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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto electroacústico homenaje a Javier Álvarez [MÉXICO] Mercedes Gómez (México) Ricardo gallardo (México) Iracema de Andrade (México) Ricardo gallardo (México) 14 nov 2023 La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. Sonoroson (2011) - Arpa y sonidos electroacústicos en soporte fijo interpretada por Mercedes Gómez Asi el acero (1988) - Steel pan tenor y sonidos electroacústicos en soporte fijo, interpretada por Ricardo gallardo Mambo a la braque - Acusmática Repas du serpent & Retour a la raison (2004) - Violoncello, video y sonidos electroacústicos interpretada por Iracema de Andrade Mejor morir en la selva - Acusmática Temazcal - Maracas & sonidos electroacústicos en soporte fijo, interpretada por Ricardo gallardo Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imagen en movimiento en obras audiovisuales y mixtas de nuestro tiempo. Coordinadora: Gabriela Ortiz Percusionista: Diego Espinosa 16 oct 2022 Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional. Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. — Six Japanese Gardens - Interpretación por Diego Espinoza Six Japanese Gardens es una colección de impresiones de jardines que vi en Kyoto durante mi estancia en Japón en el verano de 1993 y mi reflexión del ritmo en aquel tiempo. Como el título indica, la pieza está dividida en seis partes. Cada una de ellas aborda material rítmico de una forma específica, empezando de forma simple en el primer movimiento, en donde la mayoría de la instrumentación es introducida, hacia polirritmias complejas o figuras de ostinato, o alteración rítmica y material puramente colorístico. La selección de instrumentos interpretados por el percusionista es voluntariamente reducida para dar lugar a la percepción de evoluciones rítmicas. Igualmente, los colores reducidos se extienden con la electrónica, en la cual escuchamos sonidos de la naturaleza, cantos rituales e instrumentos de percusión grabados por Shinti Ueno en Kuntachi College Music.[...] Esta obra fue realizada en colaboración con Jean-Baptiste Barrière. La pieza fue comisionada por Kuntachi College Music y escrita para Shinti Ueno Kaija Saariaho Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde vive desde 1982. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM han tenido una gran influencia en su música y sus texturas característicamente exuberantes y misteriosas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de su catálogo comprende obras de cámara, desde mediados de los noventa se ha volcado cada vez más hacia fuerzas más grandes y estructuras más amplias, como las óperas L’Amour de Loin, Adriana Mater y Emilie. Alrededor de las óperas ha habido otras obras vocales, en particular el deslumbrante Château de l'âme (1996), Oltra mar (1999), Quatre instants (2002), True Fire (2014). El oratorio La Passion de Simone, que retrata la vida y la muerte de la filósofa Simone Weil, formó parte del festival internacional de Sellars 'New Crowned Hope' en 2006/07. La versión de cámara del oratorio fue estrenada por La Chambre aux echos en el Festival Bratislava Melos Ethos en 2013. Saariaho se ha adjudicado los principales premios de composición como The Grawemeyer Award, The Wihuri Prize, The Nemmers Prize, The Sonning Prize, The Polar Music Prize. En 2018 fue galardonada con el Premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA. En 2015 fue juez del Premio de Composición Toru Takemitsu. Siempre interesada en programas educativos sólidos, Kaija Saariaho fue la mentora musical de la Iniciativa Artística Rolex Mentor and Protégé 2014-15 y residió en U.C. Departamento de Música de Berkeley en 2015. Saariaho sigue trabajando para el escenario, Only The Sound Remains, su colaboración operística más reciente con Peter Sellars, se estrenó en Ámsterdam en 2016. Ese mismo año, la Metropolitan Opera presentó su primera ópera L'Amour de Loin en su estreno en Nueva York en una nueva producción de Robert Le Page. El Park Avenue Armory y la Filarmónica de Nueva York presentaron una celebración de su música orquestal con acompañamiento visual. En febrero de 2017, París cobró vida con su trabajo cuando fue compositora destacada del Festival Presences de Radio France. Su nueva ópera, Innocence, se estrenará en julio de 2021 en el Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence. Percusionista: Diego Espinosa Cruz Multi-percusionista/artista sonoro dedicado a la expansión de los límites entre la práctica performática de la percusión y otras disciplinas artísticas a través de la exploración del sonido. Espinosa a tocado en 41 países en los cinco continentes colaborando con músicos como Patti Smith, Pierre Boulez, John Zorn, Steve Reich, Philp Glass, John Luther Adams, Kajia Saariaho, Keith Rowe, David Toop, Matmos, Tarek Atoui, y con artistas como Cecilia Vicuña, Alejandro González Iñarritu, Abraham Cruzvillegas, Francis Alÿs, Carlos Amorales, Tania Candiani, Rirkrit Tiravanija, Maotik, Julia Carrillo, Eduardo Terrazas y Adán Paredes. Fue solista en el Royal Albert Hall (Londres) con la Orquesta Nacional de Gales en los BBC PROMS. Ha tocado en escenarios como Tate Modern, Ópera de