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Utilizando los principios de la meditación Mindfulness (derivada del budismo), desarrollaremos una manera diferente de escuchar la música: un escucha contemplativa. Escuchar contemplativamente significa escuchar conscientemente, soltando las referencias personales a partir de las cuales evaluamos y juzgamos la música y al autor de la música. También es escuchar de manera intencional, con empatía y curiosidad. El taller incluye videos con una explicación sobre el escucha contemplativa, instrucciones para meditar y dos meditaciones guiadas, y una tarea de escuchar una obra de Francis Dohomont. Posteriormente nos reuniremos en línea durante el festival de visiones sonoras para una sesión en vivo integrando todo lo que hicimos. < Back Ir al final | go to botom Escucha Contemplativa - Kavindu (México) Utilizando los principios de la meditación Mindfulness (derivada del budismo), desarrollaremos una manera diferente de escuchar la música: un escucha contemplativa. Escuchar contemplativamente significa escuchar conscientemente, soltando las referencias personales a partir de las cuales evaluamos y juzgamos la música y al autor de la música. También es escuchar de manera intencional, con empatía y curiosidad. El taller incluye videos con una explicación sobre el escucha contemplativa, instrucciones para meditar y dos meditaciones guiadas, y una tarea de escuchar una obra de Francis Dohomont. Posteriormente nos reuniremos en línea durante el festival de visiones sonoras para una sesión en vivo integrando todo lo que hicimos. Kavindu Alejandro Velasco. Ciudad de México, 1956. Licenciatura en composición por el American Conservatory of Music de Chicago,1986. Ha compuesto música para danza y teatro, así como obra de cámara y orquestal. Fundó el quinteto Ensamble Acústico Arcana, con el cual se presentó en concierto en México, Estados Unidos y Sudamérica, interpretando su obra. Su discografía incluye: Urbe máxima (1991), Círculo de intuición (1993), Arcana (1996) y Lúdicamente (1998); y Ah (1994), con obras para soprano y piano. Ha compuesto piezas para solistas y ensambles, como: el Cuarteto Kamerton, Juan Carlos Laguna, Irasema Terrazas, Sibila de Villa, Gustavo Martín, Alethia Lozano, el Trío de cuerdas Coghlan. De 1990 a 2008 fue profesor de contrapunto, orquestación, composición, análisis y producción musical en el Centro de Investigación y Estudios de la Música A.C en la Ciudad de México. Desde 1995 comenzó a estudiar el budismo y la meditación. Estuvo en una Orden Budista por 10 años. Desarrolló una metodología para el entrenamiento en la meditación de Conciencia plena (Mindfulness) y de Compasión. En 2014 publicó el libro Mindfulness: La meditación de conciencia plena. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

12.10.2022 < Regresar Nonis Prado (México) 12.10.2022 Ecos de lo humano Maestra en composición por la UNAM. Interesada primordialmente en la composición de música para medios audiovisuales. A lo largo de su carrera artística ha participado en múltiples cursos y talleres, y su música se ha presentado en diversos foros dentro y fuera de México. Ha escrito la música para múltiples cortometrajes, de entre los que destacan “Secreto” de Jorge Sistos Moreno, “Squee” de Magali Reyes y “Education Across Borders” de Manuel Arredondo. Seleccionada en 2015 para participar en los Laboratorios de Cine y Creación organizados por Berta Navarro. Formó parte del proyecto interdisciplinar "El gesto", junto con Hayde Lachino y Rosario Romero. Participante del proyecto MUXIC, París 2018, como resultado de la colaboración entre la Facultad de Música de la UNAM y la Sorbonne Université. Beneficiaria en 2019 del programa "Resiliencia sonora" de la UNAM. Ha sido coordinadora, moderadora y organizadora de diversos eventos en instituciones como la UNAM, el CENIDIM y el CMMAS. Fue miembro del comité dictaminador de la convocatoria "Ecos sonoros: red de residencias artísticas", organizada por el CENART. Se ha desempeñado como docente en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, en el Conservatorio de las