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PART I: Telematic collaborations: Paulo C. Chagas / Cássia Carrascoza PART II: Songwriting Camps: EARS Student Group < Back Ir al final | go to botom EARS Showcase: Telematic Collaboration and Songwriting Camp PART I: Telematic collaborations: Paulo C. Chagas / Cássia Carrascoza PART II: Songwriting Camps: EARS Student Group PART I: I am a voice without form (2017/21) – for flute, electronics, and video Paulo C. Chagas, composition, electronics Cássia Carrascoza, flute “Remember, it is His will — I am a voice without a form.” The title of the piece quotes the great Indian spiritual leader Swami Vivekananda (1863-1902), a key figure for the introduction of Vedanta and Yoga philosophy in the Western world. The composition begins with a simple melody of large durations that evolves in a non-linear, fragmentary manner. The music proposes a path of introspection and, at the same time, the acceptance of transcendence that leads to a timeless reality. The electronic music consists on a Max patch that processes the sound of the flute on the basis of the “Schroeder Reverberators” algorithm. It adds a subtle sonic layer that transforms the perception of the melody and emphasizes the everlasting, perpetual dimension. The video was created with 3D images captured at Taljai Hills, a wildlife reserve in the heart of the city of Pune (India). The visual 3D effects transform the images of the nature into dynamic visual abstractions that plunges the performer in a mystic futuristic world. Mojave (2021) audiovisual composition for flute, electronics and 3D-video by Paulo C. Chagas and Cássia Carrascoza Mojave (2021) is a collaborative work for flute, electronics and video that unfolds an aesthetics of audiovisual immersion with telematic performance. The work was developed on the basis of 3D video and ambisonics audio recordings on the desert of Mojave (California) in January 2020. Cassia Carrascoza created a performance for this specific site physically interacting with the landscape and improvising with sounds exploring extended techniques for flute and bass flute. Paulo C. Chagas composed a score for flute and live electronics exploring algorithms of delay and feedback, which create a universe oscillating between latencies and synchronies. Different versions of the piece were created for audiovisual media and live telematic performance. Mojave is a multilayered audiovisual composition that reflects on the presence and absence as vectorial forces of creativity. The contrast between the vast desert landscape and the confined telematic environment evokes the existential feelings of eternal and transitory, the finite and the infinite, and the anxiety we current experience between isolation and the opportunity to immerse ourselves into virtual worlds. “Virtual Study #5” (2020) – for flute, bass flute, and electronics Paulo C. Chagas, composition, electronics Cássia Carrascoza, flute, improvisation Virtual Studies is a cycle of five audiovisual works to be performed by a single flutist or a group of any number of flutists. The five studies can be performed as movements of a single work, or independently as isolated pieces. Each study consists of a single melodic line to be repeated in canon that can start anywhere in the music, so that it creates synchronic and non-synchronized relationships between the melodic lines. A Max patch is provided for the electronic version of the music. It processes the sound of the flute with a digital delay and feedback algorithm that adds additional layers of polyphony. For this specific performance of the Virtual Study #5, which was accomplished in a live-telematic situation, Cássia Carrascoza pre-recorded different versions of the study that were incorporate into the Max patch. They provided a basis for Cassia’s improvisatorial rendering of the piece that creates a signature for the specific performance. In this sense, each performance of the piece is unique and idiosyncratic of the performer(s). PART II: All tracks mastered by EDGE Studios. “DUO”: This is stock footage, not owned by EARS StudentGroup. “Somewhere Sunny”: Epilepsy warning --- Paulo C. Chagas – USA/Brazil Paulo C. Chagas is Professor of Composition at the University of California, Riverside. He has written over 180 works for orchestra, chamber music, electroacoustic music, audiovisual and multimedia compositions. His works is also a prolific author. His scholarship is focused on musical semiotics, philosophy, electroacoustic and digital music. His recent books Unsayable Music (Leuven University Press, 2014) and Sounds from Within: Phenomenology and Practice (Springer, 2021). Cássia Carrascoza – Brazil Cássia Carrascoza is a virtuoso flutist and Professor in the Music Department at the Faculty of Philosophy, Sciences and Letters of Ribeirão Preto, University of São Paulo (USP). She is currently visiting scholar at the University of California, Riverside, working on a research on telematic performance under the supervision of Prof. Paulo C. Chagas. Kirsten Lambinicio – USA Kirsten Lambinicio is a BusinessAdministration at UC Riverside and is also currently the EARS Student Group co-president for the 2021-2022 academic year. She is passionate about the rise of technology as well as expressing her creativity through music and the arts, stargin formal training at the age of 2. Her singer-songwriter journey so far has even led her to be on American Idol Season 16. Brandon Babu – USA Brandon Babu is an Engineering student at UCR. He has 5 years of experience in music production and songwriting. He is also currently the EARS Student Group co-presiden tfor the 2021-2022 academic year. He is also currently a hardware-engineering intern at EDGE Sound Research and an independent contractor with EDGE Studios. Ethan Castro – USA Ethan Castro is a PhD candidate in Digital Composition at UCR. He is a prolific music producer, songwriter, engineer, and inventor. Ethan serves as founder of EDGE Original Inc. and EARS Student Group, Graduate Studio Manager of UCR’s EARS facility, and was previously the Vice President of the Riverside Philharmonic. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

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< Back Luciano Rodríguez Arredondo (Mex) - Concierto Luciano Rodríguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas consistemas complejos, la cibernética y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en México, Bélgica, Alemania, Chile y Ecuador entre otros. Es co-fundador y co-director de Cima Estudio, donde desarrolla proyectos orientados al performance en vivo y a medios interactivos. Actualmente es el coordinador del departamento de Multimedia Arte digital y Medios interactivos de la Universidad de medios audiovisuales CAAV. Previous Next

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Matias Giuliani Silvina Zicolillo Ver cursos disponibles Silvina Laura Zicolillo Profesora Superior de Música con especialidad en piano, Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires. Egresada de la Diplomatura Superior en Música Contemporánea con orientación en Composición con Nuevas Tecnologías, Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla. Ha recibido apoyo para la realización de su trabajo de el Ministerio de Cultura de la Nación (Argentina), Fondo Nacional de las Artes (Argentina), Secretaría de Cultura de la Nación (Argentina), Cancillería de la Nación Argentina, Ministerio de Cultura de la Provincia de Córdoba y Provincia de Chaco (Argentina), Fundación Mozarteum, Universidad París 8 (Francia), entre otros. Fue seleccionada junto a otros dos proyectos del Concurso de Nueva Ópera del CETC (Centro de Experimentación del Teatro Colón) e ISA (Instituto Superior de Arte Teatro Colón). Sus obras han sido realizadas en Argentina, México, Brasil, Colombia, Perú, Austria, Francia, Italia y Canadá. Desde el año 2013 se desempeña como compositora y directora artística junto al compositor Matías Giuliani del Ensamble Wonderland! El Ensamble Wonderland!, residente en el Centro de Investigaciones Artísticas (www.ciacentro.org ) realizó presentaciones, charlas y workshops en el Conservatorio Cristobal Morales de Sevilla (España) Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris (Francia), IRCAM (Centre Pompidou, París, Francia; el Museo MUMU (Córdoba, Argentina); el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC); el Centro de Investigaciones Artísticas; el Conservatorio de la Ciudad de Buenos Aires, la salas “El Aleph” & “Villa Villa” del Centro Cultural Recoleta, el Club Cultural Matienzo, Maison Argentine a Paris (Cité universitaire, París) entre otros espacios. --------- Matías Giuliani Compositor residente en Buenos Aires, realizó las licenciaturas en Composición y en Dirección Coral en la UCA, estudiando de manera particular con los compositores Jorge Rosso, Jorge Sad & Francisco Kropfl. En los últimos años, sus intereses artísticos se desplazaron hacia una zona intermedia entre la composición musical y la performance, concibiendo a los músicos no sólo como intérpretes sino como performers en escena con saberes musicales específicos. Fue fundamental la experiencia junto al Nuevo Ex Ensamble Wonderland!, grupo que actualmente co dirige junto a Silvina Zicolillo. Es