Este trabajo presentará una herramienta denominada AMI (Algorithmic Music Interface) que brinda la posibilidad de generar, a partir de procesos algorítmicos, diferentes perfiles de datos que serán traducidos en alturas, ritmos y dinámicas que podrán ser almacenados en Ableton Live como clips MIDI. < Back Ir al final | go to botom AMI : herramienta para la composición algorítmica y calificación de datos simbólicos - Francisco Colasanto (Argentina/México) Este trabajo presentará una herramienta denominada AMI (Algorithmic Music Interface) que brinda la posibilidad de generar, a partir de procesos algorítmicos, diferentes perfiles de datos que serán traducidos en alturas, ritmos y dinámicas que podrán ser almacenados en Ableton Live como clips MIDI. Los tipos de algoritmos utilizados son: gramaticales, caóticos, aleatorios, genéticos y autómatas celulares, y el análisis de los datos almacenados podrá llevarse a cabo a partir de cuatro diferentes técnicas: distancia de edición, n-gramos, entropía, similitud cronotónica. Una vez analizados los clips generados, y luego de almacenar dichos análisis en un base de datos, estos serán relacionados entre ellos a partir de una algoritmo de “vecino cercano”. Francisco Colasanto nació el 22 de junio de 1971 en Buenos Aires, Argentina. Reside en Morelia, México desde 2006. Es Licenciado en Composición electroacústica de la Universidad Nacional de Quilmes, Argentina. Se encuentra realizado su Doctorado en Tecnología Musical en la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha recibido los siguientes premios: • Beca del Ministerio de Cultura de España (2000). • Subsidio a la creación de la Fundación Antorchas (2004). • Premio Juan Carlos Paz otorgado por el Fondo Nacional de las Artes (2005). • Encargo del LIEM, Museo Reina Sofía, Madrid (2006). • “Live Electronic Music Competition 2006” del Harvard University • Giga-Hertz Award 2009. ZKM, Karlsruhe. Alemania. • Premio Ibermúsicas 2013 • Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2018. Fundó la agrupación Dr. Zoppa. Es Técnico Académico de tiempo completo nivel A de la ENES-Morelia. UNAM. Ha publicado el libro “Max/MSP: guía de programación para artistas” Actualmente se desempeña como subdirector del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

In this talk, the MTI^2 Institute will be presented as a unique centre in the sonic arts possessing a global vision focusing on the combination of creative production, scholarly research and extensive outreach. It also celebrates its international collaborations, not least with CMMAS. The institute will be presented from a variety of angles to frame the other contributions (talks and works) presented at the festival and will attempt to demonstrate a vision of openness and an attitude of looking forward. < Back Ir al final | go to botom MTI^2 - Institute for Sonic Creativity: a centre with a vision (and a CMMAS partner) - Leigh Landy (Holanda- Reino Unido) In this talk, the MTI^2 Institute will be presented as a unique centre in the sonic arts possessing a global vision focusing on the combination of creative production, scholarly research and extensive outreach. It also celebrates its international collaborations, not least with CMMAS. The institute will be presented from a variety of angles to frame the other contributions (talks and works) presented at the festival and will attempt to demonstrate a vision of openness and an attitude of looking forward. Leigh Landy (www.llandy.dmu.ac.uk ) where he directs the Music, Technology and Innovation – Institute for Sonic Creativity (MTI2) at De Montfort University (Leicester, UK). His focus is divided between creative and musicological work. His compositions, many of which are sample-based, include several for video, dance and theatre and have been performed around the globe. His publications focus primarily on the studies of electroacoustic music. He is editor of “Organised Sound” (Cambridge University Press) and author of eight books including “What’s the Matter with Today’s Experimental Music?”, “Understanding the Art of Sound Organization” and “The Music of Sounds”. He is currently completing two books, “On the Music of Sounds and the Music of Things” with John Richards and “Experiencing Organised Sounds”. He directs the ElectroAcoustic Resource Site (EARS) projects and is a founding director of the Electroacoustic Music Studies Network (EMS). ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

