Conferencias: Encantamiento a los Mayas en la noche - Dante S.G Plática sobre la pieza “Espacio" "Lay" (Linda Aguirre Yañez) Humareda - Noé Gutiérrez < Back Ir al final | go to botom Estudiantes - Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (México) Conferencias: Encantamiento a los Mayas en la noche - Dante S.G Plática sobre la pieza “Espacio" "Lay" (Linda Aguirre Yañez) Humareda - Noé Gutiérrez Dante S.G.
 Joven compositor regiomontano estudió violín y egresó a los 15 años de edad del programa especial de Talentos de la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León.
 A sus 10 años fue uno de los Fundadores de la Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca Nuevo León; por su talento y dedicación fue seleccionado como concertino de la misma y seleccionado Nacional con participación en los estados de Puebla y CDMX en 2016 y 2017 para participar junto a los grandes maestros Yo-Yo Ma, Carlos Prieto, Samuel Zyman y Paquito D’Rivera. Actualmente es estudiante del segundo año de la carrera de Licenciatura en Música con orientación en la composición de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (INBAL). Estudiando con maestros como Raúl Sánchez en el violín y el maestro Eduardo Caballero en composición. Dante es un sobresaliente compositor e instrumentista y ha logrado que sus creaciones sean bien aceptadas y además con buenas críticas de sus maestros y músicos de la talla del Mtro. Arturo Márquez, Alondra de la Parra y el Cuarteto Latinoamericano.
 Las obras de Dante S.G. se han escuchado en el Norte de México y el extranjero, en los conciertos donde ha participado la Orquesta Sinfónica y Coro Esperanza Azteca N.L. donde destaca el Concierto para Violín y Piano en Do Mayor y los recitales Ruta Mágica del Piano en Coahuila y N.L. donde destaca el estreno mundial de su Sonata No 3 para Violín y Piano a cargo de la virtuosa violinista coreana Sumin Lee y al piano Eric Valdés Marines, en la Cd. de Washington D.C. además de los continuos recitales que se organizan en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey entre otros. Linda Aguirre Yañez, pianista y compositora, egresada de técnico medio en música de la Facultad de Música de la UANL, realizó sus estudios en el instrumento piano en la Facultad de Música con la maestra Claudia Macías, Fausto Aguirre e Isaí Ibarra. Ganadora del 2do lugar en el concurso jóvenes virtuosos 2017 en la 1era categoría y mención honorifica en el concurso jóvenes virtuoso 2018 en la 3er categoría con el instrumento piano, actualmente se encuentra cursando el segundo año en la carrera de composición con el maestro Eduardo Caballero en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Noe Gutierrez Egresado del bachillerato técnico en artes y humanidades del CEDART Alfonso Reyes, actualmente cursa la licenciatura en composición en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Ha participado en diversas ocasiones como compositor en los concursos “Creativas” y “Danza Breve” de la ESMDM, colaborado con la compañía de danza contemporánea “Pasajeros”, así como participado en diversos talleres y clases de composición como el “Curso Internacional de Composición de Opera Giacomo Puccini Monterrey”. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Testimonios < Back Testimonios VS19 Testimonios Este año, el festival contó con la participación de una amplia gama de músicos y artistas que presentaron sus trabajos en una variedad de formatos, desde conciertos hasta instalaciones. Los participantes tuvieron la oportunidad de compartir sus ideas, colaborar con otros artistas y experimentar con nuevas tecnologías en un ambiente de colaboración y exploración creativa. Además de los conciertos y las instalaciones, los asistentes al festival también tuvieron la oportunidad de participar en talleres y charlas impartidas por expertos en el campo de la música y las nuevas tecnologías. Estas sesiones ofrecieron una visión más profunda sobre los procesos creativos y las herramientas utilizadas por los artistas para crear su música, a continuación podrás encontrar algunos de los testimonios de los participantes: https://www.youtube.com/watch?v=JveXR6BDkOw https://www.youtube.com/watch?v=yEZMTiKzd2k https://www.youtube.com/watch?v=wtX_T4M-9ok https://www.youtube.com/watch?v=6T-aZPIvv54 https://www.youtube.com/watch?v=FPhy5VmdC0o https://www.youtube.com/watch?v=SDSniwozV7M https://www.youtube.com/watch?v=Nf4VOewzWG4 https://www.youtube.com/watch?v=NvRYFuYWAPA Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Quinteto de Alientos de la Ciudad de México. [MÉXICO] Interpretes: Asako Arai , Joseph Shalita, Fernando Dominguez, Wendy Holdaway y Paul Miller 26 jul 2013 "El Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, es uno de los grupos de cámara mas reconocidos en México. Sus discos compactos Nueva Música Mexicana (1995), Imágenes Latinoamericanas (1998), Visiones Panamericanas (2001) y Suenos para una America (2006) son un ejemplo de la dedicación del grupo para promover y difundir en el mundo la composición mexicana. Como parte de este reto, se han realizado varias giras; una a Italia en 1998 presentando por primera vez en Europa la nueva música Mexicana y en 2000 a Estados Unidos con una serie de conciertos promovido por el Fund for Culture México/USA. La lista de obras comisionadas y dedicadas para el Quinteto sigue creciendo y está compuesta por los compositores mas destacados de la música contemporánea mexicana. Desde 1994, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México afirma su compromiso con la siguiente generación de instrumentistas de alientos actuando como grupo en residencia en el Centro Nacional de la Artes y la Escuela de Música Ollín Yoliztli. A