This mini-lecture will focus on compositional methods used while composing Pārsa and the power of stochastic procedures in assisting the composer. Examples of my personal workflow will be shown throughout the video, using programs such as SuperCollider and Ableton Live. < Back Ir al final | go to botom Expansion of Choice Through Stochastic Methods - Dariush Derakhshani (Alemania-Iran) This mini-lecture will focus on compositional methods used while composing Pārsa and the power of stochastic procedures in assisting the composer. Examples of my personal workflow will be shown throughout the video, using programs such as SuperCollider and Ableton Live. Dariush Derakhshani is a German-born Iranian composer/performer of concert and electroacoustic music. He has written for numerous acclaimed soloists and ensembles, with whom his works have been performed internationally. He also attended IRCAM Manifeste, where he had the opportunity to work closely with members of Ensemble Intercontemporain, and Altitude Festival where he worked with l’ensemble Multilatérale. Other notable festival appearances include Impuls Academy, the Madeira Residency, Festival DME, Barcelona Mixtur, and Kyiv Contemporary Music Days. He has studied and participated in masterclasses with the composers Patricia Alessandrini, Raphaël Cendo, Francesco Filidei, Beat Furrer, Philippe Hurel, Helmut Lachenmann, Mauro Lanza, Fabien Lévy, Tristan Murail, Gilbert Nouno, Åke Parmerud, Jaime Reis, Yann Robin and Alexander Schubert. Derakhshani recently completed the one-year course at Koninklijk Conservatorium's Institute of Sonology. Currently he is a Ph.D. candidate in Music Composition at California University of Music, Santa Barbara under the supervision of João Pedro Olivera. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Universal Frequencies. [MÉXICO / ESTADOS UNIDOS] Jessica Rosen (USA) Alberto Cerro (México) 12 may 2017 Universal Frequencies es un performance sónico multimedia y viaje espiritual, que guía al público a una siguiente dimensión de consciencia al combinar prácticas curativas milenarias con sonido, arte y tecnología contemporánea. La presentación es una colaboración entre Jessica Rosen y Alberto Cerro, que incluirá grabaciones del metro de la Ciudad de México, vocales inspirados en mantras, baterías hipnóticas, sonido diseñado especialmente para la pieza, esculturas lumínicas, computadoras, sintetizadores y una buena dosis de Super Collider. Jessica Rosen es una artista del mutlimedia originaria de los Estados Unidos de América, con un MFA del California College of the Arts. Su trabajo se enfoca en el performance, instalaciones de sonido, música experimental, electromagnetismo, video y fotografía. Sus investigaciones combinan la meditación, la canalización de la energía, la sanación por sonido y cristales para sumergir al público en un viaje sonoro que alcanza los más lejano rincones de la consciencia humana. Ha exhibido su trabajo y presentaciones en instituciones internacionales como la UNAM Escuela de Música en la Ciudad de México y la Fundção Armando Alvares Penteado en Sao Paulo. Alberto Cerro es un compositor mexicano y artista del sonido con residencia en la Ciudad de México. Estudió composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Su interés por elmsonido como medio de expresión artística lo alejó de la música convencional hacia una rigurosa investigación del arte sonoro. Su trabajo actual emerge del lugar donde el arte y la tecnología chocan. Crea instalaciones sonoras e interactivas utilizando software informático y de código abierto. Fue reconocido con la beca Jóvenes Creadores del FONCA otorgada por la Secretaría de Cultura de México. También es miembro del Colectivo Radiador, que se dedica a la creación de obras multimedia y ha realizado presentaciones en festivales internacionales, así como instalaciones sonoras expuestas en instituciones como MediaLab-Prado, Arteleku y MUAC entre otras. Previous Next