profesor de composición (y coordinador entre 2017 y 2021) en la Diplomatura Superior en Música Contemporánea del Conservatorio Manuel de Falla y profesor e impulsor de la carrera de Composición con Medios Mixtos del Conservatorio Astor Piazzolla, en donde también co-dirige el proyecto MIXLAB, junto a Lautaro Vieyra. Dictó cursos, workshops y charlas en la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda), IRCAM (Centro Pompidou, Paris), Conservatorio Morales de Sevilla, Conservatorio Nacional de Música y Danza de Paris, UNIRIO (Rio de Janeiro), Universidad del Bosque (Bogotá), Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (Morelia, México), Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima, Perú) y en varios lugares de Argentina. Presentó obras en el país -Teatro Colon, sala principal y CETC, TACEC, BN, Cupula del CCK, etc- y en el exterior. Es beneficiario del Premio Municipal -vitalicio-, varias ediciones del J.C.Paz del FNA, etc. Recibió becas/invitaciones del OV-Alliance (NY), BIT20 ENSEMBLE (Noruega), Fondation Royaumont (Francia), Atlantic Center for the Arts (EEUU), Ineract 2006 (Dinamarca), Secretaría de Cultura, Mozarteum, Groupe de Recherches Musicales (Radio France,), Emb. de Francia, Cancillería, Beca Antorchas (2 años), Área de Música Contemporánea de la Sec. de Cultura de la Nación, el Fondo Nacional de las Artes, la CECH (Chile), Ibermúsicas(Arg), entre otras. Es tutor -junto a Guillermo Cacace & Lautaro Vieyra- del Laboratorio Transdisciplinario de Creación del Centro de Capacitación Artística Profesional de la Dirección General de Enseñanza Artística de la Ciudad de Buenos Aires (2020, 2021 y 2022). Participa como consultor, junto a Silvina Zicolillo, del proyecto "Residencias compositivas, discusiones contemporáneas" en el Centro de Producción e Investigación Artística (CEPIA) de la Universidad Nacional de Córdoba. (2022) Durante los últimos 20 años, organizó un centenar de charlas y workshops con compositores, intérpretes y creadores en los espacios institucionales en los que trabaja. Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imagen en movimiento en obras audiovisuales y mixtas de nuestro tiempo. Coordinadora: Gabriela Ortiz Percusionista: Diego Espinosa 16 oct 2022 Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional. Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. — Six Japanese Gardens - Interpretación por Diego Espinoza Six Japanese Gardens es una colección de impresiones de jardines que vi en Kyoto durante mi estancia en Japón en el verano de 1993 y mi reflexión del ritmo en aquel tiempo. Como el título indica, la pieza está dividida en seis partes. Cada una de ellas aborda material rítmico de una forma específica, empezando de forma simple en el primer movimiento, en donde la mayoría de la instrumentación es introducida, hacia polirritmias complejas o figuras de ostinato, o alteración rítmica y material puramente colorístico. La selección de instrumentos interpretados por el percusionista es voluntariamente reducida para dar lugar a la percepción de evoluciones rítmicas. Igualmente, los colores reducidos se extienden con la electrónica, en la cual escuchamos sonidos de la naturaleza, cantos rituales e instrumentos de percusión grabados por Shinti Ueno en Kuntachi College Music.[...] Esta obra fue realizada en colaboración con Jean-Baptiste Barrière. La pieza fue comisionada por Kuntachi College Music y escrita para Shinti Ueno Kaija Saariaho Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde vive desde 1982. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM han tenido una gran influencia en su música y sus texturas característicamente exuberantes y misteriosas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de su catálogo comprende obras de cámara, desde mediados de los noventa se ha volcado cada vez más hacia fuerzas más grandes y estructuras más amplias, como las óperas L’Amour de Loin, Adriana Mater y Emilie. Alrededor de las óperas ha habido otras obras vocales, en particular el deslumbrante Château de l'âme (1996), Oltra mar (1999), Quatre instants (2002), True Fire (2014). El oratorio La Passion de Simone, que retrata la vida y la muerte de la filósofa Simone Weil, formó parte del festival internacional de Sellars 'New Crowned Hope' en 2006/07. La versión de cámara del oratorio fue estrenada por La Chambre aux echos en el Festival Bratislava Melos Ethos en 2013. Saariaho se ha adjudicado los principales premios de composición como The Grawemeyer Award, The Wihuri Prize, The Nemmers Prize, The Sonning Prize, The Polar Music Prize. En 2018 fue galardonada con el Premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA. En 