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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: BATERÍA Y NUEVAS TECNOLOGÍAS. [MÉXICO] Adrián Oropeza (México) 27 oct 2022 Batería y nuevas tecnologías, proyecto vanguardista, en el cual la combinación de la electrónica con instrumentos acústicos, se ha vuelto una tendencia en todos los ámbitos de la creación sonora y ha abierto el panorama de posibilidades del uso del timbre y del espacio como elementos fundamentales del discurso musical. Para interpretar esta música, se combina la batería acústica con el multipad electrónico Nord drum3P, que produce una experimentación sonora original. El concierto de batería y nuevas tecnologías consiste en siete creaciones originales para batería, percusión electrónica y nuevas tecnologías, con un sonido, timbre y atmósferas innovadoras que llevarán al espectador a experimentar sensaciones y emociones únicas y singulares. La fusión de instrumentos acústicos con las nuevas tecnologías, constituye una propuesta vanguardista y forma parte de las nuevas tendencias de la música actual. Estas propuestas deben ser difundidas para transferir el conocimiento y acercar a las nuevas generaciones de músicos a la batería y el uso de las nuevas tecnologías como eje de formación en las nuevas tendencias actuales de la música, lo cual impulsará y acercará a muchas generaciones de jóvenes músicos a este género. Adrián Oropeza Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA Ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia.Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA Ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia. Fundó en 2006 su propuesta musical, con la idea de mostrar que la música mexicana tiene grandes posibilidades de fusionarse, en especial con el jazz. Ha grabado cuatro discos como solista “Texturas” 2008 “Mezcal” 2011 ambos realizados con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Amaneceres” 2015 y “Desafío” 2021. En 2019, fue beneficiado como Creador escénico del Sistema de apoyos a la creación para llevar a cabo el proyecto “La batería contemporánea y el uso de Nuevas Tecnologías con la música y la improvisación” proyecto con el cuál ha impartido clases magistrales y conciertos en festivales importantes como “Visiones sonoras” y “Expresiones contemporáneas” Ha participado en importantes festivales en México y a nivel internacional enPortugal, Indonesia, Singapur, Francia Holanda, Bolivia y Santa Lucia Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Luciano Rodríguez Arredondo. Luciano Rodriguez Arredondo (México) 9 may 2022 Curador: Luciano Rodriguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética, psicodelia y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en diferentes recintos físicos y virtuales alrededor del mundo Este ciclo busca exponer diferentes técnicas de creación audiovisual que van desde los medios como el filme y la síntesis audiovisual analógica hasta el video digital y la creación asistida por inteligencia artificial, dando un panorama de diversas temáticas e intereses que tienen como eje rector la experimentación con los medios. Programa Los marineras (Yair López,Abigail Vazquez) Puerto Diálogo intenso entre la materia visual y sonora que hace alusión a lo etéreo y efímero , creado con filme de 8mm y revelado de manera artesanal experimentando con los artefactos nativos de este medio, la banda sonora creada utilizando como elemento principal la voz experimenta con procesos digitales como contrapunto a su origen analógico. Fossiles possibles (Charline Dally) Fósiles posibles cuestiona el entretejido íntimo que vincula el entorno extracorpóreo con nuestras experiencias internas. Escenifica espacios ambiguos elaborados gracias a la fotogrametría y la imaginería. A la vez laberinto y océano insondable, este entorno acoge el deambular de una figura humana que deambula por él antes de fundirse en él, llevada por una narración etérea. La obra busca resaltar la porosidad de los límites que delimitan los cuerpos en su entorno Triple point (Evan Twyford) Triple Point utiliza efectos de filtrado, mezcla de colores y retroalimentación intensa en una entrada de animación monótona simple. La forma resultante parece tener propiedades sólidas, así como las de un líquido y un gas. En termodinámica, la temperatura y la presión a las que la sustancia puede coexistir en las tres fases se conoce como punto triple. La banda sonora fue creada con sintetizadores digitales y analógicos, y la captura de video digital se amplió de NTSC a 2160 Ultra 4K HD utilizando la mejora de inteligencia artificial. Storm Dystopia (Masayuki Azegami) Experimento audiovisual que traduce tempo ,dinámicas de intensidad y articulación a modulaciones visuales Estancias (Sergio Perez Bontes) Un viaje audiovisual imaginario dentro de la región de Magallanes y Antártica Chilena, creado