05.10.2022 < Regresar Francisco Lapetina (Uruguay) 05.10.2022 Fronteras Porosas (Leaky Borders) FRANCISCO LAPETINA (Uruguay, 1970) Músico y artista sonoro, docente, comunicador, productor musical y audiovisual. Cuenta con estudios en la Facultad de Arquitectura y Diseño y una trayectoria de más de 20 años que combina el trabajo en el territorio del arte así como el empresarial (diseño/ comunicación institucional / publicidad). Con base en lo sonoro-musical y visual, su trabajo se sitúa en un territorio de exploración híbrida donde experimenta con la voz, el cuerpo, los instrumentos y la tecnología. Ha trabajado en obras de transdisciplina, audiovisuales, arte sonoro en instalaciones, performances multimedia y obras de danza contemporánea. Su enfoque sobre la creación y producción artística (fundamentalmente en áreas de música y sonido pero también el texto, la imagen, el diseño y la escena) es personal e integrador: la creatividad, las relaciones humanas y las redes, las identidades locales, la colaboración y la tecnología, tienen un rol estructural. Es director de Hornero Usina de ideas y proyectos en arte, cultura y educación (www.hornero.uy), artistas y docentes que desarrollan dispositivos de creación como Hornero Migratorio, seminarios de estimulación Creativa para docentes como Crisálida o eventos/interfases de creación remota como Paralaje. Cuenta con cinco álbumes discográficos publicados con composiciones y producciones propias habiendo sido productor artístico de otros tres (uno publicado en Nueva York). Entre sus colaboraciones se destacan los trabajos realizados junto a Tamara Cubas (Uruguay), Arthur Rossenfeld (USA-Holanda), Marcelo Evelin (Brasil), Fernando Velázquez (Uruguay-Brasil), Miguel Grompone (Uruguay) y Gastón Ackermann (Uruguay). Ha sido premiado con otorgación de fondos para proyectos en varias ocasiones por parte de la ANII (Agencia Nacional de Investigación e Innovación), los Fondos Concursables MEC, el FONAM (Fondo Nacional de Música), el INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas) el Premio Graffiti y el Festival Montevideo de la Canción. En 2020 fue Capacitador en Formación para Emprendedores de Industrias Culturales y Creativas / Referente de la Región Metropolitana en curso organizado por el Departamento de Industrias Creativas del MEC y brindó junto a Ernesto Donas el Curso de Educación Permanente EUM/UDELAR "Paralaje: El Texto como Arte Sonoro y Performance”. Descripción del concierto: Un recorrido por las exploraciones de Francisco Lapetina como artista que transita en en los cruces y bordes: el sonido analógico y digital, la experimentación en canciones y música instrumental o electrónica, la danza contemporánea, el texto, el audiovisual, la creación colectiva y la educación creativa. Territorios de hibridación y esponjamineto en proyectos personales y como director de Hornero Usina de Ideas en Arte, Cultura y Educación así como colaboraciones junto a artistas como Fernando Velázquez (Brasil / Uruguay), Tamara Cubas (Uruguay), Gastón Ackermann (Uruguay) y Ernesto Donas (Uruguay). Previo Siguiente

Viernes 18 DE NOVIEMBRE 2022 Ir a cmmas.org < Back The Bionic Harpist Alex Tibbits (Canada/US) Viernes 18 DE NOVIEMBRE 2022 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto 2: Ensamble II, IV y VI - MyTA [México] Integrantes del Ensamble II: Said Djeser, María Fernanda, Diego Enrique, Paula, Edgar, José Miguel, Gustavo, Aldo Guijosa Gutiérrez, Ramirez Huacuja, Carlos Javier Higuerra Martínez, Tulio Axel Torres Pardavé, Juan Pablo, Luis Humberto, Diego Ulises, Andrik Integrantes del Ensamble IV: Brandon Gabriel Beltrán Soto, Daniel Alexander Godinez Ponce, Deneb Escuadra Ayala, Eugenio Sánchez Vergara, Isaac Ortega López, Jandette Torres, Jasmine Lovell-Smith, Jorge Hernández, Vega, Josué Alejandro Garcia Breña, Joyce Stephania, Leonardo Sosa, Rodrigo Alonso García Contreras, Luis Enrique Ayala Zavala, Ricardo López Rivera Integrantes del Ensamble VI: Bruno Juárez Salinas, Irán Rojano Escobedo, Rodrigo Lizárraga Pizano, Ángel Terres Cabrera, Oscar Castellanos Jiménez, Aldo Pimentel Rodríguez, Ricardo Salas García Ernesto Estrada Pérez, Juan Murillo Herrera, Tadeo Urbano González, Geovanni Meza Gómez, Omar Avisac Olmedo, Mizael Rodríguez Castro, David Pérez Abagy, Jafet Vázquez Mosqueada 29 may 2025 Alumnos de la Licenciatura de Música y Tecnología Artística En esta carrera se forman los músicos que son capaces de utilizar su tradicional instrumento y las tecnologías digitales actuales como herramientas expresivas para la creación, la interpretación y la producción musical. Estos profesionales cuentan con una visión interdisciplinaria e integral del quehacer artístico-musical, así como con una perspectiva histórico-social que les permite emprender y gestionar proyectos individuales o colaborativos con los cuales contribuyen a promover el desarrollo del conocimiento y del talento artístico de la cultura mexicana. Concierto de los alumnos de la materia de Ensamble de los semestres II, IV y VI de la Licenciatura de Música y Tecnología Artística, a cargo de los profesores Iván López Pineda, Fernando Lomelí y Jasmine Lovell-Smith Programa del jueves: ENSAMBLE IV - Jasmine Lovelle-Smith -La mordida del 87 - Daniel Alexander Godinez Ponce -Latencia - Josué Alejandro García Breña -Coro Interspecie - Joyce Stephania Jandette Torres -Improvisación. 