Berlín, Concertgebouw y Muziekgebouw (Amsterdam), Melbourne Recital Center, Georges Pompidou (París), Sala Nezahualcóyotl y Bellas Artes (CdMx), Phillharmonie (Colonia), China National Theater (Pekín), Art Basel Miami y The Kitchen (NY). Ha recibido premios internacionales en Japón, Holanda, Luxemburgo, Alemania, Estados Unidos y Canadá como el Performance Grand Prize- Tokyo Experimental Festival Vol. 8 (2014) y 2o lugar en uno de los concursos más importantes de música contemporánea: The International Gaudeamus Interpreters Competition (Amsterdam, 2009). Espinosa fue miembro de varios ensambles neerlandeses como Slagwerk Den Haag (Grupo de Percusiones de La Haya), Amsterdam Percussion Group e Insomnio Ensemble. Ha tocado con muchos ensembles como Asko/Schönberg, Nieuw Ensemble, Ives Ensemble, Contrechamps, De Doelen Ensemble y Sinergy Vocals. Obtuvo su doctorado en McGill (Canadá) y una maestría en el Conservatorio Real de La Haya (Países Bajos) gracias a becas como Estudios en el Extranjero (FONCA) y Graduate Excellence Fellowship (McGill University) respectivamente. Ha grabado CDs y DVDs para más de 16 disqueras en Europa y Norteamérica como Mode Records, Tzadik, Cantalloupe, y Col legno. En 2020 estrenó dos discos grabados en NY, uno con Patti Smith/Anoushka Shankar y otro con el cellista Erik Friedlander. Ha sido docente invitado y tocado un par de veces como solista en Columbia University (NY). Fue profesor en la UNAM-Morelia. Actualmente es solista internacional, profesor en la Universidad Anahuac y en la Academia de Arte Florencia. Toca regularmente con Insomnio Ensemble (Holanda). Es miembro del trio Erik Friedlander/Eva Mendoza/Diego Espinosa y Liminar Ensemble. Este año estrenó su quinteto de percusión La Serpiente de los Días por encargo de Carlos Amorales, la galería Kurimanzutto y el Museo Kaluz. Será solista con la Orquesta Sinfónica Nacional en la inauguración del Foro Música Nueva Manuel Enríquez en el Palacio de Bellas Artes estrenando en México For a Change de Per Nørgård. El 22 de octubre, tocará con Patti Smith en el Centre George Pompidou. — blanconegroblanco Autor: Fernando García García. México BlancoNegroBlanco es un video de animación generativa que se vale de múltiples loops de animación que responden a gesto del trazo sobre una tableta digital. Fernando García García (1972) Artista multidisciplinar que utiliza el dibujo, la fotografía, el video, la animación y la instalación interactiva como sus principales medios. Es licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara y Maestro en Artes por la Universidad de Guanajuato. Actualmente se desempeña como académico en el área de Arte y Nuevas Tecnologías de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Fue becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán en 1995 y 2007. En 2008 y 2009 fue Coordinador de Curaduría de la Galería de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Su obra ha sido expuesta en Canadá, Cuba, Costa Rica, EE UU, Italia, Polonia, República Checa y México. — Homeomorphism Phi_0 Autor: Edmar Soria. México. Electroacoustic Techno + 3D Procedural Modelling Un homeomorfismo también llamado transformación continua, es una relación de equivalencia y correspondencia uno a uno entre puntos en dos figuras geométricas o espacios topológicos que es continua en ambas direcciones. Un homeomorfismo que también preserva las distancias se llama isometría. Las transformaciones afines son otro tipo de interpretación común para el homeomorfismo. Una interpretación común del homeomorfismo es una propiedad topológica de las figuras geométricas que puede transformarse en otra mediante una deformación elástica. En este sentido, este trabajo es una exploración de las posibilidades de deformación elástica (desde una perspectiva metafórica topológica) del sonido en geometrías procesuales visuales, es decir, una propuesta estética del sonido traducido en geometrías y su integración como hiperpartitura para una posterior improvisación guiada. Edmar Soria (Abril 1983) Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica / live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. — Donde la luz se quiebra Autor: Kissel Bravo. México. Animación experimental, donde la narrativa se fragmenta y se compone en diversos momentos, buscando espacios de tensión entre las formas y el sonido, generando ambientes caóticos y choques de fuerzas. Un trabajo que bajo una mirada abstracta intenta conectar con estados afectivos, libres de interpretación, donde entidades artificiales se convierten en organismo en constante evolución. Kissel Bravo Hernández Vive y trabaja en Morelia, Michoacán, México. Su trabajo se enfoca en el uso constante de la tecnología electrónica y digital, así como otros medios alternativos; valiéndose de la posproducción como eje fundamental en su práctica artística. Como característica general de su obra se puede identificar sistemas rizomáticos y deconstructivos, con los cuales establece conceptos y formas que reflexionan sobre el significado de los medios, los procesos de producción y los lenguajes del arte. Su obra se ha presentado en México, España, Perú, Chile, Canadá y Cuba; fue seleccionado para la Trienal Internacional de Tijuana, 2021, al igual que la Bienal FEMSA, 2020. Obtuvo el Segundo lugar en el V Concurso Internacional de Poesía Experimental Francisco Pino 2018, en Valladolid España, también Mención Honorífica en: V Salón y Coloquio Internacional de Arte Digital, Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, La Habana Cuba, 2005. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán, México. — Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: “Voices”. [CHILE /SINGAPUR / URUGUAY] Carmen Troncoso (Chile),Lynette Quek (Singapur), Guillermo Eisner (Uruguay) 1 mar 2019 El recital "Voices" reúne obras para flautas dulces y medios digitales compuestas entre los años 2016 y 2018 en distintas colaboraciones vinculadas a la investigación artística, principalmente en las áreas de interpretación y composición. La Universidad de York, Inglaterra, fue el espacio principal de encuentro y creación. Las obras incluyen flautas dulces de diseños, tamaños y sonoridades muy contrastantes, que representan también épocas distantes, desde el medioevo hasta el siglo XXI. El título “Voices” sugiere esta variedad instrumental, que a su vez está acompañada por material musical (‘o “voces”) proveniente de la electrónica ya sea en formato fijo o manipulado en vivo. Si bien el recital tiene como protagonista al instrumento flauta dulce, también hay una extraordinaria variedad de “voces creadoras” de compositores actuales provenientes de culturas disímiles: Chile, China, Inglaterra, Singapur y Uruguay. Dentro de este marco de música actual se incluye también, en forma de recuerdos y recontextualizaciones, músicas de voces antiguas del medioevo y renacimiento. En el concierto se estrenará la obra Being in the Sounds del compositor Guillermo Eisner, creada en el marco del proyecto de investigación académica “Double Pipes, Antique et Moderne”. Finalmente, la poesía sonora también tiene un espacio, yuxtaponiendo voz y palabra china y castellana, junto a la voz digital y flautística.En el concierto se estrenarán las obras de los compositores Thomas Simaku y Guillermo Eisner, compuestas para “flauta cuadrada” y para diversas combinaciones de “flautas dobles”, respectivamente. La poesía sonora también tiene un espacio, yuxtaponiendo voz y palabra china y castellana, junto a la voz digital y flautística. Carmen Troncoso nació en Viña del Mar, Chile. Comenzó a estudiar flauta dulce a temprana edad en la Escuela Moderna de Música y luego en la Universidad Católica de Chile con los profesores Octavio Hasbún y Sergio Candia, titulándose con distinción máxima el año 1997 como Licenciada en Música e Intérprete en flauta dulce. En 1999, becada por el DAAD (Servicio de Intercambio Académico Alemán) y la beca Presidente de la República, se traslada a Alemania a realizar un posgrado en la Musikhochschule de Colonia, sede Wuppertal, con el profesor Manfredo Zimmermann, titulándose el 2002 con distinción máxima. Integra los conjuntos “Ensamble Terra Australis” (investigación e interpretación de repertorio hispanoamericano), La Compañía de Céfiro (consort de flautas dulces de la Pontificia Universidad Católica de Chile) y el “Dúo Divertimento” (flautas dulces y guitarra), con los cuales ha grabado CDs y DVDs. Como solista se ha presentado junto a orquestas en Chile, Bolivia, Alemania e Inglaterra, publicando el CD “Conciertos para flauta dulce y orquesta de cuerdas de compositores chilenos” (2012). Carmen ha recibido fondos del Ministerio de Cultura de Chile para el desarrollo de proyectos musicales y el premio Presidente de la República a la edición musical de su libro “Nueva música de compositores chilenos para flautas dulces” (2014). Becada el año 2015 por Conicyt, Carmen inicia un doctorado en interpretación en la Universidad de York. Actualmente (2018) se encuentra desarrollando proyectos de interpretación explorando el impacto, en la práctica, de la cantidad cada vez mayor de modelos de flauta dulce disponibles para los intérpretes, para tocar tanto el repertorio antiguo como el contemporáneo. Su interés es examinar las variables que influyen al flautista y al compositor al momento de elegir el o los instrumentos. Originaria de Singapur, Lynette Quek se ha especializado en el manejo del audio tanto en vivo como en estudio de grabación. Ha realizado diferentes formas de experimentación musical en términos de producción y reproducción de sonido. Vinculada a la tecnología en ambientes musicales, trabaja con variados software y hardware, utilizando el laptop como su principal instrumento para sus objetivos artísticos y tecnológicos. Lynette realizó un Máster en Producción Artística en la Universidad de York (UK) y desde 2016 continúa sus estudios bajo la supervisión de Dr. Federico Reuben, en el programa de doctorado. Actualmente (2018) está interesada en explorar la integración entre tecnología y músicos a través de la creación de obras audiovisuales, examinando las relaciones entre los elementos físicos y digitales, así como también los visuales y auditivos. Desmond Clarke es un compositor y oboísta establecido en el norte de Inglaterra. Su música ha sido interpretada extensamente en todo el Reino Unido y en Europa. Algunos de los colaboradores más recientes incluyen la Philharmonia Orchestra, el cuarteto de guitarras Quartetto Apeiron y