Interpretación del Posgrado en Música de la UNAM. Compositores e intérpretes de Maestría y Doctorado presentan en esta edición de Diálogos Transversales los resultados de su diálogo interdisciplinario. Los hábitos de creación, interpretación y recepción de la música de arte que prevalecen hasta hoy en nuestra sociedad, se fundan, paradójicamente, en principios sociales y estéticos establecidos durante el siglo XIX en Europa. Fue entonces que terminó por romperse en definitivo el lazo estrecho a veces confundible que alguna vez existió entre los tres actores. Previamente, las fronteras entre creador e intérprete habían sido borrosas, y el contacto con el escucha era cotidiano. La música se hacía exclusivamente para el hoy. La barrera entre "alta" y "baja" cultura, si es que existía, era también borrosa. Fue apenas en la sociedad decimonónica que se encumbró en soledad el creador, el intérprete se puso a su servicio, y la distancia entre aquél y la escucha comenzó a crecer de modo ininterrumpido. Hoy día resulta absurdo mantener y alimentar este paradigma jerarquizado y elitista. La creación en soledad corre el riesgo de sordera social. La interpretación es, también, creación. No depende, además, necesariamente del compositor. La escucha dejó muy atrás su aislamiento dentro de una estética única: es hoy repositorio de una multiplicidad de expresiones sonoras, habiendo borrado las fronteras entre el hoy y el ayer, entre lo culto y lo profano, entre lo propio y lo ajeno. Más allá, la tecnología y los medios han procurado cambios profundos, a la par acercando y alejando al escucha del creador y del intérprete. Crear e interpretar exigen hoy replantearse con miras a un entorno social profundamente cambiado. Este diálogo interdisciplinario, horizontal y abierto, es el punto de partida del Seminario. La escucha mutua y el trabajo colegiado entre compositores e intérpretes devienen en planteamientos sonoros inéditos. Éstos buscan, por su parte, dialogar con un público curioso, dispuesto a dejarse sorprender y a participar. El Posgrado en Música nació con el propósito de crear trastornos, de romper encierros estériles y de buscar conocimiento nuevo a través del diálogo entre profesores y alumnos de siete disciplinas distintas. Un espacio en particular, el Seminario Interdisciplinario de Creación e Interpretación, produjo pronto un pequeño trastorno sísmico, generando expresiones colectivas que no pueden decirse sólo en imagen, en sonido o en palabra; que objetan las viejas jerarquías disciplinarias entre compositor, intérprete y escucha. Representan algo indecible si se limitan a uno de estos actores y medios de expresión. Son el resultado de DIÁLOGOS TRANSVERSALES que quieren ser conocidos. Ya en su décima edición, el proyecto inaugura también un portal de difusión de algunos de sus resultados Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: I colori del suono. Los colores del sonido [ITALIA - ECUADOR] Flauta: Roberto FabbricianI Compositores: Juan Campoverde, Bruno Maderna, Giorgio Colombo Taccani, Nicola Sani, Javier Torres Maldonado, Juan Campoverde, Roberto Fabbriciani. 4 jul 2014 "Concierto compartido del flautista Roberto Fabbriciani y del compositor Juan Campoverde. Obras de Bruno Maderna, Nicola Sani, Javier Torres Maldonado, Colombo Taccani. Se estrenará la obra “Lux” de Juan Campoverde, obra creada especialmente para esta colaboración. - Bruno Maderna - Cadenza (da: Dimensioni III, 1962) per flauto solo - Giorgio Colombo Taccani - Restless White (2012) per flauto solo - Nicola Sani - Binari del tempo (1998) per flauto e nastro magnetico - Javier Torres Maldonado - Primer libro del canto alado (2006) per flauto solo - Juan Campoverde - Lux (2014) per flauto solo - Roberto Fabbriciani - Suoni per Gigi (2007) per flauto e nastro magnetico Roberto Fabbriciani nació en Arezzo, Italia en 1949. Intérprete original y artista innovador. El inventó, gracias a su acercamiento audaz, una técnica de flauta completamente nueva que multiplica las posibilidades sonoras del instrumento. Ha colaborado con algunos de los más grandes compositores de nuestro tiempo: Luciano Berio, Pierre Boulez, Sylvano Bussotti, John Cage, Elliott Carter, Nicolò Castiglioni, Aldo Clementi, Dallapiccola, Luis de Pablo, Franco Donatoni, Jindrich Feld, Brian Ferneyhough, Jean Françaix, Giorgio Gaslini, Genzmer Harald, Toshio Hosokawa, Klaus Huber, György Kurtág, Ernest Krenek, György Ligeti, Bruno Maderna, Oliver Messiaen, Ennio Morricone, Luigi Nono, Goffredo Petrassi, Henri Pousseur, Wolfgang Rihm, Jean-Claude Risset, Nicola Sani, Schnebel Dieter, Salvatore Sciarrino, Karlheinz Stockhausen, Toru Takemitsu, Isang Yun, le han dedicado obras importantes. Con Luigi Nono trabajó extensamente en el estudio experimental de los SWF en Freiburg, abriendo caminos nuevos e inusuales por la música. Ha actuado como solista con directores Claudio Abbado, Luciano Berio, Ernest Bour, Riccardo Chailly, Peter Eötvös, Vladimir Fedoseyev, Gianandrea Gavazzeni, Michael Gielen, Cristóbal Halffter, Djansug Kachidse, Bernhard Klee, Vladimir Jurowsky, Bruno Maderna, Riccardo Muti, Zoltan Pesko, Josep Pons, Giuseppe Sinopoli, Arturo Tamayo, Lothar Zagrosek y con orquestas como la Orquesta de La Scala, la Orquesta dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia , la Orquesta de la RAI, London