3 movimientos (Cubos Modales - Brandon Gabriel Beltrán Solo)(Random Music - Isaac Ortega López) (Surge desde el abismo entre el color y la textura - Luis Enrique Ayala Zavala) -Textos y voces/ Experimento Raíz - Leonardo Sosa/Rodrigo García -Orquesta Vasal en Do líquido - Ricardo López/Jorge Hernández -Como Quiera, Hay Ruido - Eugenio Sánchez -Barba de Chivo - Deneb Escuadra ENSAMBLE II - Fernando Lomelí -Grupo 1 - ópticas cromáticas - Said Djeser, María Fernanda, Diego Enrique -Grupo 2 - Petricor -Paula, Edgar, José Miguel, Gustavo https://www.youtube.com/watch?v=PwnytqUpckM&list=PLDmMTkZSeFXw8B6XAlVVdbM1ttuBCUk0q&index=26 Programa del viernes: ENSAMBLE VI - Iván López -Megatransmetafonía (creación colectiva) - Bruno Juárez Salinas, Irán Rojano Escobedo, Rodrigo Lizárraga Pizano, Ángel Terres Cabrera, Oscar Castellanos Jiménez, Aldo Pimentel Rodríguez -Improvisación (creación colectiva) - Ricardo Salas García Ernesto Estrada Pérez, Juan Murillo Herrera, Tadeo Urbano González, Geovanni Meza Gómez -Combo Tropical (creación colectiva) - Omar Avisac Olmedo, Mizael Rodríguez Castro, David Pérez Abagy, Jafet Vázquez Mosqueada -Cobra. John Zorn. - Ensamble completo ENSAMBLE II - Fernando Lomelí -Lxs bianxs - Aldo Guijosa Gutiérrez, Ramirez Huacuja, Carlos Javier Higuerra Martínez, Tulio Axel Torres Pardavé -Grupo 4. - Juan Pablo, Luis Humberto, Diego Ulises, Andrik Previous Next

< Back Sarah Harris (Can) - Conferencia Sarah Harris es una música, ingeniera de sonido y trabajadora de las artes, radicada en Montreal, QC, de St. John's, NL. Con intereses principales en la organización comunitaria, presentaciones en vivo, composición y sonido, Sarah es la coordinadora de programación de Lawnya Vawnya, toca en bandas y actualmente es estudiante en el programa de estudios electroacústicos de Concordia. Escribiendo e interpretando estilos musicales que van desde folk hasta electrónica experimental, Sarah ha creado la música para tres cortometrajes del Atlántico canadiense y ha actuado en álbumes recientes de Kelly McMichael, John y Eastern Owl. Sarah es miembro de la banda Property de St. John desde 2016 y fundó una revista de cómics llamada "I Don't Do Comics" a principios de 2020 que publica y alienta a los artistas nuevos y emergentes del cómic. Previous Next

Conferencia - Día 1 < Back Sergio Delfino Montaño Martínez (México) - Mi Celular Más Tóxico Que Mi Ex Conferencia - Día 1 Descripción Con el creciente uso de dispositivos electrónicos en nuestro día a día, se ha vuelto esencial abordar los riesgos ambientales que conlleva la eliminación inadecuada de estos productos. El reciclaje adecuado de artículos electrónicos y eléctricos es crucial para la protección del medio ambiente y la preservación de los recursos naturales. Estos dispositivos contienen metales pesados y otros materiales tóxicos que, si no se reciclan de manera adecuada, pueden contaminar el aire, el agua y el suelo. Además, el reciclaje de estos dispositivos permite la recuperación de materiales valiosos como oro, plata, cobre y aluminio, que pueden ser reutilizados en la fabricación de nuevos productos electrónicos. De esta manera, se reduce la necesidad de extraer recursos naturales adicionales y se disminuye la huella de carbono de la producción de electrónicos. Es importante que cada uno de nosotros asuma la responsabilidad de reciclar nuestros artículos electrónicos y eléctricos de manera responsable. Esto incluye la eliminación adecuada de baterías, cables y otros componentes que pueden ser peligrosos para el medio ambiente. En resumen, la charla de concientización sobre la importancia del reciclaje de artículos electrónicos y eléctricos es esencial para fomentar la responsabilidad individual y colectiva en la preservación del medio ambiente y la protección de los recursos naturales. Al reciclar estos productos de manera adecuada, podemos reducir los riesgos ambientales, disminuir la huella de carbono de la producción de electrónicos y apoyar la economía local. Sergio Delfino Montaño Martínez Su actividad primordial consiste en recolectar, clasificar y separar los diferentes y diversos materiales por los que están compuestos los residuos de aparatos eléctricos y electrónicos. https://www.youtube.com/watch?v=RpjOColFarA Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tonal