2015 fue juez del Premio de Composición Toru Takemitsu. Siempre interesada en programas educativos sólidos, Kaija Saariaho fue la mentora musical de la Iniciativa Artística Rolex Mentor and Protégé 2014-15 y residió en U.C. Departamento de Música de Berkeley en 2015. Saariaho sigue trabajando para el escenario, Only The Sound Remains, su colaboración operística más reciente con Peter Sellars, se estrenó en Ámsterdam en 2016. Ese mismo año, la Metropolitan Opera presentó su primera ópera L'Amour de Loin en su estreno en Nueva York en una nueva producción de Robert Le Page. El Park Avenue Armory y la Filarmónica de Nueva York presentaron una celebración de su música orquestal con acompañamiento visual. En febrero de 2017, París cobró vida con su trabajo cuando fue compositora destacada del Festival Presences de Radio France. Su nueva ópera, Innocence, se estrenará en julio de 2021 en el Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence. Percusionista: Diego Espinosa Cruz Multi-percusionista/artista sonoro dedicado a la expansión de los límites entre la práctica performática de la percusión y otras disciplinas artísticas a través de la exploración del sonido. Espinosa a tocado en 41 países en los cinco continentes colaborando con músicos como Patti Smith, Pierre Boulez, John Zorn, Steve Reich, Philp Glass, John Luther Adams, Kajia Saariaho, Keith Rowe, David Toop, Matmos, Tarek Atoui, y con artistas como Cecilia Vicuña, Alejandro González Iñarritu, Abraham Cruzvillegas, Francis Alÿs, Carlos Amorales, Tania Candiani, Rirkrit Tiravanija, Maotik, Julia Carrillo, Eduardo Terrazas y Adán Paredes. Fue solista en el Royal Albert Hall (Londres) con la Orquesta Nacional de Gales en los BBC PROMS. Ha tocado en escenarios como Tate Modern, Ópera de Berlín, Concertgebouw y Muziekgebouw (Amsterdam), Melbourne Recital Center, Georges Pompidou (París), Sala Nezahualcóyotl y Bellas Artes (CdMx), Phillharmonie (Colonia), China National Theater (Pekín), Art Basel Miami y The Kitchen (NY). Ha recibido premios internacionales en Japón, Holanda, Luxemburgo, Alemania, Estados Unidos y Canadá como el Performance Grand Prize- Tokyo Experimental Festival Vol. 8 (2014) y 2o lugar en uno de los concursos más importantes de música contemporánea: The International Gaudeamus Interpreters Competition (Amsterdam, 2009). Espinosa fue miembro de varios ensambles neerlandeses como Slagwerk Den Haag (Grupo de Percusiones de La Haya), Amsterdam Percussion Group e Insomnio Ensemble. Ha tocado con muchos ensembles como Asko/Schönberg, Nieuw Ensemble, Ives Ensemble, Contrechamps, De Doelen Ensemble y Sinergy Vocals. Obtuvo su doctorado en McGill (Canadá) y una maestría en el Conservatorio Real de La Haya (Países Bajos) gracias a becas como Estudios en el Extranjero (FONCA) y Graduate Excellence Fellowship (McGill University) respectivamente. Ha grabado CDs y DVDs para más de 16 disqueras en Europa y Norteamérica como Mode Records, Tzadik, Cantalloupe, y Col legno. En 2020 estrenó dos discos grabados en NY, uno con Patti Smith/Anoushka Shankar y otro con el cellista Erik Friedlander. Ha sido docente invitado y tocado un par de veces como solista en Columbia University (NY). Fue profesor en la UNAM-Morelia. Actualmente es solista internacional, profesor en la Universidad Anahuac y en la Academia de Arte Florencia. Toca regularmente con Insomnio Ensemble (Holanda). Es miembro del trio Erik Friedlander/Eva Mendoza/Diego Espinosa y Liminar Ensemble. Este año estrenó su quinteto de percusión La Serpiente de los Días por encargo de Carlos Amorales, la galería Kurimanzutto y el Museo Kaluz. Será solista con la Orquesta Sinfónica Nacional en la inauguración del Foro Música Nueva Manuel Enríquez en el Palacio de Bellas Artes estrenando en México For a Change de Per Nørgård. El 22 de octubre, tocará con Patti Smith en el Centre George Pompidou. — blanconegroblanco Autor: Fernando García García. México BlancoNegroBlanco es un video de animación generativa que se vale de múltiples loops de animación que responden a gesto del trazo sobre una tableta digital. Fernando García García (1972) Artista multidisciplinar que utiliza el dibujo, la fotografía, el video, la animación y la instalación interactiva como sus principales medios. Es licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara y Maestro en Artes por la Universidad de Guanajuato. Actualmente se desempeña como académico en el área de Arte y Nuevas Tecnologías de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Fue becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán en 1995 y 2007. En 2008 y 2009 fue Coordinador de Curaduría de la Galería