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This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. < Back Concierto meditativo de poesía sonora “Habitar la Huella del Silencio”. - Romel Hervez [Venezuela] Semblanza Rommel Hervez (Romel Herrera). Anaco, Venezuela 1971 Es escultor, artista sonoro, docente, ensayista, curador y director de Qaliticum_lcs. Realizó estudios de dibujo y pintura en la escuela de Artes Cristobal Rojas de Caracas, se licenció en Artes Plásticas Mención Escultura y maestría en arte contemporáneo en el IUESAPAR, también cursó estudios de filosofía (USB) y teología espiritual (UCAB), así como talleres de creación literaria (CELARG). Desde 2013 es profesor ordinario en la Universidad de las Artes de Caracas, en las áreas de Escultura y Arte Sonoro. Ha presentado su trabajo de investigación: exposiciones, conciertos, conferencias y publicaciones principalmente en México (CMMAS, Universidad del Claustro, Museo Exteresa, Museo de Hacienda y Universidad del Claustro de Sor Juana) y en Venezuela (Museo de Bellas Artes, Galería de Arte Nacional, Museo de Arte Contemporáneo, Museo Alejandro Otero y Centro de Artes los Galpones), así como en Costa Rica, Argentina, Uruguay, España, Alemania, Estados Unidos y Colombia. Ha complementado su investigación trabajo con la producción de eventos, la museografia, la curaduría de exposiciones, conciertos y festivales internacionales. Su Investigación está centrada en entender el sonido como una materia entre disciplinas: visual, sonora, literaria y reflexiva a través de la creación de una lengua artística, el Qalítico. Concierto meditativo de poesía sonora “Habitar la Huella del Silencio” Sinopsis: Esta propuesta de concierto explora, a través de la voz, los significados simbólicos de conceptos como ruido/silencio; tiempo/eternidad; ser/no-ser. Narra formalmente –y a través de una lengua artificial, el Qalítico– un tránsito que construye atmósferas de sonidos ininteligibles que esculpen en el espacio soplos que rozan con una musicalidad plástica. Conceptualmente describe, en cinco movimiento, un recorrido de las vicisitudes de un ser que ha sido rescatado de la ciudad del Ruido. Se construyen imágenes a partir una narración mítica-ficcional, aborda, el tránsito del ser humano hacia su mundo interior, a partir de la configuración de personajes que surgen de un diálogo interno/externo, significa enfrentar sus inquietudes hacia una trascendencia espiritual. Un llamado; recuperar la voz interior ante el ruidoso poder. Concepto: Distinguir la voz propia del ruido invasor, eco de voces perdidas, demoníacas, que reverberan en la memoria durante un tiempo, no sin antes producir tormentos y desgarros. Cuando estas se disipan, emprendido, el viaje interior, emerge el canto que redime. La voz, en su tender hacia el Silencio, ha pasado por el grito, se ha ordenado sonido y se intuye extensión del inextricable Silencio. El grito histérico ha pretendido condenar la voz, ha creado leyes para impedir la división de las lenguas, las que no se entienden, las que no figuran ni en censo ni en consenso, las que dialogan con el misterio. Esa voz ha emergido de una escucha que atendió un llamado interior. El qalítico, en su complejidad sonora (plástica-consonántica, sobre-tonos, guturaciones, silbidos…), ha servido para reflexionar sobre los límites que enfrenta el ser humano en un mundo vertiginosamente cambiante. La voz significa persona y ningun ruido debe cubrirla. Estructura conceptual del Concierto (45’) 1. 1er. Movimiento, Er no se distingue del ruido. (Monólogo del poseido). 2. 2do. Movimiento, Er distingue el ruido en él. (Diálogo de enfrentamiento). 3. 3er. Movimiento, Er reconoce su voz, una voz externa lo guía. (Diálogo reflexivo). 4. 4to. Movimiento, Er diáloga con su silencio interior. (Monólogo del liberado). 5. 