Ir a cmmas.org < Regresar Dúo Elegía [MÉXICO] Interpretes: Alejandro Heredia y Carlos Ávila 8 jun 2012 "Dúo Elegía Agrupación conformada por los guitarristas Alejandro Heredia y Carlos Ávila, dedicada primordialmente a la colaboración con diversos compositores mexicanos para la gestación y estreno de música contemporánea y electroacústica. Realizan una continua actividad musical habiéndose presentado en distintas partes de la Republica Mexicana como Zacatecas, Tamaulipas, Guanajuato, Querétaro, Jalisco, Aguascalientes, Baja California Sur, Yucatán y San Luís Potosí, así como en los diversos foros de la ciudad de Morelia y del Estado de Michoacán. Han sido beneficiarios del Programa de Estímulos para la Creación y Desarrollo Artístico (PECDAM) y del Programa de Coinversiones para la Producción Artística, ambos pertenecientes al Sistema Estatal de Creadores del estado de Michoacán (SECREA) en las emisiones 2007, 2008 y 2009. Han participado en el Festival Internacional de Guitarra de Morelia, Festival Arte Joven, Festival Internacional de Música Contemporánea de Michoacán y Festival Visiones Sonoras. Cuentan en su haber con el disco “Música nueva para dos guitarras” que copila obras de compositores michoacanos y el DVD “Perspectivas Sonoras Vol. 1” dedicado al compositor Javier Álvarez. Programa Elegía nº2 (2002) - Hebert Vázquez Espiral eterna (1967) - Leo Brouwer Canticum (1958) - Leo Brouwer 3 Instantáneas - Manuel Enríquez Preludio y son (1984) - Ernesto G. de León Estudio posmodernos (2006) - Horacio Uribe Cante - Mario Lavista Almagre y azul (2010) - Javier Álvarez" Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Elsa Justel [ARGENTINA] Elsa Justel (Argentina/Francia) 13 mar 2014 Elsa Justel Compositora y videasta franco-argentina, nacida en Mar del Plata. Inició su carrera musical en el Conservatorio Provincial ""Luis Gianneo"" de Mar del Plata, egresando como Profesora Superior de Educación Musical y Dirección Coral. Posteriormente realizó estudios de composición con los maestros Virtú Maragno y Sergio Hualpa y de Medios electroacústicos con los maestros José Maranzano y Francisco Kröpfl, en Buenos Aires. Mas tarde se traslada a Francia donde obtiene el Doctorado en Estética, Ciencias y Tecnologías de las Artes en la Universidad de Paris Sorbona. Su música y sus videos han sido premiados en diferentes concursos internacionales, entre ellos: Prix Ton Bruynel, Holanda (2005), Concurso Internacional de música electroacústica de Bourges (1989 y 2001), Premio Phonurgia-France Culture (2001), Stipendienpreis, Darmstadt, Alemania (1990), Premio Ars Electronica, Linz, Austria (1992), Video Evento d’Arte, Italia (2002), Tribunas de música contemporánea y electroacústica, Buenos Aires, Argentina (2000,1989,1987). Ha recibido numerosos encargos del Estado francés y de diversos estudios europeos
Su producción musical y audiovisual ha sido difundida y proyectada en los mas importantes festivales internacionales de arte electrónico y grabada por los sellos : Empreintes Digitales de Canadá-(http://www.electrocd.com/); J&W (Canadá), 00Discs (EU), Acousmatica (France), Organizad Sound (UK), La muse en Circuit/Radio France/WDR3. Ha realizado una intensa actividad pedagógica en el Conservatorio y la Escuela de Artes visuales de Mar del Plata. Fue invitada a dictar seminarios y clases magistrales en las Universidades de Lanùs y Quilmes, el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, entre otras instituciones oficiales y privadas. En Europa se desempeñó como Adjunta de Investigación y Educación en la Universidad de Marne La Vallée de Francia, dictó talleres y clases magistrales en las Universidades Pompeu Fabra (Barcelona-España), Instituto de Fonología (La Haya-Holanda), Universidad de Rennes (Francia); Conservatorios y Escuelas de música de Bruselas (Bélgica), Barcelona (España), Bourges, Pantin y Chelles (Francia). Participó como conferencista en numerosos congresos de Música e Informática musical. Es miembro del Colegio Doctoral de la Universidad de Paris Norte, del CICM (Centro de Informática y Creación musical) y de AFIM (Asociación francesa de informática musical) y RedASLA (Red de Arte Sonoro Latinoamericano) y Presidenta de la Fundación Destellos." "Programa 1. Mats - Elsa Justel - (Encargo del Estado-1999-Francia) 2. Caja de sueños - Sergio Santi (Argentina) - (Nominada en el Concurso Destellos 2011) 3. Bastet - Elsa Justel - (Premio Ton Bruynel 2005) 4. Hooks - Roeland Luyten (Bélgica) - (Nominada en el Concurso Destellos 2012) 5. Cercles et surfaces - Elsa Justel - (Encargo del Estado-2013-Francia) Previous Next