Soundscapes. [CANADÁ] Gayle Young (Canadá) 15 feb 2019 Gayle Young tocará el Allium, un instrumento de cuerda que ella diseñó y construyó. Su música combina armonía musical con paisajes sonoros tonales: sonidos naturales y urbanos grabados a través de resonadores sintonizados, que agregan melodía y armonía a los sonidos de cascadas cubiertas de hielo, ríos y costas oceánicas. Los diferentes resonadores crean diferentes armónicos brillantes, en armonía con los sonidos de cada entorno. La última pieza del concierto incluirá grabaciones de archivo hechas por el pionero de la música electrónica canadiense Hugh Le Caine en la década de 1940 con su Sackbut electrónico, un instrumento que ahora se reconoce como el primer sintetizador analógico. Gayle Young explora la naturaleza del sonido ambiental, intensificando nuestra experiencia auditiva del mundo que nos rodea. Su música incluye instrumentos electrónicos y orquestales, materiales industriales y objetos encontrados. Diseña y construye instrumentos para facilitar las exploraciones en la afinación. Combina sus intereses en la sintonización y el paisaje sonoro al registrar el ruido ambiental (autopistas, vías férreas, ríos y costas oceánicas) a través de resonadores sintonizados que extraen y amplifican las frecuencias armónicas a través de un proceso que denomina paisaje sonoro tonal. Como escritora, Young analiza las historias y las intenciones de compositores y diseñadores de instrumentos innovadores, como Pauline Oliveros, R. Murray Schafer, Michael Snow y James Tenney. Es autora de la biografía de Hugh Le Caine (1914-1977), el principal inventor canadiense de instrumentos electrónicos, que retrata un período fértil de la invención en la ciencia y las artes desde la década de 1940 hasta la década de 1970. Editó la revista Musicworks durante muchos años. Previous Next

Video con la obra “Pandemia” de Antonio Russek y visuales del grupo ‘Escucha Subversiva’ < Back Ir al final | go to botom Pandemia Video con la obra “Pandemia” de Antonio Russek y visuales del grupo ‘Escucha Subversiva’ Antonio Russek (Torreón Coahuila 1954) La actividad musical de Antonio Russek ha estado ligada desde sus inicios a las ártes escénicas, es amplia su participación en eventos interdisciplinarios; música y diseño sonoro para museos y galerías, videoarte e instalación, cine, teatro, danza y videodanza, radioarte y accionismo. Realiza escultura sonora, instalación y construye dispositivos interactivos. Con una notable trayectoria y más de un centenar de obras en su catálogo, Russek es pionero de lo que hoy se denomina 'arte sonoro', colaborando de manera permanente con artistas fuera del ámbito estrictamente musical, redefiniendo el rol de la música experimental en México. Experto en audioacústica y productor, brinda asesoría tanto a realizadores en nuevos medios como a instituciones culturales en una diversidad de proyectos. En 1982 funda el Centro Independiente de Investigación Musical y Multimedia (CIIMM) donde desarrolla una importante tarea a través de la producción discográfica, publicaciones, conferencias, talleres, asesoría, organización, difusión y curaduría para conciertos de música electrónica y medios alternativos. La labor emprendida por Antonio Russek en favor del uso y exploración de la tecnología en el arte está reflejada en su propia obra, con la creación de entornos sonoros inmersivos en espacios cerrados, como en la proyección de sonido en espacios abiertos utilizando sistemas multicanal. Funda y dirige el Laboratorio Multimedia para el colectivo AlbercaArtes A.C. y desde 2004 es catedrático de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos donde crea el Laboratorio de Sonido. En 45 años de vida profesional ha recibido becas, premios y distinciones, pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte y su obra se ha presentado en los más importantes festivales nacionales e internacionales. Sitio web: www.cmmas.org/antoniorussek_obrareunida Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Obras realizadas en el marco de la Especialización en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina) < Back Ir al final | go to botom Especialización en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Tres de Febrero Obras realizadas en el marco de la Especialización en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina) Alberto Carranza - De lo periódico Cecilia Simone Alteración Sebastián Miño - (a) Marte Ricardo de Armas Cita no placé Julia Rosetti - Y Porã Lautaro Vieyra - Watcher of the sound Alberto Carranza En el marco de la Especialización en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Tres de Febrero Músico argentino nacido en la ciudad de La Plata. Cursó estudios