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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Universal Frequencies. [MÉXICO / ESTADOS UNIDOS] Jessica Rosen (USA) Alberto Cerro (México) 12 may 2017 Universal Frequencies es un performance sónico multimedia y viaje espiritual, que guía al público a una siguiente dimensión de consciencia al combinar prácticas curativas milenarias con sonido, arte y tecnología contemporánea. La presentación es una colaboración entre Jessica Rosen y Alberto Cerro, que incluirá grabaciones del metro de la Ciudad de México, vocales inspirados en mantras, baterías hipnóticas, sonido diseñado especialmente para la pieza, esculturas lumínicas, computadoras, sintetizadores y una buena dosis de Super Collider. Jessica Rosen es una artista del mutlimedia originaria de los Estados Unidos de América, con un MFA del California College of the Arts. Su trabajo se enfoca en el performance, instalaciones de sonido, música experimental, electromagnetismo, video y fotografía. Sus investigaciones combinan la meditación, la canalización de la energía, la sanación por sonido y cristales para sumergir al público en un viaje sonoro que alcanza los más lejano rincones de la consciencia humana. Ha exhibido su trabajo y presentaciones en instituciones internacionales como la UNAM Escuela de Música en la Ciudad de México y la Fundção Armando Alvares Penteado en Sao Paulo. Alberto Cerro es un compositor mexicano y artista del sonido con residencia en la Ciudad de México. Estudió composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Su interés por elmsonido como medio de expresión artística lo alejó de la música convencional hacia una rigurosa investigación del arte sonoro. Su trabajo actual emerge del lugar donde el arte y la tecnología chocan. Crea instalaciones sonoras e interactivas utilizando software informático y de código abierto. Fue reconocido con la beca Jóvenes Creadores del FONCA otorgada por la Secretaría de Cultura de México. También es miembro del Colectivo Radiador, que se dedica a la creación de obras multimedia y ha realizado presentaciones en festivales internacionales, así como instalaciones sonoras expuestas en instituciones como MediaLab-Prado, Arteleku y MUAC entre otras. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: CINESTESIA: Dispositivo para una algoritmia del cuerpo. [CHILE] Colectivo ene_ene (Internacional) 8 sep 2017 "Cinestesia: Dispositivos para una algoritmia del cuerpo" es un proyecto que investiga modos de experimentar la presencia o ausencia del cuerpo utilizando como eje fundamental su movimiento. El proyecto aborda la relación humano-máquina, con el fin de hacer ininteligible la distinción entre cuerpo y máquina, lo propio y lo ajeno, lo orgánico y lo artificial. Cinestesia es una performance que abre un espacio del diálogo entre cuerpos humanos en movimiento y distintos artefactos robóticos dispersos. Cada robot recibe datos en tiempo real sobre el movimiento del performer, imitándolo y expresando ciertas gestualidades. Un algoritmo manipula la información recibida y genera respuestas reconfigurando el movimiento, dando lugar a una cadena de acciones y reacciones entre cuerpos humanos y cuerpos robotizados. CINESTESIA se ha desarrollado gracias a FONDART-Chile, el centro de fabricación digital Fablab Barcelona, la asociación de artistas digitales Matics y el centro para las artes vivas L’Estruch. Colectivo ene_ene está formado por artistas que cruzan sus diferentes conocimientos para la creaciónde piezas de arte electrónico, performance e instalación. La trayectoria de Nicolás Villa (CO) como compositor, muestra un amplio trabajo con sonidos sintéticos, algoritmos y entornos de programación. Por otro lado y desde el diseño industrial, Citlali Hernández (MX) ha estado involucrada en proyectos que relacionan al cuerpo y la tecnología. Andrés Costa (CL) como artista visual ha generado numerosas intervenciones urbanas mediante escritura en hielo a gran escala, y actualmente investiga nociones de sistema, tiempo-real y finitud. Finalmente, Marc Sans (ES) se forma en Valencia y Barcelona, así como con los profesionales Jordi Cortés, Sol Picó, Nicolás Ricchini, Batsheva Dance Company, Ohad Naharín, entre otros. Ha trabajado en compañías europeas de teatro, danza o teatro físico y se ha presentado en recintos como el Mercat de Les Flors, el Dampfzentrale de Bern, etc. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Mapping de la Catedral de Morelia 21 oct 2014 Espectáculo músico-visual de mapeo de la Catedral de Morelia, dentro del marco del 26° Festival Internacional de Música Miguel Bernal Jiménez Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Synchresis Program 58. Crespo Barba (Netherlands) Mateja Drev (Netherlands) Stefano Scarani (Spain) Jorge Sad (Argentina) Pablo Magne (Argentina) Carolina Carrizo (Argentina) Nuria Giménez Comas (France) Dan Browne (France) João Pedro Oliveira (Portugal) 30 ago 2024 Concierto video-acusmático multicanal de obras de videomúsica. El creciente interés que cada vez más compositores musicales dirigen a la creación audiovisual, sobre todo en ámbito electroacústico, ha contribuido al desarrollo de lenguajes y formas expresivas particulares, donde imagen y música parecen reunirse en una manifestación artística singular, a través de un lenguaje común. Exigencia expresiva y disponibilidad tecnológica han reforzado esta unión, a partir del cine experimental desarrollado hace casi un siglo, hasta la computer music que actualmente encuentra ágil dimensión en un cómodo laptop, donde finalmente los procesos de creación del sonido y de la imagen conviven en un único espacio, y pueden manifestarse a través de “un único gesto”. Este “único gesto” acuñado por el compositor de videomúsica Jean Piché, es la emanación de la ancestral y escurridiza unión entre imagen y sonido, que se ha tratado de aferrar en la selección de obras dirigidas al proyecto Synchresis. Hemos querido dar cabida a un amplio elenco de las obras presentadas, para abarcar un panorama lo más extenso posible de la variedad que este ámbito creativo asume. La finalidad de Synchresis es la promoción de la Videomúsica como genero emergente y lenguaje artístico. http://www.tangatamanu.com/synchresis/ Programa: - Somewhere Else - Avec Le Pèse-Nerfs - Lo nuevo es la presencia radiante del pasado - Del - Em - Back to the line of forces - Tesserac Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto electroacústico homenaje a Javier Álvarez [MÉXICO] Mercedes Gómez (México) Ricardo gallardo (México) Iracema de Andrade (México) Ricardo gallardo (México) 14 nov 2023 La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. Sonoroson (2011) - Arpa y sonidos electroacústicos en soporte fijo interpretada por Mercedes Gómez Asi el acero (1988) - Steel pan tenor y sonidos electroacústicos en soporte fijo, interpretada por Ricardo gallardo Mambo a la braque - Acusmática Repas du serpent & Retour a la raison (2004) - Violoncello, video y sonidos electroacústicos interpretada por Iracema de Andrade Mejor morir en la selva - Acusmática Temazcal - Maracas & sonidos electroacústicos en soporte fijo, interpretada por Ricardo gallardo Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imagen en movimiento en obras audiovisuales y mixtas de nuestro tiempo. Coordinadora: Gabriela Ortiz Percusionista: Diego Espinosa 16 oct 2022 Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional. Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. — Six Japanese Gardens - Interpretación por Diego Espinoza Six Japanese Gardens es una colección de impresiones de jardines que vi en Kyoto durante mi estancia en Japón en el verano de 1993 y mi reflexión del ritmo en aquel tiempo. Como el título indica, la pieza está dividida en seis partes. Cada una de ellas aborda material rítmico de una forma específica, empezando de forma simple en el primer movimiento, en donde la mayoría de la instrumentación es introducida, hacia polirritmias complejas o figuras de ostinato, o alteración rítmica y material puramente colorístico. La selección de instrumentos interpretados por el percusionista es voluntariamente reducida para dar lugar a la percepción de evoluciones rítmicas. Igualmente, los colores reducidos se extienden con la electrónica, en la cual escuchamos sonidos de la naturaleza, cantos rituales e instrumentos de percusión grabados por Shinti Ueno en Kuntachi College Music.[...] Esta obra fue realizada en colaboración con Jean-Baptiste Barrière. La pieza fue comisionada por Kuntachi College Music y escrita para Shinti Ueno Kaija Saariaho Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde vive desde 1982. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM han tenido una gran influencia en su música y sus texturas característicamente exuberantes y misteriosas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de su catálogo comprende obras de cámara, desde mediados de los noventa se ha volcado cada vez más hacia fuerzas más grandes y estructuras más amplias, como las óperas L’Amour de Loin, Adriana Mater y Emilie. Alrededor de las óperas ha habido otras obras vocales, en particular el deslumbrante Château de l'âme (1996), Oltra mar (1999), Quatre instants (2002), True Fire (2014). El oratorio La Passion de Simone, que retrata la vida y la muerte de la filósofa Simone Weil, formó parte del festival internacional de Sellars 'New Crowned Hope' en 2006/07. La versión de cámara del oratorio fue estrenada por La Chambre aux echos en el Festival Bratislava Melos Ethos en 2013. Saariaho se ha adjudicado los principales premios de composición como The Grawemeyer Award, The Wihuri Prize, The Nemmers Prize, The Sonning Prize, The Polar Music Prize. En 2018 fue galardonada con el Premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA. En 2015 fue juez del Premio de Composición Toru Takemitsu. Siempre interesada en programas educativos sólidos, Kaija Saariaho fue la mentora musical de la Iniciativa Artística Rolex Mentor and Protégé 2014-15 y residió en U.C. Departamento de Música de Berkeley en 2015. Saariaho sigue trabajando para el escenario, Only The Sound Remains, su colaboración operística más reciente con Peter Sellars, se estrenó en Ámsterdam en 2016. Ese mismo año, la Metropolitan Opera presentó su primera ópera L'Amour de Loin en su estreno en Nueva York en una nueva producción de Robert Le Page. El Park Avenue Armory y la Filarmónica de Nueva York presentaron una celebración de su música orquestal con acompañamiento visual. En febrero de 2017, París cobró vida con su trabajo cuando fue compositora destacada del Festival Presences de Radio France. Su nueva ópera, Innocence, se estrenará en julio de 2021 en el Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence. Percusionista: Diego Espinosa Cruz Multi-percusionista/artista sonoro dedicado a la expansión de los límites entre la práctica performática de la percusión y otras disciplinas artísticas a través de la exploración del sonido. Espinosa a tocado en 41 países en los cinco continentes colaborando con músicos como Patti Smith, Pierre Boulez, John Zorn, Steve Reich, Philp Glass, John Luther Adams, Kajia Saariaho, Keith Rowe, David Toop, Matmos, Tarek Atoui, y con artistas como Cecilia Vicuña, Alejandro González Iñarritu, Abraham Cruzvillegas, Francis Alÿs, Carlos Amorales, Tania Candiani, Rirkrit Tiravanija, Maotik, Julia Carrillo, Eduardo Terrazas y Adán Paredes. Fue solista en el Royal Albert Hall (Londres) con la Orquesta Nacional de Gales en los BBC PROMS. Ha tocado en escenarios como Tate Modern, Ópera de Berlín, Concertgebouw y Muziekgebouw (Amsterdam), Melbourne Recital Center, Georges Pompidou (París), Sala Nezahualcóyotl y Bellas Artes (CdMx), Phillharmonie (Colonia), China National Theater (Pekín), Art Basel Miami y The Kitchen (NY). Ha recibido premios internacionales en Japón, Holanda, Luxemburgo, Alemania, Estados Unidos y Canadá como el Performance Grand Prize- Tokyo Experimental Festival Vol. 8 (2014) y 2o lugar en uno de los concursos más importantes de música contemporánea: The International Gaudeamus Interpreters Competition (Amsterdam, 2009). Espinosa fue miembro de varios ensambles neerlandeses como Slagwerk Den Haag (Grupo de Percusiones de La Haya), Amsterdam Percussion Group e Insomnio Ensemble. Ha tocado con muchos ensembles como Asko/Schönberg, Nieuw Ensemble, Ives Ensemble, Contrechamps, De Doelen Ensemble y Sinergy Vocals. Obtuvo su doctorado en McGill (Canadá) y una maestría en el Conservatorio Real de La Haya (Países Bajos) gracias a becas como Estudios en el Extranjero (FONCA) y Graduate Excellence Fellowship (McGill University) respectivamente. Ha grabado CDs y DVDs para más de 16 disqueras en Europa y Norteamérica como Mode Records, Tzadik, Cantalloupe, y Col legno. En 2020 estrenó dos discos grabados en NY, uno con Patti Smith/Anoushka Shankar y otro con el cellista Erik Friedlander. Ha sido docente invitado y tocado un par de veces como solista en Columbia University (NY). Fue profesor en la UNAM-Morelia. Actualmente es solista internacional, profesor en la Universidad Anahuac y en la Academia de Arte Florencia. Toca regularmente con Insomnio Ensemble (Holanda). Es miembro del trio Erik Friedlander/Eva Mendoza/Diego Espinosa y Liminar Ensemble. Este año estrenó su quinteto de percusión La Serpiente de los Días por encargo de Carlos Amorales, la galería Kurimanzutto y el Museo Kaluz. Será solista con la Orquesta Sinfónica Nacional en la inauguración del Foro Música Nueva Manuel Enríquez en el Palacio de Bellas Artes estrenando en México For a Change