Sinfonietta, LSO, RTL de Luxemburgo, Bruselas BRTN, la Orquesta Sinfónica de la Monnaie, Colonia WDR, SWF Baden-Baden, Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín, Bayerischer Rundfunk, Filarmónica de Munich. Ha realizado conciertos en prestigiosos teatros e instituciones musicales: Scala, Orquesta Filarmónica de Berlín, Royal Festival Hall de Londres, Suntory Hall de Tokio, Tchaikovsky de Moscú Hall y Carnegie Hall de Nueva York y ha participado en festivales como la Bienal de Venecia, de mayo Musicale Fiorentino, Ravenna, Londres, Edimburgo, París, Bruselas, Granada, Lucerna, Varsovia, Salzburgo, Viena, Lockenhaus, Donaueschingen, Colonia, Munich, Berlín, San Petersburgo, Tokio, Cervantino. Grabó varios discos y ha dado clases magistrales en la Universidad Mozarteum en Salzburgo. http://www.robertofabbriciani.it/ Juan Campoverde Q. is an Ecuadorian-American composer whose compositional voice and ingenuity enriches the panorama of contemporary music by confronting the prevailing notions generated by Latin American musical typecasts. Internationally recognized ensembles such as L’Ensemble Intercontemporain (France), Ensemble SurPlus (Germany), New Music Concerts Ensemble (Toronto), Ensemble Aventure (Germany), Ensamble Quito 6 (Ecuador), NOISE (US), ICE (US), UNTREF Quartet (Argentina), and Fonema Consort (US) have performed his music. His works were premiered twice at ISCM World Music Days, and recently performed by the National Symphonic Orchestra of Ecuador. Courses in contemporary composition and 20th and 21th century music theory/analysis are Campoverde Q.'s areas of teaching interest and expertise. He was most recently a faculty member at DePaul University, and has been an invited lecturer at Northwestern University (IL), University of California-San Diego, University of Minnesota-Twin Cities, Center for Music and Sonic Arts in Morelia, Mexico, and Casa de la Música in Quito, Ecuador. Interdisciplinary studies including music, literature, and philosophy as an undergraduate student in Ecuador are reflected in Campoverde Q's compositional perspective. He pursued his graduate education through a Fulbright Scholarship at the College-Conservatory of Music of the University of Cincinnati where he earned his MM in Music Composition. He subsequently earned his PhD in Music Composition at the University of California - San Diego, with Roger Reynolds as his mentor. Campoverde Q. currently lives outside Chicago in Evanston, Illinois, and divides his artisic and teaching activities between North and South America. http://juancampoverdeq.net/" Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Sofía Matus. Curadora: Sofía Matus Cancino (México) 25 abr 2022 Curadora: Sofía Matus Cancino es una compositora y artista digital con sede en la Ciudad de México. Su trabajo refiere a las relaciones dialécticas entre fenómenos visuales y auditivos, estudiando las características estéticas de sus diferentes niveles de significado y teorías emergentes de clasificación. El trabajo artístico de Matus Cancino incorpora diferentes aproximaciones a la creación audiovisual; individual y colectiva, dentro de la música electroacústica, el videoarte, la videomúsica y la ficción corta. Sus obras han sido presentadas en espacios universitarios y culturales en México, Estados Unidos, Canadá, España, Alemania y Japón. Es pianista egresada del Conservatorio de Música del Estado de México y Licenciada en Arte Digital por la UAEMéx, En la actualidad, Sofía continúa su formación profesional en la Maestría en Música (Tecnología Musical) de la Universidad Nacional Autónoma de México. Descripción del concierto Esta selección, muestra un recorrido a través de variadas expresiones artísticas presentes en el ámbito de la música visual, que se han producido durante los últimos años. Las obras expuestas, proponen un diálogo entre diferentes motivos audiovisuales que abstraen elementos figurativos y perceptuales, entre los que destacan; el agua, los sueños, la ficción y la relación del ser humano con la tecnología. Así mismo, manifiestan la perspectiva de las y los artistas hacia un contexto actual globalizado, consciente del potencial y las implicaciones de la colaboración digital en la creación contemporánea. Programa completo Betsy Kopmar (EU) – Night Fishing With Cormorants (2009) 4:13 Pink Twins (FI) – Refraction (2020) 5:00 Emilio Ocelotl (MX) – THREE.studies – threecln (2020) 4:21 Jeroen Cluckers (BE) – Oneiria (2014) 3:52 Rob Dols (MX) – Un sueño, una noche más (2022) 6:51 David Fodel (EU) – (2016) 3:11 Myriam Boucher (CA) – Kabir Kouba (2016) 8:36 Celeste Betancur (COL) – Fluir (Aunque te estés muriendo de miedo) de la serie "Agua" (2020) 4:23 Morgan Beringer (UK) – VR 01 Selection From (2020) 4:30 *Premiere* "Night Fishing with Cormorants" is a very loose and abstract meditation, inspired in part by the 17th Century Japanese screen painting by Kano Tanyu, "Night Fishing with Cormorants", and by the very stark and beautiful novel of Akira Yoshimura, "Shipwrecks". I am not telling a naturalistic story in this piece, but rather I have tried to make a work that will hold in equal reverence the spirit of the bird, the fish, and the fisherman. "Refraction" - Chinese classical gardens exist at the crossing of a thousand years of landscaping, architecture, poetry and painting. The dramatized