5to. Movimiento, su huella se expande hacia el Silencio. (Canto de Comunión). Ficha artística Dirección, texto y concepto: Rommel Hervez Producción: Carla Cordero Voces Jhonny Rivas (Ruido-Er) José Ángel Arvelaiz (Viento) Rommel Hervez (Er 1) Indira Monzón (Er 2) Sainma Rada (Er 3) Coro: Clarimar Arguinzones Misael Carpio Aaron Parra Narradora de intros: Citlalli Godoy Videoarte Rodolfo Graziano Ficha técnica Producción Qaliticum_lcs Oz Producciones Centro de Arte los Galpones Dirección escénica Citlalli Godoy Dirección de Arte y máscaras Indira Monzón Vestuario Clarimar Arguinzones Fotografía Iván Amaya Registro audiovisual Camilo Paparoni Diseño de flayer Dayana Díaz Colaboradoras: Adriana Herz Alicia Cole Danahe Palacios Verónica Aponte Teresa Cabello Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Pierre Jodlowski. [FRANCIA] Pierre Jodlowski (Francia) 21 oct 2017 La entrada será por la parte posterior de la Casa de la Cultura (por la calle Benito Juárez). La grève (1924) Película de Sergei Eisenstein Musicalizada en vivo por Pierre Jodlowski Espectáculo multidisciplinario, cine-concierto electroacústico en vivo, en que el músico Pierre Jodlowski retoma La huelga, filmación que en 1924 hiciera el cineasta ruso Sergei Eisenstein, para recrear un movimiento obrero en la Rusia pre-revolucionaria y poner en práctica sus teorías sobre el montaje, que a la postre cambiarían la historia del cine en el mundo. La huelga, sin sonido sincrónico, ha abierto posibilidades a investigadores y músicos para generar elementos acústicos que puedan acompañar las potentes imágenes. Tal es el caso de la propuesta sonora creada por Pierre Jodlowski por encargo de la Cinemateca de Toulouse, presentada en el Festival Internacional de Cine de Morelia, gracias a la vinculación con el Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez y el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Esta propuesta actualiza y refresca este clásico del cine ruso, convirtiéndolo en toda una experiencia rodeada de elementos acústicos que acompañan las impactantes imágenes de la película. Al terminar, habrá una sesión de preguntas y respuestas Previous Next

Miércoles 25 de septiembre 2024 Ir a cmmas.org < Back Visiones Sonoras - Concierto 2 Miércoles 25 de septiembre 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Presentación de obras para violín. [MÉXICO] Abel A. Romero (México) 25 may 2019 Seminario de composición impartido por el artista Abel Romero a estudiantes de la Licenciatura en Música y Tecnología Artística. Lectura y análisis de partituras. Creación de un orgánico de violín de obra a partir del orgánico propuesto. Ensayos sobre la base de la creación de la pieza de cada estudiante. Amplificación para conciertos en vivo y procesamiento en tiempo real. Sesión 1. 28 y 29 de marzo. Fecha y lugar: 28 marzo – CMMAS – 10hrs. 29 de marzo: por confirmar. Introducción a la performance del violín, sus características acústicas y de notación. Se presentará a los alumnos del curso el set de violín de percusión, explorando las características físicas y acústicas, así como las formas de notación posibles. También se mostrarán la variedad de técnicas de ejecución tradicionales y extendidas. Sesión 2. 25 y 26 de abril Fecha y lugar: 25 abril – CMMAS - 10hrs. 26 de abril: por confirmar. Se trabajarán los primeros ejemplos musicales de cada alumno para resolver problemas técnicos y musicales, así como de notación, que permita a los participantes continuar con el trabajo de composición. Sesión 3. 22, 23 y 24 de mayo Fecha y lugar: 22 mayo – ENES - 10hrs. 23 de mayo – CMMAS - 10hrs. 24 mayo por confirmar. Se revisarán los cambios hechos como resultado de la sesión anterior y se harán las últimas correcciones a las partituras finales antes de presentarlas en concierto. Las obras seleccionadas por los maestros serán ejecutadas en concierto Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto/Conferencia: Proyectos Integrados. [MÉXICO] Universidad Montrer (México) Director academico de la ingienería de Audio y Producción Musical: David Lovato Expositores: José Carlos, López Fraga, Diego de la Cruz, Francisco David García Mulato 16 mar 2017 La ingeniería de Audio y Producción Musical de la Universidad Montrer invita a la presentación del "Proyecto Integrador" que tiene por objetivo la producción de 5 temas musicales como apoyo a bandas externas. En este proyecto, los alumnos aplican todos los conocimientos adquiridos a lo largo de su carrera al servicio de un cliente externo. Se presentan los procesos de producción en cada una de las obras realizadas, así como los resultados obtenidos. Previous Next