de Per Nørgård. El 22 de octubre, tocará con Patti Smith en el Centre George Pompidou. — blanconegroblanco Autor: Fernando García García. México BlancoNegroBlanco es un video de animación generativa que se vale de múltiples loops de animación que responden a gesto del trazo sobre una tableta digital. Fernando García García (1972) Artista multidisciplinar que utiliza el dibujo, la fotografía, el video, la animación y la instalación interactiva como sus principales medios. Es licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara y Maestro en Artes por la Universidad de Guanajuato. Actualmente se desempeña como académico en el área de Arte y Nuevas Tecnologías de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Fue becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán en 1995 y 2007. En 2008 y 2009 fue Coordinador de Curaduría de la Galería de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Su obra ha sido expuesta en Canadá, Cuba, Costa Rica, EE UU, Italia, Polonia, República Checa y México. — Homeomorphism Phi_0 Autor: Edmar Soria. México. Electroacoustic Techno + 3D Procedural Modelling Un homeomorfismo también llamado transformación continua, es una relación de equivalencia y correspondencia uno a uno entre puntos en dos figuras geométricas o espacios topológicos que es continua en ambas direcciones. Un homeomorfismo que también preserva las distancias se llama isometría. Las transformaciones afines son otro tipo de interpretación común para el homeomorfismo. Una interpretación común del homeomorfismo es una propiedad topológica de las figuras geométricas que puede transformarse en otra mediante una deformación elástica. En este sentido, este trabajo es una exploración de las posibilidades de deformación elástica (desde una perspectiva metafórica topológica) del sonido en geometrías procesuales visuales, es decir, una propuesta estética del sonido traducido en geometrías y su integración como hiperpartitura para una posterior improvisación guiada. Edmar Soria (Abril 1983) Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica / live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. — Donde la luz se quiebra Autor: Kissel Bravo. México. Animación experimental, donde la narrativa se fragmenta y se compone en diversos momentos, buscando espacios de tensión entre las formas y el sonido, generando ambientes caóticos y choques de fuerzas. Un trabajo que bajo una mirada abstracta intenta conectar con estados afectivos, libres de interpretación, donde entidades artificiales se convierten en organismo en constante evolución. Kissel Bravo Hernández Vive y trabaja en Morelia, Michoacán, México. Su trabajo se enfoca en el uso constante de la tecnología electrónica y digital, así como otros medios alternativos; valiéndose de la posproducción como eje fundamental en su práctica artística. Como característica general de su obra se puede identificar sistemas rizomáticos y deconstructivos, con los cuales establece conceptos y formas que reflexionan sobre el significado de los medios, los procesos de producción y los lenguajes del arte. Su obra se ha presentado en México, España, Perú, Chile, Canadá y Cuba; fue seleccionado para la Trienal Internacional de Tijuana, 2021, al igual que la Bienal FEMSA, 2020. Obtuvo el Segundo lugar en el V Concurso Internacional de Poesía Experimental Francisco Pino 2018, en Valladolid España, también Mención Honorífica en: V Salón y Coloquio Internacional de Arte Digital, Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, La Habana Cuba, 2005. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán, México. — Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: “Voices”. [CHILE /SINGAPUR / URUGUAY] Carmen Troncoso (Chile),Lynette Quek (Singapur), Guillermo Eisner (Uruguay) 1 mar 2019 El recital "Voices" reúne obras para flautas dulces y medios digitales compuestas entre los años 2016 y 2018 en distintas colaboraciones vinculadas a la investigación artística, principalmente en las áreas de interpretación y composición. La Universidad de York, Inglaterra, fue el espacio principal de encuentro y creación. Las obras incluyen flautas dulces de diseños, tamaños y sonoridades muy contrastantes, que representan también épocas distantes, desde el medioevo hasta el siglo XXI. El título “Voices” sugiere esta variedad instrumental, que a su vez está acompañada por material musical (‘o “voces”) proveniente de la electrónica ya sea en formato fijo o manipulado en vivo. Si bien el recital tiene como protagonista al instrumento