través de clases de música de cámara, clases magistrales y seminarios especiales con temas como técnicas contemporáneas y clases de doble caña, los miembros del Quinteto de Alientos de la Ciudad de México están participando en la enseñaza de los estudiantes de México. La consistente labor del Quinteto en la promoción de la música mexicana fue reconocida en 1994, 1997, 1999, 2003 y 2004 cuando le fueron otorgadas becas del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para encargar, interpretar y grabar quintetos de aliento de los principales compositores mexicanos y latinoamericanos. También en 1999 recibieron una beca del Fideicomiso México/USA para comisionar obras de compositores mexicanos y norteamericanos. Los programas del grupo han incluido estrenos mundiales de obras comisionadas por el quinteto, y también se han presentado estrenos en México de las obras contemporáneas de compositores de renombre internacional. Se ha hecho merecedor del reconocimiento de la crítica como participante habitual en importantes festivales musicales, tales como el Festival Internacional Cervantino y el Foro Internacional de Música Nueva y el Festival Internacional Franco Donatoni, así como en conciertos patrocinados por el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y la Universidad Nacional Autónoma de México. Los miembros del Quinteto de Alientos de la Ciudad de México- Asako Arai (flauta), Joseph Shalita (oboe), Fernando Dominguez (clarinete), Wendy Holdaway (fagot) y Paul Miller (corno)- tienen una intensa actividad como solistas, recitalistas y músicos de orquesta. Son miembros de tres de las más importantes orquestas mexicanas: la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y la Orquesta Sinfónica del Estado de México, y son miembros del profesorado en tres conservatorios. La experiencia internacional de sus miembros le da al Quinteto una cualidad singular en su enfoque artístico, en especial en lo que se refiere a la música nueva." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Tiempo presente [COLOMBIA] Interprete: Beatriz Elena Martínez (Colombia). Compositores: Simon Emmerson (Reino Unido), Rodolfo Acosta (Colombia), Juan Camilo Vásquez (Colombia) 5 dic 2014 Programa: Time past IV (1984) - Simon Emmerson - (Reino Unido, 1950) Loas, Luciano Berio in memoriam (2003) - Rodolfo Acosta (Colombia, 1970) para voz, soporte fijo y electrónica en vivo En el alba (2009) - Juan Camilo Vásquez (Colombia, 1983) para voz, soporte fijo y electrónica en vivo Beatriz Elena Martínez Viniendo de una formación tradicional como cantante lírica, y especialmente inclinada hacia la música de cámara, se ha dedicado a explorar las posibilidades técnicas y estéticas de la voz en el repertorio contemporáneo; este proceso ha sido permanentemente alimentado por los retos que sus alumnos comparten con ella y por los compositores con quienes trabaja, como Rodolfo Acosta, (Colombia), Adina Izarra (Venezuela) y Graciela Paraskevaídis (Argetina – Uruguay), entre otros. Sus profesores: Maria Olga Piñeros (Colombia), Jane Manning (Inglaterra) y Sylvia Nopper (Alemania – Suiza). Sus estudios: “Maestra en música – Cantante”, Pontificia Universidad Javeriana de Colombia, 2000; “Especialización en técnica y repertorio vocal contemporáneo”, Londres 2002, Suiza 2006. Desde 1996 ha ofrecido recitales en varias ciudades de Latinoamérica y Europa, ha estrenado más de 50 obras, colombianas en su mayoría, muchas de las cuales han sido escritas para ella, y ha participado en varios proyectos de improvisación, y en la grabación de varios discos de música nueva, en formatos de cámara y como solista. Ha sido solista invitada de la Orquesta Sinfónica de Colombia y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, ha representado a Colombia en diversos festivales internacionales de música contemporánea como el de Venezuela y el de Ecuador, y ha actuado en ciclos de conciertos como los del Núcleo Música Nueva Montevideo NMNM (Uruguay), el Centro de Estudios Avanzados de Música Contemporánea CEAMC (Argentina), el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá FIMCB (Colombia), el festival Voces de Lausana (Suiza). Ha participado en proyectos artísticos interdisciplinares, y su formación en danza contemporánea y uso del cuerpo le ha permitido trabajar con coreógrafos y bailarines como Meghan Flanigan y Sofía Mejía, así como también ser fundadora del Laboratorio de investigación “sonido y movimiento” del Centro de Creación e Investigación en Artes Escénicas Ambimental, junto a Adriana Caro y Juliana Rodríguez. Como docente invitada ha colaborado con la Universidad de Cuenca (Ecuador) y la Universidad Nacional del Litoral (Santa Fe, Argentina), El Ministerio de Cultura de Colombia y la Fundación Danza Común (Bogotá, Colombia). Durante sus 13 años de experiencia docente universitaria ha formado parte de los equipos de diseño curricular de la Universidad Javeriana de Colombia y la Universidad Distrital de Bogotá. Actualmente es integrante del Ensamble CG y de VOC 2, y directora del Énfasis de Canto en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital de Bogotá. Previous Next

