Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Personare. [BRASIL / MÉXICO] Iracema de Andrade (Brasil/México) 31 ago 2018 Iracema de Andrade presenta un programa confirmado por obras electroacústivas de reciente creación para violoncello eléctrico de 5 cuerdas. Las obras que conforman el concierto "Personare" exploran universos sonoros combinados con sonidos electroacústicos, difundidos a través de un sistema pentafónico y con proyección de imágenes, pretenden expandir y replantear el concepto mismo de instrumento. La deconstrucción del gesto musical instrumental y su percepción en el espacio acústico multicanal propician ambigüedades sonoras que a la vez desafían e instigan la recepción del fenómeno musical. Iracema de Andrade Músico de gran versatilidad y compromiso con las expresiones artísticas de su tiempo. Es Doctora en Interpretación Musical, con Mención Honorífica, por la Facultad de Música de la UNAM con especialidad en el campo del repertorio contemporáneo para violoncello y medios electroacústicos. Ha sido ganadora de la Medalla "Alfonso Caso" al mérito Académico otorgada por sus destacados estudios doctorales. En Inglaterra realizó estudios de Maestría en la University of West London y obtuvo el Fellowship Diploma y el Certificado de Estudios Avanzados del London College of Music. En Brasil, estudió en la Universidad de SAo Paulo, en donde obtuvo la Licenciatura en Música. ha ofrecido numerosos recitales de Música contemporánea en importantes salas de México, Brasil, canadá, EUA, Inglaterra, Argentina, Cuba y Escocia, además de haber realizado presentaciones en vivo para la BBC de Londres, Radio UNAM, OPUS 94.5 y Radio Educación con el estreno de diversas obras. Desde el año 2000 se desempeña como docente en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes y actualmente es investigadora del Centro Nacional de Investigación Documentación e Información Musical "Carlos Chávez". Previous Next

Este concierto presenta obras electroacústicas y mixtas realizadas por destacados compositores que forman parte de la planta académica de la Escuela de Artes Musicales y Sonoras y de la Escuela de Ingeniería Civil Acústica, ambas unidades de la Universidad Austral de Chile. < Back Ir al final | go to botom Concierto de académicos/compositores Universidad Austral de Chile Este concierto presenta obras electroacústicas y mixtas realizadas por destacados compositores que forman parte de la planta académica de la Escuela de Artes Musicales y Sonoras y de la Escuela de Ingeniería Civil Acústica, ambas unidades de la Universidad Austral de Chile. 1.- Mombasa mix (2020), 8’18"_Felipe Otondo (cl) 2.- Próxima parada (2021), 8'00"_Igor Marques (br/cl) 3.- Tramas particulares, acumulaciones complejas (2020), 5’00”_Alejandro Albornoz (cl) 4.- A Negative of Knowledge (2018) Parte 2: Audio Artifacts, 5'44"_ André Mestre (br/cl) 5.- Huellas (2018), Parte 1, 4’26”_Rodrigo Castellanos (mx/cl) Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Stardust y Arenero. [MÉXICO / AUSTRIA] Mauricio Valdés (México), Elisabeth Schimana (Austria)" 13 nov 2015 Los compositores y artistas sonoros presentarán un concierto de música electrónica en el que utilizarán dos proyectos: por un lado Stardust, una obra que recae en las habilidades escénicas de Elisabeth Schimana, intenta transponer la precisión acústica para matizar, finalmente, conceptos con la ayuda de estructuras algorítmicas. El otro, Arenero, es un software de improvisación guiada el cual funciona como una plataforma modular que permite hacer diferentes tipos de adaptaciones en vivo a sus mecanismos de manipulación sonora fungiendo como una plataforma de colaboración sonora. Mauricio Valdés San Emeterio. Compositor, artista sonoro y promotor cultural. Su trayectoria como compositor se ha desarrollado alrededor de diferentes áreas artísticas. Principalmente cerca de la música acústica, la música electroacústica, experimental y la instalación sonora. Su catalogo contempla obras para instrumento sólo, ensamble, obra mixta, improvisación guiada, instalación, performance, cine y diversas artes escénicas. Sus obras se han presentado en 18 países dentro de la programación oficial de diferentes festivales, congresos