CHON (Coupled Harmonic Oscillator Network) is a new interactive software tool for composing musical gestures based in Newtonian physics. Composers often employ dozens of independent LFOs to control various parameters in a DAW or synthesizer. By coupling numerous control signals together using physical principles, CHON represents an innovation on the traditional LFO model of musical control. Unlike independent LFOs, CHON's signals push and pull on each other, creating a tangible causality in the resulting gestures. < Back Ir al final | go to botom CHON: A Physics-Based LFO Array - Rodney DuPlessis (EUA) CHON (Coupled Harmonic Oscillator Network) is a new interactive software tool for composing musical gestures based in Newtonian physics. Composers often employ dozens of independent LFOs to control various parameters in a DAW or synthesizer. By coupling numerous control signals together using physical principles, CHON represents an innovation on the traditional LFO model of musical control. Unlike independent LFOs, CHON's signals push and pull on each other, creating a tangible causality in the resulting gestures. As a composer and researcher, Rodney DuPlessis primarily explores intersections of science and music. He is interested in creating powerful sonic experiences grounded in scientific models of physics, chemistry, biology, thermodynamics, and meta-science. DuPlessis' music has been performed internationally and recognized by prizes such as the Musica Nova International Competition (Finalist), Destellos International Competition 2020 (honorable mention), the Corwin Award for Excellence in Composition (1st prize - Percussion, 1st prize - Solo, 2nd prize - Electroacoustic), and the 2020 SEAMUS/ASCAP award (finalist). He has collaborated with new music luminaries such as Los Angeles Percussion Quartet, Formalist Quartet, Hocket, Henrique Portovedo, and Scott Worthington. DuPlessis is also dedicated to promoting the presentation of new music and art. He has directed and produced multiple festivals and concerts, and he currently serves as co-creative director of the Nomadic Soundsters art collective. As a programmer, DuPlessis has created innovative software tools for composition and worked to preserve and reincarnate preexisting software. In 2020, Duplessis, Curtis Roads, and Jack Kilgore released EmissionControl2, an interactive real-time application for granular synthesis. He is currently developing software to sonify a quantum harmonic oscillator. DuPlessis' teachers have included Curtis Roads, Clarence Barlow, João Pedro Oliveira, and Martin Kutnowski. He holds a BA in Music and Psychology, a Masters of Arts in Composition, and a Masters of Science in Media Arts & Technology. He is currently finishing a PhD in Composition at UC Santa Barbara. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Sexores. (Virtual) [ECUADOR] Sexores (Ecuador) 4 may 2022 Desde su concepción en 2010, Sexores se convirtió en una de las formaciones más estables del circuito latinoamericano. Bordeando el dreampop y la experimentación, construyeron un sonido sofisticado a través de programación, sintetizadores análogos y paredes de guitarras que conducen por el caos melódico del shoegaze y las oscuras texturas del darkwave. Con 'Salamanca', su quinto trabajo dentro de una prolífica discografía aplaudida por la crítica internacional especializada, la banda siguió recorriendo festivales y salas de conciertos de todo el mundo. Dentro de sus 11 años de carrera Sexores visitó Alemania, Austria, Francia, España, Rusia, Estados Unidos, Chile, Bolivia, Ecuador, México y Perú, cosechando una sólida y creciente base de seguidores. En la actualidad, la banda se encuentra en un receso indefinido. Muestra audiovisual de la obra musical de Sexores, banda ecuatoriana. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensamble VI (MyTA) [México] Christian Negrete (México) Mónica Flores (México) Emanuel Medina (México) Felipe Ulibarri (México) Ignacio Rojas (México) Christian Wolff (México) 29 may 2024 El concierto está compuesto por siete piezas para instrumentos acústicos y electrónica generada por medio de la plataforma SuperCollider. Cinco de las piezas son ensambles pequeños, de dos o tres personas. Otra de las obras consiste en una dinámica colectiva de improvisación en la que se emplean instrumentos tanto acústicos como sintetizadores (instrumentos virtuales y un sintetizador analógico). Por último, será ejecutada una obra del compositor estadounidense Christian Wolff, que también es de carácter improvisatorio. El eje central del concierto es el concepto de interactividad, ya sea que esté presente en los medios de expresión (relación instrumento-electrónica) o en las propias acciones de los ejecutantes. Programa: - Allura Spa - Christian Negrete - Crème - Mónica Flores - Consecuentes - Emanuel Medina - Discurso al grano - Felipe Ulibarri - Cauces - Ignacio Rojas - For 1, 2 or People - Christian Wolff - Improvisación Colectiva Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Presentación