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Imaginarios Sonoros. [ARGENTINA] Diego Macias Steiner (Argentina) 1 dic 2017 Este concierto recorre los imaginarios sonoros del artista en su doble faceta de intérprete y compositor. Este concierto recorre las músicas encontradas, atesoradas, recreadas y escritas. Diego Macías Steiner es pianista, compositor, docente y editor nacido en Buenos Aires, Argentina. Es Profesor Superior de Piano, Diplomado Superior en Interpretación en Piano de Música Contemporánea y en la actualidad presenta su tesina en Composición con Nuevas Tecnologías. En Buenos Aires, dicta sus cátedras de Piano y de Repertorio para Piano Contemporáneo, y en distintos conservatorios y universidades de su país ha realizado clases abiertas, talleres y clases maestras. Además de dar conciertos en distintas salas de la Argentina, también lo hizo en ciudades europeas como Madrid, Acqui Terme, París y americanas como Lima, Toronto y Nueva York. Como compositor y editor publicó sus “VII Pequeños Estudios - a partir del lenguaje de las vanguardias del siglo XX” para piano y sus “VI Pequeños Estudios Electroacústicos - Imaginarios Sonoros” para audio y piano, libro que presenta en esta oportunidad. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Iván Abreu. Iván Abreu (Cuba) 1 ago 2022 Cuatro direcciones de la luz La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas. La luz y el sonido son universos que han sido relacionados hace más de 300 años. El Círculo de colores y notas musicales del físico Isaac Newton, fue uno de los cientos de intentos de dar forma a esta relación; hoy sabemos que es una representación simbólica, un intento más de dar orden al caos y esquematizarlo, lo que no deja ser una ficción más para operar en el mundo. A pesar de que la luz en la visualización sonora es un tema canónico; sigue siendo una materia estética revisitada y utilizada una y otra vez por artistas contemporáneos. El programa trata este tema desde cuatro propuestas artísticas: 1. La densidad escénica y conceptual de Juan José Rivas, presentada a través de dos obras donde la luz desempeña diferentes roles. E:Envolverse es una acción sonora que hace una alusión simbólica a la música por la expectativa escénica de instrumentos musicales que poco o nunca cumple la razón para la que fueron fabricados, y la luz enfatiza y dramatiza sonidos texturales, accidentales notas de piano y gestos percutivos, visualizando la actividad de los performers. Por otro lado Splendrum es una instalación sonora que constituye un sistema de retroalimentaciones donde un sintetizador y un transmisor de radio FM causan las variaciones de luz y esta a su vez retroalimenta y causa la automatización de percusiones. A esta sección del programa decidí llamarla “luz cenital”, la dirección de la luz que utiliza el cine para expresar irracionalidad y dramatismo. En un caso la luz visualiza, enfatiza y dramatiza la premisa de la obra y en el otro la luz es el intérprete. 2. Gabriela Reyes [Cero Tres] y Jorge Flores [FFAKT] poseen un consistente cuerpo de obras sobre luz, arquitectura y sonido, obras que han desarrollado en su proyecto conjunto f3.studio. XY es una instalación sonora y de luz de escala arquitectónica cuya sinestesia entre la luz y el sonido es resultado de los quirúrgicos procesos de iluminación procedural que comanda el set de instrucciones DMX* en tiempo real, el video-registro permite experimentar la obra de manera diferente a los que habitaron la iluminación y el sonido in situ, por lo que es una interpretación audiovisual o de motion-graphic art de los planos cinematográficos favoritos de los autores. A esta sección del programa decidí llamarla “luz nadir”, que es cuando la iluminación viene desde abajo, algo que también sucede en la instalación, esta es la dirección de la luz menos probable en la naturaleza, y por tanto la percibimos más artificial. Se me hizo coherente para el único proyecto totalmente digital del programa, en contraste con el resto de proyectos que recurren mayormente a la acústica física y a la electrónica analógica. 