< Back Javier Álvarez (Mex) - Clase Magistral Javier Álvarez Javier Álvarez inició sus estudios en composición musical con Mario Lavista en el Conservatorio Nacional de Música, realizó una maestría en la Universidad de Wisconsin con John Downey, continuó sus estudios superiores en el Royal College of Music y de doctorado en la City University, en Londres, Inglaterra, donde residió desde 1980 hasta el año 2005. A la par de un prolífico quehacer creativo que le ha merecido amplio reconocimiento internacional, Álvarez tiene una larga trayectoria docente, habiendo fungido a lo largo de 25 años como profesor de composición en el Royal College of Music y como catedrático en Composición en la Universidad de Hertfordshire. Durante 1989 desempeñó la presidencia de Sonic Arts Network, la sociedad de música electroacústica de Gran Bretaña y durante 1995 fue Director Artístico de Sociedad para la Promoción de la Música Nueva (SPNM). Además de desempeñarse como Residente en composición en la Musikhögskola en Malmo, Suecia Álvarez ha sido Profesor Visitante en el Conservatorio de París y la City University en Londres, integrándose, en 2004 al proyecto educativo de la Escuela Superior de Artes de Yucatán en México, como director fundador de la Licenciatura en Artes Musicales. En el año 2000 recibió la Medalla Mozart, siendo reconocido posteriormente por el Sistema Nacional de Creadores de México. Desde 2005, Javier Álvarez es miembro de la Academia de Artes. Entre 2007 y 2011 fungió como Rector del Conservatorio de las Rosas en Morelia, Michoacán. Actualmente, vive en Mérida, donde está activo como compositor independiente. Creador emérito, Javier Álvarez recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 2013. Según la musicóloga Yolanda Moreno Rivas “Javier Álvarez (México DF, 1956) es tal vez el músico más interesante nacido en la década de los cincuenta. Una inteligencia musical alerta, reforzada por el dominio de una pluralidad de técnicas y una perspectiva ecléctica han dado por resultado una obra multifacética y vigorosa que presenta una evolución muy original.” Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: THE TERRESTRIAL SEA [ESCOCIA] Mark Lyken (Escocia) 5 ago 2016 The Terrestrial Sea enaltece la diversidad y cambio constante del entorno del Cromarty Firth a través de la música y video. En 2012, Mark Lyken, era un artista residente en el Lighthouse Field Station in Cromarty, donde trabajó a lado del equipo de ecologista de la estación de Field, IOTA y la University of Aberdeen para grabar el álbum The Terrestrial Sea. Bajo esta comisión de Cryptic para Sonica, Lyken a desarrollado The Terrestrial Sea en un fascinante performance audio-visual con su constante colaboradora Emma Dove. Mark Lyken (1973) artista, cineasta y compositor que vive en la zona rural de Dumfries & Galloway, Escocia. Crea cine observacional, musical y trabajo sonoro performances e instalaciones que han sido presentadas a nivel nacional e internacional incluyendo: Brasil, India, Polonia, Rumania Suecia y por todo Reino Unido. Su trabajo más reciente explora la relación entre lugar y la interacción entre naturaleza y cultura, esto lo ha llevado a colaboraciones con artistas y científicos, particularmente de la University of Aberdeen’s School of Biological Sciences. Su film más reciente Mirror Lands, co-dirigida con Emma Dove, ganó el Premio por Creatividad en el IFFEST Documentary Art Festival 2014, Bucarest y su última comisión audio-visual, Oscillon Response, que fue estrenada en Sonica 2015, Glasgow. Actualmente realizara una gira en el Reino Unido como parte del PRS para la Music Foundation’s Beyond Borders. Lyken se convirtió asociado de Cryptic Associate en 2014 y ha lanzado música con Important Records, Time Released Sound y Gamma Proforma. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Pre-visiones: Infinito. [MÉXICO/INGLATERRA] Alex Otaola (Inglaterra), Iraida Noriega (México), Pío Cineamano (México) 9 sep 2016 Infinito Dueto que conjunta a dos reconocidas figuras de la escena del jazz y la música alternativa de nuestro país. La potente diva del jazz transforma su voz en un arcoíris ecléctico que atraviesa diferentes épocas, geografías y estilos; va en un abrir y cierra de ojos del “spolen word” al “scat”, del blues a cantos tribales, abarcando un impactante rango emocional demostrando el por qué de su renombre. Su voz es contrastada con la calidez de la guitarra acústica contra los diferentes ecosistemas sonoras que la guitarra eléctrica/sintetizador puede generar, las cuerdas oscilan entre la tradición y la modernidad, entre la madera y la electricidad, lo melódico contra lo abstracto. Los paisajes musicales que construye el dúo con a su vez transformados en narrativas visuales o artistas plásticos invitados, que experimentan y exploran con diferentes técnicas para ir creando ambientes visuales en el escenario, que se relacionan de manera orgánica y espontánea con las texturas y los colores musicales propuestos por el dúo. El escenario ha sido compartido por “Pio” y su cienamano y el reconocido artista plástico “Jazzamoart”. Iraida Noriega Nace un 16 de Agosto de 1971 en la ciudad de México. Su madre Esperanza es una cubana amante de las artes; su padre Freddy fue y será un gran músico y poeta. En 1990 viaja a la ciudad de Nueva York y a través de las enseñanzas de Sheila Jordan Mimi Daltz y Bor Norton (City College), decide emprender el camino de la música junto a compañeros como Goussy Celestin y Theo Bleckmann. Además de estudiar Composición y arreglo con Emiliano Marentes Plano y arreglo con Enrique Neri y trabajo vocal junto a Hebe Rossell y Reicardo Sanchez. En 1993 regresa a la ciudad de México siendo Roberto Aymes el primero en invitarla a participar en su ensamble de jazz, lo cual generó colaboraciones con infinidad de músicos y foros, festivales y clubs en el país. Con él firma propósito de que la música la llevara a conocer otras tierras, ha cantado en Los Ángeles, Boston, Nueva York, Houston Colombia y España en festivales de música diversa. Alex Otaola Nace en Londres, Inglaterra el 30 de agosto de 1972. Su actividad profesional comienza en el 94 al ingresar a la reconocida banda de rock mexicano SANTA SABINA, posteriormente en el 98 es invitado a formar parte de LA BARRANCA. En 2007 edita el multipremiado