del CD “Irradiaciones”. [ARGENTINA] Federico Valdez (Argentina) 9 mar 2018 Esta producción fonográfica es una especie de antología de la música electroacústica del compositor, donde se presentan algunas obras destacadas de esta área de su quehacer musical en los últimos 10 años. Se incluye material inédito y una obra nueva. Se trata de piezas elaboradas desde diferentes aproximaciones a la creación sonora y musical que confluyen en esta producción fonográfica, entre las que se encuentran obras basadas en la voz, en instrumentos acústicos ancestrales y no convencionales, obras que tienen que ver con el arte sonoro y obras acusmáticas realizadas en entorno digital. Las piezas engloban un importante segmento de una trayectoria musical y composicional diversa. El concierto consistirá en la presentación de música instrumental, electroacústica y mixta a cargo del compositor, con intervenciones de artes escénicas y poesía sonora; y con la participación especial de la coreógrafa y bailarina Talía Falconi. Federico Valdez* Su trabajo abarca música, arte sonoro, artes escénicas y el abordaje interdisciplinario en creación, interpretación, improvisación, investigación y pedagogía. Crea música vocal/instrumental, electroacústica y mixta, presentada en diversos foros a nivel internacional. Participa como compositor, intérprete e improvisador en conciertos de música contemporánea y experimental. Realiza espectáculos de música, poesía sonora y video en formato solista, así como conciertos improvisados en piano. Crea música original para artes escénicas y audiovisuales y participa como intérprete en obras de danza, teatro y en propuestas interdisciplinarias. Ha realizado residencias de creación y ofrecido ponencias, participaciones académicas, conferencias y conciertos en diferentes instituciones de América Latina. Su formación incluye estudios de piano, guitarra, dirección, artes combinadas, arquitectura, sonido y medios audiovisuales. Obtuvo la Licenciatura en Composición en la Universidad Nacional de La Plata, Argentina -en donde también fue docente durante varios años- y la Maestría en Música en la Universidad Nacional Autónoma de México. Previous Next

Viernes 5 de septiembre 2025 Ir a cmmas.org < Back Concierto PreVisiones: INEX.MATERIA- Datum Cut. [Canadá] Viernes 5 de septiembre 2025 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

PART I: Telematic collaborations: Paulo C. Chagas / Cássia Carrascoza PART II: Songwriting Camps: EARS Student Group < Back Ir al final | go to botom EARS Showcase: Telematic Collaboration and Songwriting Camp PART I: Telematic collaborations: Paulo C. Chagas / Cássia Carrascoza PART II: Songwriting Camps: EARS Student Group PART I: I am a voice without form (2017/21) – for flute, electronics, and video Paulo C. Chagas, composition, electronics Cássia Carrascoza, flute “Remember, it is His will — I am a voice without a form.” The title of the piece quotes the great Indian spiritual leader Swami Vivekananda (1863-1902), a key figure for the introduction of Vedanta and Yoga philosophy in the Western world. The composition begins with a simple melody of large durations that evolves in a non-linear, fragmentary manner. The music proposes a path of introspection and, at the same time, the acceptance of transcendence that leads to a timeless reality. The electronic music consists on a Max patch that processes the sound of the flute on the basis of the “Schroeder Reverberators” algorithm. It adds a subtle sonic layer that transforms the perception of the melody and emphasizes the everlasting, perpetual dimension. The video was created with 3D images captured at Taljai Hills, a wildlife reserve in the heart of the city of Pune (India). The visual 3D effects transform the images of the nature into dynamic visual abstractions that plunges the performer in a mystic futuristic world. Mojave (2021) audiovisual composition for flute, electronics and 3D-video by Paulo C. Chagas and Cássia Carrascoza Mojave (2021) is a collaborative work for flute, electronics and video that unfolds an aesthetics of audiovisual immersion with telematic performance. The work was developed on the basis of 3D video and ambisonics audio recordings on the desert of Mojave (California) in January 2020. Cassia Carrascoza created a performance for this specific site physically interacting with the landscape and improvising with sounds exploring extended techniques for flute and bass flute. Paulo C. Chagas composed a score for flute and live electronics exploring algorithms of delay and feedback, which create a universe oscillating between latencies and synchronies. Different versions of the piece were created for audiovisual media and live telematic performance. Mojave is a multilayered audiovisual composition that reflects on the presence and absence as vectorial forces of creativity. The contrast between the vast desert landscape and the confined telematic environment evokes the existential feelings of eternal and transitory, the