y simposios de música y arte sonoro. Elisabeth Schimana ha trabajado como compositor, intérprete y artista sonoro desde 1983, estudió electroacústica y música experimental en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena, composición de música por computadora en el IEM, Graz y musicología y etnología en la Universidad de Viena. Su trabajo se concentra desde hace muchos años en el espacio / cuerpo / electrónica. Tiene diversas colaboraciones en curso con el Kunstradio austriaco. Interesada también en la investigación sobre la mujer, el arte y la tecnología. En el 2005 fundó el IMA, Instituto de Arqueología de Medios. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: El encuentro de la memoria fragmentada. [CUBA] Yanier Hechavarria Mayas (Cuba) 19 ago 2015 El encuentro de la memoria fragmentada” es un proyecto multidisciplinario que se inspira de las obras pictóricas de la última etapa del pintor cubano Servando Cabrera Moreno. Estas piezas, en su mayoría, representan fragmentos de cuerpos humanos, dorsos, piernas que se mezclan creando nuevas formas abstractas, sensuales y eróticas. Estas nos muestran al ser humano desde la intimidad, el anonimato, su estado primario e irracional. Libre y despojado de su cabeza, el cuerpo se torna salvaje, vibra, se transforma, se mezcla con otros cuerpos y construye su propio camino. Es el protagonista y el único testigo de nuestras experiencias carnales; es el objeto tangible sobre el que se inscribe toda nuestra memoria, nuestra existencia, nuestra historia individual y la de otros que han participado de ella. Es el cuerpo una materia viva, transparente a través de la cuál podemos vernos, reconocernos y reconocer a los otros. Compositor y saxofonista, Yanier Hechavarría Mayas (Habana, Cuba, 1984) es un músico con una formación bastante amplia. Su música abarca estilos diversos que van desde la música contemporánea, el jazz, música popular cubana y latinoamericana. Interesado en las artes plásticas, el cine y la danza, concibe el arte como un sistema de disciplinas heterogéneas, pero combinables y capaces de generar nuevas formas del discurso estético. Previous Next

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Ensamble de clarinetes ASAB [COLOMBIA] "Colombia Víctor Manuel Suárez Burgos, Clarinete Piccolo Carlos Esteban González López, Clarinete 1 María José Ortiz Reina, Clarinete 2 Daniel Alejandro Torres Melo, Clarinete 3 Mariana Clavijo Ledesma, Clarinete bajo 1 Jorge Andrés Vélez Ospina, Clarinete bajo 2, Director " 27 oct 2023 "1. Fiesta de mi Pueblo - Juan Felix Monje Cardozo 2. Solfeggietto - Bumble Bee - Carl Philipp / Emanuel Bach - Rimski-Korsakov 3. Tal vez fuera un Presagio - Jorge Andrés Vélez Ospina 4. En un lugar de la tinta - Juan Pablo Cediel Ballesteros 5. Sabor a mi - Álvaro Carrilo 6.Fantasia llanera - Julián Camilo Puerto 7. Cimarrón, sabana y rejo ""Jorop Entreverao"" - Jorge Andrés Vélez Ospina 8. sabrosongo - Jorge Andrés Vélez Ospina El ensamble de clarinetes ASAB fue creado en el año 2011 como una alternativa de formación integral, cuyo objetivo principal era brindar a los estudiantes de pregrado y preparatorio del énfasis de clarinete de la Facultad de Artes ASAB, Universidad Distrital Francisco José de Caldas, un espacio de trabajo colaborativo, que vinculara a integrantes de diversos niveles en un objetivo común. Además de aspirar a la formación de la más alta calidad interpretativa en cada uno de sus miembros, el ensamble funciona como laboratorio para la producción y apropiación de arreglos, transcripciones y composiciones, creadas por sus integrantes. El Ensamble participó en la cuarta edición del Festival de Clarinetes “CLARIBOGOTA” en el año 2013, obtuvo una invitación para vincularse con dos conciertos a la programación cultural de Semana Santa en Duitama, Boyacá, en el año 2014" Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Sonidos en mi laberinto. [ARGENTINA] Eleazar Garzon (Argentina) 3 ago 2018 Paisajes imaginarios es un recorrido sonoro por diferentes propuestas musicales que abarcan desde el género acusmático, música mixta (instrumentos - sonidos digitales) y piezas construidas con extracciones sonoras de diferentes expresiones originarias