de Composición en la Facultad de Artes Universidad Nacional de La Plata, habiendo sido alumno de Eric Oña, Gabriel Valverde y Mariano Etkin. Como compositor presentó obras en la Facultad de Artes UNLP y el Salón Dorado de la Municipalidad de La Plata. En Bahía Blanca, le estrenan obras en el marco de “Bahía Actual encuentro de música del siglo XX y XXI”, 5ta y 6ta edición en el Centro Histórico Cultural UNS y el Teatro Municipal. Desde 2016 es integrante de baCiC (Bahía Actual Centro de Investigación y Creación) y es parte de la organización de las ediciones 6ta, 7ma, 8va y 9na del encuentro Bahía Actual. En las dos últimas ediciones con la participación de la Orquesta Sinfónica Provincial y el Coro Estable de Bahía Blanca. Participó en carácter de compositor de las II Jornadas de Lectura Abierta a cargo del Cuarteto de Cuerdas de la UNTREF y de la Master Class de Mario Mary del Ciclo de Música Contemporánea 60 compositores x 60 años. Es integrante del grupo de creación colectiva Ars[in]sonora coordinado por Ricardo de Armas. Es instrumentista de corno francés habiendo integrado distintas agrupaciones de cámara como quinteto de vientos, quinteto de metales y octeto de Bronces y percusión, asimismo incursiona en la música popular con el sexteto de jazz MIL3. Formó parte del Grupo de Música Contemporánea de La Plata. Como intérprete de dicho ensamble estrena “Cohesión” para corno, violín, contrabajo y cinta de Mario Mary, dentro del Ciclo de Música Contemporánea Iberoamericana dirigido por Ricardo Dal Farra. Es intérprete en el espectáculo “Juego con dados” concierto de música de cámara y por computadoras de Luis Rojas. Ha participado de diferentes orquestas y agrupaciones instrumentales del país, habiéndose presentado en distintas salas de la Argentina como Sala de Conciertos del Hotel LLao LLao (Orquesta Sinfónica de Neuquén), Sala de Conciertos del Hotel Arakur (Festival de Ushuaia), Teatro Municipal de Bahía Blanca, Teatro Argentino de La Plata, Salón Dorado del Teatro Colón y Centro Cultural Kirchner. Desde 1992 integra la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. A raíz de la pandemia y la consecuente adecuación de los planes de estudio de las universidades a la modalidad virtual, actualmente está cursando materias del último año de la Licenciatura en Composición UNLP y la Especialización en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Sebastian Miño Sebastián Miño (AR-1986), artista, docente y estudiante. Actualmente transita el posgrado de la especialización en Arte Sonoro de la Universidad de Tres de Febrero. Se desempeña como docente en la asignatura de principios de edición sonora y musicalización (ISEC), es además editor y realizador audiovisual, al ser egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido (UBA). En sus producciones audiovisuales combina el error, el accidente, y la búsqueda poética, (des)materializándolas en sonidos e imágenes. Durante el año 2020 participó en el programa de “Criação sonora colaborativa e interativa – Intercâmbio sonoro entre Brasil-Argentina-França”, dirigido por Andrea Cohen (France Culture | Radio France). Actualmente se encuentra trabajando como editor sonoro, en el proyecto de investigación "Ritmo y Sentido" llevado adelante por la Cátedra Szmukler para la Secretaría de investigaciones de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Julia Rossetti Julián Di Pietro Julia Rossetti. Artista transdisciplinaria nacida en Corrientes, Argentina, en 1986. Es Licenciada en Artes Visuales y Diseñadora Gráfica (Universidad Nacional del Nordeste), actualmente culminando la carrera de Especialización en Arte Sonoro (Universidad de Tres de Febrero). Participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas; ferias, festivales y residencias en Argentina, Paraguay y Brasil. Actualmente forma parte del equipo de producción del Centro de Arte Sonoro (CASo). En su trabajo mixtura y tensiona resonancias de la música popular de la región del nordeste argentino, citas literarias, grabaciones de campo y testimonios documentales, compartidas luego como piezas sonoras y audiovisuales, así también como experiencias performáticas e instalaciones de sitio específico; para abordar nociones como paisaje, frontera y sincretismo. Julián Di Pietro. Compositor y artista sonoro nacido en La Plata. Su trabajo más reciente está enmarcado en la exploración de espacialidades tanto en el registro sonoro como en la producción en estudio. También indaga en las posibilidades poéticas de la programación de sonido y en la improvisación interviniendo electrónicamente grabaciones de campo. Lautaro Martín Vieyra Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música “López Buchardo”, en Buenos