finite and the infinite, and the anxiety we current experience between isolation and the opportunity to immerse ourselves into virtual worlds. “Virtual Study #5” (2020) – for flute, bass flute, and electronics Paulo C. Chagas, composition, electronics Cássia Carrascoza, flute, improvisation Virtual Studies is a cycle of five audiovisual works to be performed by a single flutist or a group of any number of flutists. The five studies can be performed as movements of a single work, or independently as isolated pieces. Each study consists of a single melodic line to be repeated in canon that can start anywhere in the music, so that it creates synchronic and non-synchronized relationships between the melodic lines. A Max patch is provided for the electronic version of the music. It processes the sound of the flute with a digital delay and feedback algorithm that adds additional layers of polyphony. For this specific performance of the Virtual Study #5, which was accomplished in a live-telematic situation, Cássia Carrascoza pre-recorded different versions of the study that were incorporate into the Max patch. They provided a basis for Cassia’s improvisatorial rendering of the piece that creates a signature for the specific performance. In this sense, each performance of the piece is unique and idiosyncratic of the performer(s). PART II: All tracks mastered by EDGE Studios. “DUO”: This is stock footage, not owned by EARS StudentGroup. “Somewhere Sunny”: Epilepsy warning --- Paulo C. Chagas – USA/Brazil Paulo C. Chagas is Professor of Composition at the University of California, Riverside. He has written over 180 works for orchestra, chamber music, electroacoustic music, audiovisual and multimedia compositions. His works is also a prolific author. His scholarship is focused on musical semiotics, philosophy, electroacoustic and digital music. His recent books Unsayable Music (Leuven University Press, 2014) and Sounds from Within: Phenomenology and Practice (Springer, 2021). Cássia Carrascoza – Brazil Cássia Carrascoza is a virtuoso flutist and Professor in the Music Department at the Faculty of Philosophy, Sciences and Letters of Ribeirão Preto, University of São Paulo (USP). She is currently visiting scholar at the University of California, Riverside, working on a research on telematic performance under the supervision of Prof. Paulo C. Chagas. Kirsten Lambinicio – USA Kirsten Lambinicio is a BusinessAdministration at UC Riverside and is also currently the EARS Student Group co-president for the 2021-2022 academic year. She is passionate about the rise of technology as well as expressing her creativity through music and the arts, stargin formal training at the age of 2. Her singer-songwriter journey so far has even led her to be on American Idol Season 16. Brandon Babu – USA Brandon Babu is an Engineering student at UCR. He has 5 years of experience in music production and songwriting. He is also currently the EARS Student Group co-presiden tfor the 2021-2022 academic year. He is also currently a hardware-engineering intern at EDGE Sound Research and an independent contractor with EDGE Studios. Ethan Castro – USA Ethan Castro is a PhD candidate in Digital Composition at UCR. He is a prolific music producer, songwriter, engineer, and inventor. Ethan serves as founder of EDGE Original Inc. and EARS Student Group, Graduate Studio Manager of UCR’s EARS facility, and was previously the Vice President of the Riverside Philharmonic. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

We present a series of works from Music Technology undergraduate, Masters and research students at De Montfort University, ranging from live performance videos to audiovisual compositions to dance performances. For more information, visit www.dmu.ac.uk/jukebox < Back Ir al final | go to botom JUKEBOX: recent audio-visual works from Music Technology, De Montfort University We present a series of works from Music Technology undergraduate, Masters and research students at De Montfort University, ranging from live performance videos to audiovisual compositions to dance performances. For more information, visit www.dmu.ac.uk/jukebox Sebastiano Gualtieri, cvd (2021) 3’30 Phoebe Scoutari, Kallirroi Vratti & Leona McDonough-Smith, The Maids (2021) 5’50 Samuel Thomas, Grown in the Corner (2020) 2’57 Mick Ryan, Lauren Harvey & Imogen Cavell-Wells, KINTSUGI 金継ぎ (2021) 8’00 Wil Morrison, Performance (2020) 9’35 Sebastiano Gualtieri, cvd (2021) This work continues Sebastiano’s compositional research surrounding the balancing of images and sounds in generative audio-visual art. Phoebe Scoutari, Kallirroi Vratti & Leona McDonough-Smith, The Maids (2021) “When slaves love one another, it’s not love” —Jean Genet This performance is an attempt to capture the abominable essence of Jean Genet’s play The Maids. It depicts the erotic sadomasochistic ritual game-playing between two maids, who fantasize about killing their mistress, whom it is their only role to serve. When she is absent, they get tangled into their own physical and psychological abusive role-playing game, leading progressively into the loss of their separate identities and their blending into one. Choreographer: Kallirroi Vratti Composer: Phoebe Scoutari 