Rosas, en las Escuelas de Iniciación Artística del INBA y como maestra particular de piano y composición. Actualmente forma parte del equipo editorial de la revista "Sonus Litterarum", dirigida por Luis Jaime Cortez, y se encuentra cursando el doctorado en composición en la UNAM bajo la tutela del doctor Gabriel Pareyón con un proyecto sobre agua y música. Descripción del concierto: Las posibilidades sonoras que nos ofrecen los medios electrónicos pueden llevarnos a una abstracción total del mundo no-digital, pues la generación, grabación y manipulación del audio es como cruzar la puerta en el armario para llegar a otro mundo, paralelo al humano, pero, no obstante, no humano. En este concierto se presentan piezas vinculadas a la voz, el elemento sonoro humano más intrínseco por antonomasia; un recordatorio de que, detrás del mudo digital y las realidades virtuales, los hombres y las mujeres siempre han estado presentes. Programa: Chango Dadá (Diego Tinajero, Andrea Sorrenti y Jorge David García) - Monofonías Lucía Esnaurrizar - Pajormoss Lucía Esnaurrizar - Viords Nonis Prado - La hermana Agua David López - We call upon our sisters Guadalupe Perales - Cada día - 10 Previo Siguiente

Se delimitarán las bases para construir puentes de comunicación entre distintas aplicaciones para un propósito de ejecución en vivo, y crear así un vocabulario más completo de las posibilidades inter-mediáticas de expresividad y dominio tecnológico. Se explorarán los siguientes recursos y temas: Max MSP, Ableton Live, interfaces Enttec DMX USB Pro, DMX y VSynth < Back Ir al final | go to botom Interconectividad multimediática entre MIDI, DMX y Jitter - Eduardo Mariné (México) Se delimitarán las bases para construir puentes de comunicación entre distintas aplicaciones para un propósito de ejecución en vivo, y crear así un vocabulario más completo de las posibilidades inter-mediáticas de expresividad y dominio tecnológico. Se explorarán los siguientes recursos y temas: Max MSP, Ableton Live, interfaces Enttec DMX USB Pro, DMX y VSynth Eduardo Mariné nació en la Ciudad de México en el año de 1990, y su interés por el arte musical se consolidó tan pronto como a sus 4 años siendo Fantasía de Walt Disney su película favorita (y, que a la fecha, sigue siendo). Incursionó en estudios particulares de piano académico a la edad de 13 años con la Mtra. Marcia Freyre de Andrade, con quien estudió por más de 20 años. Formó parte del programa de Berklee Latino en los años de 2014 y 2015 donde estudió bajo la tutela de Nando Michelín y Mark Walker, quienes profundizaron sus intereses en la música contemporánea, el jazz, la composición y la improvisación; y poco después concluyó sus estudios en Producción Musical en el Tecnológico de Monterrey, bajo la tutela de maestros como el Dr. Hugo Solís y el Dr. Kenji Calderón con reconocimientos por rendimiento académico sobresaliente. 

Al poco tiempo de su graduación, fue aceptado para estudiar un Master's Degree en Music Technology, Production & Innovation en Berklee College of Music, Campus Valencia del cual se gradúo con el máximo reconocimiento Summa Cum Laude y lo llevó a desarrollar un profundo interés por una carrera en el mundo académico de la música, siendo invitado por el Dr. David Rodríguez de la Peña en el año de 2019 a formar parte del cuerpo docente del Conservatorio Nacional de Música y por la Mtra. Diana Urquiza a formar parte del cuerpo docente del Tecnológico de Monterrey. Durante todos estos años formativos, ha trabajado en más de 300 producciones que cubren un amplio espectro estilístico con artistas de talla internacional y así mismo ha desarrollado un profundo interés por la tecnología musical, detallando trabajo audiovisual utilizando diversos lenguajes de programación, interconectividad entre protocolos y nuevos discursos bajo el abanico del arte digital. Eduardo ha presentado tanto obra propia musical como obra audiovisual en diversos espacios nacionales e internacionales, como la Ciudad de las Artes y las Ciencias en Valencia, España, El Colegio Nacional en la Ciudad de México o el Museo de Arte Moderno en Toluca, Estado de México.