flauta dulce, también hay una extraordinaria variedad de “voces creadoras” de compositores actuales provenientes de culturas disímiles: Chile, China, Inglaterra, Singapur y Uruguay. Dentro de este marco de música actual se incluye también, en forma de recuerdos y recontextualizaciones, músicas de voces antiguas del medioevo y renacimiento. En el concierto se estrenará la obra Being in the Sounds del compositor Guillermo Eisner, creada en el marco del proyecto de investigación académica “Double Pipes, Antique et Moderne”. Finalmente, la poesía sonora también tiene un espacio, yuxtaponiendo voz y palabra china y castellana, junto a la voz digital y flautística.En el concierto se estrenarán las obras de los compositores Thomas Simaku y Guillermo Eisner, compuestas para “flauta cuadrada” y para diversas combinaciones de “flautas dobles”, respectivamente. La poesía sonora también tiene un espacio, yuxtaponiendo voz y palabra china y castellana, junto a la voz digital y flautística. Carmen Troncoso nació en Viña del Mar, Chile. Comenzó a estudiar flauta dulce a temprana edad en la Escuela Moderna de Música y luego en la Universidad Católica de Chile con los profesores Octavio Hasbún y Sergio Candia, titulándose con distinción máxima el año 1997 como Licenciada en Música e Intérprete en flauta dulce. En 1999, becada por el DAAD (Servicio de Intercambio Académico Alemán) y la beca Presidente de la República, se traslada a Alemania a realizar un posgrado en la Musikhochschule de Colonia, sede Wuppertal, con el profesor Manfredo Zimmermann, titulándose el 2002 con distinción máxima. Integra los conjuntos “Ensamble Terra Australis” (investigación e interpretación de repertorio hispanoamericano), La Compañía de Céfiro (consort de flautas dulces de la Pontificia Universidad Católica de Chile) y el “Dúo Divertimento” (flautas dulces y guitarra), con los cuales ha grabado CDs y DVDs. Como solista se ha presentado junto a orquestas en Chile, Bolivia, Alemania e Inglaterra, publicando el CD “Conciertos para flauta dulce y orquesta de cuerdas de compositores chilenos” (2012). Carmen ha recibido fondos del Ministerio de Cultura de Chile para el desarrollo de proyectos musicales y el premio Presidente de la República a la edición musical de su libro “Nueva música de compositores chilenos para flautas dulces” (2014). Becada el año 2015 por Conicyt, Carmen inicia un doctorado en interpretación en la Universidad de York. Actualmente (2018) se encuentra desarrollando proyectos de interpretación explorando el impacto, en la práctica, de la cantidad cada vez mayor de modelos de flauta dulce disponibles para los intérpretes, para tocar tanto el repertorio antiguo como el contemporáneo. Su interés es examinar las variables que influyen al flautista y al compositor al momento de elegir el o los instrumentos. Originaria de Singapur, Lynette Quek se ha especializado en el manejo del audio tanto en vivo como en estudio de grabación. Ha realizado diferentes formas de experimentación musical en términos de producción y reproducción de sonido. Vinculada a la tecnología en ambientes musicales, trabaja con variados software y hardware, utilizando el laptop como su principal instrumento para sus objetivos artísticos y tecnológicos. Lynette realizó un Máster en Producción Artística en la Universidad de York (UK) y desde 2016 continúa sus estudios bajo la supervisión de Dr. Federico Reuben, en el programa de doctorado. Actualmente (2018) está interesada en explorar la integración entre tecnología y músicos a través de la creación de obras audiovisuales, examinando las relaciones entre los elementos físicos y digitales, así como también los visuales y auditivos. Desmond Clarke es un compositor y oboísta establecido en el norte de Inglaterra. Su música ha sido interpretada extensamente en todo el Reino Unido y en Europa. Algunos de los colaboradores más recientes incluyen la Philharmonia Orchestra, el cuarteto de guitarras Quartetto Apeiron y Leaky Boat Opera Company. Sus intereses creativos incluyen el uso de procesos algorítmicos y estocásticos, microtonalismo, técnicas espectrales y entonación justa. Estas herramientas, junto con su interés en la música “clásica” de todos los tiempos, van generando obras que incorporan una estética contemporánea, pero que nunca escapan por completo de una sensibilidad clásica. Sus proyectos a partir de principios de 2018 incluyen series de trabajos que usan “generated video scores” para explorar los límites y superposiciones entre la música anotada e improvisada. Carlos