a partir de sonidos grabados en diferentes geolocalizaciones de Magallanes. //una conexión poética y metafórica desde el tiempo presente, pasando por el tiempo en que fueron realizadas estas grabaciones hasta establecer una conexión mas profunda con el paisaje sonoro del que ellos forman parte, que es el mismo que acompañó a los pueblos originarios de la Patagonia. RawM2.epc (Emilio H. Cortés + Tonalli R. Nakamura) Este es un espacio hipotético caracterizado por propiedades iguales y consistentes; un espacio completamente homogéneo. Todo movimiento y actividad sería igual en todas las direcciones dentro de este espacio. Recurrent Morphing Radio (INTERSPECIFICS) Recurrent Morphing Radio es un proyecto de Interspecifics Collective, encargado por The HKW para "The Disappearance of Music" En los últimos años, el acceso a la música a través de las plataformas de transmisión se ha vuelto no solo prácticamente infinito sino también altamente personalizado. Detrás de cada motor de descubrimiento de sonido, hay una fórmula sofisticada de orientación comercial cuidadosamente diseñada para inducir una demanda manufacturada duradera. Algoritmos que parecen conocerte lo suficientemente bien como para decidir la sugerencia perfecta de lo que deberías escuchar a continuación. Recurrent Morphing Radio (RMR) es un sistema de producción de audio neuronal generativo alimentado por los géneros más consumidos en las plataformas de música digital. El sistema extrae y reestructura las principales características de audio que se encuentran en estos estilos y genera nuevos sonidos que luego son emitidos de forma continua. RMR es una máquina de producción musical sin fin en la que el exceso de consumo equivale a sobreentrenamiento. Metáfora viva de un proceso cultural intervenido por un mercado capitalista con efectos homogeneizadores en la estética de la música. El resultado es una obra de arte sonoro generativo, producida por un agente meta-creativo, en la que la materialidad de la muestra original se disuelve hasta tal punto que se convierte en ruido con el tiempo. Este proyecto utiliza diferentes tecnologías de código abierto como Jukebox de OpenAI, SampleRNN y Wavenet. Exuberancia emocional líquida (Fabiola Larios + Malitzin Cortés) La pieza consiste en un estudio sobre objetos de formas irregulares como las perlas; colores y texturas exuberantes que recorren desde el barroco clásico al contemporáneo y capturan el esplendor, la riqueza, el drama y el dinamismo de la materialidad de estos objetos mediante un conjunto de imágenes para entrenar un modelo de aprendizaje automático audiorreactivo que traduce estos objetos en un baile líquido en conjunto con la composición sonora que encuentra su estructura en tres de las formas instauradas en la música Barroca clásica: El contrapunto, la policoralidad y el contraste armónico. Mediante procesos algorítmicos, las secuencias sonoras se basan en patrones palíndromos y funciones simétricas con diferentes voces y tiempos generando texturas en su variabilidades creando disonancias y acentos. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Horizontes electroacústicos del violonchelo. [FRANCIA] Antonio Juan-Marcos (Francia) Vilonchelista: Marie Ythier (Francia) 10 jun 2016 Música para violonchelo y dispositivo electro-acústico de compositores que han colaborado con el IRCAM y el CNMAT. Marie Ythier. Músico clásico, también involucrado en una aproximación a la creación con compositores de su generación, la violonchelista Marie Ythier ya tiene dos discos en su haber. Graduada del Conservatorio Nacional de Lyon y el Conservatorio de París, es invitada regularmente a tocar en lugares de prestigio (Filarmónica de París, Auditorio de Dijon ...) y aparece como solista en todo el mundo (Kuhmo Festival, FIMC Lima, Suona Francese Italia , Festival Messiaen au Pays de la Meije, Lucerna KKL ...). Ella trabaja a menudo con conjuntos ingleses, italianos o alemanes y ha sido solista bajo la dirección de directores de renombre como Pierre Boulez, Péter Csaba, C.Power). Es profesora de violonchelo en el Conservatorio del distrito 15 de París, profesora visitante en el Conservatorio Nacional de Lima, y da clases magistrales en Europa y América Latina. Gracias a sus variadas experiencias musicales, Marie Ythier es un artista cuyo eclecticismo y apertura son evidentes en su particular interés por la música nueva. Ella también aborda fácilmente los repertorios de todas las épocas, la música de cámara, así como solista. Ganadora del primer premio del concurso de violonchelo del club Zonta en 2008, Marie Ythier ha recibido subvenciones de ADAMI en 2011, el Mécénat Musical Société Générale en 2012, la Fundación Meyer en 2013, y el Francisco y Fundación Mica Salabert, así como la Fundación de Francia en 2015. Antonio Juan-Marcos. Compositor mexicano. Se inició en la música con la guitarra