cd/dvd FRACTALES y en 2009 es invitado a colaborar con SAN PASCUALITO REY. También en 2009 crea un alucinante dueto con la diva del jazz Iraida Noriega. Gracias a su musicalización en vivo de “El Hombre de la Cámara” realizada en la Cineteca nacional fue seleccionado para acompañar con música original, la premier latinoamericana de la versión restaurada del clásico “Metrópolis” de Fritz Lang en la edición 2010 del festival Internacional Expresión en Corto. En Noviembre de 2010 fue parte de la Feria Internacional del Ajedrez de la UNAM, realizando una sonorización multimedia en vivo a partir del Tenori-On (sintetizador de interfaz intuitiva, diseñado por Yamaha) y guitarra acústica. Pío Cineamano Arturo López pintor autodidacta desde los ocho años de edad en la que recibe primeras acuarela. Su creación, el “Cineamano” consiste en narrar una historia por medio de imágenes que va creando de manera espontánea. Estas imágenes son hechas con tinta china o con bicarbonato sobre un acetato y son amplificadas por medio de un retropoyector. Su trabajo ha sido reconocido en todo el mundo. Oso Tapia realizó un documental de su trabajo, que fue nominado al Ariel como mejor corto documental del 2008. Ha presentado el Cineamano en las principales ciudades del país además de la Expo Shangai, Bruselas, Brasil, País Vasco, Barcelona y Japón. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Nullpixel. Fátima Ramírez (México) Israel López (México) 23 may 2022 La relación de la imagen y el sonido deambulan en procesos perceptuales mediante los cuales afrontamos la realidad. La capacidad de percibir a través de las diversas frecuencias que nos rodean nos otorga la posibilidad de generar imágenes y secuencias que den cuenta del entramado vivencial, remontémonos a la caverna del mito de Platón y el devenir de la conciencia construida y elaborada mediante las sombras y los sonidos que subyacen en el espacio, siendo capaces de configurar y dar sentido al mundo. La representación visual del sonido amalgama el discurso del artista creando un código del lenguaje específico que da la pauta para generar contextos y condiciones estéticas que se remontan a lo más longevo de nuestra existencia, una partitura ancestral que coexiste en lo más profundo de nuestra humanidad, es por esto que la condición creadora de los artistas que trabajan con sonido y viceversa, ha permitido establecer formas específicas de acercarnos a particulares visiones del mundo, una lectura silenciosa que se articula en patrones rítmicos e imágenes volátiles, en una constitución de píxeles y notas caóticas que sigilosamente transcurren en un tiempo de exposición deconstruido en una realidad dislocada por los medios digitales, que nos permite romper los muros interiores en la representación de la velocidad y el vértigo en tiempos de urgencia y conflicto. Fátima Ramírez / Israel López nullpixel Programa Frank Dufour Words is an audiovisual composition using words in their oral or written forms as primary material. The work can be presented in a “concert” or theater format with the video projected on screen and stereophonic sound diffused through loudpseakers, however, it is best experienced in an intimate setting, on an individual screen and listen to through headphones. This work is inspired by Adrain Matejka’s poem A Simple History and its translation in multiple languages. Frank Dufour (Fráncia, 1959) Before joining the academia, Frank Dufour had a rich history in sound industry, first as a sound engineer specialized in the restoration of sound archives in Paris, France at the National Radio, then evolving into music production and video post-production, multimedia design, higher education, and art. Frank holds a Ph.D. in Sciences of Information and Communication from the University of Paris VIII and is currently Emeritus Professor at the University of Texas at Dallas in the school of Arts, Technology and Emerging Communication (ATEC), and Invited professor at the University of Nice Côte d’Azur. He spearheaded the creation and installation of innovative soundscape features in several Dallas institutions, including The Dallas Museum of Art (“Coastlines,” Soundscapes for Paintings, August 2010) and The Perot Museum of Nature & Science (Permanent Soundscapes for the 12 exhibit halls, March 2012-present). As active new-media artists, Frank & his wife founded Agence5970, an independent laboratory dedicated to artistic experimentation and sound design, which explores concepts emerging at the conjunction of perception and representation. Within this context, Frank is continually experimenting with sound from artistic, acoustic, philosophical, and technological viewpoints. Together with xtine burrough, Frank created in the school of ATEC at UT Dallas, the independent Laboratory of Synthetic and Electronic Poetry (LabSynthe) destined to observe, study, and create poetic experiences in the context of digital technologies. Recently, Frank created the sonic environment for the exhibition, SĪMURĞ, at Josée Bienvenu Gallery, NY, and, together with LabSynthE a sound exhibition at the Grotte du Lazaret in Nice for the French Poetry Festival. Birdsong Sequence Birdsong Sequence es una composición creada a través de collages de audio utilizando sonidos de grabaciones de campo que provienen de la naturaleza y samples grabados desde la aplicación de instagram del artista. Estas muestras contienen una gama ecléctica de piezas musicales, audio de bombas de la guerra y otros contenidos actuales proyectados por los algoritmos de la plataforma. Cada individuo percibe una realidad diferente dentro de su pantalla, Jack Smale hace una comparación entre El mito de la caverna de Platón, que es una alegoría sobre