El objeto de estudio consiste en la vinculación de las trayectorias en el espacio de las curvas notables con conceptos arquitectónicos y texturales. Se consideran las curvas hipotrocoide y epitrocoide a partir de las posibilidades que brinda el espirógrafo, por las relaciones de analogía que propician la referencialidad de diseños de la arquitectura para la conformación de texturas. La espacialidad del sonido se planteará a partir del enfoque analítico propuesto por Gary Kendall. Esta investigación aborda una pequeña parte de las posibilidades que brinda la espacialización de las trayectorias de hipotrocoides y epitrocoides, para la composición de obras electroacústicas. < Back Ir al final | go to botom Dimensión espacial a partir de hipotrocoides y epitrocoides - Sandra Elizabeth González (Argentina) El objeto de estudio consiste en la vinculación de las trayectorias en el espacio de las curvas notables con conceptos arquitectónicos y texturales. Se consideran las curvas hipotrocoide y epitrocoide a partir de las posibilidades que brinda el espirógrafo, por las relaciones de analogía que propician la referencialidad de diseños de la arquitectura para la conformación de texturas. La espacialidad del sonido se planteará a partir del enfoque analítico propuesto por Gary Kendall. Esta investigación aborda una pequeña parte de las posibilidades que brinda la espacialización de las trayectorias de hipotrocoides y epitrocoides, para la composición de obras electroacústicas. Sandra Elizabeth González. Compositora argentina, egresada del Conservatorio Superior de Música ‘Manuel de Falla’. Licenciada en Composición con Medios Electroacústicos por la Universidad Nacional de Quilmes. Es docente, a través de concursos por antecedentes y oposición, en el Conservatorio ‘Alberto Ginastera’, Conservatorio Superior de Música ‘Manuel de Falla’, Conservatorio Superior de Música ‘Ástor Piazzolla’ y en la Pontificia Universidad Católica Argentina. Ha compuesto obras para instrumentos solos, ensambles, orquesta, coro de cámara, obras electroacústicas y medios mixtos. Sus obras han sido seleccionadas para participar en los siguientes Festivales internacionales: 41 st International Computer Music Conference (EE.UU.), L’Acusmonium AUDIOR ( Italia), New York City Electroacoustic Music Festival (EE.UU.), MUSLAB (México, Inglaterra y Francia), Delian Academy for New Music (Grecia), 43rd ICMC (Corea del Sur), Mixtur (España) y ACMC (Australia), entre otros. Es Directora Artística del Festival Internacional de Música Contemporánea Atemporánea (Argentina). ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Concierto | Concert Regresar Concierto | Concert Concordia University: New Music and Media Arts @ Mexico - Field School 2022 Artistas: Concordia University: New Music and Media Arts @ Mexico - Field School 2022 El concierto “Concordia University: New Music and Media Arts @ Mexico - Field School 2022” incluye las obras realizadas por los 13 estudiantes que viajaron desde Canadá para participar del programa intensivo de verano -con el mismo nombre- realizado en el CMMAS. Los participantes de este Field School son estudiantes de Concordia University y de la UQAM, ambas universidades con sede en Montreal. El programa fue dirigido por el prof. Ricardo Dal Farra, de quien también se incluye una breve composición en el programa. Creadores: Ricardo Dal Farra [ Argentina / Canadá ] - Profesor de música y artes electrónicas en Concordia University, Canadá. Director-Fundador del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas - CEIARTE, Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), Argentina. Director de la serie de simposios internacionales Balance-Unbalance (BunB) sobre arte-ciencia y crisis ambiental, y Understanding Visual Music (UVM). Ha sido director del Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies de Canadá; coordinador del Área Comunicación Multimedial del Ministerio de Educación de Argentina; investigador del Music, Technology and Innovation Research Centre de De Montfort University en Inglaterra; coordinador de la alianza internacional DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; consultor senior del Centro de Arte y Nuevos Medios Amauta