clásica y hacia el año 2003 se instaló en la ciudad de Paris. En 2007 fue seleccionado para entrar al Ciclo Superior de Composición del “Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris”, de donde se graduó con mención honorífica por la obra “Arder Aprender”. De 2012 a 2013 se integró al curso de composición electroacústica del “Institut de Recherche et Coordination Acoustique/ Musique” (IRCAM). Sus obras se han presentado en los Estados Unidos, México, Francia y Bélgica; además de que han sido dirigidas por maestros de la talla de José Areán, Zsolt Nagy, Kanako Abe, David Miles, Jean-Philippe Wurtz, Laurent Cuniot y Pierre Roullier. Su trabajo a entrado al repertorio de agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, el “Ensemble Intercontemporain”,“L’Instant Donné”, “Ensemble Multilatérale” y “Orchestre National de Lorraine”, entre otros. Su pieza "El Afilador " ha sido grabada por la violonchelista Marie Ythier en el disco “Le Geste Augmenté”, bajo el sello discográfico “Evidence Classics” (distribuido por Harmonia Mundi). En 2015 Antonio tuvo el estreno exitoso de su pieza para guitarra eléctrica y orquesta “Nocturno Eléctrico”, que contó con la interpretación de Alejandro Marcovich, (quien fue guitarrista del grupo de rock Caifanes). Actualmente se dedica a la composición de un ciclo vocal para el ensamble "Les Folies Françoises”. Adicionalmente cursa un doctorado en composición musical en la Universidad de California en Berkeley, donde también es profesor de armonía. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Infinite Lives. [REINO UNIDO] Robbie Thomson (UK) 29 sep 2017 Infinite Lives es un performance-instalación inmersivo que utiliza sonido envolvente, luz intensa, escultura quinestésica, animación en 3D y video en tiempo real. Semejante a algún tipo de laboratorio, instrumentos, microscopios, especímenes vivos y dispositivos robóticos, son manipulados y movidos en tiempo a los efectos de una iluminación firmemente coreografiada con una partitura electrónica en vivo. Basándose en una amplia gama de Influencias, desde la neurociencia a la psicodelia, Infinite Lives nos lleva a un universo inesperado de estructuras extra dimensionales y visuales pulsantes. Infinite Lives es un juego de composición e incidencias al azar. En parte experimental y en parte ritual, esta presentación se desarrolla desde movimientos atómicos hacia un ambiente donde el artista Robbie Thomson armoniza con las máquinas, quienes habitan este mundo. Robbie Thomson es un artista con residencia en Glasgow que trabaja en los campos del arte visual, música y teatro. Su práctica multidisciplinaria se ha enfocado en el uso de nuevas tecnologías como punto inicial y metodología para su trabajo. Sus intereses actuales van desde la interacción de la tecnología con la conciencia -- cómo la mente contemporánea está influenciando y se está dejando influenciar por la arquitectura y ultra conectividad. Sus trabajos más recientes incluyen: XFRMR – una presentación AV en vivo que incorpora una bobina Tesla cantante, sintetizadores y audio visuales reactivos; The New Alps – una instalación de gran formato inspirada en el paisaje post-industrial; y The Eye – una adaptación de Story of the Eye que incorpora performance, robótica y streaming en tiempo real. Thomson se convirtió en una asociado de Cryptic Associate en 2013. Su trabajo ha sido presentado en Australia, Francia, Indonesia, México, Los Países Bajos, Corea del Sur y el Reino Unido. La residencia de Robbie Thomson es posible gracias al apoyo CMMAS, Anglo Arts, British Council y Cryptic. Presentado como parte del proyecto Seeing Hearing UK Mexico, una colaboración de 3 años entre el Reino Unido y México con el apoyo de Anglo Arts, el departamento cultural de The Anglo Mexican Foundation A.C.; British Council México; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) y Cryptic. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Composing Place [REINO UNIDO] Rob Mackay (Reino Unido) 19 mar 2015 Composing Place' Rob presentará un concierto solista de obras combinando sonidos del medio ambiente con poesía, flauta y video. Desde los sonidos de piedras resonantes de Cumbria hasta ambientes de la jungla de Sri Lanka. La obra de Robert evoca una sensación de espacio y explora nuestra relación con el mundo. Programa: - Environs Electroacústica - Living Waves Electroacústica 5.1 - Flute Melt Flauta y electroacústica - Postcards from the Summer Electroacústica - Voicewind Electroacústica Rob Mackay is a composer, sound artist and performer. He gained a BSc in Geology and Music at the University of Keele, before going on to complete a Master's and PhD in Electroacoustic Composition at Bangor University. He is currently Senior Lecturer in the School of Drama, Music and Screen at the University of Hull. Recent projects have moved towards a cross-disciplinary