de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Su obra ha sido expuesta en Canadá, Cuba, Costa Rica, EE UU, Italia, Polonia, República Checa y México. — Homeomorphism Phi_0 Autor: Edmar Soria. México. Electroacoustic Techno + 3D Procedural Modelling Un homeomorfismo también llamado transformación continua, es una relación de equivalencia y correspondencia uno a uno entre puntos en dos figuras geométricas o espacios topológicos que es continua en ambas direcciones. Un homeomorfismo que también preserva las distancias se llama isometría. Las transformaciones afines son otro tipo de interpretación común para el homeomorfismo. Una interpretación común del homeomorfismo es una propiedad topológica de las figuras geométricas que puede transformarse en otra mediante una deformación elástica. En este sentido, este trabajo es una exploración de las posibilidades de deformación elástica (desde una perspectiva metafórica topológica) del sonido en geometrías procesuales visuales, es decir, una propuesta estética del sonido traducido en geometrías y su integración como hiperpartitura para una posterior improvisación guiada. Edmar Soria (Abril 1983) Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica / live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. — Donde la luz se quiebra Autor: Kissel Bravo. México. Animación experimental, donde la narrativa se fragmenta y se compone en diversos momentos, buscando espacios de tensión entre las formas y el sonido, generando ambientes caóticos y choques de fuerzas. Un trabajo que bajo una mirada abstracta intenta conectar con estados afectivos, libres de interpretación, donde entidades artificiales se convierten en organismo en constante evolución. Kissel Bravo Hernández Vive y trabaja en Morelia, Michoacán, México. Su trabajo se enfoca en el uso constante de la tecnología electrónica y digital, así como otros medios alternativos; valiéndose de la posproducción como eje fundamental en su práctica artística. Como característica general de su obra se puede identificar sistemas rizomáticos y deconstructivos, con los cuales establece conceptos y formas que reflexionan sobre el significado de los medios, los procesos de producción y los lenguajes del arte. Su obra se ha presentado en México, España, Perú, Chile, Canadá y Cuba; fue seleccionado para la Trienal Internacional de Tijuana, 2021, al igual que la Bienal FEMSA, 2020. Obtuvo el Segundo lugar en el V Concurso Internacional de Poesía Experimental Francisco Pino 2018, en Valladolid España, también Mención Honorífica en: V Salón y Coloquio Internacional de Arte Digital, Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, La Habana Cuba, 2005. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán, México. — Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Soundeconstruction - Ensamble Modelo62 17 may 2014 20h. Concierto Soundeconstruction - Ensamble Modelo62 Lugar - Auditorio Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Descripción: Soundeconstruction es un programa que explora la frontera entre los instrumentos musicales y los objetos rudimentarios. Ya sea por medio de la utilización de instrumentos convencionales como objetos o a través del uso de objetos como instrumentos musicales, el programa se conforma de obras en donde coinciden ingenio, exploración sonora y técnica instrumental, a la vez cuestionando ideas pre-formuladas sobre la naturaleza de los instrumentos tradicionales, su identidad y su música. Previous Next

Video clips oficiales del último álbum "Panacea" (producido y grabado a distancia durante la cuarentena por la pandemia del Covid 19) alternados con una sesión de música grabada en vivo < Back Ir al final | go to botom Panacea - Rabeat Video clips oficiales del último álbum "Panacea" (producido y grabado a distancia durante la cuarentena por la pandemia del Covid 19) alternados con una sesión de música grabada en vivo Alvaro Arce (Bolivia) Estudio en la escuela de música Simeón Roncal en Sucre. Músico, productor y compositor que inicia su carrera musical de manera profesional en 1993. Hasta la fecha fue miembro de varias agrupaciones importantes de rock, funk, hip hop y música fusión de Bolivia con las cuales edito numerosas placas discograficas. En el año 2003 inicia el proyecto de música electrónica y experimental Ra Beat con el cual edita 6 álbumes hasta la fecha. En el año 2015 profundizó sus estudios de síntesis sonora en el estudio La Siesta del Fauno en Buenos Aires. Oscar Kellemberger (Bolivia) Inició sus estudios en teclado de manera autodidacta el año 1990, formando parte de varias agrupaciones musicales del medio. Comienza sus estudios académicos en