de Cusco, Perú; e investigador de la UNESCO, Francia, para su proyecto Digi-Arts. Co-diseñó la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF, y la Tecnicatura en Producción Musical de la Escuela Técnica ORT, en Argentina. Creador de la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana hospedada por la Fundación Daniel Langlois de Canadá. Miembro del consejo editorial de Leonardo (MIT Press), Organised Sound (Cambridge Press), y Artnodes (UOC); y del consejo directivo de ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Doctor en estudio y práctica de las artes. Compositor y artista, especializado en acciones transdisciplinarias con ciencia y tecnologías emergentes. Michael Zajner was born in Windsor Ontario in 1994 and attended the University of Windsor, receiving a B.A. in philosophy in 2016 and is currently enrolled in a B.F.A. for electroacoustics at Concordia University, Montreal. His over 10-years of audio experience ranges from collaborative E.P.s and albums in the duo STRICKLAND (2011-present), as well as being one of the founding members, performers, and curators for Windsor’s LavaHause (2015-2016). Michael Zajner made his first radio debut in 2014, being released under the label Museum of Skin, and has since put out many singles and albums, such as Time Bandit and the Psychonaut (2019) and STRICKLAND (2022). He has been active in Montreal’s arts-scene since 2016, helping to curate shows on CKUT radio. In 2018, he composed his first electronic film score for the experimental, feature-length film Planet Sarajevo by Tyler Tesolin. As of 2020, Michael Zajner’s art has expanded into the realm of interdisciplinary research/creation, and auditory experimentation in electroacoustics, generative compositions, audio/visual instillations, instillations based on acoustic ecology, sound design, and film scores. Currently he is working on a series of soundtracks for theater, one for a play written and directed by Aidan Coutteau's Benioni (2022) and his own multichannel comosition Theater for Madmen Only (2022). Clifton Glaves Graduated from electricacoustic sound studies. Soundscape artist currently living in Montréal. Thiên-Thi Nguyen (they/them, b. 2000 Montreal, QC) is a Vietnamese Canadian pianist-composer and interdisciplinary artist based in Tiohtiá:ke/Montreal, QC. Their work investigates relationships of identity, displacement, and childhood nostalgia, published on e-zines Sticky Rice Magazine, OverAchiever Magazine, and exhibited at Montreal's Art Center and Museum. Following their studies in classical piano and jazz guitar, they are pursuing a BA in Intermedia, Film, and Sound at Concordia University. In their free time, Thiên-Thi bikes, curates playlists, and reads as much as they can. They hope to travel the world and become a polyglot in the future. Manuel Falardeau is a canadian artist specialized in music production, DJing, motion design, VJing and digital art production in general. He was born in july 1999, pursued science studies in CEGEP at the same time as being a short track speed skater on the international circuit, he then got to UQAM’s university in interactive media to earn his B.A. Manuel Falardeau has now performed as a DJ in some of the biggest venues of Montreal such as the La tulipe, the Belmont, the Bain mathieu and many others. He likes to work with audio reactive visuals and generative art in general to make a groovy and intense experience. Sofia Lopez-Asselin is a multi-disciplinary artist from Montreal, Quebec who studied creative writing and scenography. She works on different project and explores themes such as identity and feminism. Dimitri Delphin is an multimedia artist from France, now a graduate student in research-creation in Montreal. He aims to explore universal questions through singular experiences, to activate new reflections. Ines Moulines is a Dj and producer from Morocco. Currently living in Montreal, she attends the Electroacoustic program in Concordia University to deepen her knowledge and creative process. She performs in different events throughout the world Brianna Kormendy - Ramirez is a multidisciplinary artist from Windsor, Ontario. She lives in Montreal where she’s currently majoring in Design