approach, including geology, soundscape ecology, theatre, audiovisual installation work, and human-computer interaction. His work has been performed in 18 countries (including several performances on BBC Radio 3, BBC Radio 1 and Radio France), and a number of his pieces have received international awards (Bourges, EAR, La Muse en Circuit). He has held composer residencies at Slovak Radio (Bratislava), La Muse en Circuit (Paris), the Tyrone Guthrie Arts Centre (Ireland), Habitación del Ruido (Mexico City), and CMMAS (Morelia). His latest project was a collaboration with poet John Wedgwood Clarke for the Arts Council funded Dictionary of Stone. This was a natural progression from working on a number of projects based on the theme of geology, including a collaboration with percussionist Dame Evelyn Glennie on the Natural England funded Ruskin Rocks project, led by a team of scientists and musicians at the University of Leeds who have created two new stone instruments (lithophones): www.leeds.ac.uk/ruskinrocks He has also created a Jurassic soundscape for Scarborough’s Rotunda museum which is currently installed. His musical interests have also led him to has play, write and produce in a number of bands including the Welsh Hip-Hop collective Tystion with whom he collaborated alongside John Cale on the film A Beautiful Mistake (Film 4), as well as recording two John Peel sessions on BBC Radio 1 and supporting PJ Harvey. The band have a chapter devoted to them in Sarah Hill's book 'Blerwytirhwng?' The Place of Welsh Pop Music (Ashgate 2007). He has also done session work for Super Furry Animals producer Gorwel Owen, songwriter Euros Childs, and is enjoying playing in the Welsh Afrobeat collective Drymbago, supporting Quantic and Tony Allen at recent gigs. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Decimal Fest [MÉXICO] MyTA 26 may 2022 Biografías Ivonne Hernández (México, 1998) Compositora y artista sonora, interesada en la exploración de los cruces entre naturaleza, memoria, cuerpo, movimiento y equilibrio desde la práctica documental y experimental en medios sonoros. Egresada del Conservatorio de las Rosas, es actualmente estudiante de la licenciatura en Música y Tecnología Artística en la ENES-UNAM Unidad Morelia, y cursó el Diplomado en Neurociencias, Arte y Cultura: Hacia la experiencia transdisciplinar, del Programa ACT. Es también co-directora del colectivo transdisciplinario Extremófilas, cuyo trabajo está focalizado en la vinculación de arte, ciencia y tecnología. Partícipe del Festival FLUXUS 2019, Reino Unido, y de la serie de conciertos Crosstalks organizados por la ÖGZM en Austria, obtuvo también una Mención Honorifica en el Ars Electronica Forum Wallis 2019 en Suiza y fue ganadora del programa Flash ACT 2021 con el proyecto colaborativo Misión 2030, una ópera experimental sobre la terraformación de Marte. En 2018 fue seleccionada para participar en la primera edición del Encuentro por la Crítica Cultural dentro del marco del XLVI Festival Internacional Cervantino y tuvo su primera publicación musical en el volumen 23:1 de la revista Women & Music. A Journal of Gender and Culture a cargo de la University of Nebraska Press. Alan Isaac Martínez Huicochea (b.1987) Nacido en la ciudad de México, en donde comenzó sus estudios de piano con el profesor Eufemio Zapién Ramírez. Luego se unió a la academia de música Fermatta, donde tomó clases con Alfredo Farid Marichal y Dulce Resillas. Posteriormente estudia la carrera de arreglo y composición en la Escuela Superior de Composición y Arreglo Musical bajo la tutela del maestro Elías Amabilis Palma, en donde continuó sus estudios de piano con el maestro Evaristo Sánchez Barrera y contrapunto con Ernesto Reynoso Ramos. Posteriormente trabajó registrando grabaciones en directo para múltiples cortometrajes, al mismo tiempo que impartía clases de piano en la Escuela Superior de Composición y Arreglo por un periodo de dos años. Al término de esta etapa, se muda a Morelia para continuar sus estudios en la Escuela Nacional de Estudios Superiores de esta entidad, donde actualmente radica y cursa el último semestre de la licenciatura de Música y Tecnología Artística. Héctor Sánchez Núñez Nacido el 22 de diciembre de 1998 en Morelia Mich, Héctor Iván es un compositor alumno de la carrera de Música y Tecnología artística de cuarto semestre. Se inició en la música a la edad de 11 años en piano y guitarra, a los 16 años inicia por primera vez un taller de composición. Cursó un semestre en la universidad Montrer en licenciatura en producción e ingeniería en audio y cursó un año de piano en la Facultad Popular de Bellas Artes de la UMSNH. Sus composiciones sonoras se caracterizan por el uso de texturas atmosféricas que van cambiando progresivamente junto con gestos repetitivos que exploran el espectro frecuencial a lo largo del tiempo . Mario Cruz Artista