Aires, Argentina. Allí recibió el título de Profesor Nacional de Música, especialidad guitarra. El Conservatorio de Pantin, Francia, le otorgó el Diploma de Estudios Musicales (DEM) en Composición Electroacústica. Realizó la especialización en Arte Sonoro ofrecida por la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Sus obras fueron premiadas o seleccionadas para concierto por la Fundación Destellos de Argentina, La Fundación Encuentros de Argentina, INA GRM - Grupo de Investigación Musical de París, Francia, el Instituto Franco-Japonés de Tokio, Japón, La Electrosonora Nit, de España, el Festival Expresiones Contemporáneas, de México y otros. Desde 2018 codirige el ensamble MixLab, un espacio de laboratorio donde se explora la producción de obras para medios mixtos. Es profesor de Composición para Medios Mixtos I, en el Conservatorio “Astor Piazzolla” de Buenos Aires; Electroacústica II en el Conservatorio "Manuel de Falla" de Buenos Aires y Diseño de Sonido y Edición y Procesamiento de Audio Digital en el Instituto de Tecnología ORT. Además integra el equipo de tutores del Laboratorio Transdisciplinar del Centro de Capacitación Artística Profesional de la Dirección General de Educación Artística de la Ciudad de Buenos Aires. Combina su actividad artística y docente con la gestión cultural, organizando conferencias, conciertos y concursos, como el concurso internacional de composición Mega Jury, para medios mixtos. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: JUNTAR. (Virtual) [BRASIL] Marcelo Armani (Brasil) 13 jul 2022 Marcelo Armani es artista sonoro, técnico de sonido, compositor y músico electroacústico brasileño. Su trayectoria incluye la producción de piezas e instalaciones compuestas tanto por la síntesis como por la manipulación sonora de grabaciones de campo. Su investigación reside en la práctica escultórica del sonido a partir de la composición de capas, la inmersión en el grano sonoro y el relato del entorno acústico cotidiano. Su práctica parte de procesos experimentales, utilizando cintas magnéticas, superficies amplificadas, sintetizadores analógicos y digitales controlados por interfaces de iPad como herramientas de expansión de tiempo y espacio, sugiriendo volúmenes, texturas y densidades. Armani ha realizado una serie de muestras, residencias y conciertos en países de América Latina, Europa, África y América del Norte. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Canoas, RS, Brasil. Juntar (port)... unir/juntar diferentes cosas poniéndolas en contacto a través de diferentes materiales o medios. De estos sentimientos y significados parte el título de este concierto. Una forma de reunir, aunque sea de forma virtual, algunos de los compositores y artistas sonoros brasileños a partir de las investigaciones y experimentos de cada uno. En esta transmisión entramos en contacto con este tejido sonoro y visual propuesto en el universo de Alessandra Bochio y Felipe Merker, Dúo Teia, Felipe Vaz, Janete El Haouli, Marcelo Armani, Marco Scarassatti, May HD, Paulo Vivacqua, Renata Roman, Mariana Carvalho y Thelmo Cristóvam. Programa 1. Marcelo Armani Concerto pra Cocho Esa pieza es un collage de una experiencia sonora aplicada sobre los locales utilizados para alimentar el ganado que en portugués es “Cocho”. Específicamente, busque por sonidos que producidos con un arco de violín aplicado sobre la extremidades de las hojas de metal que sirven de techo a ese local. El proceso de grabación lo hice utilizando micrófonos de contactos y um par de shotguns puestos abajo del techo. Los 3min y 55s, resumen un total de más de 1h15min de investigaciones y búsquedas sonoras. A lo largo de la pieza se puede percibir las distintas frecuencias, texturas y rítmicas que sumadas componen un universo muy particular. 2. Andrea May HD Matafantasma Andrea May é artista visual e sonora, curadora independente e doutoranda em Artes Visuais pela Universidade Federal da Bahia (UFBA). Criada especialmente para a edição Perspectivas Sonoras 2022 do Centro Mexicano de Músicas e Artes Sonoras – CMMAS, esta peça foi composta essencialmente por fragmentos de gravações de discos de vinil preparados e/ou intencionalmente manuseados para destruição dos hinos nacionais enquanto representação distópica de um país de apagamentos e sob um governo mal assombrado. 