at Concordia University. She aims to draw upon her lived experiences to inspire her diverse creative pursuits. Chama Amri Toudrhi is a Moroccan-Canadian multidisciplinary artist based in Montreal. She is a programmer specialized in sound. Her main interests in the field are video game sound design and film sound processing. She was able to work on various interactive projects and develop her knowledge in VR and sound creation. She is also a visual artist with a very developed creative sense that allows her to bring a lot of ideas in her projects and merge art and programming. Kelly Guervil is a Canadian aspiring sound designer and programmer based in Montreal with a love for music composition. She draws influence from both the video game and cinema industry when creating in her bachelor's degree. She also has worked on diverse projects such as interactive installations, VR environments and soundtracks for visual arts as well as videos games. Julien Dajez is a French designer and artist. Inspired by zoosemiotics, interpolation and chronophotography, he made Biozoo (1995), one of the first award-winning short films made with After Affects. From 1998 to 2000, The U-Man, Saograd and Matagram trilogy (2000) attempts to establish an aesthetic based on the instability of the human body's systems of representation. Since 2002, Les Ondes Grises have been the object of a process of proliferation and a creation flow of transalation around the media work. This project is currently the subject of research-creation in experimental media at UQAM (Montreal). Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

Conferencia | Lecture Regresar Conferencia | Lecture Sigal, Derbez y Álvarez: reflexiones sobre la música mixta Gonzalo Macías (México) Partiendo de un trabajo de investigación realizado en 2007 (una tesis de doctorado), abordaré la composición de la música mixta, centrándome especialmente en tres piezas del repertorio mexicano (y en los modos de relación que se pueden deducir de su escucha). Así, trataré de establecer algunos conceptos útiles para acercarse a la construcción sonora que implica la música mixta, a partir de la siguiente pregunta: ¿se pueden nombrar y comprender las relaciones que se crean entre las distintas fuentes sonoras, es decir, voz, instrumentos y los sonidos electroacústicos? Gonzalo Macías Nace en 1958 en Huamantla, Tlaxcala. Estudia piano con Isaías Noriega de la Vega en el Conservatorio de Puebla y con Jorge Suárez en la Escuela Nacional de Música, donde comienza sus estudios de composición con Federico Ibarra. En 1988, como becario del gobierno francés estudia composición con Sergio Ortega, análisis con Betsy Jolas, orquestación con Gérard Grisey y música electroacústica con Michel Zbar. En 1992 recibe la Medalla Mozart del Instituto Cultural Domecq de la Ciudad de México. Su música se ha publicado en Ediciones Mexicanas de Música y se ha estrenado en diversos festivales, como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez o el Festival Internacional Cervantino. Igualmente, ha participado en la composición de música para teatro, colaborando con directores como David Olguín, Jorge Vargas, Ludwig Margules y Javier Malpica. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Artes en cuatro periodos, (2001-2006; 2011-2013; 2015-2017 y 2020-2023). Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Matias Giuliani Silvina Zicolillo Ver cursos disponibles Silvina Laura Zicolillo Profesora Superior de Música con especialidad en piano, Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires. Egresada de la Diplomatura Superior en Música Contemporánea con orientación en Composición con Nuevas Tecnologías, Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla. Ha recibido apoyo para la realización de su trabajo de el Ministerio de Cultura de la Nación (Argentina), Fondo Nacional de las Artes (Argentina), Secretaría de Cultura de la Nación (Argentina), Cancillería de la Nación Argentina, Ministerio de Cultura de la Provincia de Córdoba y Provincia de Chaco (Argentina), Fundación Mozarteum, Universidad París 8 (Francia), entre otros. Fue seleccionada junto a otros dos proyectos del Concurso de Nueva Ópera del CETC (Centro de Experimentación