Performers: Leona McDonough-Smith, Kallirroi Vratti Samuel Thomas, Grown in the Corner (2020) Pieced together by the human brain, we perceive a cohesive audio-visual world despite the flaws of the human eye and ear. Grown in the Corner embraces one such flaw. The lack of acuity in the periphery of vision is extended across the visual field and reflected in the sound. Mick Ryan, Lauren Harvey & Imogen Cavell-Wells, KINTSUGI 金継ぎ (2021) This piece explores the Japanese art form Kintsugi and depicts the deconstruction and reconstruction of a ceramic. Choreographically, it explores the aesthetic of shapes based on the physical characteristics and state of the ceramic; circular when whole and linear when fragmented. The accompanying music facilitates an imagery of the physical, textural and spatial characteristics from the formation, fragmenting and reforming of the ceramic into its new entirety. Gold resin amalgamating fragments is intrinsic to Kintsugi art and is envisioned by paint applied to the performers when representing the ceramic’s reformed state. Choreographers & performers: Lauren Harvey & Imogen Cavell-Wells Composer: Mick Ryan Videography: Lauren Harvey Wil Morrison, Performance Video (2020) 9’35 Solo performance using a DIY modular sound and visual system that uses hacked and repurposed obsolete video equipment alongside homemade synthesizer modules. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Sensorial Percussion explora dos mundos sonoros. Uno sutil y profundo, y otro rítmico y enérgico. Es un re-descubrimiento y una manipulación que provocan al sentido de la escucha a desviarse de lo común y dejarse llevar por los híbridos que la investigación sonora de la percusión y la tecnología expresan. < Back Ir al final | go to botom Sensorial Percussion - Aldo Aranda Sensorial Percussion explora dos mundos sonoros. Uno sutil y profundo, y otro rítmico y enérgico. Es un re-descubrimiento y una manipulación que provocan al sentido de la escucha a desviarse de lo común y dejarse llevar por los híbridos que la investigación sonora de la percusión y la tecnología expresan. Metal Sensory I, presenta nuevas sonoridades del vibráfono al ser intervenido con diversas técnicas de ejecución, varios elementos acústicos y diferentes materiales que posteriormente la electrónica retoma, creando un híbrido del instrumento. El uso de sensores en vivo, provee una capa extra con sonidos procesados a partir de la percusión (Toms), que interactúan con los ya procesados sonidos acústicos del vibráfono que el interprete crea in situ. Esta obra consiste de 3 movimientos muy diferentes el uno al otro, en donde cada momentum es desarrollado a su máxima manera de expresión posible por el interprete y su destreza para crear nuevos sonidos a partir de un instrumento acústico intervenido con diversos materiales y sus formas. Maxidrumming I, es una pieza para batería, donde cada superficie (o tambor) es dividido en diferentes regiones o áreas a través de sensores y donde la ejecución y manipulación de sonidos electrónicos forman un parte vital de la obra mas allá de los ritmos y cadencias ejecutadas. Un software ayuda al interprete (vía sensores) a manipular, re-convertir y entrenar el set de Batería, a manera que reaccione a la velocidad e intensidad en las diversas áreas de ataque con el que este instrumento provee, estos son, parches, aros e incluso el cascarón de cada tambor. El software también se encarga de entrenar las luces que reaccionan a cada ataque o momentum de la obra a como el interprete lo considere conveniente. Esta obra haya su inspiración en la improvisación libre y el free jazz, dejando al interprete explorar la instrumentación con la que se confronta, que en este caso consiste de un set de Batería tradicional (Bombo, tarola, contratiempos, toms y platillos suspendidos). Aldo Aranda (Holanda/Mexico) Percusionista multifacético y virtuoso interprete de marimba, calificado como “El maravilloso percusionista mexicano” por el renombrado artista y director Jan Fabre. Sus presentaciones llevan la percusión a un nuevo nivel de expresión, fusionando diversas técnicas y disciplinas como el teatro musical contemporáneo, improvisación, danza y tecnología, revolucionando el concepto de ejecución e interpretación. De emocionante y versátil trayectoria actualmente afincado entre Holanda y Barcelona, ha trabajado junto a renombrados directores, compositores, compañías de teatro y orquestas entre quienes destacan Plácido Domingo, Neeme Jarvi, Louis Andriessen, Heiner Gobbels, Jan Fabre / Troubleyn Company, Asko-Schoenberg Ensemble, Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, Orquesta de la Opera de Bellas Artes (México), Noord Netherlands Orchestra (Holanda), y DeFilarmonie (Bélgica). Premiado con menciones honoríficas en el 1er y 2do Concurso y Festival Internacional de marimbistas en el estado de Chiapas, México en las ediciones de 1999 y 2001. Graduado de maestría en el Real Conservatorio Flamenco de Amberes, Bélgica y posteriormente en el Real Conservatorio de la Haya, Holanda. Se ha presentado en los mas prestigiosos festivales alrededor del mundo como el Festival de Avignon (FRA), Edinburgh Festival (ESC), Wiener Festwochen (AUS), Gaudeamus music week (HOL) Festival Internacional Cervantino (MEX), Aarhus festuge, (DIN), por mencionar algunos. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Gabriel Gendín Ver cursos disponibles Gabriel Gendin Compositor, artista multimedial, investigador y profesor. Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes. Realiza múltiples obras con música, imágenes y nuevos medios, interactuando con danza, teatro, instalaciones multimedia, artes visuales y performance. Ha recibido diversos premios y becas, entre lo que se destacan: Primer premio en composición otorgado por el Fondo Nacional de las Artes “Juan Carlos paz” por su obra Intihuatana. Primer Premio Residence por la obra “Indeleble”, en el 33° Councurs Internacional de Musique et d´art Sonore Electroacustiques de Bourges, Francia. Residencia en la Universidad de Birmingham, Inglaterra. Beca del ministerio de cultura español para realizar una residencia en LIEM del Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; entre otros encargos, becas nacionales e internacionales. Como compositor y artista multimedial ha presentado sus trabajos en distinguidas salas, festivales, museos y teatros de Argentina como también en México, Brasil, Francia, Estados Unidos, Ecuador, España y Austria. Dentro del ámbito académico es profesor titular de cátedra de la UNNE (Universidad Nacional del Nordeste) y UNA (Universidad Nacional de las Artes), profesor de seminarios de posgrado, Director de la Licenciatura en Artes Combinadas (FADyCC, UNNE), investigador, y director de proyectos de innovación tecnológica. Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

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Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Nicolas Varchausky Artista condecorado en todo el mundo Nicolás Varchausky (AR, 1973) es compositor, artista sonoro e intérprete. Es Licenciado en Composición Musical Electroacústica de la Universidad Nacional de Quilmes (Argentina), donde se desempeña como profesor asociado e investigador. También es profesor en la Universidad Nacional Tres de Febrero (Argentina) a nivel de posgrado y pregrado. Su investigación se centra en las relaciones musicales entre el espacio, el sonido, el habla y la memoria dentro de los entornos tecnológicos. Su producción artística incluye composiciones de música electrónica e instrumental, proyectos interdisciplinarios en espacios públicos, performances de arte sonoro e instalaciones artísticas interactivas. Los encargos recientes incluyen los de la 48ª Ferienkurse für Neue Musik en Darmstadt y la Bienal de Performance BP15 en Buenos Aires. Ha recibido la Beca IBERMUSICAS 2018 como artista en residencia en CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Tiene un doctorado en Artes Digitales y Medios Experimentales (DXARTS, Universidad de Washington, Seattle, EE. UU.). Ver cursos disponibles Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

Javier Álvarez 1956-2023 Comp ositor, creador, educador, gestor cultural Nacido en 1956 y criado en la Ciudad de México, el compositor, educador e intelectual Javier Álvarez creció en una familia de arquitectos, aprendió a tocar el clarinete y comenzó a componer a temprana edad, tocando jazz y música tradicional mexicana durante su adolescencia. La efervescencia artística, literaria y musical de su país natal y sus estudios de pregrado en el Conservatorio Nacional con los mentores Mario Lavista y Daniel Catán lo impulsaron a alcanzar el reconocimiento como compositor emergente a principios de los años setenta. Después de obtener más títulos académicos de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee y más tarde del Royal College of Music y la City University de Londres, donde vivió y trabajó durante casi 25 años, regresó a su país natal en 2005. La búsqueda musical de Javier Álvarez ha involucrado varios géneros a lo largo de su vida: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1978, a los 17 años, obtuvo reconocimiento nacional como ganador de un premio de composición orquestal y para 1993 había compuesto la música de Cronos, la ópera prima del cineasta ganador del Oscar Guillermo del Toro. La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. En las conceptualizaciones musicales de Álvarez, como en las de Ginastera, Bartok, Lutoslawski o Revueltas, esto no es solo un adorno fácil: cuando uno escucha obras como Temazcal se reconoce una voz individual, un poder cognitivo; ese que surge cuando, en cada nueva escucha de una pieza, uno percibe una singularidad que es nueva y desafiante pero identificable: una mezcla