composición y dirección el año 2000, en la Carrera de Música de la Universidad Loyola, en la ciudad de La Paz. Durante éste periodo participa de varios eventos musicales estudiantiles como compositor, director e intérprete con distintos ensambles. El año 2004 inicia su carrera de docente universitario en la misma Universidad, actividad que continúa hasta la actualidad. Creador de numerosas piezas; ha desarrollado un repertorio propio con obras para los medios más diversos como la música coral, la electrónica, el multimedia, la música orquestal y otros no convencionales. Interpreta varios instrumentos, especializándose en los teclados y el uso de herramientas digitales. Dedicado a la investigación; su actividad académica, se centra en el estudio de las diferentes posibilidades que brindan las tecnologías actuales aplicadas a la creación musical. Ha trabajado como analista, transcriptor de archivos sonoros y técnico. Docente universitario de piano, teoría, composición y audio. Actualmente trabaja en el campo de la sonoterapia. Paco Aguilar (Bolivia) Estudió en el conservatorio nacional de música desde el año 1995 hasta el año 1999 egresado de la licenciatura de música a sus 19 años. Posteriormente estudio ingeniería de sonido y producción musical en la universidad Vicente Pérez Rosales de Santiago de Chile hasta el año 2005. En su Retorno a Bolivia participó como guitarrista en varias bandas entre ellas buscando a gozalvez krause y Rabbit banda con la que hasta el día de hoy sigue vigente. Paralelamente tienen actividad permanente como productor musical y compositor para música en audiovisuales así como producción multimedia y dirección artística. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar 'Seth & Gene’s Excellent Electroacoustic Adventure'Crossing the borders with Electroacoustic Music, Poetry, & Film. USA, Costa Rica, Mexico(co presented by Composers Concordance) Seth Boustead, Gene Pritsker, Robert C. Ford, Rodrigo Grillo Grillasca, Imelda O’Reilly, Marvin Camacho, Carlos Castro, Rodrigo Sigal, Octavio Maya, Salem Krieger 28 mar 2025 Composers Gene Pritsker and Seth Boustead will perform a duo concert featuring special guests, poet Robert C. Ford and composer/pianist Rodrigo Grillo Grillasca. The program will showcase newly written electroacoustic music combined with poetry and film, performed five times in five different cities. The event will launch on March 8th in New York City at the Westbeth Artist Complex. The group will then travel to San José, Costa Rica, performing on March 20th at the University of Costa Rica and on March 22nd in Turrialba, Costa Rica. Next, they will head to Mexico City for a performance on March 27th, followed by a presentation on March 28th in Morelia, Mexico at CMMAS (Mexican Center for Music and the Sound Arts). Most of the music is scored for electric guitar, piano, and electronics, with poetry by Robert C. Ford and Imelda O’Reilly. Also on the program are three films—two by Octavio Maya and one by Salem Krieger. The composers on the program are Seth Boustead, Gene Pritsker, Marvin Camacho, Carlos Castro, Rodrigo Grillo Grillasca, and Rodrigo Sigal. Programa: -Digital Debussy (Gene Protsker) -Zebra Life (Seth Boustead, poema de Imelda O'Reilly, película de Octavio Maya (Zebra Life) -Reverberant Margin (Rodrigo Sigal) -Awakening Your Inner Schizo (Gene Pritsker, poema de Robert C. Ford) -The Heart of the World (Seth Boustead, película de Guy Madden) -Poema y Ritual Chamánicos #2 (Marvin Camacho, poema de Walt Whitman) -I Like Memories (Gene Pritsker película de Salem Krieger) -Alchemy of the Useless Science (Seth Boustead) -A nation's soul began to slide A rant against Trump (Carlos Castro, pelïcula de Carlos Castro) -See what Happens (Rodrigo Grillo Grillasco) -Like a Dream (Gene Pritsker, poema de Robert C. Ford, película de Octavio Maya (Like the Dream of Laura)) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tiempo presente [COLOMBIA] Interprete: Beatriz Elena Martínez (Colombia). Compositores: Simon Emmerson (Reino Unido), Rodolfo Acosta (Colombia), Juan Camilo Vásquez (Colombia) 5 dic 2014 Programa: Time past IV (1984) - Simon Emmerson - (Reino Unido, 1950) Loas, Luciano Berio in memoriam (2003) - Rodolfo Acosta (Colombia, 1970) para voz, soporte fijo y electrónica en vivo En el alba (2009) - Juan Camilo Vásquez (Colombia, 1983) para voz, soporte fijo y electrónica en vivo Beatriz Elena Martínez Viniendo de una formación tradicional como cantante lírica, y especialmente inclinada hacia la música de cámara, se ha dedicado a explorar las posibilidades técnicas y estéticas de la voz en el repertorio contemporáneo; este proceso ha sido