del Teatro Colón) e ISA (Instituto Superior de Arte Teatro Colón). Sus obras han sido realizadas en Argentina, México, Brasil, Colombia, Perú, Austria, Francia, Italia y Canadá. Desde el año 2013 se desempeña como compositora y directora artística junto al compositor Matías Giuliani del Ensamble Wonderland! El Ensamble Wonderland!, residente en el Centro de Investigaciones Artísticas (www.ciacentro.org ) realizó presentaciones, charlas y workshops en el Conservatorio Cristobal Morales de Sevilla (España) Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris (Francia), IRCAM (Centre Pompidou, París, Francia; el Museo MUMU (Córdoba, Argentina); el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC); el Centro de Investigaciones Artísticas; el Conservatorio de la Ciudad de Buenos Aires, la salas “El Aleph” & “Villa Villa” del Centro Cultural Recoleta, el Club Cultural Matienzo, Maison Argentine a Paris (Cité universitaire, París) entre otros espacios. --------- Matías Giuliani Compositor residente en Buenos Aires, realizó las licenciaturas en Composición y en Dirección Coral en la UCA, estudiando de manera particular con los compositores Jorge Rosso, Jorge Sad & Francisco Kropfl. En los últimos años, sus intereses artísticos se desplazaron hacia una zona intermedia entre la composición musical y la performance, concibiendo a los músicos no sólo como intérpretes sino como performers en escena con saberes musicales específicos. Fue fundamental la experiencia junto al Nuevo Ex Ensamble Wonderland!, grupo que actualmente co dirige junto a Silvina Zicolillo. Es profesor de composición (y coordinador entre 2017 y 2021) en la Diplomatura Superior en Música Contemporánea del Conservatorio Manuel de Falla y profesor e impulsor de la carrera de Composición con Medios Mixtos del Conservatorio Astor Piazzolla, en donde también co-dirige el proyecto MIXLAB, junto a Lautaro Vieyra. Dictó cursos, workshops y charlas en la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda), IRCAM (Centro Pompidou, Paris), Conservatorio Morales de Sevilla, Conservatorio Nacional de Música y Danza de Paris, UNIRIO (Rio de Janeiro), Universidad del Bosque (Bogotá), Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (Morelia, México), Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima, Perú) y en varios lugares de Argentina. Presentó obras en el país -Teatro Colon, sala principal y CETC, TACEC, BN, Cupula del CCK, etc- y en el exterior. Es beneficiario del Premio Municipal -vitalicio-, varias ediciones del J.C.Paz del FNA, etc. Recibió becas/invitaciones del OV-Alliance (NY), BIT20 ENSEMBLE (Noruega), Fondation Royaumont (Francia), Atlantic Center for the Arts (EEUU), Ineract 2006 (Dinamarca), Secretaría de Cultura, Mozarteum, Groupe de Recherches Musicales (Radio France,), Emb. de Francia, Cancillería, Beca Antorchas (2 años), Área de Música Contemporánea de la Sec. de Cultura de la Nación, el Fondo Nacional de las Artes, la CECH (Chile), Ibermúsicas(Arg), entre otras. Es tutor -junto a Guillermo Cacace & Lautaro Vieyra- del Laboratorio Transdisciplinario de Creación del Centro de Capacitación Artística Profesional de la Dirección General de Enseñanza Artística de la Ciudad de Buenos Aires (2020, 2021 y 2022). Participa como consultor, junto a Silvina Zicolillo, del proyecto "Residencias compositivas, discusiones contemporáneas" en el Centro de Producción e Investigación Artística (CEPIA) de la Universidad Nacional de Córdoba. (2022) Durante los últimos 20 años, organizó un centenar de charlas y workshops con compositores, intérpretes y creadores en los espacios institucionales en los que trabaja. Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