abstracta y fluida de fantasía, humor, inteligencia e imaginación que es única e individual. En consecuencia, la música de Álvarez impregna una trama fantástica, pero el oyente invariablemente percibe una "claridad de dicción", o lo que en música se refiere a la capacidad del compositor para convertir lo que primero se imagina y luego se escribe en una experiencia sonora memorable. Esta es una hazaña mental que solo unos pocos artistas logran lograr. En palabras del musicólogo Aurelio Tello, “las obras de Álvarez reflejan un lúcido deseo de borrar las fronteras entre lo erudito y lo popular y afirmar un compromiso con lo heredado, lo aprendido y lo creado. Imagina una escena para transformarse en sonido, ya sea un movimiento de remeros, como en Trirreme ; la mecánica de un objeto, como en De aquí a la veleta , la invención de un folclore imaginario, como en Geometría foliada , y un paseo rutinario que estimula la imaginación creadora del compositor, como en Jardines con palmera . Luego procede con una orquestación impecable, lo que resulta en el descubrimiento de una gran cantidad de timbres, una certeza sonora que distingue a Javier Álvarez como uno de los compositores contemporáneos más refinados, personales y originales”. Amigo entrañable y maestro en todos sentidos. Siempre agudo y con una crítica sincera pero constructiva. Padre, marido, amigo, compositor, intérprete, maestro, gestor, director. ¿Cómo se puede ser tantas cosas? En realidad, son una sola. Transportador de ideas en sonido y en palabras, en acciones y en gestos. Javier es la razón de escuchar diferente y conmoverme tanto con el sonido. “Debes de llevar esta idea al máximo. Cuando sientas que ya no da mas, ahí apenas estas comenzando” decía. Su música, sorprendente, conmovedora, conectada con lo importante. Interesado en tantas cosas. En el origami, el café, la política, los gadgets, los bichos, la foto, los espacios. Recordaba detalles significativos, pero estaba ahí para las cosas de cada día. Pilar siempre del CMMAS, de Visiones Sonoras y muchos otros planes. Te voy a extrañar para siempre y para siempre te daré las gracias mas profundas que puedan existir. Rodrigo Sigal (mayo 24, 2023) A manera de homenaje el CMMAS ha recopilado en este sitio el material que hemos tenido la fortuna de producir, apoyar y compartir. Los invitamos a escuchar, conocer y disfrutar del trabajo de Javier Álvarez: Recordar a los compositores que hemos conocido, contar sus historias, realizar sus dibujos verbales, su écfrasis creativa, es más importante y urgente de lo que uno piensa. Cuántos amigos de Revueltas se llevaron con ellos las anécdotas, las conversaciones, los recuerdos de los momentos vividos, o de Chávez, o Candelario Huizar cuando era laborioso y paciente bibliotecario del Conservatorio Nacional. Hay, si acaso, alguna foto. Porque no se usaban las fotos como ahora, podría decirse, pero tampoco hay fotografías de palabras, y las palabras no escaseaban entonces. El propio Manuel Enríquez, tan cercano a nosotros y tan lejano a la vez. Y ya que le he mencionado empezaré por ahí. Conocí a Javier en el viejo Cenidim, en el primer Cenidim, que fundó y a la sazón dirigía Manuel Enríquez, precisamente. Javier llegó desde las humedades grises de Londres para escribir una obra electroacústica en el laboratorio instalado en la calle de Liverpool (16), donde estaba atracado un Moog monumental, como en una película retro de ciencia ficción. —Vine de Londres a Liverpool, que chiste —dijo, siempre con un sentido del humor a flor de piel. Se aparecía, y daban ganas de sonreír. Contagiaba su vitalidad feliz. Tenía dentro de sí una especie de sol meridiano portátil que no le abandonó ni en los momentos más grises. Javier estaba ahí, invitado por Enríquez. Todavía no nacía la Mac, hay que decirlo, porque esas computadoras, desde la Classic, constituyeron uno de los detonantes de felicidad metafísica de Javier. Yo andaba por los diecisite. Era el año 79, quizás el 80. El Cenidim, en su primera versión, estaba ubicado en una casa porfiriana de gran belleza, con ventanas nostálgicas que empezaban a desanudarse de un pasado lleno de voces y sonidos. Ese pasado se desprendió del todo con el terremoto del 85. Todo alrededor. Pero la vieja casona sobrevivió de manera inverosímil, y ahí siguió, desfasada de su centro de gravitación, lo que pareció asentarla en un espacio descolocado de deconstrucción muy a la moda. Hoy es la sede de la fundación Ocavio Paz. Tenía una escalera de caracol con baldosas de mármol. Javier, como hijo de arquitecto, hacía constantes reflexiones sobre sus proezas constructivas, con gran tino, como si la casa le susurrara sus secretos al transitar por ella. Al fondo, en lo que inicialmente debió ser un jardín, se construyó una mole rectangulada, un tanto Bauhaus, que por fortuna parecía discretamente escondida. En la planta baja estaban instalados los gabinetes para el taller de composición, que dirigió por muchos años Federico Ibarra. En la segunda planta aguardaba el tesoro, el