3. Alessandra Bochio e Felipe Merker Felipe Merker Castellani é artista multimídia, pesquisador e professor. Suas pesquisas atuais têm como ponto central o estudo de epistemologias contra-coloniais e suas possibilidades de entendimento e desdobramento no campo das artes. Como artista desenvolve instalações interativas, videoinstalações e performances audiovisuais em parceria com artistas de diversas áreas. É mestre e doutor em música na área de Processos Criativos junto ao Instituto de Artes da Unicamp, e bacharel em composição musical pela Faculdade Santa Marcelina. Alessandra Bochio é artista, pesquisadora e professora do Departamento de Artes Visuais do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul - UFRGS. Doutora em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da ECA/USP. Mestre em Artes pela Universidade Estadual Paulista IA/UNESP. Bacharel em Artes Plásticas pelo IA/UNESP, Licenciatura Plena em Arte pelo Centro Universitário Belas Artes. Realizou estágio de pesquisa na Université Sorbonne Nouvelle Paris 3. Como artista se dedica a trabalhos colaborativos na realização de performances e instalações audiovisuais. 4. Janete El Haouli Sinfonia dos Sapos Peça Sonora (excerto), 7’03’’ Essa peça sonora, essa paisagem sonora aqui apresentada, é um excerto de uma gravação com duração bem maior (24m 52s). É uma ‘sinfonia dos sapos in natura.’ Apenas meus ouvidos e o microfone participaram dessa ação. Escuto essa peça como música, como jogos sonoros, como sons que dialogam e se articulam em diferentes camadas, timbres, texturas, alturas, densidades, ritmos. É importante ressaltar que o mais importante é a nossa atitude enquanto escutamos. E essa atitude é ou pode ser provocada pelo desejo de escutar os sons que estão ao nosso redor de diferentes modos e sob diferentes perspectivas. Para mim, isso é música porque música é tudo aquilo que escutamos com a intenção de se escutar como música. 5. Marco Scarassatti Sobre o que Esta Antes do Tempo Peça Sonora/Composição, 7’00’’ 2020 Sobre o que Esta Antes do Tempo faz parte do álbum que completa o processo iniciado com a construção da escultura sonora Exu, ligada à cosmovisão iorubá e, em particular, com este Orixá, entidade crucial nos rituais do candomblé afro-brasileiro, o mensageiro entre dois mundos, o guardião da vida energia. Marco fez a escultura a partir de objetos-encontrados relacionados ao Orixá combinando madeira e metal tradicionais amplificados por microfones de contato ao qual são acrescentadas cabaças com sementes e conchas do mar, tudo conectado a um par de alto-falantes chegando a interpretar a função do Igbá no ritual através de uma forma de som. 6. Duo Teia Teia Audiovisual, 5’15’’ Vídeo: Caetano Tola O duo TEIA é formado por Inés Terra (vozes) e Julia Teles (theremin e vozes). As artistas trabalham juntas desde 2017 e se interessam pela relação entre dispositivos eletrônicos e vozes, em processos improvisados e composicionais, explorando os limites das possibilidades dos instrumentos. Em 2019 TEIA gravou seu primeiro álbum que foi lançado em junho de 2020 pelo selo RKZ Records. 7. Paulo Vivacqua Radiopolyphony Peça Sonora, 5’06’’ 2003 A multi-channel composition broadcast on the internet and the radio spectrum over a period of six weeks. Peter Lasch, Federico Marulanda, Kelvin Park,and Paulo Vivacqua, in collaboration with THING.FM.vEach sound channel is broadcast over a different radio frequency or internet stream, and is composed so that it can be heard either independently or mixed. The piece is not accessible to any audience as a whole. Instead, it provides a structure that can be adapted to conditions that vary from the private to the public; what the listener hears depends on which channels can be accessed at any particular time or place. The four voices, composed by Paulo Vivacqua. 8. Renata Roman Nada Peça Sonora, 4’11’’ 2020 Renata Roman é uma artista independente brasileira. Atualmente baseada em Havana, Cuba. Pesquisa a poética do som e da escuta e suas relações com a memória, o espaço e a visualidade. Seu trabalho transita por instalações, arte de rádio, gravações de campo, colagens e música experimental. Criadora do São Paulo Sound Map (SPSoundMap). 9. Mariana Carvalho Piano Habitat Performance 2019 Nasci em São Paulo, Brasil, 1994. O piano é meu instrumento desde os oito anos de idade, além de ponto de partida para a improvisação livre, música experimental, arte sonora, música contemporânea, performance e experimentos com o corpo, eutonia, dança, voz. Fiz bacharelado em piano na Universidade de São P aulo (2013-17). Faço parte do NuSom, Núcleo de Pesquisas em Sonologia da Universidade de São Paulo (2017- ), da rede Sonora - músicas e feminismos sonora (2016 - ), da Orquestra Errante, grupo de improvisação livre (2013 - ) e do Duo Submerso com Daniel Grajew. Participarei do programa de residências de Q-O2 em agosto/setembro de 2019, em Bruxelas, Bélgica. Em 2018 participei por dois meses do programa de residências do Centro Negra - AADK Spain, em Blanca, Murcia, Espanha; da residência de formação do XII Festival Tsonami Arte Sonoro em Valparaíso, Chile; do Escape Art Lab, residência-laboratório de dança contemporânea, música contemporânea e improvisação em Tescani, Romênia. 