Leaky Boat Opera Company. Sus intereses creativos incluyen el uso de procesos algorítmicos y estocásticos, microtonalismo, técnicas espectrales y entonación justa. Estas herramientas, junto con su interés en la música “clásica” de todos los tiempos, van generando obras que incorporan una estética contemporánea, pero que nunca escapan por completo de una sensibilidad clásica. Sus proyectos a partir de principios de 2018 incluyen series de trabajos que usan “generated video scores” para explorar los límites y superposiciones entre la música anotada e improvisada. Carlos Zamora-Chile Guillermo Eisner / Uruguay Jia Chai - China Fotografía Carmen Troncoso: Luis Castro Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Fat Mariachi [MÉXICO - ALEMANIA] Artistas: Kai Kraatz (Alemania), Daniel Lara (México), Merci (Carlos Gonzales) (México) 17 may 2013 ¿Qué es Fat Mariachi? Por donde se quiera empezar, todo lo que conforma a Fat Mariachi es sumamente extravagante y atraerá al primer incauto: su ‘vestuario’, sus instrumentos, su ‘estilo’ musical (si es que tienen algo que se pueda llamar así), su presencia en el escenario (o fuera de él). Fat Mariachi es un proyecto mexicano-alemán que pasa por la música ruidosa y el performance sin despeinarse y está integrado por Merci en la batería, Kai Kraatz en el bajo y Daniel Lara en los samples. Lo primero que llama la atención es su indumentaria, que es la de un Mariachi no muy folclórico con tenis Converse y Puma, y aunque no usan el traje de una manera particularmente irreverente, ver a un Mariachi alemán pidiéndole al público que le ayude a tocar el bajo es suficiente para que esta versión maligna del Mariachi comience a escandalizar al público. Por otro lado, además del bajo y la batería, su mesa de instrumentos electrónicos llama más la atención por lo aparentemente anticuados que se ven: amplificadores naranjas sin marca aparente y lo que parecería ser una maquinita de esas con las que jugabas en la farmacia (algunos de estos instrumentos son creados por ellos mismos). Sin embargo, todo esto no es menos caótico que lo que tocan: por pretencioso que pueda sonar, definir a lo que suena Fat Mariachi siempre les quedará corto: batacazos duros, lineas de bajo fuertes, a veces desesperadamente lentos, otras veces casi simplones, un ruidero eléctrico-electrónico y letras que no hacen las cosas más fáciles." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Lra Lshil [VENEZUELA] Rommel Hervez (Venezuela) 25 sep 2015 El concierto que se presentará en el espacio será una acción multidisciplinaria, titulada: Lra Lshil (la Luz) concepto que unifica la investigación. La poesía como tipología del arte sonoro explora toda la riqueza: vocal, gutural; posibilidades del aparato fonador, en contraste con la materialidad espacial, en el que se pretende crear atmósferas particulares con las herramientas propias de la tecnología (en grabaciones y en el espacio real), conjugada ésta con elementos multidisciplinarios de la escultura, del video y propiamente de la acción sonora. La voz se presenta como el elemento central, en ella y a través de ella se explorarán y saborearán la compleja pronunciación de los fonemas qalíticos; produciendo armónicos, ruidos, matices, la posibilidad sonora de las consonantes guturaciones, silencios y otras características propias de los cantos neumáticos. Así como la posibilidad de agregar improvisaciones de instrumentos de viento. La escritura qalitica se define como la organización espaciotemporal de una grafía –y su sonido– a través de la creación y desarrollo de fonemas que devinieron experiencia sonora. Acciones de articulación vocal y gestual, vinculadas como unidad a la imagen gráfica. Está estructurada, conceptualmente, como un lenguaje particular que plantea una analogía entre el sonido y lo humano, en el que ambos tienden hacia realidades plenas: la primera hacia el silencio –contenedor de todo sonido– y la segunda hacia la humanización, contenedora de la belleza divina en lo humano. Esta escriturasonora también se puede entender como metáfora de una lengua primera que cada cual posee y debe descubrir para interpretar su realidad (como sujeto que no posee ni es poseído por el otro). Dialéctica entre ruido y silencio La escritura qalítica es el inicio de una reflexión espiritual, profundiza la percepción hacia una captación que tiende hacia la dimensión mística de la realidad. Se entiende el trabajo continuo, la investigación y el acto creativo como un acto de fe, pues sin entrar en conflicto con la razón, explora más allá de lo que ésta tiene permitido hacer con su estructura. Programa 1.- Variaciones qaliticas sobre un caos. (Con video frontal) 2.- Silencio número III. 3.-Tránsito al silencio III. (Con video cenital e instrumentos de viento) 4.-Lshiz. En qalitico. (Con elementos de luz, video e instrumentos de viento) 5.- Lshiz en lengua Nahua. 6.- Lshiz en lengua Otomi. 7.- Lshiz: conjunción sonora (octofonía) 8.- Mrajshil (conjunción náhuatl-otomi) 9.- Mrajshil. (Con objetos escultóricos, proyección e instrumentos de viento) Concepto, textos y vocalización sonora: Rommel Hervez Traducción en lenguas originarias: Nahuatl Pedro Martínez E. Otomi: Jaime Chávez Video artista: Rodolfo Graziano Músicos: Flauta: Landy F. Villegas H. Clarinetes: Karla S. Cruz B. Gustavo A Estrada M. Paul Arévalo González. Romel Herrera (Rommel Hervez) nace en Anaco, Anzoátegui, Venezuela en 1971. Estudia Dibujo y Pintura en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas de Caracas entre 1991 y 1993. Se Licencia en Artes Plásticas, Mención Escultura en la UNEARTE (Universidad Nacional Experimental de las Artes) en 1999, allí realizó estudios de Maestría en Arte contemporáneo, no concluida. Ha realizado cursos de Posgrado de Filosofía en la Universidad Simón Bolívar 20072009 y Cursos Avanzados de Teología, 20102014. Actualmente cursa maestría en Teología Espiritual, 20142015, en la UCAB. Previous Next

