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Viernes 28 DE OCTUBRE 2022 Ir a cmmas.org < Back Ensemble SAPIACE Viernes 28 DE OCTUBRE 2022 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: East-West. [FRANCIA] Marie Ythier (Francia) 8 nov 2019 East Alireza Farhang es un compositor iraní con sede en París. Su pieza A Capellapara violonchelo y electrónica, explora todas las sonoridades de esta cultura y este idioma, La música de A capella resulta de fructíferos intercambios entre el intérprete y el compositor. Cada una de las 5 pintura de A Capella nace con un gesto en particular del vagaje cultural del compositor, con influencias desde europa del este hasta el medio oriente. Curve with plateaux, de Jonathan Harvey, es una de las piezas más famosas de la segunda mitad del siglo XX para violonchelo solista. Este compositor era violonchelista y en gran medida compositor y compositor. Basado en el mantra tibetano, subimos una montaña cada vez más alta en el registro, una elevación hasta la cima de la montaña más alta, donde el sonido del violonchelo sigue siendo el aire enrarecido, la inmovilidad del cielo, el silencio ... Este trabajo termina con un sentimiento de una procesión con tambores alejándose. Bastien David, un joven compositor francés, también está inspirado en el orientalismo en Riff, para violonchelo solista. En un universo rítmico fuerte, podemos escuchar el gamelan balinés o incluso el didgeridoo australiano. Esta pieza también fue escrita para Marie Ythier y encargada por el Festival Messiaen en el Pays de la Meije, donde la estrenó en 2017. West Isabel Urrutia (de nacionalidad espaniola) escribio para Marie Ythier en 2019 «Haziak»: para Cello Solo y Ensemble de Instrumentos de Tradicion Oral grabados. La especificidad de esta obra de corta duracion, asi como la obra «Crossroads» para Cello Solo y Ensemble de Instrumentos de tradicion oral grabados de José Luis Campana (compositor franco-argentino), es de haber sido compuestas con una nueva «paleta sonora», mezclando instrumentos de la orquesta clasica «live» con instrumentos de tradiciones populares grabados, con el fin de crear un «universo acustico nuevo» para sus propias creaciones de musica de camara y sinfonica. «Haziak» y «Crossroad» han sido dedicadas a Marie Ythier y estrenadas en la Ciudad de Saint Etienne ( France) en el mes de mayo de 2019. Marie Ythier Músico clásico, pero también comprometida en un proceso de creación con los compositores de su generación, la violonchelista Marie Ythier ya tiene en su haber cinco discos, entre ellos Une Rencontre, en torno a las obras de R. Schumann y T. Murail (Divine Art Recordings, Naxos 2019), que ha sido elogiado por la prensa internacional. Formada con Anne Gastinel, Miklos Perenyi, Philippe Muller, Gary Hoffmann y Heinrich Schiff, es invitada regularmente a escenarios de prestigio (Philharmonie de Paris, Dijon Auditorium ...) y actúa como solista en todo el mundo (Festival Kuhmo, FIMC Lima, Suona Francese Italia, Festival Messiaen en Pays de la Meije, CMMAS de Morelia, CENART de México, Luzern KKL ...). Marie Ythier trabaja regularmente con compositores como Ivo Malec, Gilbert Amy, Tristan Murail, Pierre Boulez ... y le han dedicado más de una docena de piezas escritas para ella. A menudo integra conjuntos ingleses, italianos y alemanes, y juega solista bajo la dirección de directores de renombre (P. Boulez, P. Csaba, C. Power ...). Apasionada por la transmisión del conocimiento, es profesora de violonchelo en el CRD Aulnay-sous-Bois, en el Conservatorio del distrito 15 de París, profesora visitante en el Conservatorio Nacional de Lima, e imparte clases magistrales en Francia, Asia y América. Marie Ythier, a través de sus variadas experiencias musicales, es una artista cuyo eclecticismo y mentalidad abierta se revelan en el interés particular que dedica a la nueva música. También está muy interesada