de Argentina (folklore, tango) y procesadas en una mbiente electroacústico. Eleazar Garzón Nacido en la provincia de Córdoba, Argentina. Graduado de Maestro Superior en Armonía y Contrapunto en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Estudió composición estocástica y nuevos algoritmos de composición con el profesor César Franchisena. En la actualidad es Doctor en Composición y en el campo profesional es Profesor Titular de Composición, así como de Contrapunto en la Facultar de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Es principalmente un compositor acústico, su música se ha realizado en Argentina, Chile, México, Estados Unidos de América, Canadá, Reino Unido, España, Francia, Suiza, Alemania, Italia y Singapur. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Marimba Electroacústica. [JAPÓN-MÉXICO] Interprete: Yuko Yoshikawa (Japón) Compositores: Robert Aldridge, Carlos Sanchez Gutierrez, Ana Paola Santillan Alcocer, Kenny Garrett, Rodrigo Sigal. 25 abr 2014 "Yuko Yoshikawa nos comenta: La idea de este concierto es de presentar algunos de los compositores claves en el repertorio de marimba en el mundo. En el verano pasado, tuve la oportunidad de trabajar con Ana Paola Santillan para crear un concierto de marimba en Montreal donde se abordaran distintos compositores mexicanos. Mi deseo es de retomar algunos de estas obras y mezclarlas con un toque internacional incluyendo compositores de Japón y Estados Unidos. Con este programa trato de presentar y explorar los diferentes lenguajes dentro del repertorio de marimba. Yuko Yoshikawa es una activa intérprete establecida en Boston, la cual cuenta con un amplio repertorio para marimba y percusión. La Srita. Yoshikawa es una artista comprometida con la música contemporánea de marimba, y frecuentemente comisiona nuevas obras. Colabora con numerosos compositores, estrenando piezas tanto para marimba solo así como piezas para ensamble. Como intérprete solista ha sido invitada para formar parte de la residencia en la University of South Florida, así como festivales de música tales como: KoSA X, SMARTS Institute, Zeltsman Marimba Festival y PASIC. Ha recibido múltiples premios: Ganadora de la competencia del Aspen Music Festival and School (’00), el premio Artístico en la Naniwa Arts Foundation Festival (‘99), ganadora de la competencia de solo de graduación en la Osaka College of Music (’99). De igual forma, fue semifinalista en la competencia del World Marimba en Stuttgart (‘02) y semifinalista en la competencia Internacional de Marimba en Bélgica (‘04). La Srita. Yoshikawa comenzó su entrenamiento musical como pianista a la edad de tres años, percusionista a los nueve, y marimbista a los quince. Obtuvo su licenciatura en ejecución de percusiones en la Osaka College of Music, en Japón. Maestría en ejecución de marimba en el Boston Conservatory donde estudió con la mundialmente reconocida marimbista Nancy Zeltsman y Pat Hollenbeck, percusionista de la Boston Pops y la Sinfónica de Boston. La Srita. Yoshikawa promociona la marca Marimba One. Ana Paola Santillán / México DF Inició sus estudios en el Centro de Investigación y Estudios de la Música, con Ma. Antonieta Lozano, Gerardo Taméz y Alejandro Velasco. Obtuvo la Licenciatura en composición, con distinción, por la Trinity College London bajo la tutoría de Vincent Carver. Con el apoyo de la beca Fulbright-García Robles, obtuvo la maestría con honores en Rice University donde estudió con Arthur Gottschalk y piano con Jeanne Fischer. Actualmente estudia el doctorado en composición con John Rea en McGill University, gracias a la Beca para Estudios en el Extranjero FONCA-CONACYT y la McGill International Doctoral Award Scholarship (MIDAS). Su obra NEMESIS, para Orquesta, fue seleccionada para representar a México en el 57th INTERNATIONAL ROSTRUM OF COMPOSERS de la UNESCO (2010). Resultó ganadora al Programa de Comisión de Obra del Sistema Nacional de Fomento Musical de CONACULTA y obtuvo mención honorífica en el concurso para la New England Philharmonic. Con el apoyo de la UNESCO fue compositora en residencia en el Virginia Center for the Creative Arts (2005). Su obra Fractum, está publicada por Alea Publishing and Recording.