Zamora-Chile Guillermo Eisner / Uruguay Jia Chai - China Fotografía Carmen Troncoso: Luis Castro Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Fat Mariachi [MÉXICO - ALEMANIA] Artistas: Kai Kraatz (Alemania), Daniel Lara (México), Merci (Carlos Gonzales) (México) 17 may 2013 ¿Qué es Fat Mariachi? Por donde se quiera empezar, todo lo que conforma a Fat Mariachi es sumamente extravagante y atraerá al primer incauto: su ‘vestuario’, sus instrumentos, su ‘estilo’ musical (si es que tienen algo que se pueda llamar así), su presencia en el escenario (o fuera de él). Fat Mariachi es un proyecto mexicano-alemán que pasa por la música ruidosa y el performance sin despeinarse y está integrado por Merci en la batería, Kai Kraatz en el bajo y Daniel Lara en los samples. Lo primero que llama la atención es su indumentaria, que es la de un Mariachi no muy folclórico con tenis Converse y Puma, y aunque no usan el traje de una manera particularmente irreverente, ver a un Mariachi alemán pidiéndole al público que le ayude a tocar el bajo es suficiente para que esta versión maligna del Mariachi comience a escandalizar al público. Por otro lado, además del bajo y la batería, su mesa de instrumentos electrónicos llama más la atención por lo aparentemente anticuados que se ven: amplificadores naranjas sin marca aparente y lo que parecería ser una maquinita de esas con las que jugabas en la farmacia (algunos de estos instrumentos son creados por ellos mismos). Sin embargo, todo esto no es menos caótico que lo que tocan: por pretencioso que pueda sonar, definir a lo que suena Fat Mariachi siempre les quedará corto: batacazos duros, lineas de bajo fuertes, a veces desesperadamente lentos, otras veces casi simplones, un ruidero eléctrico-electrónico y letras que no hacen las cosas más fáciles." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Lra Lshil [VENEZUELA] Rommel Hervez (Venezuela) 25 sep 2015 El concierto que se presentará en el espacio será una acción multidisciplinaria, titulada: Lra Lshil (la Luz) concepto que unifica la investigación. La poesía como tipología del arte sonoro explora toda la riqueza: vocal, gutural; posibilidades del aparato fonador, en contraste con la materialidad espacial, en el que se pretende crear atmósferas particulares con las herramientas propias de la tecnología (en grabaciones y en el espacio real), conjugada ésta con elementos multidisciplinarios de la escultura, del video y propiamente de la acción sonora. La voz se presenta como el elemento central, en ella y a través de ella se explorarán y saborearán la compleja pronunciación de los fonemas qalíticos; produciendo armónicos, ruidos, matices, la posibilidad sonora de las consonantes guturaciones, silencios y otras características propias de los cantos neumáticos. Así como la posibilidad de agregar improvisaciones de instrumentos de viento. La escritura qalitica se define como la organización espaciotemporal de una grafía –y su sonido– a través de la creación y desarrollo de fonemas que devinieron experiencia sonora. Acciones de articulación vocal y gestual, vinculadas como unidad a la imagen gráfica. Está estructurada, conceptualmente, como un lenguaje particular que plantea una analogía entre el sonido y lo humano, en el que ambos tienden hacia realidades plenas: la primera hacia el silencio –contenedor de todo sonido– y la segunda hacia la humanización, contenedora de la belleza divina en lo humano. Esta escriturasonora también se puede entender como metáfora de una lengua primera que cada cual posee y debe descubrir para interpretar su realidad (como sujeto que no posee ni es poseído por el otro). Dialéctica entre ruido y silencio La escritura qalítica es el inicio de una reflexión espiritual, profundiza la percepción hacia una captación que tiende hacia la dimensión mística de la realidad. Se entiende el trabajo continuo, la investigación y el acto creativo como un acto de fe, pues sin entrar en conflicto con la razón, explora más allá de lo que ésta tiene permitido hacer con su estructura. Programa 1.- Variaciones qaliticas sobre un caos. (Con video frontal) 2.- Silencio número III. 3.-Tránsito al silencio III. (Con video cenital e instrumentos de viento) 4.-Lshiz. En qalitico. (Con elementos de luz, video e instrumentos de viento) 5.- Lshiz en lengua Nahua. 6.- Lshiz en lengua Otomi. 7.- Lshiz: conjunción sonora (octofonía) 8.- Mrajshil (conjunción náhuatl-otomi) 9.