en el repertorio de todos los períodos, en la música de cámara y en la solista. Ganadora de numerosos premios nacionales e internacionales (primer premio de la competencia de violonchelos Zonta Clubs, premio Mécénat Société Générale, fundación Meyer, Adami ...), Marie Ythier se graduó del CNSM de Lyon y CNSM de París, donde completó un tercer ciclo. más alto. Marie Ythier es laureada de la Fundación Salabert y la Fondation de France para el año 2015. Artista residente en Monceau Assurances en 2017, laureada de la fundación Cordes Sensibles y finalmente artista asociada de Adami desde 2018, Marie Ythier ahora es artista asociado de la Fundación Singer-Polignac desde junio de 2018 y miembro activo del Contemporary College desde 2019. Marie Ythier toca un violonchelo Bernardel Père prestado por la asociación Talents et Violoncelles desde 2019. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rupturas y encuentros. [MÉXICO] Jorge Hoyo (México) Enrique Mendoza (México) 11 oct 2019 En este programa, el timbre del saxofón se funde con el potencial de la electrónica para crear una policromía asombrosa. La búsqueda de estos compositores por encontrar un lenguaje apropiado para nuestro tiempo los lleva a cuestionar la forma en que escuchamos y pensamos la música en los albores del siglo XXI. Todas las obras en este programa son producto de una estrecha colaboración entre intérpretes y compositores. E M A C Ensamble Modular de Arte Contemporáneo Creado en 2015, el Ensamble Modular de Arte Contemporáneo (EMAC) es una agrupación que busca desarrollar un lenguaje musical apropiado para el siglo XXI. Nace a partir del interés común de sus fundadores por dar voz a las creaciones recientes, colaborando con compositores en la concepción y ejecución de obras nuevas. EMAC también se propone abordar un repertorio del siglo XX aún poco conocido por el gran público, dando a este catálogo de obras una nueva sonoridad en la voz de los saxofones. Parte esencial de su actividad se base en la estrecha relación que sus integrantes han desarrollado con creadores de disciplinas diversas para dar forma a expresiones artísticas propias de nuestro tiempo. Esta búsqueda ha dado origen a un repertorio tan ecléctico y policromo como la época que nos tocó vivir. Para este programa, EMAC está formado por Jorge Hoyo (saxofones) y Enrique Mendoza (electrónica). Jorge Hoyo, saxofones Músico interesado en la vanguardia, está siempre al acecho de un repertorio variado e innovador. En los últimos años se especializado en el repertorio contemporáneo y ha colaborado con compositores de diferentes nacionalidades para enriquecer el repertorio del saxofón. Originario de la Ciudad de México, realizó sus estudios en el Conservatorio de Boston con Ken Radnowsky y en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt (París) con Jean-Michel Goury. En 2010 obtuvo una Maestría en Educación Musical por la Universidad de Granada (España). Se ha presentado en diversos foros y festivales en los Estados Unidos, Francia, España, Bélgica, Tailandia, México y Costa Rica. Enrique Mendoza, electrónica En enero de 2014 lanzó su primer álbum de música electroacústica Below Sea Level, editado por Future Music Records (Londres). Su música ha sido interpretada en foros como el IGNM Strommusik (Viena), Blöckflute Festival (Ámsterdam), Tromp Percussion (Eindhoven), International Forum for Young Composers Sond’Ar-te Electric Ensemble (Portugal), el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez y el Festival de Música Contemporánea de Michoacán. Ha sido ganador de la Tribuna de Música Mexicana, el Concurso de Composición de Michoacán y de la Tribuna de Música de América Latina y el Caribe. Representó a México en sendas ediciones de la Tribuna Internacional de Compositores en París y Estocolmo con sus obras Los Mensajeros y La Muerte Multicolor. Es licenciado en Composición por el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM), título otorgado por The Trinity College of London. En 2010 obtuvo el título de Maestría en Composición para Cine por el Conservatorio de Ámsterdam. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: EVOÉ María! [BRASIL] Doriana Mendes (Brasil) 23 nov 2022 Doriana Mendes Singer, Actress-Dancer. PhD and Master in Music and Bachelor in Singing, she has been a singing teacher at UNIRIO (Rio de Janeiro) since 2013. She made her international debut at the Darmstadt Theater singing an opera by Jocy de Oliveira. In 2019, he premiered the multimedia opera “Helena y su ventríloquo” by Daniel Quaranta at the MUSLAB Festival (México-DF) and at the XV Festival Visiones Sonoras, in Morelia, Mexico. In 2016 he starred in the premiere of the opera Medeia by Mario Ferraro at the 1st edition of the “Bienal de Ópera Atual” (Current Opera Biennial), by FUNARTE. Soloist of Abstrai Ensemble dedicated to contemporary music and Codex Sanctissima specialized in medieval music. He performed in Germany, France, Ireland, Portugal, Chile, Bolivia, Argentina, Mexico and in all states of Brazil, on the Sonora Brasil-SESC tour (2011-2012). An expressive performer has made numerous world premieres as a guest soloist for national and international festivals, as well as operatic, musical, theater and dance casts. El concierto online EVOÉ Maria! presenta una propuesta para la creación de quatro obras electrovocales para voz solista y soporte electroacústico. El tema incluye como inspiración el conjunto de obras de la artista Maria Martins (1894-1973). En 2022 estaremos celebrando los 100 años de la Semana de Arte Moderno de 1922 —Maria tenía entonces 28 años— y, a nuestros ojos, el singular surrealismo de la artista representa una fuerza de diálogo con el modernismo brasileño inaugurado en el período.Doriana Mendes, creadora de la propuesta del concierto e intérprete, celebra, en 2022, 25 años de actuación en la música contemporánea brasileña e internacional. Los compositores invitados son creadores brasileños con amplia experiencia en música contemporánea y electrovocal: Arthur Kampela (Rio de Janeiro-New York), Guilherme Ribeiro (São Paulo-Lisboa), Neder Nassaro (Rio de Janeiro) e Ivan Simurra (São Paulo-Rio Branco). La ingeniería de grabación está a cargo del compositor Bryan Holmes (Rio de Janeiro-Santiago), especializado en música y tecnología.El artista digital Clelio de Paula hizo la intersección entre las obras inéditas, proponiendo un diálogo entre la visualidad de las esculturas de Maria Martins y la vocalidad performática de Doriana Mendes. Clelio creó 5 piezas en arte digital, de 1 minuto de duración, que hacen la provocación de la apertura del concierto e interactuán entre cada obra electrovocal hasta la coda final. El conjunto de obras de Maria Martins componen la inspiración para la creación de imágenes y posibles sonidos provenientes del cuerpo de estas esculturas, evocando el grito de las Bacantes como saludo a la contemporaneidad de la Maria modernista: ¡EVOÉ Maria! 1. MARIA! (Guilherme Ribeiro)Maria! é uma peça para voz feminina e eletrônica em suporte fixo dedicada à cantora Doriana Mendes e em homenagem à artista Maria Martins (in memoriam). Maria nasce do convite-proposta feito por Doriana Mendes para que eu compusesse uma peça tendo como referência e inspiração o trabalho e vida da artista brasileira Maria Martins (1894-1973). A peça tem em seu texto alguns trechos de dois poemas escritos por Maria Martins: “Explication I” (1946) e “Sem título” (1945?). « ainda muito tempo após minha morte, muito tempo após tua morte, eu quero te torturar, quero que meu pensamento como uma serpente de fogo se enrole no teu corpo sem te queimar, eu quero te ver perdido, asfixiado, errando nas neblinas mal-sãs tecidas por meus desejos, quero pra ti longas noites sem sono acompanhadas pelo tumtum ressoante das