10. Thelmo Cristovam Aço Peça Sonora/Free Improv, 7’42’’ 2003 Free improvised based electroacoustic composition (Acoustic guitar and objects). The title and the atmosphere are inspired from “Iron Foundry” by Alexander Mosolov. The composition was intended to be from na alien soundscape in an imaginary place, called Õstrõ Hyija. So, this piece is the imaginary “field recording” from a foundry there. At the time of the composition/recording, my grandmother was hospitalized and died soon. Since then, the work is a complete scapism/isolation to another place. 11. Felipe Vaz Juntos/as/xs/es Performance/Audiovisual, 8’53’’ 2021 Juntos/as/xs/es é uma investigação sobre o paradoxo entre a necessidade de ação coletiva contra o autoritarismo no Brasil e não poder se reunir fisicamente durante a pandemia. Este projeto foi encomendado pelo Festival Novas Frequencias (Brasil, 2021) e abriu uma chamada aberta para jovens músicos brasileiros interpretarem uma partitura gráfica de Vaz. A partitura é um objetivo metafórico comum a todos, apesar das diferenças pessoais, e os músicos foram solicitados a tocá-la apenas com base na partitura do vídeo, sem ensaios em grupo ou mais instruções. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Mesías Maiguashca. (Virtual) [ECUADOR] Mesías Maiguascha (Ecuador) 9 jul 2021 Mesías Maiguascha Nació el 24.12.1938 en Quito, Ecuador. Estudió en el Conservatorio de Quito, la Eastman School of Music (Rochester, N.Y.), el Instituto di Tella (Buenos Aires) y en la Musikhochschule Köln. Producciones en el estudio de Música de la WDR (Colonia), en el Centre Européen pour la Recherche Musicale (Metz), en el IRCAM (Paris), en el Acroe (Grenoble) y en el ZKM (Karlsruhe). Trabajo docente en Metz, Stuttgart, Karlsruhe, Basel, Sofía, Quito, Cuenca, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Györ y Szombathely (Hungría), Seoul (Corea). Conciertos en los principales festivales europeos. Desde 1990 Profesor de Música Electrónica en la Musikhochschule Freiburg hasta su jubilación en 2004. En 1988 fundó con Roland Breitenfeld el K.O.Studio Freiburg, una iniciativa privada para el cultivo de música experimental. Vive desde 1996 en Freiburg. Notas de programa La Canción de la Tierra, una composición audiovisual
 (2019-2020)
 Idea y música, Mesias Maiguashca,
Video, Carlos Poete.
Técnica Audio Ambisonics, Johannes Schütt. La primera vez que escuché Das Lied von der Erde de Gustav Mahler (hace unos 30 años como estudiante en Europa), decidí componer también una Canción de La tierra, Por supuesto con un contenido sonoro diferente. Sabemos que nuestra historia, la historia americana, no comienza con el "descubrimiento" y la conquista por parte de los europeos. Sabemos bien que la superposición de la cultura europea sobre la americana la llevó al borde de su destrucción y su desaparición. La filosofía, la religión y las formas de vida europeas se convirtieron en la norma de la vida americana y en varios aspectos todavía lo son. Pero creo que existe una forma específica andina de entender el mundo. Ciertamente no puedo describirlo, y mucho menos explicarlo. ¿Podría hacerse sonar? La composición La Canción de la Tierra, para un conjunto de instrumentos andinos, un conjunto de instrumentos de viento, un coro de 6 mujeres y 6 hombres y dos grupos de "objetos sonoros" de madera y metal, diseñados por mi mismo, se estrenó en Quito en 2013. Desafortunadamente el concierto no pudo ser documentado satisfactoriamente debido a la complejidad técnica y musical de la obra. Como consecuencia, he diseñado la composición audiovisual aquí descrita como un recordatorio. No es una documentación del concierto, es una obra autónoma. La pista sonora se basa en gran medida en la grabación original del concierto. La pista de video fue diseñada por Carlos Poete, (de Argentina) y es algo así como un "ensayo visual" sobre el mundo de los Andes ecuatorianos. La versión de audio con tecnología Ambisonics fue realizada en el estudio del ICST /ZHdK (Universidad de las Artes de Zurich) por el ingeniero de sonido Johannes Schütt. La Canción de la Tierra consta de 14 canciones: 

 Canción del ser, canción del ruido cósmico, canción del hanan-pacha, 
canción de la papa, canción del agua, canción del granizo, 
canción de la brisa, canción del estar, canción del kay-pacha, 
canción de los guacamayos, canción del uku-pacha, canción del paisaje seco, 
canción de la cordillera, canción del amanecer La Canción de la Tierra es una meditación 
y un canto de homenaje y agradecimiento
a la Naturaleza, a la Madre Tierra, a la Pachamama. Previous Next