Sus obras han sido ejecutadas por el Canadian Contemporary Ensemble, Gail Archer, Het Trio, Cuarteto Carlos Chávez, New York New Music Ensemble, Speculum Musicae. Programa 1. Extractos de “My Little Island” Robert Aldridge II. Tango III. dance of Passion V. Hymn 2. Winik/Te' Carlos Sanchez Gutierrez 3. IMBROGLIO Ana Paola Santillan Alcocer 4. Sing a Song of Song Kenny Garrett, adaptación por Akie Takada 5. Rimbarimba Rodrigo Sigal Yuko Yoshikawa, marimba Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: TIEMPO-PIEDRAS 4 composiciones para la incertidumbre [México] Nayeli Santos (México) Jose Orozco Mora (México) 26 jul 2024 TIEMPO-PIEDRAS: CUATRO COMPOSICIONES PARA LA INCERTIDUMBRE es un proyecto multidisciplinario que reúne cuatro composiciones sonoras para un video-performance. La artista mexicana Nayeli Santos, quien está a la cabeza de este proyecto, hace la curaduría de cuatro músicos, cada uno de ellos realiza una composición sonora re-interpretando el video Tiempo-Piedras, el cual es una producción de la autoría de Santos. La activación del video-perfomance consiste en anular el audio original para abrir un espacio de experimentación sonora que acompaña las imágenes proyectadas y el sentido poético del video-performance, haciendo una simbiosis entre lo visual y lo sonoro. El músico invitado en esta ocasión es Jose Orozco Mora (México). En su práctica explora características elementales del sonido, experimentando con diversos tipos de afinaciones y temperamentos, el contenido armónico y la textura desarrollada por la combinación de frecuencias de los objetos acústicos y electrónicos que utiliza como medios sonoros. Su colaboración en el proyecto, esta basada en una composición inclinada hacia la corriente del ambient. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Iván Abreu. Iván Abreu (Cuba) 1 ago 2022 Cuatro direcciones de la luz La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas. La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas: 1. La densidad escénica y conceptual de Juan José Rivas, presentada a través de dos obras donde la luz desempeña diferentes roles. E:Envolverse es una acción sonora que hace una alusión simbólica a la música por la expectativa escénica de instrumentos musicales que poco o nunca cumple la razón para la que fueron fabricados, y la luz enfatiza y dramatiza sonidos texturales, accidentales notas de piano y gestos percutivos, visualizando la actividad de los performers. Por otro lado Splendrum es una instalación sonora que constituye un sistema de retroalimentaciones donde un sintetizador y un transmisor de radio FM causan las variaciones de luz y esta a su vez retroalimenta y causa la automatización de percusiones. A esta sección del programa decidí llamarla “luz cenital”, la dirección de la luz que utiliza el cine para expresar irracionalidad y dramatismo. En un caso la luz visualiza, enfatiza y dramatiza la premisa de la obra y en el otro la luz es el intérprete. 2. Gabriela Reyes [Cero Tres] y Jorge Flores [FFAKT] poseen un consistente cuerpo de obras sobre luz, arquitectura y sonido, obras que han desarrollado en su proyecto conjunto f3.studio. XY es una instalación sonora y de luz de escala arquitectónica cuya sinestesia entre la luz y el sonido es resultado de los quirúrgicos procesos de iluminación procedural que comanda el set de instrucciones DMX* en tiempo real, el video-registro permite experimentar la obra de manera diferente a los que habitaron la iluminación y el sonido in situ, por lo que es una interpretación audiovisual o de motion-graphic art de los planos cinematográficos favoritos de los autores. A esta sección del programa decidí llamarla “luz nadir”, que es cuando la iluminación viene desde abajo, algo que también sucede en la instalación, esta es la dirección de la luz menos probable en la naturaleza, y por tanto la percibimos más artificial. Se me hizo coherente para el único proyecto totalmente digital del programa, en contraste con el resto de proyectos que recurren mayormente a la acústica física y a la electrónica analógica. 