- Mrajshil. (Con objetos escultóricos, proyección e instrumentos de viento) Concepto, textos y vocalización sonora: Rommel Hervez Traducción en lenguas originarias: Nahuatl Pedro Martínez E. Otomi: Jaime Chávez Video artista: Rodolfo Graziano Músicos: Flauta: Landy F. Villegas H. Clarinetes: Karla S. Cruz B. Gustavo A Estrada M. Paul Arévalo González. Romel Herrera (Rommel Hervez) nace en Anaco, Anzoátegui, Venezuela en 1971. Estudia Dibujo y Pintura en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas de Caracas entre 1991 y 1993. Se Licencia en Artes Plásticas, Mención Escultura en la UNEARTE (Universidad Nacional Experimental de las Artes) en 1999, allí realizó estudios de Maestría en Arte contemporáneo, no concluida. Ha realizado cursos de Posgrado de Filosofía en la Universidad Simón Bolívar 20072009 y Cursos Avanzados de Teología, 20102014. Actualmente cursa maestría en Teología Espiritual, 20142015, en la UCAB. Previous Next

Conferencia - Día 2 < Back HUMMEL Yérri-Gaspar (Francia) - Resilient listening Conferencia - Día 2 Descripción | Abstract Labutineuse is a sound installation about bees and our five senses. This ecological and social project highlights the fragility of the bees' life. At the same time, the skyscrapers claim an intensive culture that will never touch the sky; on the other hand, the empty hives are amplified by sound sequences reminding us of the close link between nature, bees and humans. This double criticism is accompanied by empty and vibrating hives where the spectator can imagine his own fate in front of a recognized massacre. The sound sequences highlight the movements of the movements translated into data and transformed into sound; on the other side, the sound of the bees' wings and the life of the apiary remind us of the sweet song of the mellifers. As you approach the hives, feel, vibrate, listen, see and maybe...taste! HUMMEL Yérri-Gaspar Born in 1982. Y-G Hummel (A.K.A. Kaspår) Specializes In A Musical Practice Centered Around The Notions Of The Situation Of Sound In Space. Yérri-Gaspar Hummel Is A Musician, Composer And Director Of The Exhibitronic Festival And The Sound Research Laboratory Lab’ut. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Iván Abreu. Iván Abreu (Cuba) 1 ago 2022 Cuatro direcciones de la luz La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas. La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas: 1. La densidad escénica y conceptual de Juan José Rivas, presentada a través de dos obras donde la luz desempeña diferentes roles. E:Envolverse es una acción sonora que hace una alusión simbólica a la música por la expectativa escénica de instrumentos musicales que poco o nunca cumple la razón para la que fueron fabricados, y la luz enfatiza y dramatiza sonidos texturales, accidentales notas de piano y gestos percutivos, visualizando la actividad de los performers. Por otro lado Splendrum es una instalación sonora que constituye un sistema de retroalimentaciones donde un sintetizador y un transmisor de radio FM causan las variaciones de luz y esta a su vez retroalimenta y causa la automatización de percusiones. A esta sección del programa decidí llamarla “luz cenital”, la dirección de la luz que utiliza el cine para expresar irracionalidad y dramatismo. En un caso la luz visualiza, enfatiza y dramatiza la premisa de la obra y en el otro la luz es el intérprete. 2. Gabriela Reyes [Cero Tres] y Jorge Flores [FFAKT] poseen un consistente cuerpo de obras sobre luz, arquitectura y sonido, obras que han desarrollado en su proyecto conjunto f3.studio. XY es una instalación sonora y de luz de escala arquitectónica cuya sinestesia entre la luz y el sonido es resultado de los quirúrgicos procesos de iluminación procedural que comanda el set de instrucciones DMX* en tiempo real, el video-registro permite experimentar la obra de manera diferente a los que habitaron la iluminación y el sonido in situ, por lo que es una interpretación audiovisual o de motion-graphic art de los planos cinematográficos favoritos de los autores. A esta sección del programa decidí llamarla “luz nadir”, que es cuando la iluminación viene desde abajo, algo que también sucede en la instalación, esta es la dirección de la luz menos probable en la naturaleza, y por tanto la percibimos más artificial. Se me hizo coherente para el único proyecto totalmente digital del programa, en contraste con el resto de proyectos que recurren mayormente a la acústica física y a la electrónica analógica. 