laborioso laboratorio instalado con exactitud ingenieril por el ingeniero Raúl Pavón, uno de los pioneros de la electroacústica quien recibió a Javier con el emotivo comedimiento con que son recibidos los héroes. Javier venía de escuchar otros sonidos más allá del oceano (no había Internet y los acetatos eran la tecnología de punta), y Pavón quería no tanto escucharlos, como imaginar sus centáuricas estructuras acústicas. En ese momento la electroacústica nos presentaba sonidos no escuchados, sonidos imposibles seguramente provenientes de otra galaxia. Escuchábamos las transformaciones internas del sonido como cosas de otro mundo, aunque la acústica nos las explicara como cosa sensata e inofensiva. Fue el paso desde la electroacústica que quería parecerse a los instrumentos, para sustituirlos, a una electroacústica que no quería parecerse a nada. De pronto emergió un instrumento insólito, un super órgano, que era como un cerebro exterior. Todo ocurría a través de cables, como si fuera un sistema de neuronas conectándose. Dado un sonido, un cable aportaba la altura, otro, la onda cuadrada o sinosoide, uno más, las envolventes de ataque y decaimiento, y había que agregar la intensidad, y las mezclas de las ondas (por ejemplo de la cuadrada con la triangular), y aún recursos candorosos de espacialización (candorosos si los comparamos con un sistema multicanales de hoy, aunque resultaba igualmente emocionante y espectacular). Todo eso era necesario para cada instante de sonido. Hoy hemos perdido esa latencia de lo insólito, y las sonoridades más remotas han adquirido una cierta indolencia doméstica. El laboratorio, cuyo cerebro era el Moog, se desplegaba en un laberinto de cables y conexiones, miles y miles, con cables rojos, verdes, amarillos y azules, cada uno con un código indispensable. Detrás de cada cable se ocultaba un universo desconocido y fantástico. El compositor electroacústico de entonces tenía la obligación de aprender acústica. Y por ahí se encuentra una de las historias de vida de Javier, siempre al día con la última posibilidad tecnológica, siempre agotando el último recurso en espera automática del nuevo. Javier nos cuenta con sus obras la historia tecnológica del sonido de las últimas décadas, de las décadas definitivas, en las que pasamos de grabar y cortar cintas a los procesadores del siglo XXI. Pavón quería saber cómo podía situarse su laboratorio de sonidos en el contexto de los espacios de creación que Javier había conocido en Europa y Estados Unidos, y le preguntaba constantemente por su punto de vista sobre los recursos encontrados ahí. Tenía dudas del profesionalismo de soluciones a la mexicana, con materiales comprados en la tlapaleria de la esquina, pero a la vez confiaba en la fortuna del resultado. En el centro había un Moog, que era como un sistema neuronal de un futuro distante hecho de conexiones por cables. Si ustedes han visto el área de cables del Cmmas, debo decirles que es cosa de niños frente a aquella habitación en la que los sonidos eran reducidos constitutivamente a su condición de cables. No es que cada cable fuese un sonido, pues cada sonido requería para consituírse un conjunto de cables. Algo verdaderamente alucinante. Una sola secuencia de sonido requería horas de trabajo conectivo. Había, claro, la intuición y la predicción teórica de lo que ocurriría con cada nuevo enchufe, pero siempre con el temor de algunas sorpresas que llegaron a volar las ventanas de vidrio. Entre otras cosas, ahí comprendí la potencia del sonido, que hasta entonces me había parecido inofensivo. En el doble sentido decibélico y simbólico. Fueron décadas de cambios prodigiosos, que Javier recorrió minuciosamente, escalón tras escalón. Durante medio siglo Javier compró cada artefacto que prometiera hacer algún ruido, al grado de que si los hubiera guardado (¿los guardó?) podría hacerse con ellos un museo del sonido que al mismo tiempo escribiera la biografía de Javier y de la electroacústica. La historia tecnológico-sonora de esas décadas es científica y a la vez fantasiosa, y descubre nuevos territorios de manera constante. Se llegó a decir que estábamos ante el fin de los instrumentos de madera y metal, ante el fin de las orquestas y cuartetos de cuerda. Javier veía en sus fierros y plásticos y pantallas verdaderos guarnieris en potencia. Iba de éxito en éxito con sus artefactos, pero al mismo tiempo de fracaso en fracaso, porque cada recurso mostraba sus límites con la salida del nuevo recurso, más potente, más rápido, más brillante, más poderoso desde el prestigio de su marca Acme. Hay algo triste en ese proceso, algo que no pasa, digamos, con los Guarnieri o los Stenway, que llegan para quedarse. Esa cosa efímera se vuelve constitutiva de la estética. Javier decía, con un realismo feroz, que lo que hacemos es efímero, un mero happening sin más trascendencia que el presente. Las propias historias de Javier son muy sugerentes al respecto, desde la que cita como su estímulo definitivo para tomar la decisión de ser músico, en