multimedia de la ciudad de Morelia. Su interés gira en torno a la experimentación y reflexión del arte con nuevas tecnologías y cómo esta se relaciona con el creador, el performer y la audiencia, frecuentemente inspirado en temas como la cultura cibernética, el transhumanismo, el cyborg, el cuerpo, la distopía y la ciencia ficción. En su trabajo podemos encontrar música, videoarte, videodanza, realidad aumentada y proyectos enfocados al metaverso como VOLK Clo. Co., la cual es una marca de ropa digital y D_CYGN, un laboratorio de diseño digital enfocado a la arquitectura, mueblería y decoración virtuales. FFF FFF es un proyecto electroacústico conformado por Jennifer Butanda, baterista y compositora originaria de Michoacán y Emmanuel Uribe, músico experimental proveniente del Estado de México. El encuentro de estos dos personajes en la carrera de Música y Tecnología Artística de la UNAM les conduce a la creación de este dúo que busca la exploración de intereses mutuos como la composición algorítmica, la improvisación y la experimentación sonora. Jennifer ha formado parte de distintos proyectos, entre los que destacan el Coro de la Secretaría de Cultura de Michoacán y el ensamble de jazz Lilt O'Clock. Ha participado como intérprete en el Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez y en el Festival de Órgano de Morelia Alfonso Vega Núñez, mientras que sus obras han sido programadas en Música por un Cambio (Sonora), Músicos Trabajando (Durango), Ensemble Evolution (New York) y en el Festival Expresiones Contemporáneas (Michoacán). Ganadora del concurso internacional de composición Challenge a la Carta 2020 a cargo del compositor, pianista e investigador musical Mauro de María. Su trabajo está orientado hacia la creación de espacios sonoros por medio de la exploración dual entre instrumentos acústicos y electrónicos, y de la interacción humano-máquina. Esta curiosidad la ha llevado al mundo de la composición algorítmica y la programación musical en SuperCollider. Emmanuel ha colaborado en diversos proyectos de música contemporánea, experimental e improvisación; así como con artistas visuales, actores y bailarines en piezas colectivas e interdisciplinarias. Su trabajo está enfocado en generar plataformas de interacción mediante el uso del sonido y la escucha. Trabaja con distintos medios de producción sonora y de transmisión de información. José Luis Luengas Coutiño Nacido en la ciudad de Puebla el 15 de junio de 1998. Comenzó sus estudios musicales tocando la guitarra eléctrica de manera autodidacta, luego estudió Técnico en Música en la BUAP. Posteriormente se interesó en la música contemporánea, lo que lo llevó a estudiar un diplomado en composición con nuevas tecnologías en el CMMAS. Ahí fue donde desarrolló su estilo. Actualmente estudia la licenciatura en Música y Tecnología Artística en la UNAM campus Morelia y trabaja como compositor e ingeniero de audio independiente. Su pieza Exploración Secuencial fue grabada en video por la clarinetista Karla Cruz, del Ensamble de la Raza y presentada a través de redes sociales. También realizó una presentación de su pieza Vector de Reflexión con Goyo Coutiño en el Space Apps Challenge 2021 de la NASA. Sus intereses se centran en la música contemporánea tanto instrumental como electroacústica, aunque también abarcan géneros populares como el rock progresivo y la música electrónica. Esto lo ha llevado a componer piezas híbridas que mezclan estilos tanto populares como académicos. Julio Abreu Comenzó sus estudios de música en 2012, posteriormente estudiando guitarra clásica en la Escuela Nacional Preparatoria 5 (2017 - 2020) y sus estudios de música en Tlapitzani (2019-2020). Continuó su formación musical estudiando la licenciatura en Música y Tecnología Artística en la ENES Unidad Morelia (2022 - ), en clases con Juan Sebastián Lach, Emma Wilde y Rodrigo Sigal, donde desarrolla su obra. Es productor y músico del grupo de rap Julio Abreu (2020 - ) con el cual ha grabado y producido 3 discos. Su música ha sido interpretada y grabada en el Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), CMMAS, CSAM, ENES y Centro Cultural UNAM. Raul Pichardo Raúl Pichardo es estudiante de la licenciatura en Música y Tecnología Artística en la Escuela Nacional de Estudios Superiores unidad Morelia. Anteriormente estudió el propedéutico en piano en el Centro Morelense de las Artes de Morelos. Participó en la IX Bienal Internacional de Piano en Mexicali, Baja California y en el diplomado en Creación Sonora con Nuevas Tecnologías, expedido por el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Su música es mayoritariamente introspectiva. Esto lo ha guiado a trabajar con la utilización de sonidos grabados y fragmentos de paisajes sonoros como recursos para la creación de piezas que intentan dar a entender cómo repercuten personalmente los fenómenos y vivencias