and idealized artificial terrain of the gardens have influenced Chinese artists for centuries to create architypal landscapes images, which in turn have inspired garden design. The gardens are trancendental spaces created for meditation and tranquility. In “Refraction" chaos animators Pink Twins distort the views of gardens with a crystal-like caleidoscopic tunnel, adding a psychedelic layer to ancient harmonic panoramas. “THREE.studies” es una obra audiovisual para el navegador. Las señales de audio y video coinciden en un espacio digital diseñado para contenerla. Los elementos del espacio interactúan con los flujos que desembocan y proporcionan retroalimentación al intérprete musical. El espacio se mezcla con la interpretación, lo cual da como resultado un espacio en el navegador que sugiere caminos y que se transforma a sí misma cada vez que se ejecuta. Cello eléctrico: Iracema de Andrade “Oneiria” - Distorted memories from an imaginative zone known as “Oneiria”. In our high-tech world, unpredictable behaviour from technology is often perceived as negative. These glitches however - ‘the ghost in the machine’ - can be a starting point to expand the possibilities of image production in the digital age. Oneiria uses datamoshing, a technique in which digital video images are deliberately made unstable, and found footage in different formats (digital HD, VHS, Super 8, …) is literally used as paint, smearing images to create painterly, abstract, dreamlike landscapes. “Un sueño, una noche más”, es una pieza audiovisual dotada de diferentes capaz sonoras creadas a partir de sintetizadores, efectos y distorsión. Esta propuesta sonora es una interpretación íntima del día a día, en donde los visuales son generados con elementos reactivos, brindando una perspectiva de la escucha de máquina predefinida por el artista, colocando a los dispositivos tecnológicos como interpretes. “Nimitta” is a realtime animation work that mainfests according to a predetermined set of relationships between sonic and computational processes, but which unfolds differently each time it is performed. This video is one such performance. A set of rules, and an emergent "sign", struggling it seems to come into its own, to become a form, simultaneously pulling, stretching, expanding, in-forming. Multichannel sound is delivered live to geometric operators creating the visual output and captured in real time. “Kabir Kouba”, the river of a thousand bends. “Agua” es una colección de micro relatos musicales en forma de ambientes sonoros, basados en live coding y su fluir depurado en el tiempo y espacio. En palabras de Celeste, agua es: “Fluir (Aunque te estés muriendo de miedo)” Tomas una mano, síncopas, 80 Hertz. Tomas la otra mano... el cielo mismo, ojos color miel. “VR 01 - Selection From” is a four minute excerpt from the video installation work 'VR 01' by Morgan Beringer Studio, 2020. It is part of an ongoing series of video pieces, each featuring progressively more abstract imagery of people ecstatically donning VR headsets while engaging in a wide range of activities from fishing to surgery. A surprising structural connection between these images and a type of 'spiritual transcendence' is revealed. It is intended to promote discussion/inquiry into the values and larger social implications of virtual reality as a whole. Biografías Betsy Kopmar is a painter, photographer, and director of experimental animations who lives and works in Berkeley, California. Her award-winning abstract animations have shown in film festivals around the world where they were recognized for their unique combination of expressive graphics and arresting sound. In awarding a prize to Kopmar's film "Night Fishing with Cormorants", the judges of Prix Simona Gesmundo Animation Festival described it as "A beautiful and fascinating work containing inspirations coming from a distant literary and pictorial past. By using them, with no naturalistic but absolutely modern strokes, the author manages to reach a perfect communion with the natural world". Honored by Adobe as a Master Teacher for her contributions to digital education, she has taught motion graphics and 3D design and animation at Bay Area colleges. An early adopter of vj tools for live performance graphics, she continues to explore the synergistic and improvisational work-flow these tools provide to video and animation artists. Pink Twins was formed in 1997 by brothers Juha and Vesa Vehviläinen, electronic musicians, audiovisual artists and filmmakers born and raised in Helsinki, Finland. Emilio Ocelotl Reyes. Realizó estudios de Sociología y Tecnología Musical en la UNAM. Su actividad se centra en el software y la práctica e investigación de música y gráficos por computadora. Ha participado en residencias artísticas, giras, festivales, programas, seminarios, conferencias, simposios y encuentros en: Conferencia Internacional de Live Coding y Programa Prácticas de Vuelo de el CMMAS, Seminario de Música Contemporánea FaM UNAM, Simposio Internacional de Código y Música /*vivo*/, Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, Festival Internacional Cervantino, Fonoteca Nacional, Linux Audio Conference en CCRMA, MediaLab-Prado, Hangar, Panke gallery, Simposio Internacional de Arte Electrónico ISEA, Encuentros de Investigación, Creación Sonora y Electroacústica