3. Arcangelo Constantini ha generado un extenso cuerpo de obra vinculado a arqueología tecnológica y experimentación estética basado en la especulación científica; para este programa presentamos cuatro de sus dispositivos sonoros de autor cuyo eje es la luz, resumidos en dos acciones sonoras. La primera acción sonora utiliza Jetpulse, registro comisionado por Audition Record, la escultura sonora utiliza un compresor de aire, alto voltaje y gas, la obra está inspirada en un misil V1 alemán de la segunda guerra mundial, premisa evidenciada tanto por su analogía con una bazuca como por la forma en que Arcangel la activa durante la acción, el proyecto utiliza el concepto de accidentes controlados como premisa de l acción visual sonoras; La segunda es un concierto en el laboratorio del artista con tres máquinas transductoras de luz a sonido: 1) Phonotube, 2) Oculo, 3) Perculed. Phonotube rescata la tradición del sonido óptico en cine con patrones impresos en un negativo fotográfico sobre un tubo fluorescente, Oculo es un ladron de jules, que genera de picos de voltajes de alta frecuencia, un circuito que permite que una pila de 1.5 volts logre prender un Tubo fluorescente circular de 20 watts, el performances es la alteración energética con la estática y conductividad eléctrica de la piel, todo el proceso es sonificado con un fotosensor, y finalmente Perculed, un patrón de leds programados en 1 bit , que son sensados con fotoceldas que transduce la luz a sonido y son manipulados en vivo por el artista. A esta parte del programa la llamé “luz frontal” por la honestidad electromecánica y electroquímica de dispositivos sonoros de autor, experiencia que deviene en una serie de accidentes controlados donde la electricidad se expresa y la luz es un testimonio del experimento sonoro. 4. Juan Pablo Villegas es artista sonoro y cineasta, su formación en cine atraviesa gran parte de su obra, por consecuencia la luz también es un tema recurrente en su trabajo, para este programa muestro dos de sus obras; la primera se llama Balance, una obra audiovisual donde poco a poco se revela el az de luz de un proyector de cine como una ilusoria escultura de polvo, siempre quedan fuera de campo el proyector cinematográfico y la posible imagen que este proyecta; el sonido acentúa este juego de expectativas sin resolver; Balance es una obra inspirada en el diagrama de Minkowski, en el que el espacio y el tiempo se representan como dos conos en colisión. La segunda obra, Strobe, es una obra audiovisual de un concierto donde Juan Pablo manipula luces, y registra y procesa el sonido de la actividad electroquímica del strobe, el video del acto en vivo deviene en obra audiovisual gracias a los planos cinematográficos y el montaje que recrean una nueva experiencia delirante y diferente a la experiencia de haber estado en el lugar del acto. A esta parte del programa la llamé “Contraluz”, cuando la iluminación se encuentra detrás del sujeto y produce un efecto visual de silueta y limpieza de la forma; el trabajo de Juan Pablo tiende a la síntesis y limpieza de conceptos, estos proyectos reducen la complejidad formal en pro de una complejidad conceptual asociada a la luz. * DMX, ( Digital MultipleX) Protocolo digital de control escénico de iluminación Programa: Cuatro direcciones de la luz 1. Luz cenital Juan José Rivas Splendrum 1'50'' (2020) E: Envolverse (Série Plexus Ac) 4'56'' (2019) 2. Luz nadir Gabriela Reyes [Cero Tres] and Jorge Flores [FFAKT] (f3.studio) XY 7'04'' (2020) 3. Luz frontal Arcangel Constantini