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26.10.2022 < Regresar Guillermo Eisner (Uruguay/Chile) 26.10.2022 “Música electroacústica del sur (Chile-Uruguay)” Programa Curador, Guillermo Eisner Uy - Cl O en su defecto (2020) Lucía Chamorro, Uy 6:08 Di minuto (2021) Pablo Fredes, Cl 9:52 Las palabras (2005) Cecilia García-Gracia, Cl 10:17 Todos te fajan, todos, che (2008) Vladimir Guicheff Bogacz, Uy 4:29 Vuelo Nocturno (2017) Federico Schumacher, Cl 9:00 Virtualidad real (2020) Sofía Scheps, Uy 8:57 Esculturas Temporales (2022) Guillermo Eisner, Uy-Cl 7:53 O en su defecto (2020) Pieza electroacústica que explora el uso de texturas rugosas y granulares. Fue compuesta a partir de grabaciones procesadas de puertas, cencerros y voces. Estos materiales “ruidosos” resultantes, que pueden ser considerados como defectos técnicos, sonidos molestos o interferencias en la comunicación, son descontextualizados y organizados desde la búsqueda por valorizarlos y por generar una nueva experiencia de escucha. Esta pieza es una ventana hacia un paisaje sonoro imaginario, una experiencia en la que conviven sonidos externos e internos, una perspectiva en la que los ruidos y los defectos se ponen en primer plano y cobran interés. Lucía Chamorro (Montevideo, Uruguay). Artista multidisciplinar que trabaja principalmente en las áreas de la composición musical y del arte sonoro. Es egresada de la Licenciatura en Composición, de la Escuela Universitaria de Música (Montevideo) y ha realizado un Máster en Artes en la Escuela Sur (Círculo de Bellas Artes + Universidad Carlos III de Madrid). Ha trabajado en proyectos de creación e investigación sobre paisaje sonoro, música electroacústica, música contemporánea, improvisación libre, creación sonora para audiovisual y videoarte. Más información: luciachamorro.com Di minuto (2021) Es un artefacto-circuito que trabaja distintos enfoques del minuto hasta situarlo en un imaginario. Su cuenta que no cuenta, los segundos que no pasan, pero suenan; pulsativas que no son propias, pero lo aluden. Sonidos de engranaje mecánico y eléctrico circuito. Es su historia como cápsula que lo emancipa de su tiempo. El minuto, encerrado en sí mismo, solo es una mecánica cuenta. Di minuto: Decir del minuto. Pablo Fredes, compositor chileno- español. Realizó sus estudios musicales en la Universidad Católica de Valparaíso, Chile. En el año 2000 viaja a Francia para estudiar "Composición instrumental en la ENMP de Pantin, París" con Sergio Ortega, compositor chileno residente en Francia. Y también cursa los estudios de la música electroacústica con la compositora francesa Christine Groult, en donde consigue su DEM en música electroacústica. Además, cursa el taller de composición de José Manuel López López en París 8, en la universidad de Saint Dennis. En Barcelona, donde se traslada en el año 2006, estudia con el compositor chileno- español Gabriel Brncic, quien ha sido su maestro de composición por muchos años. Actualmente es compositor residente en la fundación Phonos de la Universidad Pompeu Fabra. Las Palabras (2005) Compuesta en el año 2005 por encargo para la coreógrafa chilena Paulina Vielma, "Las Palabras" es un segmento de una obra mayor llamada "Desarme" En ella se explora el rol de la mujer en la sociedad actual desde muchos puntos de vista y la búsqueda de la identidad fuera del estigma. En este caso "Las palabras" dice relación con los muchos sinónimos respecto a lo que consideramos masculino v/s femenino y por ende, qué características se consideran propias a la mujer. Las Palabras es una obra audiovisual. El video muestra un hombre y una mujer desnudos, y en sus cuerpos van apareciendo palabras que representan lo