La Escucha Errante, Festival Databit.me, Academia de las Artes (Berna, Suiza), Insonora Festival de Arte Sonoro e Interactivo, Platohedro e ITM. Jeroen Cluckers is a video artist and experimental filmmaker. He creates audiovisual dreamscapes that explore, question and transform the boundaries between reality and virtuality, cinema and painting, image and imagination. His work has been exhibited in more than 35 countries worldwide, at festivals and venues like Ars Electronica, ZKM, The Hermitage Museum, VIDEOEX, Kurzfilm Festival Hamburg, FILE, VIDEOFORMES, MAXXI Museum, Athens Digital Arts Festival and ISEA. He has received several awards, including Best 60 Seconds Film at the New York Film Week, and Best Experimental Film at TUFF and GISFF. He is connected to AP University College as a Lecturer-Researcher in Video & Immersive Media. He lives and works in Gent, Belgium. Rob Dols (Ángel Ramírez), originario de Toluca Edo. De México, es un artista Interdisciplinario, en arte digital, arte interactivo, diseño sonoro, programación, producción audiovisual y diseño 3D. Su trabajo está enfocado en la creación de espacios digitales y físicos, generados a través de las relaciones tecnológicas experimentales. Su trabajo está basado en la creación de instalaciones audiovisuales que establecen conexiones con el mundo real y el virtual, manipulando el espacio físico para crear relaciones íntimas entre el humano y la máquina. David Fodel is an artist, educator, curator and writer whose recent work concerns itself with reading and writing traces of systems and processes, technological and otherwise, that are overlooked, invisible, and mute in an attempt to animate and actualize those potential languages. His eclectic installations, live performances, award-winning sound design and videos have been exhibited, screened, and performed internationally including TiMaDi, London, England; Post-Screen Festival, Lisbon, Portugal; Festival ECUA-UIO, Quito, Ecuador; Future Places Festival, Porto, Portugal; Transmediale, Berlin, Germany, and the International Symposium on Electronic Art. He teaches Live Media, Creative Computation, and Electronic Art at the University of Colorado, Denver. Since 2012, Fodel has co-curated the MediaLive Festival, featuring live audiovisual performances, talks and workshops from international artists. MediaLive is produced by the Boulder Museum of Contemporary Art and ATLAS, at the University of Colorado, Boulder. Myriam Boucher is a video and sound artist based in Montreal (Canada). Her sensitive and polymorphic work concerns the intimate dialogue between music, sound and image, through visual music, audiovisual performance, Vjing and immersive projects. Fascinated by the natural environment, she creates audiovisual compositions from the landscape and the relationship that human maintains with it. Her work, « evocative in its dynamism, brings its audience close to something akin to feeling multiple emotions all at once » (The Link). Boucher’s compositions range from works for orchestra, ensemble, collaborative and solo A/V featuring DJ and VJ techniques fully notated and integrated into a concert music setting. She is adjoint professor in composition and digital music at the Faculté de musique of Université de Montréal. Celeste Betancur, música multi-instrumentista (profesional en guitarra de Berklee College of Music) y artista programadora. Con Maestría en Artes Digitales e investigadora del ITM – Medellín en el grupo de Arte y Nuevos Medios. Su trabajo se centra en la pedagogía del código y su inclusión en las Artes y en los lenguajes/narrativas como interfaces de interacción humano-máquina. Ha realizado presentaciones en Canadá, México, España, USA y Colombia y de manera remota en Italia, India e Irlanda. Es desarrolladora principal de la libreria CHmUsiCK para la creación de audio y música bailable. También de CineVivo app. Morgan Beringer is an American born video artist based in London, UK since 2003. He began his art practice in 1998 via the mediums of drawing and printmaking before gaining a degree in the expanded field of painting at Wimbledon College of Art in 2003. Here Morgan found his concern with the unexplored spaces between still and moving images. The expressive possibilities therein inspired an ongoing opus of 64 abstract films that continue to expand his distinct perspective upon the medium. The majority of Morgan’s work is created through temporally stretching apart the spaces between still images to reveal surprising juxtapositions.Morgan’s abstract videos delight in teasing the point at which one form becomes another, playing with the mind’s inherent desire to draw solid lines and form concrete meanings.Today Morgan maintains his art practice alongside commercial post-production projects. His work has featured in galleries, performances, and film festivals across several countries and is available for sale, screening, installation, and commission. Previous Next