3. Arcangelo Constantini ha generado un extenso cuerpo de obra vinculado a arqueología tecnológica y experimentación estética basado en la especulación científica; para este programa presentamos cuatro de sus dispositivos sonoros de autor cuyo eje es la luz, resumidos en dos acciones sonoras. La primera acción sonora utiliza Jetpulse, registro comisionado por Audition Record, la escultura sonora utiliza un compresor de aire, alto voltaje y gas, la obra está inspirada en un misil V1 alemán de la segunda guerra mundial, premisa evidenciada tanto por su analogía con una bazuca como por la forma en que Arcangel la activa durante la acción, el proyecto utiliza el concepto de accidentes controlados como premisa de l acción visual sonoras; La segunda es un concierto en el laboratorio del artista con tres máquinas transductoras de luz a sonido: 1) Phonotube, 2) Oculo, 3) Perculed. Phonotube rescata la tradición del sonido óptico en cine con patrones impresos en un negativo fotográfico sobre un tubo fluorescente, Oculo es un ladron de jules, que genera de picos de voltajes de alta frecuencia, un circuito que permite que una pila de 1.5 volts logre prender un Tubo fluorescente circular de 20 watts, el performances es la alteración energética con la estática y conductividad eléctrica de la piel, todo el proceso es sonificado con un fotosensor, y finalmente Perculed, un patrón de leds programados en 1 bit , que son sensados con fotoceldas que transduce la luz a sonido y son manipulados en vivo por el artista. A esta parte del programa la llamé “luz frontal” por la honestidad electromecánica y electroquímica de dispositivos sonoros de autor, experiencia que deviene en una serie de accidentes controlados donde la electricidad se expresa y la luz es un testimonio del experimento sonoro. 4. Juan Pablo Villegas es artista sonoro y cineasta, su formación en cine atraviesa gran parte de su obra, por consecuencia la luz también es un tema recurrente en su trabajo, para este programa muestro dos de sus obras; la primera se llama Balance, una obra audiovisual donde poco a poco se revela el az de luz de un proyector de cine como una ilusoria escultura de polvo, siempre quedan fuera de campo el proyector cinematográfico y la posible imagen que este proyecta; el sonido acentúa este juego de expectativas sin resolver; Balance es una obra inspirada en el diagrama de Minkowski, en el que el espacio y el tiempo se representan como dos conos en colisión. La segunda obra, Strobe, es una obra audiovisual de un concierto donde Juan Pablo manipula luces, y registra y procesa el sonido de la actividad electroquímica del strobe, el video del acto en vivo deviene en obra audiovisual gracias a los planos cinematográficos y el montaje que recrean una nueva experiencia delirante y diferente a la experiencia de haber estado en el lugar del acto. A esta parte del programa la llamé “Contraluz”, cuando la iluminación se encuentra detrás del sujeto y produce un efecto visual de silueta y limpieza de la forma; el trabajo de Juan Pablo tiende a la síntesis y limpieza de conceptos, estos proyectos reducen la complejidad formal en pro de una complejidad conceptual asociada a la luz. * DMX, ( Digital MultipleX) Protocolo digital de control escénico de iluminación Programa: Cuatro direcciones de la luz 1. Luz cenital Juan José Rivas Splendrum 1'50'' (2020) E: Envolverse (Série Plexus Ac) 4'56'' (2019) 2. Luz nadir Gabriela Reyes [Cero Tres] and Jorge Flores [FFAKT] (f3.studio) XY 7'04'' (2020) 3. Luz frontal Arcangel Constantini Jetpulse 2'54'' (2016) Concierto con tres dispositivos