En este curso comenzaremos viendo cómo comunicar a Max con Live a través de datos MIDI y cómo tomar la información MIDI desde un Clip de Live y transformarla a través de diferentes procesos. A continuación, veremos como controlar el entorno Live desde Max y por lo tanto desde cualquier dispositivo externo. Crearemos un instrumento virtual sencillo que implemente envolventes dinámicas y cambios tímbricos. Por último, veremos una introducción al procesamiento de audio digital. Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Introducción a Max for Live Descripción del curso MaxforLive es una herramienta que une dos software esenciales para la creación musical y multimedia: Ableton Live y Cycling74 Max. A través de MaxforLive es posible contar con una estación de trabajo digital que incorpora todas las posibilidades de creación y programación de interfaces propias. En este curso comenzaremos viendo cómo comunicar a Max con Live a través de datos MIDI y cómo tomar la información MIDI desde un Clip de Live y transformarla a través de diferentes procesos. A continuación, veremos como controlar el entorno Live desde Max y por lo tanto desde cualquier dispositivo externo. Crearemos un instrumento virtual sencillo que implemente envolventes dinámicas y cambios tímbricos. Por último, veremos una introducción al procesamiento de audio digital. Hemos creado el contenido de este curso teniendo en mente a la alumna/o que quiere introducirse en este mundo de MaxforLive pero que no cuenta con muchos conocimientos previos sobre audio digital y MIDI. En próximos cursos iremos agregando temas y ejemplos para así profundizar en varios aspectos importantes de la creación multimedia con tecnología. Nivel I Plan de estudio: Capítulo 1. La plataforma MaxforLive Sesión 1: ¿Cómo comenzamos? Sesión 2: El entorno Max. Sesión 3: Objetos gráficos de usuario. Sesión 4: Primeros objetos. Sesión 5: Objetos generadores de números. Capítulo 2. Max y MIDI Sesión 1: Introducción a MIDI. Sesión 2: MIDI dentro de MaxforLive. Sesión 3: Dos ejemplos. Capítulo 3: Patch MIDI de ejemplo Sesión 1: Delay MIDI (parte I) Sesión 2: Delay MIDI (parte II) Capítulo 4. Max y Live Sesión 1: Comunicación entre Max y Live Sesión 2: Live Object Model (LOM) Sesión 3: Patch de ejemplo I Sesión 4: Patch de ejemplo II Capítulo 5. Efectos de audio e instrumentos Sesión1: Audio digital, comunicación entre Max y Live Sesión 2: Procesamiento de audio Sesión 3: Envolvente rítmica Sesión 4: Instrumento virtual simple. Nivel II Plan de estudio: Capítulo 1. Sintetizador polifónico / Polyphonic synthesizer Sesión 1: Polifonía Sesión 2: Control de voces dentro de poly~ Sesión 3: ADSR dentro de poly~ Sesión 4: VCF Sesión 5: Trabajando con table~ Sesión 6: Finalización del patch y automatización Capítulo 2. Sintetizador FM / FM synthesizer Sesión 1: Presentación del patch e introducción a la síntesis por FM Sesión 2: Algoritmos FM y control MIDI Sesión 3: Implementación polifónica y ADSR Sesión 4: Envolventes para cada índice de modulación Sesión 5: Finalización del patch Capítulo 3. Multiefecto Sesión 1: Introducción. Creación del reverberador Sesión 2: Creación del módulo delay Sesión 3: Creación del wha wha Sesión 4: Creación del ring modulator. Sesión 5: Implementación de la interfaz gráfica Capítulo 4. Vocoder Sesión 1: Introducción. Teoría del Vocoder Sesión 2: Creación del analizador de entrada Sesión 3: Creación del analizador del sintetizador Sesión 4: Uso del crosspatch y creación de la interfaz de usuario Capítulo 5. Objetos Multi Channel (MC) / Multi Channel (MC) Objects Sesión 1: Introducción a los objetos MC Sesión 2: Mensajes de control para los objetos MC Sesión 3: Control MIDI Sesión 4: Control multicanal e interfaz de usuario Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Copyright © 2021 CMMAS Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos

Regresar Atotal Concierto audiovisual / Live AV La obra de arte total, cuando se lleva a su paroxismo de coincidencia absoluta de las percepciones de un espectador, se asemeja a las técnicas de manipulación mental de los regímenes totalitarios, procediendo a la aniquilación del espíritu crítico, al machaque semántico repetitivo, a los mensajes subliminales. “ATOTAL” A/V Live es un concierto audiovisual que pretende reconstruir para deconstruir mejor los procesos de imposición de la voluntad por la repetición y el sincronismo absoluto, para proponer una brecha hacia una descoincidencia potencialmente vital. FRANCK VIGROUX Artista proteiforme, Franck Vigroux se desenvuelve en un universo donde se cruzan música, teatro, danza y video. Performer, compositor y director de teatro, su trabajo abarca múltiples prácticas, desde el concierto hasta el Gesamtkunstwerk (obra de arte total). Luego de un largo