< Back Mauricio Valdés (Mex) - Clase Magistral Mauricio Valdés Su trayectoria como compositor se ha desarrollado alrededor de diferentes áreas artísticas. Principalmente cerca de la música acústica, la música electroacústica, experimental y la instalación sonora. Su catalogo contempla obras para instrumento sólo, ensamble, obra mixta, improvisación guiada, instalación, performance, cine y diversas artes escénicas. Sus obras se han presentado en 18 países dentro de la programación oficial de diferentes festivales, congresos y simposios de música y arte sonoro. Sus maestros más significativos son; Música electroacústica Roberto Morales, composición José Luis Castillo. (1996-2001) Arte sonoro y programación Åke Parmerud (1999-2006). Con quienes estudio dentro y fuera de la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato en la Licenciatura en Composición y Tecnología impulsada por Roberto Morales. Estudio con maestros diversos talleres y seminarios, los más influénciales han sido Agustín Charles en Barcelona y Fred Frith en Radar VII. Compositor residente de la fundación PHONOS en la Universidad Pompeu Fabra en Barcelona, España entre 2004 y 2006 donde compuso diversas piezas interactivas y fue colaborador del master en artes digitales y composición digital. Fue el primer latinoamericano en ser director musical del ICMC 2012, (congreso internacional de música por computadoras, por sus siglas en inglés.) en Liubliana, Eslovenia. Miembro fundador de AARSOM (asociación de arte sonoro mexicano). Fue becario del FONCA en Jóvenes creadores en los estados en 3 ocasiones, Chihuahua en el año 2000, Guanajuato en dos ocasiones 2002 y 2004 y en la convocatoria nacional en 2010. Fue miembro del grupo de investigación para la música electroacústica de la Universidad de Guanajuato LIM, dirigido por Roberto Morales de 1996 a 2001. Trabajó para la Orquesta Sinfónica de Guanajuato entre 2001 y 2004 bajo la dirección de José Luis Castillo. Instrumenta Oaxaca como coordinador artístico de 2007 a 2012. Maestro de programación en la Universidad de Guanajuato (artes digitales) 2007 a la fecha. Maestro residente de la ESAY en Mérida, Yucatán (2006-2011). Director artístico de IRZU en Liubliana, Eslovenia entre 2010 y 2012. Vicepresidente de Ultrasonic Audio entre 2010 y 2012. Recientemente fundó AirStream Electronics para quien desarrolla tecnologías aplicadas a la música electrónica y el arte sonoro a partir de sonido ultrasónico. Actualmente es curador musical del Pocket Teater de Liubliana, Eslovenia. Director artístico el proyecto de investigación DNA_Sequencer, dedicado a la implementación de interacción y organización sonora a partir del estudio y sonificación de secuencias genéticas con el Dr. Jure Pohleven del centro Jože Stefan. Impulsa un centro de investigación de tecnologías para el arte interdisciplinario CIIDAT.org, donde ha desarrollado 10 aplicaciones tecnológicas dedicadas a la educación y práctica del arte sonoro y la composición para músicos y aficionados. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Quasar Free Electro! [CANADÁ] Quasar Saxophone Quartet (Canadá): Marie-Chantal Leclair: directora artística, saxofón soprano Mathieu Leclair: saxofón alto André Leroux: saxofón tenor Jean-Marc Bouchard: saxofón barítono" 6 mar 2020 Morelia, Michoacán, febrero de 2020. Como parte de los festejos por el décimo quinto aniversario de la fundación del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), este viernes regresa al CMMAS, luego de 3 años de ausencia en Morelia, el premiado cuarteto de saxofones “Quasar”. Los canadienses presentarán el programa “electroseries” una experiencia inmersiva y envolvente en la que convergen la música acústica y la electrónica. La cita es este viernes 6 de marzo en punto de las 20:00 horas en el auditorio del CMMAS, ubicado en la plana alta de la Casa de la Cultura. La entrada es gratuita. Quasar persigue su exploración del mundo del sonido en la era digital, presentando una selección de obras para saxofones de su serie Electro. El tratamiento del sonido en tiempo real, los marcos electrónicos, el video, la espacialización, las identidades virtuales: todos los medios para explorar el universo del sonido y brindar al público una experiencia inmersiva, distinta y desconcertante. Con la máxima prioridad puesta en el proceso de colaboración entre artistas y compositores, la Serie Electro ya ha recibido tres premios Opus por la excelente calidad de sus logros. Las obras de la serie Electro se han presentado en todo Canadá, Estados Unidos, México, Reino Unido, Bélgica, Alemania, Estonia y Suecia. El programa en CMMAS consistirá en una selección de compositores canadienses e internacionales tales como: Alec Hall, Sylvain Pohu, Sergej Maingardt. El programa será completado por una pieza del compositor mexicano Homero Salazar. Quasar Saxophone Quartet, originarios de Quebec, Canadá, son conocidos por su energía y audaz innovación. Los cuatro miembros de Quasar - Marie-Chantal Leclair, Mathieu Leclair, André Leroux, Jean-Marc Bouchard - han estado explorando las innumerables facetas de la creación musical desde la fundación del grupo en 1994. Su repertorio es vasto; incluye música de cámara, improvisación, teatro musical y, más particularmente durante los últimos quince años, música mixta con electrónica en vivo, un área en la que ahora son reconocidos como líderes. Los integrantes de Quasar, han sido ocho veces ganadores de los distinguidos premios OPUS del Consejo de Música de Quebec. Su objetivo es contribuir al enriquecimiento de nuestro patrimonio musical y proporcionar una plataforma para la nueva experimentación, exploración y producción musical. Quasar ha encargado con orgullo más