cotidianas que experimenta el compositor. Tania Alejandra Tovar Rodríguez (México, 1992) Artista multidisciplinaria. Su principal interés son los procesos y productos resultantes del cruce entre disciplinas artísticas que involucran el uso de nuevastecnologías. Actualmente cursa el 8vo semestre en la licenciatura en Música y tecnología artística en la ENES Unidad Morelia, UNAM, con estudios previos en la licenciatura de Instrumentista-Violoncello en la Facultad de Música de la UNAM. Graduada de la EIA 4 del INBA en el área de Artes Visuales con especialidad en escultura. Practica danza clásica y contemporánea desde hace aproximadamente diez años en estudios como La Cantera y los Talleres Libres de la UNAM. Como parte de su constante formación ha asistido a distintos seminarios y talleres enfocados en música con nuevos medios, creación coreográfica y arte digital impartidos por artistas como Paz Rojo, coreógrafa bailarina e investigadora, Gilberto Esparza, bioartista y artista electrónico y Olivia Jack programadora y artista digital, entre otros. La mayor parte de su trabajo es desarrollado en colectivo con artistas nacionales e internacionales de diversas disciplinas, por ejemplo, como violoncellista y compositora para las obras coreográficas “Las Paredes” y “Las múltiples y repitentes ciudadelas del ruido” ambas parte de la serie “Olor Naranjo” de la Compañía de Cámara Danza UNA de Costa Rica (2020), como compositora participando con la pieza “Una ventana, todas las ventanas” en el disco Alteraciones de el proyecto Voz Terra, para la conservación del humedal La conejera y la reserva Van der Hammen en Colombia (2021), así como compositora para la obra coreográfica “You will not die if you breathe” con las bailarinas Mamiko Usuda y Honoka Minami estrenada en Tsukuba, Japón (2021). Programa - Pluviam - Ivonne Hernández - ILFT - Alan Isaac Martínez Huicochea - Conciencia - Héctor Sánchez Núñez - Lights #1 - Face (Lighting Studies) - Mario Cruz - FFF - Jennifer Butanda + Emmanuel Uribe - e-NTr0πK-non - José Luis Luengas Coutiño - Errante en el cosmos - Julio Abreu - Mañana introspección - Raul Pichardo - Anima - Tania Alejandra Tovar Rodríguez Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Malintzin Cortés. Malintzin Cortés (México) 18 jul 2022 Alucinaciones híbridas | Metaverso y performance Expandido Curadora: Malitzin Cortés (CNDSD). Músico, Artista digital y Programadora. Adopta la transdisciplina y tecnología en las prácticas transmedia contemporáneas, su trabajo se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, VR, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Ha realizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual, Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel, Spektrum Berlín y en festivales internacionales de arte sonoro y música experimental como la Conferencia Internacional de Live Coding, Transpiksel, Aural, Transmediale, Simposio Internacional de Arte Electrónico Corea, CYLAND MediaArtLab San Petesburgo, MUTEK México, Montreal y San Francisco. Programa Realidad Expandida e interacción XR al Fresco | Partituras Interactivas para Música Invisible Julian Bonequi (MX) Composición para Realidad Extendida grabada en vivo, en el Concierto de Clausura en Variable X - Foro de Inmersión y realidades extendidas en Latinoamérica, en el Centro de Cultura Digital, en Diciembre 3, 2021. Conciertos VR con PatchXR | Creando música dentro del metaverso ACTO 1 Where, When, How. MOWUKIS (EU) & Ted Pallace (EU) ACTO 2 Can Be Reclaimed. MOWUKIS (EU) & Ted Pallace / SAVAGES (EU/MX) ACTO 3 Parallel { | | } Metaverse. Laura luCas (MX), Nesso (It), Ivan Abreu (MX) y CNDSD (MX) Web VR y performance presencial 360 MUXX exhibición WebVR piezas audiovisuales (recorrido)| EPOCH Gallery | Los Ángeles County Museum of Art (LACMA) MUXX: Performance transmedia explorando el género no binario a través del lente de les muxes. Lukas Avedaño(MX), EYIBRA(EU), NNUX(MX) y Oswaldo Erréve(MX) Previous Next

We present a series of works from Music Technology undergraduate, Masters and research students at De Montfort University, ranging from live performance videos to audiovisual compositions to dance performances. For more information, visit www.dmu.ac.uk/jukebox < Back Ir al final | go to botom JUKEBOX: recent audio-visual works from Music Technology, De Montfort University We present a series of works from Music Technology undergraduate, Masters and research students at De Montfort University, ranging from live performance videos to audiovisual compositions to dance performances. For more information, visit www.dmu.ac.uk/jukebox Sebastiano Gualtieri, cvd (2021) 3’30 Phoebe Scoutari, Kallirroi Vratti & Leona McDonough-Smith, The Maids (2021) 5’50 Samuel Thomas, Grown in the Corner (2020) 2’57 Mick Ryan, Lauren Harvey & Imogen Cavell-Wells, KINTSUGI 金継ぎ (2021) 8’00 Wil Morrison, Performance (2020) 9’35 Sebastiano Gualtieri, cvd (2021) This work continues Sebastiano’s compositional research surrounding the balancing of images and sounds in generative audio-visual art. Phoebe Scoutari, Kallirroi Vratti & Leona McDonough-Smith, The Maids (2021) “When slaves love one another, it’s not love” —Jean Genet This performance is an attempt to capture the abominable essence of Jean Genet’s play The Maids. It depicts the erotic sadomasochistic ritual game-playing between two maids, who fantasize about killing their mistress, whom it is their only role to serve. When she is absent, they get tangled into their own physical and psychological abusive role-playing game, leading progressively into the loss of their separate identities and their blending into one. Choreographer: Kallirroi Vratti Composer: Phoebe Scoutari 
Performers: Leona McDonough-Smith, Kallirroi Vratti Samuel Thomas, Grown in the Corner (2020) Pieced together by the human brain, we perceive a cohesive audio-visual world despite the flaws of the human eye and ear. Grown in the Corner embraces one such flaw. The lack of acuity in the periphery of vision is extended across the visual field and reflected in the sound. Mick Ryan, Lauren Harvey & Imogen Cavell-Wells, KINTSUGI 金継ぎ (2021) This piece explores the Japanese art form Kintsugi and depicts the deconstruction and reconstruction of a ceramic. Choreographically, it explores the aesthetic of shapes based on the physical characteristics and state of the ceramic; circular when whole and linear when fragmented. The accompanying music facilitates an imagery of the physical, textural and spatial characteristics from the formation, fragmenting and reforming of the ceramic into its new entirety. Gold resin amalgamating fragments is intrinsic to Kintsugi art and is envisioned by paint applied to the performers when representing the ceramic’s reformed state. Choreographers & performers: Lauren Harvey & Imogen Cavell-Wells Composer: Mick Ryan Videography: Lauren Harvey Wil Morrison, Performance Video (2020) 9’35 Solo performance using a DIY modular sound and visual system that uses hacked and repurposed obsolete video equipment alongside homemade synthesizer modules. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Space Junk [ARGENTINA] "Ensamble Mexicano 8xRadio. Lucas Fagin (Argentina)" 9 nov 2023 A cargo del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (www.cmmas.org ) se realizará el estreno de “Space Junk” de Lucas Fagin, obra ganadora del 1er Concurso Ibermúsicas para orquesta de cuerdas. Space Junk será interpretada por el Ensamble Mexicano 8xRadio. Space-Junk es una obra creada para para 22 cuerdas espacializadas y esparcidas entre el público La obra toma como punto de referencia el modelo de dispositivo espacial preexistente de Terretektorh para 88 músicos, de Iannis Xenakis. Uno de los principales ejes del proyecto fue construir una espacialización de precisión casi electroacústica, con 22 músicos repartidos entre el público como si fueran 22 altavoces. Este dispositivo o máquina espacial permite construir órbitas, ocupar el espacio progresivamente, crear efectos de perspectiva y contrapuntos espaciales, trayectorias superpuestas y cuerpos sonoros simultáneos. El trabajo es similar al que puede realizarse con una obra electroacústica, pero construida únicamente con instrumentos acústicos y produciendo resultados bastante diferentes. La escritura fue un gran reto, un laberinto. No hay un solo sonido que no haya sido concebido y colocado dentro de la lógica espacial de la obra. En Space-Junk, el sonido es siempre arcilla, plástico, manipulado, estirado, condensado, fragmentado, colisionado, implosionado, etc. Esta arcilla se filtra por toda la obra a través de moldes para crear una música casi táctil. El compositor argentino Lucas Fagin, nacido en 1980, comenzó su educación musical como forastero del mundo académico estudiando composición, piano y guitarra eléctrica bajo la tutoría del compositor Daniel Montes, el guitarrista Ricardo Martínez y el pianista Aldo Antognazzi. En 2003, se trasladó a Francia, donde estudió composición en el Conservatorio de París con Marco Stroppa, Stefano Gervasoni y Luis Naón. En 2009, en paralelo a sus actividades como compositor, cofundó BabelScores, una biblioteca de música digital y base de datos, junto al compositor Pedro García-Velasquez. Recibió importantes encargos de Ensemble InterContemporain en 2011 y 2020, por el Estado francés en 2012 y 2018, por el Teatro Colón de Buenos Aires en 2011 y 2018, así como por Radio France en 2015 y 2020. Durante el año 2016 a 2017, fue artista residente en la Academia de Francia . Madrid, Casa de Velázquez. Ganó varios concursos de música y premios a partir de 2006 con el Concurso Internacional de Composición Diffusion 2006 para la Música Electroacústica, CCMCM del Centro de Musicología Computacional