3. Arcangelo Constantini ha generado un extenso cuerpo de obra vinculado a arqueología tecnológica y experimentación estética basado en la especulación científica; para este programa presentamos cuatro de sus dispositivos sonoros de autor cuyo eje es la luz, resumidos en dos acciones sonoras. La primera acción sonora utiliza Jetpulse, registro comisionado por Audition Record, la escultura sonora utiliza un compresor de aire, alto voltaje y gas, la obra está inspirada en un misil V1 alemán de la segunda guerra mundial, premisa evidenciada tanto por su analogía con una bazuca como por la forma en que Arcangel la activa durante la acción, el proyecto utiliza el concepto de accidentes controlados como premisa de l acción visual sonoras; La segunda es un concierto en el laboratorio del artista con tres máquinas transductoras de luz a sonido: 1) Phonotube, 2) Oculo, 3) Perculed. Phonotube rescata la tradición del sonido óptico en cine con patrones impresos en un negativo fotográfico sobre un tubo fluorescente, Oculo es un ladron de jules, que genera de picos de voltajes de alta frecuencia, un circuito que permite que una pila de 1.5 volts logre prender un Tubo fluorescente circular de 20 watts, el performances es la alteración energética con la estática y conductividad eléctrica de la piel, todo el proceso es sonificado con un fotosensor, y finalmente Perculed, un patrón de leds programados en 1 bit , que son sensados con fotoceldas que transduce la luz a sonido y son manipulados en vivo por el artista. A esta parte del programa la llamé “luz frontal” por la honestidad electromecánica y electroquímica de dispositivos sonoros de autor, experiencia que deviene en una serie de accidentes controlados donde la electricidad se expresa y la luz es un testimonio del experimento sonoro. 4. Juan Pablo Villegas es artista sonoro y cineasta, su formación en cine atraviesa gran parte de su obra, por consecuencia la luz también es un tema recurrente en su trabajo, para este programa muestro dos de sus obras; la primera se llama Balance, una obra audiovisual donde poco a poco se revela el az de luz de un proyector de cine como una ilusoria escultura de polvo, siempre quedan fuera de campo el proyector cinematográfico y la posible imagen que este proyecta; el sonido acentúa este juego de expectativas sin resolver; Balance es una obra inspirada en el diagrama de Minkowski, en el que el espacio y el tiempo se representan como dos conos en colisión. La segunda obra, Strobe, es una obra audiovisual de un concierto donde Juan Pablo manipula luces, y registra y procesa el sonido de la actividad electroquímica del strobe, el video del acto en vivo deviene en obra audiovisual gracias a los planos cinematográficos y el montaje que recrean una nueva experiencia delirante y diferente a la experiencia de haber estado en el lugar del acto. A esta parte del programa la llamé “Contraluz”, cuando la iluminación se encuentra detrás del sujeto y produce un efecto visual de silueta y limpieza de la forma; el trabajo de Juan Pablo tiende a la síntesis y limpieza de conceptos, estos proyectos reducen la complejidad formal en pro de una complejidad conceptual asociada a la luz. * DMX, ( Digital MultipleX) Protocolo digital de control escénico de iluminación Programa: Cuatro direcciones de la luz 1. Luz cenital Juan José Rivas Splendrum 1'50'' (2020) E: Envolverse (Série Plexus Ac) 4'56'' (2019) 2. Luz nadir Gabriela Reyes [Cero Tres] and Jorge Flores [FFAKT] (f3.studio) XY 7'04'' (2020) 3. Luz frontal Arcangel Constantini Jetpulse 2'54'' (2016) Concierto con tres dispositivos sonoros (Fonotube, Oculu y Perculed) 12'10'' (2020) 4. Contraluz Juan Pablo Villegas Balance 3'04'' (2020) Strobe 1'03'' (2010-2014) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tutuguri. [CHILE] Felipe Otondo (Chile) 18 sep 2015 El concierto consistirá en material del disco monográfico Tutuguri’ (publicado por el sello británico Sargasso en 2013) y un trabajo reciente. Las obras a presentar serán trabajos que combinan material original creado con grabaciones de Gamelán, instrumentos de percusión y grabaciones de paisaje sonoro. Felipe Otondo nació en Santiago de Chile, estudió acústica en Chile y luego percepción del sonido en Dinamarca, donde trabajó varios años como investigador en acústica musical. En Dinamarca estudió composición de forma privada con el compositor Anders Broedsgaard y en el año 2008 completó un doctorado en composición en la Universidad de York en Inglaterra con los compositores Roger Marsh y Ambrose Field como tutores. Actualmente se desempeña como profesor en el Instituto de Acústica de la Universidad Austral de Chile. Previous Next