de 150 obras en el transcurso de sus veinte años de actividad. Durante ese tiempo, ha actuado como un grupo en solitario con, la Orquesta Sinfónica de Montreal, la Orquesta Sinfónica de Winnipeg y la Filarmónica de Hangzhou, entre otros. Miembro de Le Vivier y de Canadian New Music Network, Quasar cuenta con el apoyo del Conseil des arts et des lettres du Québec, el Canada Council for the Arts, el Conseil des arts de Montréal, la Fundación SOCAN y Vandoren. Todas las obras que se seleccionan están diseñadas especialmente para el equipo multicanal del CMMAS, por lo que la experiencia del sonido y su movimiento en el espacio son superiores a cualquier otro espacio o auditorio. En todos los casos la entrada a los conciertos es gratuita. La cartelera puede consultarse en www.cmmas.org/eventos.Quasar persigue su exploración del mundo del sonido en la era digital presentando una selección de obras para saxofones de su serie Electro. El tratamiento del sonido en tiempo real, los marcos electrónicos, el video, la espacialización, las identidades virtuales: todos los medios para explorar el universo del sonido y brindar al público una experiencia inmersiva, distinta y desconcertante. Con la máxima prioridad puesta en el proceso de colaboración entre artistas y compositores, la Serie Electro ya ha recibido tres premios Opus por la excelente calidad de sus logros. Las obras de la serie Electro se han presentado en todo Canadá, Estados Unidos, México, Reino Unido, Bélgica, Alemania, Estonia y Suecia. El programa en CMMAS consistirá en una selección de compositores canadienses e internacionales tales como: Alec Hall, Sylvain Pohu, Sergej Maingardt, etc. El programa será completado por una pieza del compositor mexicano Homero Salazar. Cuando Quasar se une a la electrónica, siempre es un evento muy esperado, ¡uno que promete entregar lo inesperado! QUASAR SAXOPHONE QUARTET (Canadá, Quebec) Conocidos por su energía y audaz innovación, los cuatro miembros de Quasar - Marie-Chantal Leclair, Mathieu Leclair, André Leroux, Jean-Marc Bouchard - han estado explorando las innumerables facetas de la creación musical desde la fundación del grupo en 1994. Su repertorio es vasto en el rango, incluyendo música de cámara, improvisación, teatro musical, y más particularmente durante los últimos quince años, música mixta con electrónica en vivo, un área en la que ahora son reconocidos como líderes. Quasar, ocho veces ganadores de los distinguidos premios OPUS del Consejo de Música de Quebec, presenta una serie anual de conciertos en Montreal mientras se presenta extensamente en Canadá, Estados Unidos, México y Europa. El cuarteto se reserva un lugar de honor para un grupo de estimados compositores canadienses e internacionales con quienes ha formado asociaciones duraderas. Su objetivo es contribuir al enriquecimiento de nuestro patrimonio musical y proporcionar una plataforma para la nueva experimentación, exploración y producción musical. Quasar ha encargado con orgullo más de 150 obras en el transcurso de sus veinte años de actividad. Durante ese tiempo, ha actuado como un grupo en solitario con, la Orquesta Sinfónica de Montreal, la Orquesta Sinfónica de Winnipeg y la Filarmónica de Hangzhou, entre otros. Miembro de Le Vivier y de Canadian New Music Network, Quasar cuenta con el apoyo del Conseil des arts et des lettres du Québec, el Canada Council for the Arts, el Conseil des arts de Montréal, la Fundación SOCAN y Vandoren. Previous Next

La conferencia parte de la problemática relacionada al vínculo entre el medio ambiente, el territorio, la audiovisualización y el gesto/cuerpo. A partir de una reflexión teórica se propone dialogar con dos experiencias artísticas realizadas en el Nordeste Argentino. < Back Ir al final | go to botom Territorios Gabriel Gendin (Argentina) Cristian Cochia (Argentina) María Florencia Sánchez Aquino (Argentina) La conferencia parte de la problemática relacionada al vínculo entre el medio ambiente, el territorio, la audiovisualización y el gesto/cuerpo. A partir de una reflexión teórica se propone dialogar con dos experiencias artísticas realizadas en el Nordeste Argentino. Gabriel Gendin Licenciado en Composición, Artista Transmedial, Investigador y Docente. Subsecretario de Innovación y Vinculación Tecnológica, responsable de la incubadora de proyectos Artístico/culturales de la Facultad de Arte, Diseño y Ciencias de la Cultura (UNNE). Investigador Nacional categoría 3, Director de proyectos de innovación tecnológica y Profesor Titular de cátedra. Docente de seminarios de posgrado y workshop nacionales e internacionales. Ha recibido diversos premios, entre lo que se destacan: Primer premio en composición otorgado por el Fondo Nacional de las Artes “Juan Carlos paz” por su obra Intihuatana. Primer Premio Residence por la obra “Indeleble”, en el 33° Councurs Internacional de Musique et d ́art Sonore Electroacustiques de Bourges, Francia. Residencia de composición en la Universidad de Birmingham, Inglaterra. Beca del ministerio de cultura español para realizar una residencia en el LIEM del centro de Arte Reina Sofía, Madrid; entre otros encargos, becas nacionales e internacionales Como académico, compositor y artista Cristian Cochia Indaga constantemente en la materia sonora desde diversos formatos con el uso de herramientas tecnológicas. Es licenciado