tempestades longínquas, invisíveis, desconhecidas, quero que a saudade da minha presença então te paralise. » Este é um dos trechos da poesia de Maria Martins utilizados nesta peça, que traz como tema e resultado o corpo. Mas não qualquer corpo, senão o corpo da mulher dos trópicos, da mulher brasileira e sua existência neste mundo machista e misógino. Neste sentido, não é a minha voz a falar, mas indubitavelmente a voz de Maria, de Maria Martins, de Doriana Mendes, e de muitas outras Marias. Maria!, por fim, se apresenta com muitas vozes, com muitas línguas, com muitas bocas: faladas, mutadas, cantadas, sussurradas, mastigadas, gritadas. 2. O IMPOSSÍVEL (Arthur Kampela)Embora ininterrupta, a obra pode ser dividida, basicamente, em 3 partes ou segmentos:1) A primeira é uma espécie de coral baseado em gravações superpostas da voz da Doriana. Aí já se inscreve um primeiro momento de reflexão e suspense onde o material é inspecionado sob o ponto de vista da harmonia e de suas conexões internas .2) A partir do minuto cinco da peça há uma intervenção rítmica de materiais contrastantes que corta este coral inicial. Faço uso primordialmente além de ruídos obtidos com a voz de Doriana, de um piano distorcido, ou seja, sons gravados em todas as partes de um piano de cauda (em suas teclas e no seu interior). Aos poucos a peça ganha muita ressonância e uma grande variedade dinâmica e rítmica, que, sinto, seria o equivalente sonoro dos "tentáculos" (cabeças) da escultura da Maria Martins – a parte monstro da escultura, mais precisamente.3) Este amálgama de ritmos e sons vocais vai paulatinamente se resolvendo, e o coral inicial retorna em meio ao turbilhão de sons deste segmento. Aos poucos, se escuta a emergência de uma melodia com caráter de modinha e francamente tonal, inicialmente obscurecida pelos ruídos e sons menos comuns que o suporte eletroacústico gera. Tal melodia ainda opaca à escuta, vai-se aos poucos afirmando em várias transposições. Finalmente, a emergência desobstruída desta melodia acontece nos últimos momentos da peça – uma espécie de "reconciliação", eu diria, com as formas mais angulares (cabeças) da escultura de Maria Martins, uma volta às origens vinda da anatomia humana do corpo da escultura. No último instante, esta melodia é abruptamente cortada por sons muito rítmicos e angulares provindos de um piano distorcido, e reminiscentes da parte anterior da composição. – Formalmente, uma espécie de micro-coda de caráter mais agressivo que sutilmente complementa a melodia tonal, enfatizando, assim, a metamorfose estrutural da escultura e da música que nela se baseou. 3. ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT (Ivan Simurra)“predamaquinação” Elaborada como uma criação musical em conjunto, ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT retrata as trocas de ideias de contextos, aparentemente, distantes e distintos: a escultura e o som; a música e o gesso, a floresta e o concreto. Contudo, é preciso discutir a desfiguração humana que é, neste contexto, o início de uma outra forma animal, vegetal ou outra. "preda, (má)quina e ação" são termos emprestados das conversas realizadas durante o processo criativo da obra: a ação predatória da máquina e da regeneração da floresta por intermédio dos sons, da interação humana com a natureza. Essa relação deve voltar a um equilíbrio que se perdeu em grande escala nos últimos quatro anos, especificamente, no Brasil. Como a floresta pode se esconder e se proteger? O que devoramos, deglutimos ou nos é socado/estocado “goela abaixo”? O soco no estômago - o vazio - o espaço da voz, do pronunciamento, do grito, da denúncia, do riso deslocado e nervoso. A proximidade da floresta. Passos. Pés que adentram o território. 4. FUNDO do POÇO (Neder Nassaro)A obra Fundo do Poço é um exercício de aproveitamento poético das potencialidades sonoras da voz humana. Sua escrita experimental, imersa numa ambientação eletroacústica de sons gravados e sintetizados, privilegia gestos livres, texturas baseadas em fluxos, e o emprego de técnicas não-convencionais de execução. Em um universo de combinações (fusão, contraste, inter-relação e interferência), Fundo do Poço permite à intérprete explorar suas capacidades criativas, gerando novas leituras e novas percepções a cada montagem. Previous Next