masculino y femenino. Luego producto de la danza y el contacto entre estos cuerpos, esas palabras se van desdibujando, llegando a ser solo pintura. La música va en una línea que contrasta con lo visual. En un idioma inventado, donde no comprendemos lo que escuchamos vamos complementando esta audición con la imagen. Pero la voz que escuchamos es de una mujer por lo tanto, es la visión de ella respecto a estas palabras y el efecto que éstas causan sobre sí misma. Cecilia García-Gracia (Chile, 1968). Licenciada en Música de la Universidad de Chile, estudió piano con la maestra Silvia Peña en la Escuela Moderna y luego con el pianista letón Armand Abols. Además estudió en forma particular canto, composición, danza y yoga. Su formación electroacústica es autodidacta, y su interés por la música es diverso, explorando desde lo folklórico, lo popular, hasta lo clásico; así como su desarrollo en ella: interpretación (canto, piano, danza, actuación), composición (pop, clásico, electroacústico, tecno y folklórico), investigación (danzas, religión, sanación), producción (música, danza y cine) y pedagogía (piano, canto, teoría musical y armonía popular). Ha compuesto 35 obras electroacústica hasta la fecha, siendo comisionada la mitad de ellas para danza contemporánea. Su música se ha tocado en Chile y el extranjero destacando Festival Synthèse, Francia; Festival Territorio Visual, España; JIEM,España; Universidad de Cataluña y centro PHONOS, España; Festival Sonoimágenes, Argentina; Bienal de São Paulo; EICTV en Cuba; entre otros. Fue presidenta de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh) entre el 2011 y 2014, y además fundadora junto a otros músicos chilenos del Festival Aimaa-ko en 2001, el que se ha mantenido en forma ininterrumpida hasta la fecha. En 2015, junto al guitarrista y compositor Guillermo Jiménez, funda Estudio435, la primera escuela de especialidad en Música Popular en Chile, creando un sistema de malla curricular flexible único en su tipo. Actualmente se desempeña como directora de Estudio435 y como integrante de la banda Ciudad de Dós. Todos te fajan, todos, che (2008) "Qué le vas a hacer, ñato, cuando estás abajo todos te fajan. Todos, che, hasta el más maula. Te sacuden contra las sogas, te encajan la biaba. Andá, andá, qué venís con consuelos vos. Te conozco, mascarita. Cada vez que pienso en eso, salí de ahí, salí. Vos te creés que yo me desespero, lo que pasa es que no doy más aquí tumbado todo el día. Pucha que son largas las noches de invierno, te acordás del pibe del almacén cómo lo cantaba. Pucha que son largas... Y es así, ñato. Más largas que esperanza'e pobre. Fijáte que yo a la noche casi no la conozco, y venir a encontrarla ahora... Siempre a la cama temprano, a las nueve o a las diez. El patrón me decía: "Pibe, andáte al sobre, mañana hay que meterle duro y parejo" Una noche que me le escapaba era una casualidad. El patrón... Y ahora todo el tiempo así, mirando el techo. Ahí tenés otra cosa que no sé hacer, mirar p'arriba. Todos dijeron que me hubiera convenido, que hice la gran macana de levantarme a los dos segundos, cabrero como la gran flauta. Tienen razón, si me quedo hasta los ocho no me agarra tan mal el rubio" Julio Cortazar Vladimir Guicheff Bogacz (Montevideo, 1986) es compositor, improvisador y guitarrista. Entre el 2006 y el 2012 estudió en la Escuela Universitaria de Música en Montevideo, obteniendo los títulos en Interpretación Musical (guitarra) y Composición, estudiando esto último con Osvaldo Budón y Luis Jure. Entre el 2013 y el 2019 vivió en la ciudad alemana de Colonia, a donde además de haber realizado sus estudios de posgrado en la Hochschule für Musik und Tanz Köln (Prof. Johannes