sonoros (Fonotube, Oculu y Perculed) 12'10'' (2020) 4. Contraluz Juan Pablo Villegas Balance 3'04'' (2020) Strobe 1'03'' (2010-2014) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Monolith. [AUSTRIA] Elisabeth Schimana (Austria) 17 oct 2019 Los sistemas están sincronizados, son lentos, comunican superficialmente la unidad. Es un estado de inmovilidad, un espacio monofónico. Una señal mono de innumerables altavoces: un bloque en el medio, desde el techo, los lados, frontalmente y en la parte posterior. Unísono. Las grietas se desarrollan con el tiempo, comienza una nueva vida en las grietas, depósitos de escombros. Se desarrolla un espacio polifónico. Los innumerables oradores cuentan diferentes historias de sonido. Los módulos individuales se vuelven perceptibles, entran en diálogo. ¿Por qué es tan grande el anhelo de la unidad después de los sistemas monolíticos? Elisabeth Schimana Desde la década de 1980, la músico y compositora Elisabeth Schimana ha estado activa como una de las pioneras austriacas de la música electrónica con proyectos marcados por un enfoque radical y una estética poco convencional. Después de completar su entrenamiento vocal, obtuvo títulos en composición, música de computadora, musicología y etnología. Ha trabajado intensamente con el theremin en Moscú y con el sintetizador Max Brand en Viena. No solo ha creado innumerables obras de radio en cooperación con ORF Kunstradio, sino también numerosas instalaciones de sonido y proyectos interdisciplinarios-performativos. Sus conceptos para configuraciones experimentales comprenden el campo social y ponen a prueba nuevas formas de interactuar musicalmente en Internet. En su trabajo artístico, Schimana examina cuestiones de espacio, comunicación o el cuerpo en su presencia o ausencia, especialmente la transmisión de conceptos compositivos (partituras), lo que da lugar a enfoques completamente nuevos que exploran experimentalmente cómo escuchamos y exigimos una presencia musical más elevada por parte del intérprete. Su exploración también la llevó a fundar IMA Institute of Media Archaeology, que se ha dedicado a los medios acústicos en la interfaz analógica / digital y al tema de la mujer, el arte y la tecnología desde 2005. El galardonado trabajo internacional de Schimana abarca la gama de composición y estructuras abiertas, hace referencia a posiciones históricas, pero se resiste a todos los intentos de categorización y se destaca, de manera sorprendente y reducida, con una tremenda intensidad. (Milena Meller) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: East-West. [FRANCIA] Marie Ythier (Francia) 8 nov 2019 East Alireza Farhang es un compositor iraní con sede en París. Su pieza A Capellapara violonchelo y electrónica, explora todas las sonoridades de esta cultura y este idioma, La música de A capella resulta de fructíferos intercambios entre el intérprete y el compositor. Cada una de las 5 pintura de A Capella nace con un gesto en particular del vagaje cultural del compositor, con influencias desde europa del este hasta el medio oriente. Curve with plateaux, de Jonathan Harvey, es una de las piezas más famosas de la segunda mitad del siglo XX para violonchelo solista. Este compositor era violonchelista y en gran medida compositor y compositor. Basado en el mantra tibetano, subimos una montaña cada vez más alta en el registro, una elevación hasta la cima de la montaña más alta, donde el sonido del violonchelo sigue siendo el aire enrarecido, la inmovilidad del cielo, el silencio ... Este trabajo termina con un sentimiento de una procesión con tambores alejándose. Bastien David, un joven compositor francés, también está inspirado en el orientalismo en Riff, para violonchelo solista. En un universo rítmico fuerte, podemos escuchar el gamelan balinés o incluso el didgeridoo australiano. Esta pieza también fue escrita para Marie Ythier y encargada por el Festival Messiaen en el Pays de la Meije, donde la estrenó en 2017. West Isabel Urrutia (de nacionalidad espaniola) escribio para Marie Ythier en 2019 «Haziak»: para Cello Solo y Ensemble de Instrumentos de