permanentemente alimentado por los retos que sus alumnos comparten con ella y por los compositores con quienes trabaja, como Rodolfo Acosta, (Colombia), Adina Izarra (Venezuela) y Graciela Paraskevaídis (Argetina – Uruguay), entre otros. Sus profesores: Maria Olga Piñeros (Colombia), Jane Manning (Inglaterra) y Sylvia Nopper (Alemania – Suiza). Sus estudios: “Maestra en música – Cantante”, Pontificia Universidad Javeriana de Colombia, 2000; “Especialización en técnica y repertorio vocal contemporáneo”, Londres 2002, Suiza 2006. Desde 1996 ha ofrecido recitales en varias ciudades de Latinoamérica y Europa, ha estrenado más de 50 obras, colombianas en su mayoría, muchas de las cuales han sido escritas para ella, y ha participado en varios proyectos de improvisación, y en la grabación de varios discos de música nueva, en formatos de cámara y como solista. Ha sido solista invitada de la Orquesta Sinfónica de Colombia y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, ha representado a Colombia en diversos festivales internacionales de música contemporánea como el de Venezuela y el de Ecuador, y ha actuado en ciclos de conciertos como los del Núcleo Música Nueva Montevideo NMNM (Uruguay), el Centro de Estudios Avanzados de Música Contemporánea CEAMC (Argentina), el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá FIMCB (Colombia), el festival Voces de Lausana (Suiza). Ha participado en proyectos artísticos interdisciplinares, y su formación en danza contemporánea y uso del cuerpo le ha permitido trabajar con coreógrafos y bailarines como Meghan Flanigan y Sofía Mejía, así como también ser fundadora del Laboratorio de investigación “sonido y movimiento” del Centro de Creación e Investigación en Artes Escénicas Ambimental, junto a Adriana Caro y Juliana Rodríguez. Como docente invitada ha colaborado con la Universidad de Cuenca (Ecuador) y la Universidad Nacional del Litoral (Santa Fe, Argentina), El Ministerio de Cultura de Colombia y la Fundación Danza Común (Bogotá, Colombia). Durante sus 13 años de experiencia docente universitaria ha formado parte de los equipos de diseño curricular de la Universidad Javeriana de Colombia y la Universidad Distrital de Bogotá. Actualmente es integrante del Ensamble CG y de VOC 2, y directora del Énfasis de Canto en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital de Bogotá. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tributo a Latinoamérica [MÉXICO / ARGENTINA] Compositores: Daniel Quaranta, Rodrigo Sigal, Hirám Zagoya Flautista: Eduardo Muñoz (México) 21 may 2015 PROGRAMA - Conspirando - Daniel Quaranta (Argentina) Electroacústica - MATE - Daniel Quaranta (Argentina) Electroacústica -Preferiria não Fazé-lo - Daniel Quaranta (Argentina) Electroacústica Quando Ar (2015) - Daniel Quaranta (Argentina) Flauta sola Oxionensis IV (2011) - Hirám Zagoya (México) Flauta y Electrónica fija Wing of wind (2009) - Rodrigo Sigal (México) Flauta y Electrónica fija Eduardo Muñoz Sánchez (Flautista) Inició sus estudios musicales en el Conservatorio de Música de la Ciudad de Puebla. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, teniendo como maestros de flauta transversa a María Diez-Canedo, Horacio Puchet y Alejandro Escuer. Ha tomado cursos y clases magistrales con, Robert Dick, Vincent Touzet, Patrice Boquillon, el Trio d´Argent e Ian Pace. Así como cursos especiales para compositores con Arditti String Quarttet, José Luis castillo, Joan la Barbara, Julio Estrada, Manuel Rocha, Magnus Anderson y Stefano Scodanibbio. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla, del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico de Puebla, del Instituto Mexicano de la Juventud y del FONCA en diversas ocasiones. Se ha presentado en el Festival Internacional de la Ciudad de Puebla, las Jornadas Alarconianas en Taxco - Guerrero, el VI Festival Internacional de Música Contemporánea en la ciudad de Morelia, en diversas ediciones del Foro Internacional de Música Nueva ¨Manuel Enríquez¨ y del Festival de Música Contemporánea "Discantus" de la ciudad de Puebla. Daniel Quaranta Es graduado en Licenciatura en Composición en la Universidad Federal del Estado de Río de Janeiro (2004), Licenciado en Musicoterapia - Universidad del Salvador (1991), Master of Music Master de la Universidad Federal de Río de Janeiro (2002) y Doctor en Música de la UNIRIO. Actualmente trabaja en la enseñanza UFJF Composición, Teoría y Creación. Participa en dos programas de posgrado como profesor permanente: UFJF - PPG Arte, cultura y el idioma y el PPGM la Universidad Federal de Paraná. En 2009 creó la Eimas - Encuentro Internacional de Música y Arte Sonoro en UFJF. 