JUEVES 22 DE JUNIO 2023 Ir a cmmas.org < Back 23rd JEU DE TEMPS / TIMES PLAY IN COLLABORATION WITH CMMAS JUEVES 22 DE JUNIO 2023 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Redirecciones Visuales: Mesa redonda con F3 studio. (Virtual) Gabriela Reyes [Cero Tres] (México) Jorge Flores [FFakt] (México) 7 nov 2022 F3 - Estudio de Arte Multimedia integrado por los artistas y diseñadores Gabriela Reyes [Cero Tres] y Jorge Flores [FFakt], con base en la Ciudad de México. Su práctica artística es una fusión de la visión estética, social y existencial de dos mentes entusiastas de lo abstracto y de la exploración sobre la fenomenología de la luz, la forma, el espacio y el sonido. Su trabajo expone una tendencia hacia la apreciación de lo simple. A través de la observación, estudio y análisis de conceptos básicos, desarrollan y desencadenan una serie de ideas y discursos que los encaminan a generar sus propias interpretaciones expresadas en composiciones audiovisuales que suelen variar entre instalaciones, performances, video, objetos y dibujos. Han presentado su trabajo tanto en México como en el extranjero en espacios como NODE Forum for Digital Arts 2020 (Frankfurt | DE), Visiones Sonoras del CMMMAS ( Morelia,| MX), Athens Digital Arts Festival 2020 (Atenas | GR), Festival Cervantino Barroco (Chiapas | MX), Centro de Cultura Digital (Ciudad de México | MX), Paradise Festival (Cap Cana | DR), Centro Nacional de las Artes (Ciudad de México | MX), CMD_Fest (Ciudad de México | MX), Showfields (Nueva York | EU), Earsten Bloc (Montreal | CA), Festival Internacional de la Imagen (Manizales | CO), entre otros. Charla sobre la creación artística. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Intervención sonora. [MÉXICO] Alejandro Castaños (México) 22 mar 2019 Sesión de experimentación multicanal que parte de un amplio rango de sonidos generados por sistemas de retroalimentación e interferencia, por la fricción entre distintos objetos y material creado enteramente por computadora. ALEJANDRO CASTAÑOS. Graduado de la maestría en composición del Conservatorio Real de la Haya, Holanda; del curso anual en el IRCAM/Centro Pompidou en París, Francia y del CIEM en la Ciudad de México. Sus partituras se han interpretado por reconocidos solistas, ensambles y orquestas en los principales foros y festivales de música nueva en Holanda, Francia, Alemania, Suiza, Luxemburgo, Polonia, Serbia, España, Portugal, Escocia, Irlanda, Suecia, Islandia, Canadá, Estados Unidos, Chile, Uruguay, Argentina y México. Ha recibido encargos, entre otros, del ensamble Concorde de Irlanda, la Radio Nacional Alemana, el Festival Internacional Cervantino, el Museo Universitario de Arte Contemoráneo y, recientemente, el Grupo de Música Nueva de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Una parte fundamental de su labor creativa ha consistido en colaboraciones entre las que destacan piezas con el coreógrafo senegalés Andreya Ouamba, el artista visual Martijn van Boven, el artísta plástico Erick Meyenberg y la directora Juliana Faesler. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar 3er, Simposio Nacional Universitario en torno a problemas actuales del Arte, Acrónimo 3 [MÉXICO] Rodrigo Sigal 28 may 2014 Importancia de la tecnología en la creación artística. Compositor y Director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Modera: Isbeth Michell García Vallejo Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez Compositores: João Pedro Olveira (Portugal) , José Miguel Beviá (España) Dirección: Walter Boudreau. (Canadá) Percusión: Iván Manzanilla (México) 6 jun 2014 Concierto por parte del XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel EnríquezObras para orquesta y electrónica de João Pedro Oliveira y José Miguel Beviá.Orquesta Sinfónica de Michoacán. Programa: - Cassiopeia (2008-2012) - João Pedro Oliveira - Sinfonía núm. 2 Shapes of the Cities… (2010-rev. 2013) - José Miguel Beviá João Pedro Oliveira Tiene un doctorado en Música por parte de la Universidad de Nueva York en Stony Brook. Su música incluye una ópera de cámara, varias composiciones orquestales, un réquiem, 3 cuartetos de cuerda, música de cámara, música solista instrumental y música electroacústica. Ha recibido numerosos premios y distinciones incluyendo 3 premios en el Bourges Electroacoustic Music Competition, el Magisterium Prize, el premio especial de Giga-Hertz, 1er premio en Metamorphoses competition, 1er premio en Yamaha-Visiones Sonoras, 1er premio en Musica Nova Competition, entre otros. Es profesor en la Universidad Federal de Minas Gerais en Brasil y en la Universidad de Aveiro en Portugal. José Miguel Beviá Es graduado del Conservatorio de Música de Valencia donde estudió piano con José Luis de Prado, del Berklee College of Music y de la Florida State University donde obtuvo el doctorado en teoría musical y composición. Sus obras se han interpretado en España, República Checa, Holanda y Estados Unidos. Ha recibido comisiones de The Commission Project y la BMI Foundation. Fue ganador del University of West Florida Philips Jazz Piano Competition, y del Charlie Parker Composition Prize de la BMI Foundation, así como finalista en el Brussels Jazz Orchestra International Composition Contest de 2006 Orquesta Sinfónica de Michoacán Fundada en 1961. Su repertorio abarca desde el barroco hasta el contemporáneo incluyendo ballet, ópera y obras de estreno tanto de compositores michoacanos y extranjeros. Ha realizado diversas producciones discográficas y ha sido reconocida con múltiples distinciones. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes y la Sala Nezahualcóyotl, en la ciudad de México, así como en el Pritzker Pavilion de Chicago. La orquesta ha recibido a solistas como María Alejandres, Jianfeng Cheng, Olivia Gorra, Katherine Jacobson, Jean François Heisser, Alex Klein, Michael Ludwig, Fred Mils, Richard Young y a directores como Francesc Esteve, JoAnn Falleta, Enrique Pérez Meza y Juan Felipe Molano, entre otro. En 2012 el gobernador del estado, a través de la Secretaría de Cultura de Gobierno del Estado de Michoacán, convocó a un proceso de reestructuración artística mediante la selección de un nuevo director artístico: Miguel Salmón Del Real. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ciclo Escuchar y Mirar [ARGENTINA/ESPAÑA] Coordinador: Jorge Haro (Argentina) Invitado/Intérprete: Javier Piñango (España) 19 jun 2015 Alguna vez leí en el libro Puntos de Referencia de Pierre Boulez que a un compositor le incumbían otras actividades: la interpretación, la investigación, la producción, la divulgación y la docencia. En el contexto de la música experimental y el arte sonoro es fundamental establecer lazos entre esas actividades enumeradas por el autor. En lo personal me interesa la transdisciplina: construir puentes entre conocimientos y expresiones artísticas. Así es que diseño sonido, compongo música, investigo, además de desempeñarme como docente universitario, trabajo con visuales, objetos y me dedico a la programación de conciertos, instalaciones, muestras, talleres y conferencias. Estos intereses son compartidos por muchos artistas contemporáneos y precisamente en ellos, en los que cruzan ideas y praxis, en los que directa o indirectamente practican esas actividades concomitantes, he puesto la atención para esta programación en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Conozco el CMMAS desde 2008, una institución que admiro y que es una referencia a nivel mundial en la relación sonido-música-investigación-tecnología. Hay además algo que lo diferencia de otros centros: su apertura. Este ciclo es la confirmación de esto último, ya que la programación involucra a creadores interdisciplinarios que trabajan en la divulgación, la autogestión, etc. y que sin tener necesariamente un pie en la tradición o la academia detentan una inquietud y una tarea ligada a expresiones absolutamente contemporáneas. Para esta primera edición de Escuchar y Mirar en el CMMAS he convocado a Javier Piñango (España), Nicolás Varchausky (Argentina) y Mitchell Akiyama (Canadá). Artistas que en su conjunto cruzan la síntesis con los sensores; el teatro con la gestión; los instrumentos tradicionales con las grabaciones de campo; la instalación con la performance. En resumen: una bella confusión en una época signada por la post-producción y la mixtura. La edición 2015 de este ciclo, se desarrolla durante los meses de junio, julio y octubre, en la que los artistas convocados realizarán conciertos, conferencias, y una instalación. Jorge Haro, 2015 Javier Piñango es un reconocido sintetista. A bordo de su Korg MS-20 mixtura lo mejor de dos mundos: el analógico y digital. Sociólogo y con cultural rock, ha tenido una implicancia fundamental en la praxis de la música experimental en España. Es además un agitador cultural con base en Madrid que ha dirigido durante 10 años el Festival Experimentaclub, una referencia ineludible en la capital de la península. Artista, mentor de ciclos y festivales, conferencista, gerente de sellos discográficos; Piñango es un agudo pensador de las incidencias sociales y culturales del arte. Esta mezcla de intereses y acciones define el perfil para la apertura de Escuchar y Mirar. El CMMAS presenta su último trabajo, publicado por el sello Audiotalaia, “i.r.real 6 transcontinental electronic flight”, basado en impresiones sonoras sobre ciudades, arquitectura, aeropuertos y aviones. Una deriva que comienza en abril de 2014 en su gira por Sudamérica e incluye a Buenos Aires, Lima y Montevideo como ciudades que inspiraron los tracks. El trabajo se basa en