Jetpulse 2'54'' (2016) Concierto con tres dispositivos sonoros (Fonotube, Oculu y Perculed) 12'10'' (2020) 4. Contraluz Juan Pablo Villegas Balance 3'04'' (2020) Strobe 1'03'' (2010-2014) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Infinite Lives. [REINO UNIDO] Robbie Thomson (UK) 29 sep 2017 Infinite Lives es un performance-instalación inmersivo que utiliza sonido envolvente, luz intensa, escultura quinestésica, animación en 3D y video en tiempo real. Semejante a algún tipo de laboratorio, instrumentos, microscopios, especímenes vivos y dispositivos robóticos, son manipulados y movidos en tiempo a los efectos de una iluminación firmemente coreografiada con una partitura electrónica en vivo. Basándose en una amplia gama de Influencias, desde la neurociencia a la psicodelia, Infinite Lives nos lleva a un universo inesperado de estructuras extra dimensionales y visuales pulsantes. Infinite Lives es un juego de composición e incidencias al azar. En parte experimental y en parte ritual, esta presentación se desarrolla desde movimientos atómicos hacia un ambiente donde el artista Robbie Thomson armoniza con las máquinas, quienes habitan este mundo. Robbie Thomson es un artista con residencia en Glasgow que trabaja en los campos del arte visual, música y teatro. Su práctica multidisciplinaria se ha enfocado en el uso de nuevas tecnologías como punto inicial y metodología para su trabajo. Sus intereses actuales van desde la interacción de la tecnología con la conciencia -- cómo la mente contemporánea está influenciando y se está dejando influenciar por la arquitectura y ultra conectividad. Sus trabajos más recientes incluyen: XFRMR – una presentación AV en vivo que incorpora una bobina Tesla cantante, sintetizadores y audio visuales reactivos; The New Alps – una instalación de gran formato inspirada en el paisaje post-industrial; y The Eye – una adaptación de Story of the Eye que incorpora performance, robótica y streaming en tiempo real. Thomson se convirtió en una asociado de Cryptic Associate en 2013. Su trabajo ha sido presentado en Australia, Francia, Indonesia, México, Los Países Bajos, Corea del Sur y el Reino Unido. La residencia de Robbie Thomson es posible gracias al apoyo CMMAS, Anglo Arts, British Council y Cryptic. Presentado como parte del proyecto Seeing Hearing UK Mexico, una colaboración de 3 años entre el Reino Unido y México con el apoyo de Anglo Arts, el departamento cultural de The Anglo Mexican Foundation A.C.; British Council México; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) y Cryptic. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Edson Zampronha. [BRASIL / LETONIA] Compositor e intèrprete: Edson Zampronha (Brasil) Pianista: Nika Jonicenoka (Letonia) 5 mar 2015 Concierto curado por el compositor Edson Zampronha, actualmente en residencia en el CMMAS. También se estrenará la obra MexiColor Noise de la compositora Elsa Justel. PROGRAMA Lamenti - Edson Zampronha Composición para piano III - Edson Zampronha Curva ao Infinito - Edson Zampronha piano, Nika Jonicenoka El Gran Zumbidor* - Edson Zampronha MexiColor Noise* - Elsa Justel * Estreno mundial EDSON ZAMPRONHA ha sido galardonado con dos destacados premios de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo (Brasil) y ha sido el vencedor del 6º Premio Sergio Motta, el más importante en Arte y Tecnología de Brasil, por la instalación sonora Atractor Poético realizada con el Grupo SCIArts. Su obra ofrece una nueva expresividad a la escena de la música clásica avanzada: una nueva perspectiva que abre caminos originales para la experiencia musical e investigación sonora, conectada con una comunicación muy convincente con el público. Ha recibido encargos de diferentes grupos e instituciones, como del Museo para las Artes Aplicadas en Colonia (Alemania); de la Fundación de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo - OSESP (Brasil), y de la Banda Sinfónica del Estado de São Paulo para el 100º aniversario de la Pinacoteca del Estado de São Paulo (Brasil). Sus obras han sido presentadas en algunas de las principales salas de concierto de la música clásica y contemporánea, como en el Auditorio 400 del Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, España; en el CBSO Centre de Birmingham, Inglaterra, y en la Sala São Paulo, Brasil. Sus composiciones están incluidas en tres CDs monográficos (Sensibile, Modelagens y S’io Esca Vivo) y en otros quince CDs lanzados por diferentes sellos discográficos. Su catálogo incluye más de 100 obras para orquestra, banda sinfónica, ópera, coro, ballet, teatro, instalación sonora, música electroacústica, música de cámara y cine. Es autor del libro Notação, Representação e Composição, y ha organizado cinco otros libros sobre música. Tiene más de 30 artículos publicados. Es Doctor en Comunicación y Semiótica – Artes, por la Universidad Católica Pontificia de São Paulo, y ha desarrollado una investigación de Pos-doctorado en Música en la Universidad de Helsinki (Finlandia). Es Máster en Composición Musical por la Universidad Federal de Rio de Janeiro, y es Licenciado en Composición y Dirección en la Universidad Estatal de São Paulo, Brasil. Es Profesor Consultor en la Universidad Internacional Valenciana, España. Ha impartido diversos conciertos, cursos y master-clases, como en el Museo Reina Sofía - Madrid, en la Universidad de Birmingham - Inglaterra, y en la Universidad Estatal de São Paulo - Brasil. Elsa Justel Compositora y videasta franco-argentina, nacida en Mar del Plata. Inició su carrera musical en el Conservatorio Provincial "Luis Gianneo" de Mar del Plata, egresando como Profesora Superior de Educación Musical y Dirección Coral. Posteriormente realizó estudios de composición con los maestros Virtú Maragno y Sergio Hualpa y de Medios electroacústicos con los maestros José Maranzano y Francisco Kröpfl, en Buenos Aires. Mas tarde se traslada a Francia donde obtiene el Doctorado en Estética, Ciencias y Tecnologías de las Artes en la Universidad de Paris Sorbona. Su música y sus videos han sido premiados en diferentes concursos internacionales, entre ellos: Prix Ton Bruynel, Holanda (2005), Concurso Internacional de música electroacústica de Bourges (1989 y 2001), Premio Phonurgia-France Culture (2001), Stipendienpreis, Darmstadt, Alemania (1990), Premio Ars Electronica, Linz, Austria (1992), Video Evento d’Arte, Italia (2002), Tribunas de música contemporánea y electroacústica, Buenos Aires, Argentina (2000,1989,1987). Ha recibido numerosos encargos del Estado francés y de diversos estudios europeos
Su producción musical y audiovisual ha sido difundida y proyectada en los mas importantes festivales internacionales de arte electrónico y grabada por los sellos : Empreintes Digitales de Canadá-(http://www.electrocd.com/); J&W (Canadá), 00Discs (EU), Acousmatica (France), Organizad Sound (UK), La muse en Circuit/Radio France/WDR3. Ha realizado una intensa actividad pedagógica en el Conservatorio y la Escuela de Artes visuales de Mar del Plata. Fue invitada a dictar seminarios y clases magistrales en las Universidades de Lanùs y Quilmes, el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, entre otras instituciones oficiales y privadas. En Europa se desempeñó como Adjunta de Investigación y Educación en la Universidad de Marne La Vallée de Francia, dictó talleres y clases magistrales en las Universidades Pompeu Fabra (Barcelona-España), Instituto de Fonología (La Haya-Holanda), Universidad de Rennes (Francia); Conservatorios y Escuelas de música de Bruselas (Bélgica), Barcelona (España), Bourges, Pantin y Chelles (Francia). Previous Next