la realidad del conocimiento, y la cámara de eco, que es la descripción metafórica de la información, ideas o creencias amplificadas por transmisión y repetición en donde todo se distorsiona. Las redes sociales representan un nuevo espacio público, en donde además de texto, se comparten contenidos de imágen y sonido. Este proyecto es un viaje de corta duración que presenta mezclas de grabaciones y capturas de sonidos que han sido transformadas para crear una nueva pieza audiovisual, analizando la dualidad entre conceptos, principalmente sobre ̈lo virtual ̈ y ̈lo real ̈. Jack Smale (UK, 1989) Músico y artista sonoro originario de Cornwall, UK. Actualmente, vive en la ciudad de Brístol, en donde trabaja también en la Industria Aeronáutica como Ingeniero. Su práctica se divide en una amplia gama de contextos, trabajando en la música electrónica, experimental, proyectos audiovisuales y música alternativa. Jack comenzó su trayectoria musical tocando guitarra eléctrica, pero su interés en la ingeniería lo llevó a explorar proyectos cada vez más orientados a la música experimental. Su trabajo actual combina varios métodos y herramientas, que incluyen sampling, grabaciones de campo, sintetización, secuenciadores, composición y diseño de sonido. Su obra proviene de grabaciones realizadas en la naturaleza, ciudades, plantas de manufactura y sonidos cotidianos dentro del espacio personal. Axioma Las realidades en las que deambula el sujeto, dan cuenta de la noción de la materialidad anatómica del cuerpo en el plano físico orgánico, y la segunda, desde una construcción ontológica en la representación de lo irreal. En lo virtual encontramos las resonancias desde los diversos planteamientos en el arte y la argumentación del sujeto como figura en conflicto en una suerte dicotómica de interior-exterior, el cuerpo y su identidad, articulados como entes en continua (de)construcción: la humanidad vivirá en una especie de burbuja virtual en la que será prisionera de un encarcelamiento electrónico» (Virilio, 1999). Es una aproximación a la creación audiovisual con tecnologías de inteligencia artificial, una serie de algoritmos que conforman una máquina, en la que diversos instrumentos se conjugan para crear segmentos de píxeles en la pantalla, la divergencia en la toma de decisiones involucra un diálogo con la ejecución y el sistema artificial, detonando en un discurso audiovisual. Israel López (México, 1986) Artista digital, su obra se constituye en la manipulación de los medios digitales y su relación con el cuerpo humano, creando interfaces de interacción con el mundo digital implementando la tecnología como parte fundamental del proceso creativo, realizó estudios de composición y percusiones latinas en la ciudad de Guanajuato, su obra ha sido publicada en diversos medios y festivales entre los que destacan, ISEA International, Balance Unbalance en Reino Unido, Sound Image Coloquium en la Greenwich University, etc, es cofundador del laboratorio de experimentación artística nullpixel con quien ha producido piezas para el Circle of Light, Moscú, iMapp Bucharest, Novi light sensation en Italia, Japon, Belgica, Ukrania, entre otros. Actualmente, desarrolla investigación acerca de la implementación de los nuevos medios en el arte, especializado en sistemas interactivos, proyección no convencional y humanidades digitales. Previous Next

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensemble SAPIACE. [AUSTRIA / ALEMANIA] Piano: Eugenia Radoslava (Austria) Violonchelo: Matthias Gredler (Austria/Alemania) 28 oct 2022 Program: - Albena Petrovic - "Turquoise" for vioioloncello and piano - Albena Petrovic - "Wait, please" for piano - Michael Gredler - "Space" for violoncello and piano (dedicated to Matthias Gredler) - Beat Furrer - "The snow has no voice" for piano - Paul Engel - "Hellas" for violoncello and piano (dedicated to Matthias Gredler) Eugenia Radoslava gave her first solo piano recital at the age of ten and her first performance with orchestra a year later. She studied piano at the Music High School and concert piano and music pedagogy at the Music Academy "Pancho Vladigerov" in Sofia in the class of Prof. A. Dikov. She finished her studies with gold medal and distinction and received the honorary scholarship "Pancho Vladigerov". She also studied concert piano with Prof. N. Flores and chamber music with Prof. A. Kouyoumdjian at the University of Music and Performing Arts Vienna and music pedagogy at the Vienna Conservatory/Private University. At the master classes of Prof. V. Nosina, Prof.V. Gornostajewa, Prof. E. Tkach and Prof. O. Meisenberg she received valuable artistic impulses. At the age of twelve she became a prize-winner at the international "Piano Competition for Young Virtuosos" in Czechoslovakia, at the Bulgarian National Music Competition as well as at the competitions "Svetoslav Obretenov" in Bulgaria, "Senigalia" in Italy and "Usti nad Labem" in the Czech Republic. She has also given numerous concerts as a soloist, chamber musician and with orchestra. Her CD recordings in the series "Piano-Piano" were among the ten best-selling classical CDs in Germany in 2009. In addition to her teaching activities in various music teaching institutions in Austria and at the MDW Vienna, she has participated as a juror and lecturer in master classes and international competitions in Austria, Denmark, Ukraine, Portugal, Italy, Finland, Russia and Bulgaria. Among her students are numerous prize winners of national and international competitions. She is the Austrian representative of the international pedagogical organization "Art & Education in the 21st Century", honorary and jury member of the international competition "Viva Piano" in Bulgaria, artistic