superposiciones de patches del mítico MS-20, para transmitir ”sensaciones, subjetividad y un estado mental a través de la música”. Por otra parte, Piñango ofrece una conferencia titulada Gestión de Festivales y Proyectos de Música Experimental basada en sus vivencias al frente de Experimentaclub. Esta conferencia brinda una aproximación a modelos de gestión y difusión de carácter transversal, intergeneracional e interartístico, a partir de un contexto regional y sociocultural. Jorge Haro, 2015 La obra está construida a través de la exploración de los límites sónicos de un sintetizador analógico Korg MS20, la cual es un viaje, un sube/baja transcontinental, un recorrido de impresiones sonoras construidas en torno a ciudades, edificios, aeropuertos, y aviones. Javier Piñango (Madrid, 1962) es director del festival internacional de música experimental Experimentaclub y del proyecto de difusión y promoción de música experimental del mismo nombre (http://www.experimentaclub.com ). Además es co-director del proyecto iberoamericano de intercambio artístico y cooperación cultural Experimentaclub LIMb0. Lleva ya más de veinticinco años trabajando en la escena sonora de vanguardia española desde diferentes frentes: como músico, programador cultural, creador de sellos discográficos, periodista musical, etc. En 1989 creó el sello discográfico Triquinoise Producciones junto a Jaime Munárriz y Esther Berdión. Más tarde, ya en 1992, fundaría el sello Por Caridad producciones (junto a Ajo y Javier Colis), siendo entonces también uno de los responsables de la publicación Noise Club. Experimentaclub es una plataforma creada en el año 2000 encaminada a la difusión de todas las vertientes de la música experimental y otras manifestaciones artísticas afines: electrónica, arte sonoro, ruidismo, improvisación, apropiacionismo, poesía fonética, arte audiovisual, etc. Entre sus actividades hay que destacar especialmente el festival internacional Experimentaclub, de carácter anual y ya con diez ediciones celebradas. También Experimentaclub funciona como net-label a través de su sello exp_net. Como músico Javier Piñango formó parte a finales de los 80 y primeros 90 de Cerdos (blues electrónico industrial) y más tarde, en 1992, fundó junto a Ajo y Javier Colis Mil Dolores Pequeños (con los que grabaría tres álbumes) y en 1994 Destroy Mercedes (electrónica y psicodelia) junto a Jaime Munárriz, editando dos CDs en 1996 y 1997 respectivamente. En 1999 crea Druhb, también junto a Jaime Munárriz, proyecto electrónico con el que edita en 2002 un primer CD bajo el título de "Cone Of Silence" (Geometrik). Ya en 2005 editaron en Hazard Records un nuevo CD presentando el soundtrack que diseñaron especialmente en 2004 para un nuevo montaje audiovisual a partir de la película de Fritz Lang "Doctor Mabuse". También en Hazard Records publicaron "Mirador bbaa ssion". Su último trabajo publicado como Druhb es "Variationen" (exp_net) en 2007. Javier Piñango forma parte también del dúo Ankitoner Metamars, junto al ex-cantante de Superelvis Anki Toner, con dos discos editados hasta la fecha: “Ankitoner Metamars” (G3G Records, 2008) y “Who Cares?” (Autoreverse, 2009). Además compagina este proyecto con otro bajo el nombre de Klang!, junto al argentino Jorge Haro. Desde 2010 trabaja en solitario bajo el título genérico de i.r.real con varios trabajos publicados: “i.r.real . uno” (finales de 2010), “i.r.real . dos” (mayo de 2011), “i.r.real . tres” (diciembre de 2011), los tres en exp_net; “i.r.r_soma” (mp3 single, Micro Ediciones, Fuga Discos, Buenos Aires, 2012), “i.r.real metal music” (Hazard Records, 2012) y ya en 2013 “i.r.real space music” (Audiotalaia). También ha publicado recientemente “tRAVEL”, disco junto al guitarrista e improvisador David Paredes (Hazard Records, 2013). Por otra parte en 2012 inició un nuevo proyecto de colaboración junto a Edu Comelles llamado Rally!, con un primer disco en exp_net publicado en junio de 2012 y un segundo trabajo a comienzo de 2014 llamado “BullDozer” (suRRism-Phonoethics). En otoño de 2014 se publica el sexto volumen de i.r.real: “i.r.real 6: transcontinental electronic flight” (Audiotalaia) Previous Next