Viernes 28 de septiembre 2024 Ir a cmmas.org < Back Visiones Sonoras - Concierto 5 Viernes 28 de septiembre 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imaginarios Sonoros. [ARGENTINA] Diego Macias Steiner (Argentina) 1 dic 2017 Este concierto recorre los imaginarios sonoros del artista en su doble faceta de intérprete y compositor. Este concierto recorre las músicas encontradas, atesoradas, recreadas y escritas. Diego Macías Steiner es pianista, compositor, docente y editor nacido en Buenos Aires, Argentina. Es Profesor Superior de Piano, Diplomado Superior en Interpretación en Piano de Música Contemporánea y en la actualidad presenta su tesina en Composición con Nuevas Tecnologías. En Buenos Aires, dicta sus cátedras de Piano y de Repertorio para Piano Contemporáneo, y en distintos conservatorios y universidades de su país ha realizado clases abiertas, talleres y clases maestras. Además de dar conciertos en distintas salas de la Argentina, también lo hizo en ciudades europeas como Madrid, Acqui Terme, París y americanas como Lima, Toronto y Nueva York. Como compositor y editor publicó sus “VII Pequeños Estudios - a partir del lenguaje de las vanguardias del siglo XX” para piano y sus “VI Pequeños Estudios Electroacústicos - Imaginarios Sonoros” para audio y piano, libro que presenta en esta oportunidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Chelo eléctrico y electrónica. [ESTADOS UNIDOS] Jeff Zeigler (EUA) 2 jun 2017 Jeff Zeigler interpreta el concierto “Chelo Eléctrico y Electrónica” que contiene un programa de 6 obras de música electroacústica mixta, escritas por compositores Mexicanos. Estas piezas son el resultado del 2do. Taller de Composición Electroacústica que se imparte en el Núcleo Integral de Composición, (NICO). Las obras fueron compuestas especialmente para Jeff Zeigler y contaron con su asesoría. En esta edición del taller, participaron los compositores Antonio Flores Castro, David Lemus Chale, José de la Parra, Salvador Govea, Cristóbal MarYan y Juan Andrés Vergara. Todos ellos han estado bajo la tutela del Mtro. Enrique Mendoza en la composición y del Mtro. Esteban Chapela en el procesamiento de audio. A su vez, se contó con la invaluable participación de la chelista Iracema de Andrade y del compositor austriaco Matthias Kranebitter. Jeffrey Zeigler es uno de los chelistas más versátiles de nuestro tiempo. Conocido por su línea independiente, ha comisionado decenas de obras, y es admirado por ser un excelente colaborador e improvisador único. Ha brindado notables estrenos que incluyen obras de John Adams, Damon Albarn, Derek Charke, John Corigliano, Henryk Gorecki, John King, Steve Reich, Terry Riley, y John Zorn por nombrar a algunos. En el otoño del 2014 lanzó su primer álbum como solista, Something of Life. Una colaboración con Innova Records y VisionIntoArt Records; el álbum contiene estrenos mundiales de Philip Glass, Glenn Kotche, Felipe Perez Santiago, Paola Prestini, Gity Razaz y John Zorn. Zeigler ha aparecido como solista con los Angeles Philharmonic, Toronto Symphony, Royal Danish Radio Symphony, Basel Symphonie, Brooklyn Philharmonic y Hard Rubber Orchestra. Jeff Zeigler fue el chelista del reconocido ensamble internacional Kronos Quartet. Anteriormente participó como chelista del Corigliano Quartet. Previous Next