Diálogo sobre las concepciones de lo sonoro en las gamas que van de los extremos racionalistas a las fronteras de lo poético, hasta sus mezclas posibles: hay una poesía racional y una razón poética. ¿Qué papel juega hoy la tecnología en esos ámbitos? ¿Sigue vigente la idea de la escritura musical? ¿Cederá su puesto la música a las artes sonoras? ¿Son dos caminos sin vasos comunicantes? ¿Son sólo fenomenologías de lo sonoro? ¿Qué papel tiene la educación musical en ese contexto? ¿Qué deberían estudiar hoy en las escuelas los nuevos intérpretes y los nuevos compositores? Cuatro autor@s de distintas generaciones dialogan en torno a estos temas, con la perspectiva de intentar leer el presente. < Back Ir al final | go to botom Lo conceptual y lo poético en los imaginarios sonoros de hoy Diálogo sobre las concepciones de lo sonoro en las gamas que van de los extremos racionalistas a las fronteras de lo poético, hasta sus mezclas posibles: hay una poesía racional y una razón poética. ¿Qué papel juega hoy la tecnología en esos ámbitos? ¿Sigue vigente la idea de la escritura musical? ¿Cederá su puesto la música a las artes sonoras? ¿Son dos caminos sin vasos comunicantes? ¿Son sólo fenomenologías de lo sonoro? ¿Qué papel tiene la educación musical en ese contexto? ¿Qué deberían estudiar hoy en las escuelas los nuevos intérpretes y los nuevos compositores? Cuatro autor@s de distintas generaciones dialogan en torno a estos temas, con la perspectiva de intentar leer el presente. Luis Jaime Cortez Compositor y musicólogo. Autor de los libros “Tabiques rotos: siete ensayos musicológicos”, “Mario Lavista: textos en torno a la música” y “Favor de no disparar sobre el pianista” (novela biográfica de Silvestre Revueltas), entre decenas de artículos y ensayos. Es autor de las óperas “La tentación de San Antonio” y “Luna”, además de la sinfonía “Lluvias” (a partir de un poema de Saint John Perse) y de una numerosa obra camerística. Realizó una intervención orquestal de canciones desconocidas del compositor Chucho Monge, que grabó con el tenor Francisco Araiza. Doctor en Artes, Doctor en Música, Maestro en Filosofía, Licenciado en Historia. Fue director del Centro Nacional de Investigación Musical Cenidim (1988 - 1994), rector del Conservatorio de las Rosas (1994-2004 y 2011-2017). Actualmente es investigador del CENIDIM y miembro del equipo académico del Doctorado en Artes del INBA - Centro Nacional de las Artes. Valeria Jonard Nació en la ciudad de México en 1986. Comenzó sus estudios en música en el Conservatorio de las Rosas en Morelia, donde obtuvo el título en Licenciatura en Composición. Ha participado en el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez, en los festivales SPLICE, Electronic Music Midwest, Electronic Barn Dance y Visiones Sonoras. Ha colaborado con ensambles como Birds on a Wire, Ensamble Liminar, Dúo Alcántara-Terrazas, Ensamble Supercluster, Ensamble SPLICE, Ensamble FonemaConsort, Cuarteto José White y Ensamble CEPROMUSIC. Obtuvo su maestría en Western Michigan University. Asistió al programa de Arte Sonoro en Columbia University. Ha sido beneficiada por el programa Jóvenes Creadores/FONCA. Coordinó la iniciativa Ramificaciones para abrir un espacio para la música contemporánea y con medios electrónicos en Zacatecas. Actualmente es docente de la Universidad Autónoma de Zacatecas. Jorge Alba Compositor y artista sonoro. Estudió composición en el Conservatorio de las Rosas bajo la instrucción de los compositores Germán Romero y Juan Sebastián Lach. Una Maestría en Artes en la Universidad de Guanajuato con el Dr. Roberto Morales. Ha presentado obras en diferentes festivales nacionales e internacionales de música contemporánea como el Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías Visiones Sonoras, Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez y el Festival de Música Contemporánea de Michoacán. En el 2012 presentó “La Selva Sintética” para veinticuatro bocinas en el EES del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM y en 2014 una intervención sonora titulada “Soledades Efímeras” en el Museo de Sitio del Centro Cultural España en La Ciudad de México. Durante cinco años se desempeñó como auxiliar técnico del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Actualmente se dedica a la docencia e imparte talleres de música, nuevas tecnologías, diseño sonoro y música para cine en Morelia, Mich. México. Edmar Soria Profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentado en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. ! Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | go to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Jorge Variego [ARGENTINA] Jorge Variego (Argentina) 10 ago 2012 El concierto es un recital de piezas electroacústicas para clarinete y medios electrónicos. La presentación, es un anticipo del material discográfico que será producido en la sede del CMMAS y que estará exclusivamente dedicado a la obra para clarinete y medios electrónicos de compositores argentinos. El repertorio incluye trabajos en estreno mundial de: Claudio Lluan, Dante Grela, Martin Gendelman, Santiago Diez-Fischer, Jorge Variego, y Daniel Schachter. Este proyecto es posible gracias al auspicio de Valley City State University y del North Dakota Council on the Arts. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Robert Normandeau / Terri Hron [CANADÁ] Creadores: Robert Normandeau / Terri Hron (Canadá) 15 feb 2013 "El compositor canadiense Robert Normandeau y la compositora y flautista Terri Hron brindarán un concierto con obras acusmáticas y mixtas. Robert Normandeu After a BMus in Composition (Electroacoustics) from the Université Laval (Québec City, 1984) Robert Normandeau moved to Montréal and completed an MMus in Composition (1988) and the first PhDMus in Electroacoustic Composition (1992), under Marcelle Deschênes and Francis Dhomont. He is a founding member of the Canadian Electroacoustic Community (CEC, 1987). From 1986 to ’93, he was an active member of the Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ), where he produced the Clair de terre concert series at the Planétarium de Montréal. In 1991, he co-founded Réseaux, an organization for the presentation of media arts events, notably the acousmatic concert series Rien à voir and Akousma. After a certain interest in instrumental and mixed works, his current endeavours are focused on acousmatic music. More specifically, his compositions employ esthetical criteria whereby he creates a ‘cinema for the ear’ in which ‘meaning’ as well as ‘sound’ become the elements that elaborate his works. Along with concert music he now writes incidental music, especially for the theatre. He is Professor in electroacoustic music composition at Université de Montréal since 1999. He received two Prix Opus from the Conseil québécois de la musique (CQM) in 1999: “Composer of the Year” and “Record of the Year — Contemporary Music” for Figures (IMED 0944). The Académie québécoise du théâtre (AQT) has given him two Masque Awards (“Best Music for Theatre”): one in 2002 for the play Malina and the second in 2005 for the play La cloche de verre. Robert Normandeau is an award winner of numerous international competitions, including Ars Electronica, Linz (Austria, 1993, Golden Nica in 1996), Bourges (France, 1986, ’88, ’93), Fribourg (Switzerland, 2002), Luigi Russolo, Varese (Italy, 1989, ’90), Métamorphoses, Brussels (Belgium, 2002, 04), Musica Nova, Prague (Czech Republic, 1994, ’95, ’98), Noroit-Léonce Petitot, Arras (France, 1991, ’93), Phonurgia-Nova, Arles (France, 1987, ’88), and Stockholm (Sweden, 1992) and Giga-Hertz (Karlsruhe, 2010). He received commissions from The Banff Centre for the Arts, BBC, CKUT-FM, Codes d’accès / Musiques & Recherches, Jacques Drouin, Les événements du neuf, Groupe de recherches musicales (GRM), Groupe de musique expérimentale de Marseille (GMEM), Terri Hron, Claire Marchand, Musée d’art contemporain de Montréal, Open Space Gallery, Arturo Parra, Société Radio-Canada, Réseaux, Sonorities Festival, Vancouver New Music Society, and Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM). He was composer in residence in Banff (Canada, 1989, ’92, ’93), Bangor (Wales, UK, 2008), Belfast (Northern Ireland, RU, 1997), Bourges (France, 1988, ’99, 2005), Mons (Belgique, 1996), Paris (France, 1990, ’94), Ohain (Belgique, 1987, 2007), and Karlsruhe (Allemagne, 2004, ’05, ’10). http://www.electrocd.com/en/bio/normandeau_ro/discog/ Terry Hron Recorder player and composer Terri Hron comfortably migrates from performance to composition, exploring acoustic and electronic sounds in both written and improvised situations. As a performer, Bird on a Wire is Terri's ongoing project to commission, perform and record new pieces for recorder and electronics. The first album was released in 2009 and the second, Flocking Patterns, involving eight composers writing in multi-channel (Daniel Blake, Jorrit Dijkstra, Jenny Olivia Johnson, Emilie LeBel, Paula Matthusen, Darren Miller, Robert Normandeau and Elliott Sharp) was premiered and recorded in 5.1 surround in 2011. Terri's compositions span the range from chamber orchestra to acousmatic pieces. Her current projects include Sharp Splinter, a cycle for instruments and electronics based on her family archive, and a new work for Spiritus Chamber Choir, Calgary. Her own experience as a performer and her interest in working on individuality has led Terri to research creative collaboration between composers and performers, especially within settings involving technology. Using her own projects as case studies, her current doctorate in composition at the Université de Montréal with Philippe Leroux and Isabelle Panneton focuses on composing for what she calls the ""idiomatic performer."" Terri is