Mtra. Mariana Sepúlveda Morales. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM < Regresar Resistencia musical feminista Mtra. Mariana Sepúlveda Morales. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM Mariana Sepúlveda Morales es originaria de Morelia, Michoacán. Es maestra en Música (Tecnología Musical) por la Universidad Nacional Autónoma de México, licenciada en Música y Tecnología Artística por la ENES Morelia y licenciada en Composición por el Conservatorio de las Rosas. Actualmente se desempeña como docente en la Facultad de Música y Artes de la Universidad Autónoma de Tamaulipas y es doctorante en Música (Tecnología Musical) por la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha cursado el diplomado Músicas en Territorio , impartido por la Universidad Nacional de las Artes, y el diplomado en Creación Sonora con Nuevas Tecnologías ofrecido por el CMMAS.Ha participado en distintos festivales y encuentros como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Encuentro Latinoamericano Transferencias Aurales , el Primer Encuentro de Performance Morelia, el Festival Revueltas Sonoras , Visiones Sonoras y el Festival de Música Contemporánea de Morelia. Su práctica artística se nutre de la exploración instrumental, tímbrica y de notación, con un interés constante en las cualidades del sonido y las posibilidades expresivas de las técnicas extendidas. Integra herramientas tecnológicas y lenguajes de programación como medios de creación y experimentación, ampliando el campo de lo compositivo hacia lo instalativo, performativo e interactivo. En su trabajo, la música es también un espacio de resistencia: una vía para nombrar y hacer audible lo que ha sido silenciado, especialmente RESISTENCIA MUSICAL FEMINISTA .pdf Descargar PDF • 9.00MB Anterior Siguiente

26.10.2022 < Regresar Guillermo Eisner (Uruguay/Chile) 26.10.2022 “Música electroacústica del sur (Chile-Uruguay)” Programa Curador, Guillermo Eisner Uy - Cl O en su defecto (2020) Lucía Chamorro, Uy 6:08 Di minuto (2021) Pablo Fredes, Cl 9:52 Las palabras (2005) Cecilia García-Gracia, Cl 10:17 Todos te fajan, todos, che (2008) Vladimir Guicheff Bogacz, Uy 4:29 Vuelo Nocturno (2017) Federico Schumacher, Cl 9:00 Virtualidad real (2020) Sofía Scheps, Uy 8:57 Esculturas Temporales (2022) Guillermo Eisner, Uy-Cl 7:53 O en su defecto (2020) Pieza electroacústica que explora el uso de texturas rugosas y granulares. Fue compuesta a partir de grabaciones procesadas de puertas, cencerros y voces. Estos materiales “ruidosos” resultantes, que pueden ser considerados como defectos técnicos, sonidos molestos o interferencias en la comunicación, son descontextualizados y organizados desde la búsqueda por valorizarlos y por generar una nueva experiencia de escucha. Esta pieza es una ventana hacia un paisaje sonoro imaginario, una experiencia en la que conviven sonidos externos e internos, una perspectiva en la que los ruidos y los defectos se ponen en primer plano y cobran interés. Lucía Chamorro (Montevideo, Uruguay). Artista multidisciplinar que trabaja principalmente en las áreas de la composición musical y del arte sonoro. Es egresada de la Licenciatura en Composición, de la Escuela Universitaria de Música (Montevideo) y ha realizado un Máster en Artes en la Escuela Sur (Círculo de Bellas Artes + Universidad Carlos III de Madrid). Ha trabajado en proyectos de creación e investigación sobre paisaje sonoro, música electroacústica, música contemporánea, improvisación libre, creación sonora para audiovisual y videoarte. Más información: luciachamorro.com Di minuto (2021) Es un artefacto-circuito que trabaja distintos enfoques del minuto hasta situarlo en un imaginario. Su cuenta que no cuenta, los segundos que no pasan, pero suenan; pulsativas que no son propias, pero lo aluden. Sonidos de engranaje mecánico y eléctrico circuito. Es su historia como cápsula que lo emancipa de su tiempo. El minuto, encerrado en sí mismo, solo es una mecánica cuenta. Di minuto: Decir del minuto. Pablo Fredes, compositor chileno- español. Realizó sus estudios musicales en la Universidad Católica de Valparaíso, Chile. En el año 2000 viaja a Francia para estudiar "Composición instrumental en la ENMP de Pantin, París" con Sergio Ortega, compositor chileno residente en Francia. Y también cursa los estudios de la música electroacústica con la compositora francesa Christine Groult, en donde consigue su DEM en música electroacústica. Además, cursa el taller de composición de José Manuel López López en París 8, en la universidad de Saint Dennis. En Barcelona, donde se traslada en el año 2006, estudia con el compositor chileno- español Gabriel Brncic, quien ha sido su maestro de composición por muchos años. Actualmente es compositor residente en la fundación Phonos de la Universidad Pompeu Fabra. Las Palabras (2005) Compuesta en el año 2005 por encargo para la coreógrafa chilena Paulina