Tiene experiencia en el área de las Artes, con un énfasis en la música, que actúa sobre los siguientes temas: análisis de la música, composición, teoría de la música y multimedia. Previous Next

< Back Tonalli R. Nakamura (Mex) - Concierto Spce.Crft Live performance - Spce.crft es el primer material discográfico de Tonalli R. Nakamura. Este álbum conceptual con una estética SciFi cuenta una narrativa mezclando influencias del synthwave, el glitch, hasta la música electrónica generativa, junto con texturas cinematográficas e instrumentales. Previous Next

University of Arizona Fred Fox School of Music Electronic Music Studio presents multimedia works by UA composition faculty Dr. Yuanyuan (Kay) He and her students. For the past years they have been working on various audio editing techniques and also developing and exploring the use of visual art with electronic music. This concert is a showcase of the result of their hard work at the UA Electronic Music Studio. < Back Ir al final | go to botom University of Arizona - EMS University of Arizona Fred Fox School of Music Electronic Music Studio presents multimedia works by UA composition faculty Dr. Yuanyuan (Kay) He and her students. For the past years they have been working on various audio editing techniques and also developing and exploring the use of visual art with electronic music. This concert is a showcase of the result of their hard work at the UA Electronic Music Studio. L'appel du Vide - Zachary White “L’appel du vide” (“the call of the void”) is a work for drum kit and tape that illustrates the “untraditional” influences that one may possess behind a drum kit in a “traditional” jazz setting. Throughout the piece, the player finds themselves in a quasi-improvisatory setting that both dictates precisely what the player must perform and allows for free improvisation (the void). In these moments of free improvisation, the player must decide whether to succumb to their personal influences as drum kit players or to be informed by the [quasi] “traditional” jazz accompaniment presented throughout the piece (the call). Although there is no “correct” choice to be made in the improvisatory moments throughout the piece, the colorfully dictated narration of the player’s “instructor” (as represented by a sampled speech given by Buddy Rich that was directed at his band) is present to inform the performer in their improvisatory choice making. Throughout the piece, “l’appel” (the call) that the performer is faced with is further represented by the electronic manipulation of the “traditional” jazz accompaniment. In the context of this piece, the “traditional jazz” aspects of this accompaniment reside in its stylistic and harmonic language as well as the timbre of the grand piano. As much as the notation suggests that the performer makes personally informed/ improvisatory decisions, the accompanying track employs the player to evolve as the grand piano evolves throughout the piece via timbral synthesis (with synthesizers), spatial manipulation (via dynamic, delay, and reverb processing) and frequency equalization. dream – Tess Wagner for audiovisual dream is my first audiovisual composition, completed under the guidance of Dr. He during my pursuit of a Masters degree in Landscape Architecture at the University of Arizona. In this piece, I explored simple animation by manipulating and distorting over 30 layers of a digitally painted ocean scene I created in Photoshop. The piece was created during the Coronavirus pandemic and explores the properties of water and fire in a nebulous and saturated dreamscape. Working in this invented digital dream-space became a necessary escape for me during the chaotic isolation of life during the pandemic. On the Arch of a Monochrome Rainbow - Yuanyuan (Kay) He for clarinet and electronics Clarinetist: Jackie Glazier *Location Courtesy of the Pima Air & Space Museum, Tucson, AZ On the Arch of a Monochrome Rainbow for clarinet and cello was inspired by Nancy Rubins' sculpture "Monochrome," which is displayed on the UT Austin campus. "Monochrome" stands nearly 50 feet high and stretches across 24th Street. It comprises around 75 Kayaks, canoes, and small boats, arranged together to form a giant silver tree, and has become a significant landmark in Austin, TX. "Monochrome" develops a sense of mass and scale that is accompanied with true grace. Balance becomes the main theme of the sculpture. There are many extended techniques I use for clarinet solo, such as large scale glissando, bending tone, multiphonic techniques, etc. These create a very interesting sound palette, which become the source of the electronic sound. Sometimes it’s gentle and beautiful, sometimes it’s odd and harsh, sometimes it’s aggressive and overwhelming, sometimes it’s colorful and joyful, just like nature. How do we keep the balance in the world to continue to live along with nature? How do we enjoy the different shades of nature, and be part of it? It is just like dancing on the arch of a monochrome rainbow. It’s overwhelming and also joyful. Baba Yaga – Jacob Ransom for fixed media and video Baba Yaga is an exploration of live processing, sample-based music, and processed electroacoustic drumset performance. The character Baba Yaga (often referred to as “Bony-Legged") is a witch and common antagonist in Slavic folklore. The piece features a recitation of a Baba Yaga folk tale, from Politicizing Magic: an Anthology of Russian and Soviet Fairy Tales, in both the English and Russian languages. The tale intertwines and juxtaposes language and rhythm. The electronics of Baba Yaga contain many short samples played on a drum sampler pad, a series of fixed-media sections, and live audio processing for the drumset. The sampled material is constructed from both audio and MIDI instruments. The instrumentation of Baba Yaga includes a bass drum, snare drum, hi-hat, two cymbals, and a Roland SPD-SX (or similar) sampling pad. The piece uses a symbolic notation where each written note corresponds to a rhythmic drumset cell. The cell is notated in standard drumset notation in the instructions for the piece, while the melody for the SPD-SX sampler instrument uses a treble staff where each note corresponds to a pad on the sampler. Many electroacoustic pieces use triggers to advance large sections of a composition. In contrast, Baba Yagasounds like the performer is playing a sampler musically, as if it is part of the drumset, with melodies and rhythms unfolding organically. The music and the words fold together seamlessly and at times incoherently, many languages in music and speech all happening at the same time. The sound samples are short one-shot samples; the music sounds stylistically like someone using an old AKAI sampler, pressing buttons to arrange beats. There is a chord that corresponds to each MIDI-mapped pad that in turn corresponds to a rhythmic pattern on the drumset. Do you have comments or questions to the artist? 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