una casa cuyas tuberías hacían propuestas percusivas aleatorias cada vez que alguien abría la llave. O aquellas historias de París, como huésped del entonces joven IRCAM. Generaba sus conexiones y lanzaba un proceso. Mientras los aparatos generaban los tres segundos de sonido inventado, Javier podía irse por un café a los Campos Elíseos y hasta escuchar de paso una sinfonía de Berlioz. Hoy eso mismo se hace en menos tiempo de lo que puede contar como tiempo. Hay que decir que Pavón escribía el que a la postre sería el libro pionero de la música electrónica en español (La electrónica en la música y el arte), y muchas de las cosas contenidas en él (yo estuve a cargo del proceso editorial) fueron tratadas por Pavón en esas conversaciones con Javier. Enríquez también era electroacústico en una buena escala, pero tanto como lo fueron Berio o Ligeti. Es la generación de Javier la que inicia con plenitud la vida electroacústica llena de aparatos que harán obsoletos en muchos sentidos a los conservatorios (Javier hablaba de ello con frecuencia), y en donde empezarán a existir compositores que vienen del ámbito de la ingeniería y no del contrapunto. A la vertiente tecnológica como medio de aproximación a Javier, sumaría una inmediatamente consecuente: el estallamiento de los sistemas de composición en tanto sistemas interválicos, base de la teoría por varios cientos de años. El sonido es otra cosa apasionante además de sus alturas. ¿Qué es? Esa sigue siendo una pregunta viable. Y con cada obra de Javier podríamos explorar una respuesta distinta. He pensado ahora que surge de pensar que hay una afinidad conceptual en el diseño de un mosquito y de un helicóptero, y escribe una obra que muestra la transición entre ambos mundos, que al final parece un simple asunto de decibeles. Mencionaré brevemente, por apremio de tiempo, un par de cosas más, que se entrelazan. Me refiero a su mexicanismo, un tanto nostálgico, imaginado por una buena etapa de su vida desde otras latitudes. La idea de poner títulos con nombres de estaciones del metro suena hoy natural, pero en su momento fue todo un desafío. Un guiño. En ese momento seguía presente, como lo está ahora, la disputa entre vanguardia y nacionalismo, como si fueran dos cosas incompatibles. Imaginemos de un lado a compositores como Leonardo Velázquez y del otro a Manuel Enríquez y Alicia Urreta. Javier, con un pie en cada lado, mostró otras posibilidades. Una especie de nacionalismo urbano contemporáneo, surgido de los sitios menos predecibles. Sin excluir los referentes simbólicos indígenas. Por ejemplo, Temazcal, que termina con una breve cita de música mexicana. Es una de sus obras más exitosas, porque reúne las señales más exactas de la obra de Javier, desde la selección ritual, chamánica, de las maracas, hasta la habilidad tecnológica. La aparición de la última cita es una revelación, parece que toda la obra es una deconstrucción de eso que escucharemos al final, como si todo lo electroacústico fuera esa cita vista desde el revés. La electroacústica como deconstrucción de lo real. Eso parece decirnos la obra. Y de pronto en una transición nos lo muestra. Esa sorpresa de ir de un punto abstracto, de sonidos que no existen hasta ese momento en que nacen, a otros sonidos que no sólo existen desde antes, sino que tienen una fuerza cultural absorbente, ahí, en esa transición, en esa frontera, ahí surge Javier Álvarez. Ahí, entre líneas, están las claves de lectura de la gran obra musical de Javier. Finalmente hablaré de poetas. Como Debussy, como Revueltas o Lavista, Javier amaba particularmente a dos poetas, al menos. Pero Tabasco y Yucatán y el sur en su conjunto forman una sola unidad cultural. Ambos tabasqueños. Ambos, poetas mayores. Pero a la vez, ambos mal leídos, por distintas razones. Por tanto no alcanzan a tener en el imaginario popular el alto rango que realmente poseen. Uno solar, transparente, admirado por el propio Revueltas en su versión joven: Carlos Pellicer. Formado con recursos de apariencia tradicional, su contenido de cien grados alcohólicos de poesía lo salva de los lugares comunes de manera permanente. La selva, el sol están en él como de algún modo también en Javier. El otro, que escribió un sólo vasto libro, José Carlos Becerra, otro Carlos. Su libro: El otoño recorre las islas. El otro extremo de lo solar, pero en el universo de la selva, del Caribe, de la humedad pesada de sonidos. Habría que buscar una lectura en clave de ambos Carlos para leer entre líneas la obra de Javier. Dije al principio que Javier, cuando aparecía, iba precedido de una sonrisa solar meridiana, en el doble sentido de Mérida y de medio día sin sombras. Luis Jaime Cortez (septiembre, 2024) Obra "La música de Javier Álvarez refleja la influencia de las culturas populares que van más allá de las fronteras de nuestro tiempo y espacio; su trabajo es representativo de una corriente sumamente importante en las artes." John Adams Homenajes Conferencias y entrevistas Galeria Conoce el homenaje en Sonus Litterarum