Vielma, "Las Palabras" es un segmento de una obra mayor llamada "Desarme" En ella se explora el rol de la mujer en la sociedad actual desde muchos puntos de vista y la búsqueda de la identidad fuera del estigma. En este caso "Las palabras" dice relación con los muchos sinónimos respecto a lo que consideramos masculino v/s femenino y por ende, qué características se consideran propias a la mujer. Las Palabras es una obra audiovisual. El video muestra un hombre y una mujer desnudos, y en sus cuerpos van apareciendo palabras que representan lo masculino y femenino. Luego producto de la danza y el contacto entre estos cuerpos, esas palabras se van desdibujando, llegando a ser solo pintura. La música va en una línea que contrasta con lo visual. En un idioma inventado, donde no comprendemos lo que escuchamos vamos complementando esta audición con la imagen. Pero la voz que escuchamos es de una mujer por lo tanto, es la visión de ella respecto a estas palabras y el efecto que éstas causan sobre sí misma. Cecilia García-Gracia (Chile, 1968). Licenciada en Música de la Universidad de Chile, estudió piano con la maestra Silvia Peña en la Escuela Moderna y luego con el pianista letón Armand Abols. Además estudió en forma particular canto, composición, danza y yoga. Su formación electroacústica es autodidacta, y su interés por la música es diverso, explorando desde lo folklórico, lo popular, hasta lo clásico; así como su desarrollo en ella: interpretación (canto, piano, danza, actuación), composición (pop, clásico, electroacústico, tecno y folklórico), investigación (danzas, religión, sanación), producción (música, danza y cine) y pedagogía (piano, canto, teoría musical y armonía popular). Ha compuesto 35 obras electroacústica hasta la fecha, siendo comisionada la mitad de ellas para danza contemporánea. Su música se ha tocado en Chile y el extranjero destacando Festival Synthèse, Francia; Festival Territorio Visual, España; JIEM,España; Universidad de Cataluña y centro PHONOS, España; Festival Sonoimágenes, Argentina; Bienal de São Paulo; EICTV en Cuba; entre otros. Fue presidenta de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh) entre el 2011 y 2014, y además fundadora junto a otros músicos chilenos del Festival Aimaa-ko en 2001, el que se ha mantenido en forma ininterrumpida hasta la fecha. En 2015, junto al guitarrista y compositor Guillermo Jiménez, funda Estudio435, la primera escuela de especialidad en Música Popular en Chile, creando un sistema de malla curricular flexible único en su tipo. Actualmente se desempeña como directora de Estudio435 y como integrante de la banda Ciudad de Dós. Todos te fajan, todos, che (2008) "Qué le vas a hacer, ñato, cuando estás abajo todos te fajan. Todos, che, hasta el más maula. Te sacuden contra las sogas, te encajan la biaba. Andá, andá, qué venís con consuelos vos. Te conozco, mascarita. Cada vez que pienso en eso, salí de ahí, salí. Vos te creés que yo me desespero, lo que pasa es que no doy más aquí tumbado todo el día. Pucha que son largas las noches de invierno, te acordás del pibe del almacén cómo lo cantaba. Pucha que son largas... Y es así, ñato. Más largas que esperanza'e pobre. Fijáte que yo a la noche casi no la conozco, y venir a encontrarla ahora... Siempre a la cama temprano, a las nueve o a las diez. El patrón me decía: "Pibe, andáte al sobre, mañana hay que meterle duro y parejo" Una noche que me le escapaba era una casualidad. El patrón... Y ahora todo el tiempo así, mirando el techo. Ahí tenés otra cosa que no sé hacer, mirar p'arriba. Todos dijeron que me hubiera convenido, que hice la gran macana de levantarme a los dos segundos, cabrero como la gran flauta. Tienen razón, si me quedo hasta los ocho no me agarra tan mal el rubio" Julio Cortazar Vladimir Guicheff Bogacz (Montevideo, 1986) es compositor, improvisador y guitarrista. Entre el 2006 y el 2012 estudió en la Escuela Universitaria de Música en Montevideo, obteniendo los títulos en Interpretación Musical (guitarra) y Composición, estudiando esto último con Osvaldo Budón y Luis Jure. Entre el 2013 y el 2019 vivió en la ciudad alemana de Colonia, a donde además de haber realizado sus estudios de posgrado en la Hochschule für Musik und Tanz Köln (Prof. Johannes Schöllhorn y Brigitta Muntendorf) trabaja activamente como compositor. Sus obras se han interpretado en diversos festivales internacionales en Alemania, Polonia, Italia, Hungría, Grecia, Suiza, Argentina y Uruguay. Como compositor ha trabajado junto diversos ensambles, tales como