en Artes Combinadas egresado de la FADyCC -UNNE. En la actualidad aborda la composición, producción musical y postproducción de sonido para audiovisuales. Se desempeña como docente en la Facultad de Artes, UNNE y en ETER - Nuestra Voz. María Florencia Sánchez Aquino Licenciada en Artes Combinadas egresada de la Facultad de Artes Diseño y Ciencias de la Cultura de la UNNE, Argentina. Participó en proyectos de formación artística en Brasil y México. En el año 2018, desarrolló “Distrofia Digital”, una de las primeras exposiciones de arte electrónico en Corrientes, Argentina. Actualmente es investigadora becada de la UNNE con un proyecto de producción y difusión de arte electrónico y transmedial en Chaco y Corrientes. Su experimentaciones artísticas recientes están orientadas a la lucha en contra de la violencia de género, siendo parte de su tesis de maestría en Artes Electrónicas de la UNTREF, Argentina. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: The 70th Week (La 70ª Semana) Una Opera Audiovisual - João Pedro Oliveira [PORTUGAL - USA] João Pedro Oliveira (Portugal) 26 may 2023 "The 70th Week - (La 70ª Semana) - Una Opera Audiovisual El Libro de Daniel es probablemente uno de los libros más misteriosos de la Biblia. La descripción de los hechos y las profecías incluyen asesinatos, traiciones, orgías y torturas. Pero también tiene varias profecías muy interesantes y enigmáticas que pueden interpretarse de muchas maneras para estar relacionadas con los tiempos actuales. La inestabilidad social, la guerra global, el exterminio masivo y muchos otros eventos posiblemente puedan interpretarse en los escritos proféticos de este joven. Esta ópera de música visual incluye varios eventos en la vida de este profeta y sus compañeros, así como las tres principales profecías que aún pueden no haberse cumplido. La semana 70 descrita en el libro es una de estas profecías, y se relaciona con un estado de guerra constante, sacrilegio y destrucción, que finalmente conducirá a una milagrosa transformación del mundo en un nuevo espacio de paz y justicia. Esta profecía luego se reafirma en el Libro de Apocalipsis, en la Biblia. Como sugiere la descripción de la pieza (una ópera audiovisual), la acción operística se reinterpreta en una pantalla, utilizando varias imágenes y sonidos generados por computadora, así como líneas vocales y movimientos de baile pregrabados. Algunas de las 8 escenas que constituyen esta pieza son representaciones imaginadas de los eventos descritos en el libro y algunas otras escenas son simbólicas. Los textos utilizados son transcripciones directas de los textos originales del libro, cantados en latín, hebreo y arameo. La Semana 70 fue el resultado de un encargo del Ministerio de Cultura de Portugal. También recibió el apoyo de Manitou Fund (EE.UU.), mpmp - Património Musical Vivo (Portugal), Universidad de Aveiro (Portugal) y Universidad de California – Santa Bárbara (EE.UU.). Fue compuesta entre marzo de 2021 y septiembre de 2022." Previous Next

Conferencia - Día 3 < Back Annie Mahtani (Reino Unido) - Hidden Sounds: field recording and responses to climate change Conferencia - Día 3 Descripción | Abstract This talk will focus on Annie’s recent work in environmental field recording, using and developing recording techniques to capture sound inaudible to the naked ear, with a focus on her current project working with BIFoR (Birminhgam Institute of Forest Research) to explore the sonic landscape of this experimental forest. Throughout the talk she will present various creative outputs from the research. Annie Mahtani (UK, 1981) is an electroacoustic composer, sound artist and performer working and living in Birmingham (UK). Her output encompasses electronic music composition from acousmatic music to free improvisation. As a collaborator, Annie Mahtani has worked extensively with dance and theatre, and on site-specific installations. With a strong interest in environmental sound, her work explores the inherent sonic nature and identity of environmental sound, amplifying sonic characteristics that are not normally audible to the naked ear.. Annie works extensively with multichannel audio both in fixed medium works and in live performance. Annie is an Associate Professor in Music at the University of Birmingham. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensamble Danaus - 46 FIMNME [México] Juan Vázquez Andrea Chamizo Marc Mellits Augusta Read Thomas 15 oct 2024 Como parte del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Ensamble Danaus presentará dos estrenos mundiales: el Quinteto de Alientos #2 de Juan Vázquez y Tan Largo e Impronunciable de Andrea Chamizo; así como dos estrenos en México: Apollo de Marc Mellits, y Avian Escapades de Augusta Read Thomas. El Ensamble Danaus, formado en 2018, es el principal representante de Quintetos de Aliento en Michoacán, referente a nivel nacional por su calidad artística y su labor de difusión de la música mexicana de concierto. Sus miembros son todos los principales de sección de la Orquesta Filarmónica del Tzintzuni, además de aportar a la vida musical de Michoacán en otras importantes instituciones culturales como son: la Orquesta Sinfónica de Michoacán, la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, Semilleros creativos de Fomento Musical en Michoacán, entre otras. Han participado en importantes festivales a nivel nacional como el Festival Ortiz Tirado en Sonora, el Festival de Música Bernal Jiménez, el Festival Aires de la UNAM, y el Circuito Música Raíz México. Su repertorio es vasto y cubre música desde el medievo hasta siglo XX, con un programa que se encuentra en constante evolución, pues el grupo está interesado en buscar voces nuevas usando un lienzo sonoro propositivo y fusionando música popular y música folclórica en arreglos interesantes, que marcan la pauta a volver la música de conciertos abierta a nuevas propuestas y audiencias. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Neil Rolnick + Jacobo Cerda [ESTADOS UNIDOS / MÉXICO] Compositor: Neil Rolnick (EUA) Pianista: Jacobo Cerda (México) 11 mar 2016 El compositor Neil Rolnick y el pianista Jacobo Cerda presentarán un concierto conformado por dos de las obras más sobresalientes para piano y computador de Rolnick. Digits, escrita en 2005, es una pieza que combina procesamiento digital y video, el New York Times la describió como "una pieza estimulante e interactiva.” Faith, escrita en 2009, ha sido descrita como “un gran trabajo, nuevo, que desafía la categorización, una mezcla de la lírica canción de Tin Pan Alley, abstracción de tardío sigo 20th, riffs del boogie-woogie, improvisaciones de jazz, cortar y pegar mezclar, el virtuoso romanticismo de Chopin y Liszt, procesamiento digital en tiempo real, va y viene entre una reflexión y gestos dramáticos. El concierto también incluirá la pieza más representativa de Rolnick una pieza para laptop. Neil Rolnick, pionero en el uso de las computadoras en perfomance, comenzó a finales de los años 70. Su música ha sido presentada en todo el mundo, y aparece en 18 grabaciones comerciales. Aunque su trabajo conecta directamente con la música y la tecnología, y por lo tanto se le considera “experimental”, la música de Rolnick siempre ha sido sumamente melódica y accesible. Ya sea que trabaje con sonidos electrónicos. ensambles acústicos o una combinación de ambas, su música siempre se ha reconocida por los críticos como “sofisticada,” “tarareable y atractiva,” y que posee un “buen sentido de la teatralidad y humor” Jacobo Cerda Como compositor, su trabajo es tanto acústico como electro acústico, abarcando varios lenguajes y confrontándolos para aumentar la riqueza narrativa de sus obras. Sus obras se han presentado en Guanajuato, San Luis Potosí, Monterrey, Chihuahua, Querétaro y Iowa (EUA). En 2007 participó en la composición e interpretación musical de la obra “Chucho el Roto” dirigida por Gabriel Retes. En 2011 debutó como compositor en el patio de la Alhóndiga de Granaditas, presentando su primer cuarteto de cuerdas «Jacaranda» diseñado para audio cuadrafónico. Así mismo, presentó durante el Festival Internacional Cervantino (2013 y 2015) recitales de cámara, haciendo estrenos de obras de su autoría y ha participado en el programa creadores escénicos (2014) por FONCA/CONACULTA y ha sido ganador de la beca Jóvenes Creadores 2015-2016 FONCA/CONACULTA. Actualmente estudia la Licenciatura en Composición Musical en la Universidad de Guanajuato, bajo la tutela del Dr. Roberto Morales Manzanares y pertenece al cuerpo docente de la Universidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Grey Area. [CANADÁ] Marc-Andre Cossete (Canadá) André Éric Létourneau (Canadá) 15 mar 2019 Digital Otherness es una creación musical generativa basada en el aprendizaje automático. Después de enseñar la teoría de la música de máquina basada en partituras de música clásica, el programa digital se deja a su propio dispositivo para componer en tiempo real una música en evolución que se reproduce en sintetizadores analógicos. Inspirado en el género Ambient popularizado por artistas como Brian Eno, el rendimiento está dando como resultado una música sintética densa y en constante cambio. Marc André Cossette es un artista transdisciplinario que trabaja en la relación entre tecnología y artes escénicas. Marc-André tiene una licenciatura en medios interactivos (Universidad de Quebec en Montreal) y actualmente está cursando una maestría en investigación en medios experimentales (Universidad de Quebec en Montreal). Su investigación y práctica artística gira en torno a la cuestión de la agencia de máquinas en el contexto de la creación musical y la relación hombre-máquina a través de interfaces de usuario naturales (movimiento, voz, tacto). Su trabajo ha sido presentado en Canadá, Estados Unidos, Francia, Austria y Tanzania. André Éric Létourneau es un artista transmedia, investigador, autor, músico, compositor, curador y profesor. Su obra ha sido asociada con el desarrollo del performance, el radio art, process art, poesía sonora y la música experimental. Desde 1980, Leourneau ha presentado obra intermedia en festivales de talla internacional, gallerías y museos, como la galería Walter Phillips en el Banff Centre, la fundación James H.W. Thompson en Bangkok, y el museo Pointe-à-Callière. En 2006 fue uno de los artistas seleccionados para representar a Canadá en la XV Bienal de Paris, desde 2012, Letourneau también ha contribuido a la Biennale des Arts d´Afrique de l´est EASTAFAB-BURUND, al festival InterAzioni en Italia, al Herbst (Austria), al festival Phénomena (Montreal), y a la fundación Emily Harvey (New York) entre otros. Previous Next