Conferencia - Día 2 < Back Rodrigo Sigal (México) and Francisco Colasanto (México/Argentina)- Producciones del CMMAS Conferencia - Día 2 Descripción | Abstract La conferencia, presentada por Francisco Colasanto y Rodrigo Sigal, se enfocará en la producción de contenidos que el CMMAS han llevado a cabo , con especial énfasis en aquellas producciones realizadas después del estallido de la pandemia. En la conferencia, Colasanto y Sigal compartirán con el público sus experiencias y desafíos al momento de producir contenido durante la pandemia, un período de tiempo en el que la industria del entretenimiento y la cultura tuvo que adaptarse a nuevas formas de trabajo y producción debido a las restricciones sanitarias, así como la variedad de productos ofrecidos por el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Introspectivo en remisión: silencios súbitos. (Virtual) [MÉXICO] Pablo Silva (México) 4 jun 2021 El quinto concierto del ciclo "Perspectivas Sonoras" presenta un concierto monográfico a cargo del compositor Pablo Silva , que lleva por título Introspectivo en remisión: silencios súbitos, que presenta obras tanto acusmáticas como audiovisuales. Pablo Silva Estudió la licenciatura en piano en la Escuela Nacional de Música, y el grado de Master of Fine Arts in Composition por el California Institute of the Arts. Desde 1993 forma parte de la planta docente de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, donde actúa como coordinador de cómputo musical de 1995 a 2000. Fundó el Laboratorio de Informática Musical y Música Electroacústica (LIMME) en el año 2000. Formó parte del comité para el desarrollo Posgrado en Música de la Facultad de Música de la UNAM, en las áreas de tecnología musical y composición. Asimismo, participó en el diseño de la Licenciatura en Música y Tecnología Artística de la ENES Morelia, UNAM. Durante los años académicos 2017-18 y 2018-19, ha formado parte del comité organizador del proyecto MUXIC, intercambio académico del Posgrado en Música de la UNAM con el instituto IREMUS de Sorbonne Universités, París, participando en la planeación académica, tutorías grupales, coordinación logística, montaje y preparación de las presentaciónes públicas de los resultados artísticos del proyecto. Formó además parte del comité organizador local del EMS Network 2019 Conference, que se llevó a cabo en la Casa del Lago de la UNAM, en junio 2019 Además de sus labores docentes, ha impartido cursos sobre música electroacústica en el Centro Nacional de las Artes (Cenart), el CMMAS y otras instituciones de México, y ha sido jurado en concursos internacionales de música electroacústica y artes digitales. Como compositor, cuenta con obras para combinaciones instrumentales tradicionales y música electroacústica, y ha realizado también música original para cine, teatro y televisión. Éstas han sido programadas en México, Brasil, Colombia, Venezuela, Argentina, Canadá y EUA. Previous Next

Dulce Huet Dulce Huet es una comunicadora especialista en música contemporánea Rafael Couto CDMX 1969. Artista visual, compositor y productor independiente de radio-arte experimental. Fundó el "Taller de gráfica El Mico", Ediciones San Antonio, los proyectos sonoros Ballet acuático, Sonido Laguna Verde, Sonido Ráfaga y Changorama. Alejandro Castaños Graduado de la maestría en composición del Conservatorio Real de la Haya, Holanda y del curso anual de composición y música por computadora del IRCAM/Centro Pompidou en París, Francia. Comenzó su carrera profesional en el Centro de Investigación y Estudios Musicales en la Ciudad de México, y en los talleres del mtro. Juan Trigos e Ignacio Baca-Lobera. Paul Rudy In 2012 I moved onto the land in NE Kansas. On these 70 acres of woods and prairie, I harmonize with the physical and metaphysical. I honor the energies and ancestors as I balance the feminine and masculine polarity. I play in mind, body, and spirit, and have built land art and a labyrinth where the non-physical becomes palpable. © Copyright CMMAS 2006 - 2021. Todos los derechos reservados.