Tradicion Oral grabados. La especificidad de esta obra de corta duracion, asi como la obra «Crossroads» para Cello Solo y Ensemble de Instrumentos de tradicion oral grabados de José Luis Campana (compositor franco-argentino), es de haber sido compuestas con una nueva «paleta sonora», mezclando instrumentos de la orquesta clasica «live» con instrumentos de tradiciones populares grabados, con el fin de crear un «universo acustico nuevo» para sus propias creaciones de musica de camara y sinfonica. «Haziak» y «Crossroad» han sido dedicadas a Marie Ythier y estrenadas en la Ciudad de Saint Etienne ( France) en el mes de mayo de 2019. Marie Ythier Músico clásico, pero también comprometida en un proceso de creación con los compositores de su generación, la violonchelista Marie Ythier ya tiene en su haber cinco discos, entre ellos Une Rencontre, en torno a las obras de R. Schumann y T. Murail (Divine Art Recordings, Naxos 2019), que ha sido elogiado por la prensa internacional. Formada con Anne Gastinel, Miklos Perenyi, Philippe Muller, Gary Hoffmann y Heinrich Schiff, es invitada regularmente a escenarios de prestigio (Philharmonie de Paris, Dijon Auditorium ...) y actúa como solista en todo el mundo (Festival Kuhmo, FIMC Lima, Suona Francese Italia, Festival Messiaen en Pays de la Meije, CMMAS de Morelia, CENART de México, Luzern KKL ...). Marie Ythier trabaja regularmente con compositores como Ivo Malec, Gilbert Amy, Tristan Murail, Pierre Boulez ... y le han dedicado más de una docena de piezas escritas para ella. A menudo integra conjuntos ingleses, italianos y alemanes, y juega solista bajo la dirección de directores de renombre (P. Boulez, P. Csaba, C. Power ...). Apasionada por la transmisión del conocimiento, es profesora de violonchelo en el CRD Aulnay-sous-Bois, en el Conservatorio del distrito 15 de París, profesora visitante en el Conservatorio Nacional de Lima, e imparte clases magistrales en Francia, Asia y América. Marie Ythier, a través de sus variadas experiencias musicales, es una artista cuyo eclecticismo y mentalidad abierta se revelan en el interés particular que dedica a la nueva música. También está muy interesada en el repertorio de todos los períodos, en la música de cámara y en la solista. Ganadora de numerosos premios nacionales e internacionales (primer premio de la competencia de violonchelos Zonta Clubs, premio Mécénat Société Générale, fundación Meyer, Adami ...), Marie Ythier se graduó del CNSM de Lyon y CNSM de París, donde completó un tercer ciclo. más alto. Marie Ythier es laureada de la Fundación Salabert y la Fondation de France para el año 2015. Artista residente en Monceau Assurances en 2017, laureada de la fundación Cordes Sensibles y finalmente artista asociada de Adami desde 2018, Marie Ythier ahora es artista asociado de la Fundación Singer-Polignac desde junio de 2018 y miembro activo del Contemporary College desde 2019. Marie Ythier toca un violonchelo Bernardel Père prestado por la asociación Talents et Violoncelles desde 2019. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Jorge Antunes [Brasil] Artista: Jorge Antunes (Brasil) 20 sep 2013 Música electrónica del compositor Jorge Antunes quien presentará su trabajo realizado durante la residencia en el CMMAS, piezas basadas en fenómenos retóricos de poemas de Sor Juana Inés de la Cruz. Jorge Antunes Nació en 1942 en Rio de Janeiro, donde realizó su formación musical tradicional. Estudió también Física. En 1961 inició sus primeras experiencias con música electrónica y desde entonces es reconocido como el precursor de este genero en Brasil. En 1965 empezó a investigar la correspondencia entre sonidos y colores componiendo una serie de trabajos a los que dio el nombre de Cromoplastofonías, para orquestas, cintas magnéticas, luces, usando también los sentidos del olfato, del paladar y del tacto Entre 1969 y 1973 vivió en el exterior realizando estudios de postgrado en Buenos Aires, Utrecht y París. En este período estudió con Ginastera, Luis de Pablo, Umberto Eco, Gandini, König, Tempelars, Schaeffer y Bayle. En la Universidad de París VIII terminó su doctorado en estética musical teniendo a Daniel Charles como director. Ganó varios premios internacionales de composición. Desde 1973 Antunes es profesor de la Universidad de Brasília, donde fundó el GeMUnB (Grupo de Experimentação Musical). En 1994 Antunes fue electo miembro de la Academia Brasilera de Música. En los últimos años ha recibido varios encargos de orquestas, radios y festivales. Sus partituras están publicadas por Salabert, Breitkopf&Hartell, Suvini Zerboni, Zimmermann, Ricordi, Sistrum y Billaudot. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Lumínico [MÉXICO] Artistas: Rodrigo Sigal, Alejandro Escuer y José Luis García Nava 25 nov 2012 "Lumínico comienza el 2012 con un concierto muy especial en el marco de la residencia 2011-2012 que realiza en el Museo Universitario Arte Contemporáneo. Por primera vez los músicos excepcionales Iván Manzanilla (percusión) y Alexei Diorditsa (contrabajo) participarán en el espectáculo que además integra flautas, electroacústica y video en tiempo real. Lumínico es música electrónica, instrumentos de viento, percusión, espacialización sonora, video, poesía, fotografía e iluminación. El próximo sábado 11 de febrero, el auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), será testigo de la muestra artística de estos 5 artistas, quienes ofrecen un espectáculo visual y sonoro de música electroacústica e improvisación. Alejandro Escuer, Rodrigo Sigal, José Luis García Nava, Alexei Diorditsa e Iván Manzanilla, conducirán al espectador hacia una experiencia multisensorial, hipnótica, casi ritual, en donde la percepción se deja conducir por la música: Sonido y luz; pasado, presente y futuro; lo individual y lo social; lo propio y lo extranjero; el Yo y el Otro. Previous Next

Acceder a la tienda / online shop Presentación de la revista Ideas Sónicas 27 por el Editor invitado: Dr. Marco Alunno © Copyright CMMAS 2006 - 2022. Todos los derechos reservados.

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: The 70th Week (La 70ª Semana) Una Opera Audiovisual - João Pedro Oliveira [PORTUGAL - USA] João Pedro Oliveira (Portugal) 26 may 2023 "The 70th Week - (La 70ª Semana) - Una Opera Audiovisual El Libro de Daniel es probablemente uno de los libros más misteriosos de la Biblia. La descripción de los hechos y las profecías incluyen asesinatos, traiciones, orgías y torturas. Pero también tiene varias profecías muy interesantes y enigmáticas que pueden interpretarse de muchas maneras para estar relacionadas con los tiempos actuales. La inestabilidad social, la guerra global, el exterminio masivo y muchos otros eventos posiblemente puedan interpretarse en los escritos proféticos de este joven. Esta ópera de música visual incluye varios eventos en la vida de este profeta y sus compañeros, así como las tres principales profecías que aún pueden no haberse cumplido. La semana 70 descrita en el libro es una de estas profecías, y se relaciona con un estado de guerra constante, sacrilegio y destrucción, que finalmente conducirá a una milagrosa transformación del mundo en un nuevo espacio de paz y justicia. Esta profecía luego se reafirma en el Libro de Apocalipsis, en la Biblia. Como sugiere la descripción de la pieza (una ópera audiovisual), la acción operística se reinterpreta en una pantalla, utilizando varias imágenes y sonidos generados por computadora, así como líneas vocales y movimientos de baile pregrabados. Algunas de las 8 escenas que constituyen esta pieza son representaciones imaginadas de los eventos descritos en el libro y algunas otras escenas son simbólicas. Los textos utilizados son transcripciones directas de los textos originales del libro, cantados en latín, hebreo y arameo. La Semana 70 fue el resultado de un encargo del Ministerio de Cultura de Portugal. También recibió el apoyo de Manitou Fund (EE.UU.), mpmp - Património Musical Vivo (Portugal), Universidad de Aveiro (Portugal) y Universidad de California – Santa Bárbara (EE.UU.). Fue compuesta entre marzo de 2021 y septiembre de 2022." Previous Next

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