director of the concert series "Sommerklänge aus dem Stift" in Klosterneuburg, organizes charity events and is involved in charitable projects. Her activities also include video recordings, radio and television performances, and premiere recordings of works by contemporary composers, such as the CD "Ways," which she recorded with Luxembourgian flutist Maria Miteva in 2021 and presented internationally at concerts, radio and television broadcasts. In 2014, she formed a chamber music duo with Austrian saxophonist Michael Krenn, with whom she also released their first joint CD, "Fantastia," featuring works by French composers as premiere recordings. This was received with enthusiasm by critics and was broadcast several times by various international radio stations. The duo experienced great success and participated in various international festivals such as "Varna Summer", "Apollonia", "Salon of Arts", "Music Academy Apollonia", "Weeks of Austrian Music" and "Sofia musikweeks" in Bulgaria "Trencin Autumn" in Slovakia, "Les Concerts du Foyer européen" in Luxembourg, "Gnesina Music Academy" in Moscow and "Alpen Classica SaxFest" in Innsbruck. Also participated several times in the International Music Forums in Stavropol, Trencin, Madeira and Lonigo and gave numerous concerts in Italy, Turkey, Czech Republic, Hungary, Bulgaria, Finland and Austria. In 2021, cellist Matthias Gredler joined the duo and thus the Ensemble Sapiache was born. This unusual instrumentation inspired composers such as R. Bischof, M. Gredler and A. Petrovic who dedicated their works to the trio. Matthias Gredler was born in Munich in 1975. Coming from an Austrian family of musicians, he received his first cello lessons from his father Edgar Gredler (principal cellist of the Munich Radio Orchestra), then studied with Heinrich Schiff and Clemens Hagen in Salzburg and Vienna from 1990 - 1998. He continued his studies with Martin Hornstein in Vienna and Miklós Perényi in Budapest 1998 - 2000. From 1997 - 2000 Matthias Gredler studied chamber music (string quartet, piano/cello duo) with the Altenberg Trio at the Vienna Conservatory and with Rainer Schmidt (Hagen Quartet) at the Mozarteum in Salzburg. Matthias Gredler received further musical impulses from master classes given by such musical personalities as Arto Noras, Peter Matzka, Claus Christian Schuster, Hatto Bayerle, Norbert Brainin, Sigmund Nissl, Martin Lovett, and Valentin Berlinsky. His involvement with chamber music began at an early age. In 1986, together with his sister Manuela Gredler and the pianist Jakob Fichert, he founded a piano trio which existed until 1998. During his youth he won numerous prizes, which enabled him to become active in international concert activities at an early age. Through numerous performances at renowned festivals Matthias Gredler became known as a soloist as well as a chamber musician. 1997 - 2001 intensive occupation with string quartet as cellist of the "Viatores - Quartet". In addition, Matthias Gredler was the solo cellist of the Munich Chamber Orchestra from 1999 - 2001. In 2001 Matthias Gredler took over the position as cellist of the internationally renowned Vienna Piano Trio. With this trio he performed for more than 17 years in important music centers and festivals worldwide. Master classes, such as at the Toronto Summer Music Academy, or the International Chamber Music Academy Hohenstaufen, as well as tours in the USA, England, Asia, Europe and South America, are a regular part of his pedagogical activities. An important focus for Matthias Gredler is the study of contemporary music. Works by composers such as Friedrich Cerha, Johannes Maria Staud, Paul Engel, Harrison Birthwisthle, György Kurtag, Michael Gredler, Thomas Larcher, among others, have been premiered by the Vienna Piano Trio and some of them have been written for this ensemble and its own cycle at the Vienna Konzerthaus. Numerous recordings have received awards, including the Echo Klassik 2010 for Joseph Haydn piano trios and 2017 for piano trios by Johannes Brahms. Since October 2019 Matthias Gredler teaches violoncello at the University of Music and Performing Arts Vienna, as well as at the University of Music and Theatre in Munich. Matthias Gredler plays a cello by J.B. Guadagnini from 1752. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imagen en movimiento en obras audiovisuales y mixtas de nuestro tiempo. Coordinadora: Gabriela Ortiz Percusionista: Diego Espinosa 16 oct 2022 Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional. Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. — Six Japanese Gardens - Interpretación por Diego Espinoza Six Japanese Gardens es una colección de impresiones de jardines que vi en Kyoto durante mi estancia en Japón en el verano de 1993 y mi reflexión del ritmo en aquel tiempo. Como el título indica, la pieza está dividida en seis partes. Cada una de ellas aborda material rítmico de una forma específica, empezando de forma simple en el primer movimiento, en donde la mayoría de la instrumentación es introducida, hacia polirritmias complejas o figuras de ostinato, o alteración rítmica y material puramente colorístico. La selección de instrumentos interpretados por el percusionista es voluntariamente reducida para dar lugar a la percepción de evoluciones rítmicas. Igualmente, los colores reducidos se extienden con la electrónica, en la cual escuchamos sonidos de la naturaleza, cantos rituales e instrumentos de percusión grabados por Shinti Ueno en Kuntachi College Music.[...] Esta obra fue realizada en colaboración con Jean-Baptiste Barrière. La pieza fue comisionada por Kuntachi College Music y escrita para Shinti Ueno Kaija Saariaho Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde vive desde 1982. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM han tenido una gran influencia en su música y sus texturas característicamente exuberantes y misteriosas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de su catálogo comprende obras de cámara, desde mediados de los noventa se ha volcado cada vez más hacia fuerzas más grandes y estructuras más amplias, como las óperas L’Amour de Loin, Adriana Mater y Emilie. Alrededor de las óperas ha habido otras obras vocales, en particular el deslumbrante Château de l'âme (1996), Oltra mar (1999), Quatre instants (2002), True Fire (2014). El oratorio La Passion de Simone, que retrata la vida y la muerte de la filósofa Simone Weil, formó parte del festival internacional de Sellars 'New Crowned Hope' en 2006/07. La versión de cámara del oratorio fue estrenada por La Chambre aux echos en el Festival Bratislava Melos Ethos en 2013. Saariaho se ha adjudicado los principales premios de composición como The Grawemeyer Award, The Wihuri Prize, The Nemmers Prize, The Sonning Prize, The Polar Music Prize. En 2018 fue galardonada con el Premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA. En 2015 fue juez del Premio de Composición Toru Takemitsu. Siempre interesada en programas educativos sólidos, Kaija Saariaho fue la mentora musical de la Iniciativa Artística Rolex Mentor and Protégé 2014-15 y residió en U.C. Departamento de Música de Berkeley en 2015. Saariaho sigue trabajando para el escenario, Only The Sound Remains, su colaboración operística más reciente con Peter Sellars, se estrenó en Ámsterdam en 2016. Ese mismo año, la Metropolitan Opera presentó su primera ópera L'Amour de Loin en su estreno en Nueva York en una nueva producción de Robert Le Page. El Park Avenue Armory y la Filarmónica de Nueva York presentaron una celebración de su música orquestal con acompañamiento visual. En febrero de 2017, París cobró vida con su trabajo cuando fue compositora destacada del Festival Presences de Radio France. Su nueva ópera, Innocence, se estrenará en julio de 2021 en el Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence. Percusionista: Diego Espinosa Cruz Multi-percusionista/artista sonoro dedicado a la expansión de los límites entre la práctica performática de la percusión y otras disciplinas artísticas a través de la exploración del sonido. Espinosa a tocado en 41 países en los cinco continentes colaborando con músicos como Patti Smith, Pierre Boulez, John Zorn, Steve Reich, Philp Glass, John Luther Adams, Kajia Saariaho, Keith Rowe, David Toop, Matmos, Tarek Atoui, y con artistas como Cecilia Vicuña, Alejandro González Iñarritu, Abraham Cruzvillegas, Francis Alÿs, Carlos Amorales, Tania Candiani, Rirkrit Tiravanija, Maotik, Julia Carrillo, Eduardo Terrazas y Adán Paredes. Fue solista en el Royal Albert Hall (Londres) con la Orquesta Nacional de Gales en los BBC PROMS. Ha tocado en escenarios como Tate Modern, Ópera de Berlín, Concertgebouw y Muziekgebouw (Amsterdam), Melbourne Recital Center, Georges Pompidou (París), Sala Nezahualcóyotl y Bellas Artes (CdMx), Phillharmonie (Colonia), China National Theater (Pekín), Art Basel Miami y The Kitchen (NY). Ha recibido premios internacionales en Japón, Holanda, Luxemburgo, Alemania, Estados Unidos y Canadá como el Performance Grand Prize- Tokyo Experimental Festival Vol. 8 (2014) y 2o lugar en uno de los concursos más importantes de música contemporánea: The International Gaudeamus Interpreters Competition (Amsterdam, 2009). Espinosa fue miembro de varios ensambles neerlandeses como Slagwerk Den Haag (Grupo de Percusiones de La Haya), Amsterdam Percussion Group e Insomnio Ensemble. Ha tocado con muchos ensembles como Asko/Schönberg, Nieuw Ensemble, Ives Ensemble, Contrechamps, De Doelen Ensemble y Sinergy Vocals. Obtuvo su doctorado en McGill (Canadá) y una maestría en el Conservatorio Real de La Haya (Países Bajos) gracias a becas como Estudios en el Extranjero (FONCA) y Graduate Excellence Fellowship (McGill University) respectivamente. Ha grabado CDs y DVDs para más de 16 disqueras en Europa y Norteamérica como Mode Records, Tzadik, Cantalloupe, y Col legno. En 2020 estrenó dos discos grabados en NY, uno con Patti Smith/Anoushka Shankar y otro con el cellista Erik Friedlander. Ha sido docente invitado y tocado un par de veces como solista en Columbia University (NY). Fue profesor en la UNAM-Morelia. Actualmente es solista internacional, profesor en la Universidad Anahuac y en la Academia de Arte Florencia. Toca regularmente con Insomnio Ensemble (Holanda). Es miembro del trio Erik Friedlander/Eva Mendoza/Diego Espinosa y Liminar Ensemble. Este año estrenó su quinteto de percusión La Serpiente de los Días por encargo de Carlos Amorales, la galería Kurimanzutto y el Museo Kaluz. Será solista con la Orquesta Sinfónica Nacional en la inauguración del Foro Música Nueva Manuel Enríquez en el Palacio de Bellas Artes estrenando en México For a Change de Per Nørgård. El 22 de octubre, tocará con Patti Smith en el Centre George Pompidou. — blanconegroblanco Autor: Fernando García García. México BlancoNegroBlanco es un video de animación generativa que se vale de múltiples loops de animación que responden a gesto del trazo sobre una tableta digital. Fernando García García (1972) Artista multidisciplinar que utiliza el dibujo, la fotografía, el video, la animación y la instalación interactiva como sus principales medios. Es licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara y Maestro en Artes por la Universidad de Guanajuato. Actualmente se desempeña como académico en el área de Arte y Nuevas Tecnologías de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Fue becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán en 1995 y 2007. En 2008 y 2009 fue Coordinador de Curaduría de la Galería de la Facultad de Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Su obra ha sido expuesta en Canadá, Cuba, Costa Rica, EE UU, Italia, Polonia, República Checa y México. — Homeomorphism Phi_0 Autor: Edmar Soria. México. Electroacoustic Techno + 3D Procedural Modelling Un homeomorfismo también llamado transformación continua, es una relación de equivalencia y correspondencia uno a uno entre puntos en dos figuras geométricas o espacios topológicos que es continua en ambas direcciones. Un homeomorfismo que también preserva las distancias se llama isometría. Las transformaciones afines son otro tipo de interpretación común para el homeomorfismo. Una interpretación común del homeomorfismo es una propiedad topológica de las figuras geométricas que puede transformarse en otra mediante una deformación elástica. En este sentido, este trabajo es una exploración de las posibilidades de deformación elástica (desde una perspectiva metafórica topológica) del sonido en geometrías procesuales visuales, es decir, una propuesta estética del sonido traducido en geometrías y su integración como hiperpartitura para una posterior improvisación guiada. Edmar Soria (Abril 1983) Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica / live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. — Donde la luz se quiebra Autor: Kissel Bravo. México. Animación experimental, donde la narrativa se fragmenta y se compone en diversos momentos, buscando espacios de tensión entre las formas y el sonido, generando ambientes caóticos y choques de fuerzas. Un trabajo que bajo una mirada abstracta intenta conectar con estados afectivos, libres de interpretación, donde entidades artificiales se convierten en organismo en constante evolución. Kissel Bravo Hernández Vive y trabaja en Morelia, Michoacán, México. Su trabajo se enfoca en el uso constante de la tecnología electrónica y digital, así como otros medios alternativos; valiéndose de la posproducción como eje fundamental en su práctica artística. Como característica general de su obra se puede identificar sistemas rizomáticos y deconstructivos, con los cuales establece conceptos y formas que reflexionan sobre el significado de los medios, los procesos de producción y los lenguajes del arte. Su obra se ha presentado en México, España, Perú, Chile, Canadá y Cuba; fue seleccionado para la Trienal Internacional de Tijuana, 2021, al igual que la Bienal FEMSA, 2020. Obtuvo el Segundo lugar en el V Concurso Internacional de Poesía Experimental Francisco Pino 2018, en Valladolid España, también Mención Honorífica en: V Salón y Coloquio Internacional de Arte Digital, Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, La Habana Cuba, 2005. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán, México. — Emerge Autora: Daniela Levy Esses. México Animación experimental con fines estéticos que surge a partir de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de forma y movimiento en el espacio digital, partiendo de una lógica que se percibe en el mundo natural y se traduce a la ciencia computacional Daniela Levy Esses Nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rupturas y Encuentros [MÉXICO] Intérprete (sax): Jorge Hoyo (México) 26 jun 2015 El repertorio seleccionado para este concierto representa la propuesta estética de cuatro compositores internacionales dedicados a la creación contemporánea. Aprovechando las posibilidades técnicas del saxofón, estos cuatro compositores proponen un lenguaje musical para el siglo XXI que combina el saxofón y la electroacústica. Jorge Hoyo, saxofonista Originario de la Ciudad de México, obtuvo el Bachelors of Music en 2001 en el Conservatorio de Boston, Estados Unidos en la cátedra de Ken Radnofsky. Al año siguiente ganó una beca del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para continuar sus estudios en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt en París bajo la dirección de Jean-Michel Goury. Después de conseguir el Premier Prix de saxofón, obtuvo el grado de Perfeccionamiento, profundizando en el repertorio contemporáneo y en Pedagogía. En 2011 obtuvo la maestría en Educación Musical por la Universidad de Granada en España. Como saxofonista, ha sido invitado a participar en varias ediciones del Encuentro Universitario Internacional de Saxofón que organiza la UNAM, en el XV Congreso Mundial de Saxofón en Bangkok, Tailandia, así como en la North American Saxophone Alliance Conference en Columbia, Estados Unidos en 2008. En México se ha presentado en foros como la sala Hermilo Novelo del Centro Cultural Ollin Yoliztli, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y la sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario. Su interés por la música contemporánea lo ha llevado a colaborar con diversos compositores y ha estrenado obras de Dana Brayton, Howard Frazin y John McDonald (Estados Unidos); José Luis García y Joan Riera (España); Alejandro Morales y David Hernández (México); Geoffrey François (Francia), Shih-Hui Chen (China) y Halim El-Dahb (Egipto). En su actividad docente, ha sido profesor de saxofón en el Conservatorio de Nantes y en escuelas municipales de la región de Bretaña en Francia. Ha impartido cursos y clases magistrales en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, el Conservatorio Superior de Málaga en España y la Universidad de Costa Rica. Programa To and fro (male courtship song) (2003) - Sergio Luque (México/España) Couleur sans bout (2005) - Geoffrey François (Francia/Bélgica) Memoria (2015) - Otto Castro (Costa Rica) Rupture (2015) - Pedro Rivadeneira (Argentina/Estados Unidos) Previous Next