Musikfabrik, Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Garage, Ensemble Modern, Manufaktur für Aktuelle Musik, Spółdzielnia Muzyczna, Ensemble S201, Ensemble uBu, Ensemble SurPlus, Trio Catch y Kollektiv3:6Koeln. Éste último fundado por él mismo junto a colegas colonienses, con quienes desarrolla obras que difuminan la frontera entre la música de concierto y la escénica. En el año 2011 su pieza Coral N3 obtiene el primer premio en el concurso de composición de la 1º Bienal de Composición y Arreglo coral “Acordelur”. En el 2014, estudio anatómico obtiene el primer premio en el concurso Trabant en Basilea. En el 2016, La Tiza obtiene el segundo Premio Nacional de Música del MEC. En el 2019 es elegido por el Deutscher Musikrat (Consejo Alemán para la Música) para la edición, en la discográfica Wergo, de un CD autorretrato de su obra. En el 2021 gana el Premio Ibermúsicas de Composición y Estreno de Obra por su obra ¿a qué hora volverán?. Desde el 2009 es Docente en la Escuela Universitaria de Música en las cátedras de Composición e Instrumentación. Vuelo Nocturno (2017) A Saint-Exupéry. A quienes se extravían en ‛la secreta casa de la noche’ Ahora todos son caídos menos nosotros los caídos. Ahora todo el universo eres tu y yo menos tu y yo. (Raúl Zurita, Canto a su Amor Desaparecido) Federico Schumacher (Santiago de Chile, 1963) Compositor. Investigador. Docente en el Departamento de Sonido, Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francia y Canadá. Doctor en Música por la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil. En tanto compositor se ha dedicado preferentemente a la composición de obras acusmáticas, por las cuales ha recibido diversos reconocimientos y distinciones en Chile y el extranjero. Como investigador se ha interesado en la historia de la música electroacústica en Chile y en la cognición musical relacionada con la experiencia musical acusmática. Dirige y participa de proyectos de investigación financiados por Conicyt y el Fondo de la Música Nacional del Ministerio de las Culturas y las Artes. https://soundcloud.com/federicoschumacherratti https://www.researchgate.net/profile/Federico_Schumacher Virtualidad Real (2020) La pieza toma la imagen estereofónica como el elemento compositivo principal, utilizado en un sentido plástico y expresivo: buscando deliberadamente la discontinuidad, la descompensación, el desequilibrio, lo que se percibe como artificial, como una falla. Para conseguir esto trabajo en general con materiales continuos, y recurro a ténicas duras de edición y espacialización (paneos y cortes duros). Este tipo de tratamiento ilumina cruelmente el artificio de la producción y reproducción sonora digital. Los parlantes aparecen casi como personajes que nos anclan al tiempo y espacio de reproducción, y nos recuerdan lo que somos: un ser humano escuchando un par de parlantes. El material sonoro se esculpe con herramientas gruesas, y las huellas de estas incisiones conforman la identidad de la pieza: su forma y su devenir en el tiempo. Sofía Scheps (Montevideo 1987) Compositora uruguaya egresada de la Escuela Universitaria de Música (Universidad de la República, Uruguay), donde actualmente es docente asistente de Composición e Instrumentación en del Departamento de Teoría y Composición. Desde 2015 y hasta 2017 residió en España, donde completó la Maestría en Arte Sonoro de la Universidad de Barcelona. Su investigación y producción artística circula en las fronteras de la música experimental – instrumental, electroacústica y mixta - y el arte sonoro. Ha estrenado obras y participado en festivales en Uruguay (conciertos del Núcleo Música Nueva, festival Monteaudio, entre otros), Argentina (ECo: Estadías de Composición – UNQ – Teatro Cervantes; JIME), Chile (Universidad de la Serena), Paraguay (Movimiento Pu Joa), México (Muslab), Estados Unidos (Look and Listen Festival), Canadá (Oak Bay New Music Festival), España (Festival Zeppelin y Festival Mixtur – Barcelona; Festival Insonora – Madrid; Día Internacional del Arte - Girona), Suiza (Ars Forum Wallis) y Alemania (Earport – Duisburgo, Festival Opening Trier). Y trabaja en diseño de sonido y composición para piezas audiovisuales. El 9 de marzo de 2022, en el concierto homenaje a la compositora uruguaya Renée Pietrafesa, la Orquesta Filarmónica de Montevideo estrena en el Teatro Solís su pieza “Demografía Acústica: %”, compuesta específicamente para la ocasión, por encargo de la OFM en el marco del Día Internacional de la Mujer 2022. En 2019, su pieza electroacústica “Virtualidad Real” es seleccionada y resulta una de las dos piezas ganadoras en la convocatoria “2020 Call for Works Sound Spaces”, organizada por Hertzbreakerz / Ars Nova Malmö Sound Spaces 2020 (Malmö, Suecia). Esculturas temporales (2022) La obra se dispone como un continúo de fragmentos sonoros que buscan construir diversas formar de esculpir el tiempo; diversos gestos; diversos caminos de acumulación y distensión de energías. Esculturas temporales, compuesta exclusivamente a partir de muestras de contrabajo, toma el sonido como material moldeable, y se propone esculpir sobre él tal como si pudiéramos asirlo, tomarlo, sentirlo con nuestras manos. En definitiva, es un intento en vano de hacer tangible un material efímero como lo es el sonido, del cual no podemos constatar más que la experiencia temporal y espacial que nos deja su fugaz presencia. Guillermo Eisner Sagüés (Montevideo, 1980) Profesor Asistente (D) del Departamento de Sonido de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Doctor en Música, campo de Composición Musical, por la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió música y composición en Chile, España, Portugal y México. Ha desarrollado música de concierto acústica y electroacústica, participando en festivales en Sudamérica, Norteamérica y Europa. Ha publicado los CDs Música para guitarra (Chile Clásico, 2021); música de barrio (Cero Records, México, 2019); y habitar el tiempo (2012). En el año 2015 publicó el libro y CD guitarrerías. 10 monotemas para guitarra (Microtono Ediciones Musicales). Y ha compuesto y estrenado las óperas de cámara Titus (2017) en el Teatro Helénico, Ciudad de México; y La isla de los peces (2015) en el Centro Cultural GAM, Santiago. Junto con esto, ha desarrollado su trabajo creativo en el ámbito de las artes escénicas y audiovisuales, componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza y video danza. Previo Siguiente

Ir a cmmas.org < Regresar Diego Espinosa, Hugo Morales y Sergio Luque [MÉXICO] Artistas: Diego Espinosa, Hugo Morales, Sergio Luque 6 jul 2012 Diego Espinosa y Hugo Morales presentarán las piezas que trabajaron durante su residencia: Enclosure para cajón amplificado y manipulación digital Espacios Encordados para piano, “feedback” y manipulación digital. \_/ para triangulo solo Bocina para bocina y ondas sinusoidales Nueva obra para percusión, computadora y proyección Sergio Luque estará como invitado y presentará las siguientes piezas: "'Sex, Drugs and Rock 'n Roll' was never meant to be like this" para computadora "Brasil" para computadora Previous Next

07.09.2022 < Regresar Alejandro Cardona (Costa Rica ) 07.09.2022 Voces reimaginadas Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, es catedrático de la Escuela de Música, Universidad Nacional de Costa Rica. Junto a su composición de música contemporánea acústica, ha desarrollado trabajos audiovisuales, multimediales, de diseño sonoro y composición para danza y teatro, así como obra en el ámbito de la música electroacústica y diversos géneros de música “popular”. Es el autor de 4 libros: dos en el campo téorico (lectura rítmica basada en principios rítmicos afroamericanos, y principios de la armonía tonal funcional); uno de análisis de música latinoamericana; y una autoetnografía con una reflexión en torno a la composición musical. Ha participado activamente en foros y festivales a nivel internacional. Su música ha sido ejecutada y grabada en Latinoamérica, Norteamérica y Europa. Entre sus últimos proyectos están un disco de su música para piano con Carolina Ramírez, la grabación de un disco monográfico con el Ónix Ensamble, y un encargo para la Filarmónica de Los Ángeles. Descripción del concierto: "Voces reimaginadas" presenta cuatro obras compuestas por tres creadores de Costa Rica: Alejandro Cardona, Byron Latouche y Pablo Santiago Chin. Todas las obras tienen en común que incorporan, como uno de los elementos centrales, la voz humana, así como el uso de diversas posibilidades expresivas de la electroacústica, incluyendo el tratamiento del material vocal. Se trata de obras estrenadas en diferentes momentos y lugares. Sólo la obra de Byron Latouche constituye un estreno mundial. Programa Byron Latouche – Mika ye meat – Acusmática Alejandro Cardona – Palenque (toques cimarrones) para multipercusionista, ensamble de cámara y electrónica Pablo Santiago Chin – Si Chavela met Matta II, para voz femenina, piano, percusión y electrónica Vicky Cortés/Alejandro Cardona – Loop – Video danza Previo Siguiente