y Música Informática en Irlanda. Ganó el Premio Fundación Roux et Tronchets otorgado por la Academia Francesa de Bellas Artes en 2009. Lucas Fagin también fue galardonado con el Premio Tremplin en 2010 por el Ensemble InterContemporain y el IRCAM. En 2015, ganó el Premio Ibermúsicas de composición de obra para orquesta de cuerdas Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Dúo Arsa - Robledo. (Virtual) [MÉXICO] Violonchelo: Elizabeth Sánchez Arriaga (México) Acordeón: Sergio Robledo Acevedo (México) 10 sep 2021 Dúo Arsa-Robledo Violonchelo y acordeón Agrupación que desde el 2017 ha estado en constante labor musical, formado por Elizabeth Sánchez Arriaga (violonchelo) y Sergio Robledo Acevedo (acordeón) ambos realizaron sus estudios profesionales en la Facultad de Música de la UNAM. Uno de sus objetivos es acercar público a la música de concierto, ya sea dentro o fuera de las salas de concierto, por este motivo durante el 2018 fueron participantes activos en el programa social Transpórtate el cual se enfoca en llevar el arte (música, danza, teatro, entre otros) a lugares donde la oferta cultural es escasa, para que tanto artistas como público disfruten, conozcan, expresen y convivan de manera sana a través del arte. Estos recintos pueden ser estaciones del Metro, albergues y comedores comunitarios de la Ciudad de México. Se han presentado en diversas salas y recintos de la Ciudad de México, como la Sala Xochipilli y la Huehuecóyotl de la Facultad de Música de la UNAM, el teatro Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, la Casa del Lago “Juan José Arreola”, el Centro Cultural Helénico, el Auditorio “Antonio Caso” de la Escuela Nacional Preparatoria no. 6 de la UNAM, entre otros. Su repertorio incluye música diversa, por ejemplo: obras contemporáneas de compositores rusos, mexicanos y obras que fusionan distintos géneros como la música contemporánea, electroacústica y jazz. Sus interpretaciones se han presentado en Radio UNAM y en Opus 94.5 del IMER. Entre sus principales intereses está la colaboración con compositores contemporáneos para generar repertorio para esta dotación y actualmente se está realizando su primera producción discográfica, que incluye seis obras originales de autores mexicanos. Por otra parte, el Dúo busca generar propuestas artísticas interdisciplinarias con música, teatro y danza. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: El encuentro de la memoria fragmentada. [CUBA] Yanier Hechavarria Mayas (Cuba) 19 ago 2015 El encuentro de la memoria fragmentada” es un proyecto multidisciplinario que se inspira de las obras pictóricas de la última etapa del pintor cubano Servando Cabrera Moreno. Estas piezas, en su mayoría, representan fragmentos de cuerpos humanos, dorsos, piernas que se mezclan creando nuevas formas abstractas, sensuales y eróticas. Estas nos muestran al ser humano desde la intimidad, el anonimato, su estado primario e irracional. Libre y despojado de su cabeza, el cuerpo se torna salvaje, vibra, se transforma, se mezcla con otros cuerpos y construye su propio camino. Es el protagonista y el único testigo de nuestras experiencias carnales; es el objeto tangible sobre el que se inscribe toda nuestra memoria, nuestra existencia, nuestra historia individual y la de otros que han participado de ella. Es el cuerpo una materia viva, transparente a través de la cuál podemos vernos, reconocernos y reconocer a los otros. Compositor y saxofonista, Yanier Hechavarría Mayas (Habana, Cuba, 1984) es un músico con una formación bastante amplia. Su música abarca estilos diversos que van desde la música contemporánea, el jazz, música popular cubana y latinoamericana. Interesado en las artes plásticas, el cine y la danza, concibe el arte como un sistema de disciplinas heterogéneas, pero combinables y capaces de generar nuevas formas del discurso estético. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Sexores. (Virtual) [ECUADOR] Sexores (Ecuador) 4 may 2022 Desde su concepción en 2010, Sexores se convirtió en una de las formaciones más estables del circuito latinoamericano. Bordeando el dreampop y la experimentación, construyeron un sonido sofisticado a través de programación, sintetizadores análogos y paredes de guitarras que conducen por el caos melódico del shoegaze y las oscuras texturas del darkwave. Con 'Salamanca', su quinto trabajo dentro de una prolífica discografía aplaudida por la crítica internacional especializada, la banda siguió recorriendo festivales y salas de conciertos de todo el mundo. Dentro de sus 11 años de carrera Sexores visitó Alemania, Austria, Francia, España, Rusia, Estados Unidos, Chile, Bolivia, Ecuador, México y Perú, cosechando una sólida y creciente base de seguidores. En la actualidad, la banda se encuentra en un receso indefinido. Muestra audiovisual de la obra musical de Sexores, banda ecuatoriana. Previous Next