the recipient of numerous scholarships, prizes and residencies, including: the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada, le Conseil des Arts et des Lettres du Québec, the Banff Centre, the Canada Council for the Arts, the Centre for Interdisciplinary Research in Music and Media Technologies, the Atlantic Center for the Arts and the Alberta Foundation for the Arts. Recorder player and composer Terri Hron explores the range of acoustic and electronic sounds in both written and improvised situations. Bird on a Wire is Terri's ongoing project to commission, perform and record works for recorder and electronics and has yielded twenty works and two full-length albums. Meanwhile, her current composition projects include Sharp Splinter, a cycle for instruments and electronics based on her family history, and a new work for Spiritus Chamber Choir, Calgary. In her doctoral research at the Université de Montréal with Philippe Leroux and Isabelle Panneton, she investigates creative collaboration between composers and performers, especially within settings involving technology, using her own projects as case studies. Terri is the recipient of numerous awards, including: the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada, the Banff Centre, the Canada Council for the Arts and the Centre for Interdisciplinary Research in Music and Media Technologies." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Liento. [COLOMBIA] Hombre Memoria (Colombia): Víctor Acevedo, Simón Mesa, Adán Naranjo, Julián Loaiza, Alfonso Posada 22 jun 2018 Hombre Memoria es liderado por los compositores Víctor Acevedo y Simón Mesa quienes en esta oportunidad nos presentan una propuesta que escapa tanto del rock y su formato convencional, como de la electrónica. Sus composiciones, en las que es inminente la utilización de samples, loops y síntesis de audio, son portales para entrar a oscuros parajes que cambian hacia el resplandor, y que hacen pensar en la belleza de la melancolía. Los ambientes y texturas son guiados por una voz seca y aleatoria que aparece como un susurro ante una orquestación colorida. Andrés Sampedro, MAMM (Museo de Arte Moderno de Medellín) Víctor Acevedo - Compositor y productor. Guitarrista de jazz de la Universidad EAFIT (Medellín, Colombia), en la que se desempeña como docente del énfasis de guitarra jazz. La variedad de sus proyectos transitan entre el ambient (Bajo el árbol, un Dúo de guitarra, procesos y batería) y el jazz experimental, entre otros.Como intérprete ha participado en diversos festivales de jazz en Colombia, como lo son: el Festival Internacional de Jazz y Músicas del Mundo (2010), University Jazz Festival (2010, 2011 y 2012) y el festival Voces del Jazz y del Caribe, en la ciudad de Cartagena de Indias (2014). En el año 2014 participó como compositor y ejecutante en el X Encuentro de Música EAFIT dedicado a la música y las nuevas tecnologías. Ha participado en varios proyectos de diversas músicas como el Jazz, Ambient y música mixta, con los que ha podido presentarse en diferentes festivales nacionales e internacionales. En vivo en la agrupación Hombre Memoria, interpreta la guitarra, sintetizadores y voz. Simón Mesa - Compositor y productor Compositor egresado de la Universidad EAFIT (Medellín, Colombia). Como compositor e intérprete ha participado en el ensamble de música contemporánea Periscopio de la Universidad EAFIT. En el 2012 fue seleccionado por el ministerio de cultura para participar como arreglista en el proyecto HEY MOZART 2012.?Participó como investigador en el área de música electroacústica de la universidad EAFIT y como arreglista, productor y compositor en varios proyectos entre los que caben mencionar: ArtOffline Documental, The Mayor Corpse Cortometraje, Inwaves EP (Producción y arreglos). En vivo en la agrupación Hombre Memoria, interpreta la guitarra y samples. Adán Naranjo - Baterista Estudiante del énfasis de batería jazz de la Universidad EAFIT (Medellín, Colombia). Ha participado en múltiples proyectos de la ciudad de Medellín, interpretando géneros que van desde el punk hasta el jazz. Actualmente se perfila como un joven productor de músicas alternativas. En vivo en la agrupación Hombre Memoria, interpreta la batería. Julián Loaiza Estudiante del énfasis de contrabajo jazz de la Universidad EAFIT (Medellín, Colombia). Es uno de los jóvenes bajistas de la ciudad con mayor versatilidad. Actualmente participa en diversos proyectos de jazz y músicas alternativas. En vivo en la agrupación Hombre Memoria, interpreta el bajo eléctrico y sintetizadores. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Pre-visiones - Markus Reuter (ALEMANIA) Markus Reuter (Alemania) 12 ago 2016 Markus interpretara una de sus pocas presentaciones en solo, en la cual mostrará su proceso único de composición instantánea. Creará composiciones ambientales contemporáneamente clásicas e hipnóticas desde un lienzo en blanco, usando su gama completa de guitarra y laptop. Markus Reuter, compositor y guitarrista con un largo historial de giras internacionales y un enorme catálogo de lanzamiento de discos. Reconocido como colaborador habitual con algunos de los músicos más respetados del planeta, quienes incluyen a Tony Levin, Terry Bozzio, Adrian Belew, Ian Boddy, Robert Rich etc. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Obras mexicanas y japonesas contemporáneas para dúo de guitarras y para guitarra y electrónica. [MÉXICO / JAPÓN] Norio Sato (Japón) Juan Carlos Laguna (México) 24 mar 2017 Obras mexicanas y japonesas contemporáneas para dúo de guitarras y para guitarra y electrónica. Norio Sato: Nacido en Jilin, China, en 1951, el guitarrista japonés Norio Sato estudió con Yasumasa Obara. En 1971 obtuvo el primer lugar en el Concurso de Guitarra (actualmente Concurso Internacional de Guitarra de Tokio). En la actualidad, Sato es considerado uno de los artistas más destacados de Japón, por lo que es invitado de manera regular a estrenar obras. En 1993 obtuvo el Premio especial en interpretación por parte de los Music Competition of Japan Awards, el Premio de Música de Kioto (división de música aplicada), el Premio Nakajima Kenzo en 1994, así como el Premio de Música Contemporánea de Asahí en 1996. Sato enseña en la Universidad de Música de Hiroshima y en la Universidad de Toho, en Tokio. Norio Sato se ha presentado en festivales internacionales en México, Alemania, Bélgica, Italia, Francia, Inglaterra, China, Australia, Estados Unidos, Venezuela, Dinamarca, Finlandia y Estonia, entre otros países. En 1997 Sato funda el Ensemble Nomad con el propósito de interpretar un repertorio camerístico del siglo XX de compositores vivos. El grupo se ha presentado en festivales importantes en Japón y en el extranjero, como la Gaudeamus International Music Week, en Ámsterdam, en 2000; el Festival a Tempo en Caracas, en 2003; el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield, en 2005; El Festival de Morelia, en México, en 2007, entre otros. Norio Sato ha grabado como solista para ALM-records, y ha realizado también innumerables grabaciones con ensamble. Mtro. Juan Carlos Laguna Primer lugar en el 34º Tokyo International Guitar Contest celebrado en Japón en 1991. Distinción Universidad Nacional para Jóvenes Académicos en el área de Creación Artística y extensión de la Cultura 1997 y Premio Universidad Nacional en el área de Docencia en Artes 2010. Ha ejercido la docencia de manera ininterrumpida desde 1989. Actualmente es profesor titular de tiempo completo y participa con el máximo nivel de estímulos del PRIDE. Desde 1980 pertenece al selecto grupo de Concertistas de Bellas Artes de la CNMO donde ha desarrollado una invaluable labor como concertista. Ha sido becario del FONCA-CONACULTA en múltiples ocasiones donde ha llevado a la vida proyectos de estreno, grabación y difusión de música contemporánea mexicana. Sus presentaciones han abarcado múltiples países en América, Europa, África y Asia. Su producción discográfica consta de más de 30 grabaciones como solista. Estas grabaciones fueron realizadas en Inglaterra, Japón, Francia y México con las acreditadas compañías Audivis, Forlane, Kojima Recordings y Urtext Digital Classics. Ha fungido como jurado en importantes concursos nacionales e internacionales de su especialidad como el GFA, Concurso Internacional de la Habana, Concurso Internacional Manuel M. Ponce, igualmente ha impartido conferencias, ponencias, talleres y clases magistrales en instituciones de enseñanza superior de reconocido prestigio. Su interés particular por la música mexicana de conciertos se refleja en su labor como revisor o editor de diversas publicaciones para guitarra en México, Italia y Japón. Desde el año 2000 ha llevado a cabo una amplia labor de difusión a través de la dirección artística del Concurso y Festival Internacional de Guitarra de Taxco y del Encuentro Universitario de Guitarra de la UNAM. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Resonancia / 共振 Carlos Maldonado [México] Carlos Maldonado (México) 7 jun 2024 Resonancia / 共振 Es una experiencia multisensorial. Un concierto que fusiona una banda sonora experimental, creando un viaje inmersivo a través del tiempo y la memoria. A partir de capas sonoras y texturas inusuales, sintetizadores etéreos, grabaciones de campo distorsionadas, la música desafía las convenciones llevando al oyente a un espacio sonoro donde lo familiar y lo desconocido convergen para construir paisajes y despertar la nostalgia Este concierto ofrece una oportunidad única para explorar la intersección entre la memoria, la música experimental y la conexión humana. Carlos Maldonado Filósofo y artista sonoro. Actualmente es candidato a Doctor en Filosofía por la Universidad Michoacana de San Nicolás Hidalgo. Su investigación tiene un enfoque en la producción sonora,sus resonancias culturales y las implicaciones políticas de la sonoridad. Es colaborador de la plataforma en línea Musexplat (Música Experimental Latinoamericana). Ha trabajado en la producción de diferentes montajes escénicos y performáticos. Compone y produce música experimental y atmosférica. Ha compuesto música para cortometrajes y videojuegos. Su producción sonora nace de la necesidad por apropiarse de los recursos musicales a la mano y transformarlos en atmósferas, en sueños y en sensaciones. Desde instrumentos acústicos, eléctricos, voz, software, o programación, todo puede constituir parte de texturas sonoras que buscan incrustarse en quien las escucha. Previous Next