recorrido por los escenarios musicales llamados experimentales, su música se desarrolla, tanto en una corriente exclusivamente electrónica, impulsada y concebida para espectáculos en vivo, como en largas composiciones abstractas electroacústicas. La época del 2010 fue marcada por su colaboración con Mika Vaino (Pan Sonic). En la misma época empezó a poner su música en escena y fundó su propia compañía para crear formas de platós multidisciplinarios. Colaboró con músicos como Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper Toeplitz, Marc Ducret, Joey Baron, Bruno Chevillon, Zeena Parkins, y ensambles como Ars Nova. Después de una larga experiencia en guitarra eléctrica, Franck Vigroux se dedica poco a poco a instrumentos propios de las músicas electrónicas en vivo y a la composición, ya sea para ensambles instrumentales, piezas electroacústicas, o la radio a través de numerosas colaboraciones con el Groupe de Recherches Musicales-GRM y Radio France). Realiza además “álbumes conceptos” entre relato y música. Al colaborar con escritores, dramaturgos, poetas, videastas – entre ellos Laurent Gaudé, Philippe Malone, Michel Simonot, Kenji Siratori, Alexis Forestier, Antoine Schmitt y Kurt d’Haeseleer – Franck Vigroux se sitúa en un cruce de disciplinas. En 2015 fundó el ensamble instrumental “eléctrico”, Ire, con el compositor Kasper Toeplit. Formado por cinco músicos, el ensamble interpreta obras nuevas (Cat Hope, Phil Niblock, Ulrich Krieger, etc.) y realiza presentaciones en vivo de piezas electroacústicas grabadas (Xenakis, Zanesi, Dumitrescu etc.). Los discos de Franck Vigroux fueron editados por numerosos sellos discográficos franceses e internacionales: Radio France, Signature, Dac Records, Leaf, Cosmo Rhythmatic, Matière Mémoire, Jezgro, Aesthetical, y Raster Media. ANTOINE SCHMITT Artista plástico, vive y trabaja en París, Francia. Antoine Schmitt crea obras en forma de objetos, en forma de instalaciones y de situaciones para negociar procesos del movimiento e interrogar las problemáticas intrínsecas, de naturaleza plástica, filosófica o social. Heredero del arte cinético y cibernética, alimentado ciencia ficción metafísica, interroga incansablemente las interacciones dinámicas entre naturaleza humana y naturaleza de la realidad. Al principio ingeniero programador en relaciones hombre-máquina y en inteligencia artificial, coloca ahora el programa, el material artístico contemporáneo y único por su calidad activa, en el corazón de sus creaciones para revelar y literalmente manipular las fuerzas que intervienen. Con una estética precisa y mínima, plantea la cuestión del movimiento, de sus causas y de sus formas. Antoine Schmitt se propuso, sólo o a través de colaboraciones, articular este enfoque a campos artísticos más establecidos como el baile, la música, el cine, la arquitectura o la literatura. Su trabajo recibió varios premios en festivales internacionales. Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

Regresar Gabriel Vigliensoni Vigliensoni is a Montréal-based electronic music artist and performer exploring workflow as experimentation within contemporary music. As a music researcher and long-career artist, he is well-versed in both state-of-the-art and experimental music production techniques, analog and digital machinery for music-making, as well as the many underground and avant-garde subcultures surrounding house and techno. He holds a Ph.D. in Music Technology from McGill University and is currently a postdoctoral research fellow in the Department of Computing at Goldsmiths University of London and a visiting researcher at University of the Arts London’s Creative Computing Institute, where he is investigating the creative capabilities and affordances of the machine learning paradigm for assisting musical composition. Clastic Music In Clastic Music, his latest record, vigliensoni plays with the geological idea of the clast, where new forms are created out of pre-existing fragments. Improvising through a custom-built instrument driven by machine learning, vigliensoni uses musical fragments to deliver intricate and skittery beats, while building leftfield and energetic soundscapes. Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.