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Tonalli R. Nakamura, Emilio Hdz. Cortés. (Virtual) [MÉXICO] Compositor: Tonalli R. Nakamura (México) Artista visual: Emilio Hdz. Cortés (México) 9 abr 2021 El ciclo de conciertos "Perspectivas Sonoras" abre la programación con un concierto a cargo del compositor Tonalli R. Nakamura y el artista visual Emilio Hdz. Cortés. concierto enfocado en generar experiencias audiovisuales, alineando estrategias de tecnología, sonido y cine, buscando siempre nuevos horizontes, ampliando la creación y desarrollo de conceptos. La electrónica se encuentra con el glitch, las imágenes generadas digitalmente y los procesos de cine, que se inspira en la ciencia ficción y la cultura del error, llevando al público a un viaje hacia un futuro incierto. Tonalli R. Nakamura Estudió la licenciatura en composición musical en la Facultad Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolas de Hidalgo. Especialista en música con nuevas tecnologías en los campos de: música acusmática, música contemporánea instrumental, Visual Music y live electronics. Ha presentado y estrenado obra en festivales alrededor del mundo, en países como España, Francia, Grecia, China, Japón, Rusia, Escocia, Irlanda, Inglaterra, Alemania, Bélgica, Canadá, Argentina, Colombia, Chile y México. Emilio Hdz. Cortés Cineasta, director de arte y artista conceptual, co-fundador de la agencia Epochcut Licenciado en Artes Visuales, orientado en nuevas tecnologías, dirección cinematográfica, animación y teoría de la imagen. Videoartista interesado en la producción e investigación de la imagen en movimiento y el cine en sus múltiples desarrollos Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Mesías Maiguashca. (Virtual) [ECUADOR] Mesías Maiguascha (Ecuador) 9 jul 2021 Mesías Maiguascha Nació el 24.12.1938 en Quito, Ecuador. Estudió en el Conservatorio de Quito, la Eastman School of Music (Rochester, N.Y.), el Instituto di Tella (Buenos Aires) y en la Musikhochschule Köln. Producciones en el estudio de Música de la WDR (Colonia), en el Centre Européen pour la Recherche Musicale (Metz), en el IRCAM (Paris), en el Acroe (Grenoble) y en el ZKM (Karlsruhe). Trabajo docente en Metz, Stuttgart, Karlsruhe, Basel, Sofía, Quito, Cuenca, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Györ y Szombathely (Hungría), Seoul (Corea). Conciertos en los principales festivales europeos. Desde 1990 Profesor de Música Electrónica en la Musikhochschule Freiburg hasta su jubilación en 2004. En 1988 fundó con Roland Breitenfeld el K.O.Studio Freiburg, una iniciativa privada para el cultivo de música experimental. Vive desde 1996 en Freiburg. Notas de programa La Canción de la Tierra, una composición audiovisual
 (2019-2020)
 Idea y música, Mesias Maiguashca,
Video, Carlos Poete.
Técnica Audio Ambisonics, Johannes Schütt. La primera vez que escuché Das Lied von der Erde de Gustav Mahler (hace unos 30 años como estudiante en Europa), decidí componer también una Canción de La tierra, Por supuesto con un contenido sonoro diferente. Sabemos que nuestra historia, la historia americana, no comienza con el "descubrimiento" y la conquista por parte de los europeos. Sabemos bien que la superposición de la cultura europea sobre la americana la llevó al borde de su destrucción y su desaparición. La filosofía, la religión y las formas de vida europeas se convirtieron en la norma de la vida americana y en varios aspectos todavía lo son. Pero creo que existe una forma específica andina de entender el mundo. Ciertamente no puedo describirlo, y mucho menos explicarlo. ¿Podría hacerse sonar? La composición La Canción de la Tierra, para un conjunto de instrumentos andinos, un conjunto de instrumentos de viento, un coro de 6 mujeres y 6 hombres y dos grupos de "objetos sonoros" de madera y metal, diseñados por mi mismo, se estrenó en Quito en 2013. Desafortunadamente el concierto no pudo ser documentado satisfactoriamente debido a la complejidad técnica y musical de la obra. Como consecuencia, he diseñado la composición audiovisual aquí descrita como un recordatorio. No es una documentación del concierto, es una obra autónoma. La pista sonora se basa en gran medida en la grabación original del concierto. La pista de video fue diseñada por Carlos Poete, (de Argentina) y es algo así como un "ensayo visual" sobre el mundo de los Andes ecuatorianos. La versión de audio con tecnología Ambisonics fue realizada en el estudio del ICST /ZHdK (Universidad de las Artes de Zurich) por el ingeniero de sonido Johannes Schütt. La Canción de la Tierra consta de 14 canciones: 

 Canción del ser, canción del ruido cósmico, canción del hanan-pacha, 
canción de la papa, canción del agua, canción del granizo, 
canción de la brisa, canción del estar, canción del kay-pacha, 
canción de los guacamayos, canción del uku-pacha, canción del paisaje seco, 
canción de la cordillera, canción del amanecer La Canción de la Tierra es una meditación 
y un canto de homenaje y agradecimiento
a la Naturaleza, a la Madre Tierra, a la Pachamama. Previous Next