Schöllhorn y Brigitta Muntendorf) trabaja activamente como compositor. Sus obras se han interpretado en diversos festivales internacionales en Alemania, Polonia, Italia, Hungría, Grecia, Suiza, Argentina y Uruguay. Como compositor ha trabajado junto diversos ensambles, tales como Musikfabrik, Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Garage, Ensemble Modern, Manufaktur für Aktuelle Musik, Spółdzielnia Muzyczna, Ensemble S201, Ensemble uBu, Ensemble SurPlus, Trio Catch y Kollektiv3:6Koeln. Éste último fundado por él mismo junto a colegas colonienses, con quienes desarrolla obras que difuminan la frontera entre la música de concierto y la escénica. En el año 2011 su pieza Coral N3 obtiene el primer premio en el concurso de composición de la 1º Bienal de Composición y Arreglo coral “Acordelur”. En el 2014, estudio anatómico obtiene el primer premio en el concurso Trabant en Basilea. En el 2016, La Tiza obtiene el segundo Premio Nacional de Música del MEC. En el 2019 es elegido por el Deutscher Musikrat (Consejo Alemán para la Música) para la edición, en la discográfica Wergo, de un CD autorretrato de su obra. En el 2021 gana el Premio Ibermúsicas de Composición y Estreno de Obra por su obra ¿a qué hora volverán?. Desde el 2009 es Docente en la Escuela Universitaria de Música en las cátedras de Composición e Instrumentación. Vuelo Nocturno (2017) A Saint-Exupéry. A quienes se extravían en ‛la secreta casa de la noche’ Ahora todos son caídos menos nosotros los caídos. Ahora todo el universo eres tu y yo menos tu y yo. (Raúl Zurita, Canto a su Amor Desaparecido) Federico Schumacher (Santiago de Chile, 1963) Compositor. Investigador. Docente en el Departamento de Sonido, Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francia y Canadá. Doctor en Música por la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil. En tanto compositor se ha dedicado preferentemente a la composición de obras acusmáticas, por las cuales ha recibido diversos reconocimientos y distinciones en Chile y el extranjero. Como investigador se ha interesado en la historia de la música electroacústica en Chile y en la cognición musical relacionada con la experiencia musical acusmática. Dirige y participa de proyectos de investigación financiados por Conicyt y el Fondo de la Música Nacional del Ministerio de las Culturas y las Artes. https://soundcloud.com/federicoschumacherratti https://www.researchgate.net/profile/Federico_Schumacher Virtualidad Real (2020) La pieza toma la imagen estereofónica como el elemento compositivo principal, utilizado en un sentido plástico y expresivo: buscando deliberadamente la discontinuidad, la descompensación, el desequilibrio, lo que se percibe como artificial, como una falla. Para conseguir esto trabajo en general con materiales continuos, y recurro a ténicas duras de edición y espacialización (paneos y cortes duros). Este tipo de tratamiento ilumina cruelmente el artificio de la producción y reproducción sonora digital. Los parlantes aparecen casi como personajes que nos anclan al tiempo y espacio de reproducción, y nos recuerdan lo que somos: un ser humano escuchando un par de parlantes. El material sonoro se esculpe con herramientas gruesas, y las huellas de estas incisiones conforman la identidad de la pieza: su forma y su devenir en el tiempo. Sofía Scheps (Montevideo 1987) Compositora uruguaya egresada de la Escuela Universitaria de Música (Universidad de la República, Uruguay), donde actualmente es docente asistente de Composición e Instrumentación en del Departamento de Teoría y Composición. Desde 2015 y hasta 2017 residió en España, donde completó la Maestría en Arte Sonoro de la Universidad de Barcelona. Su investigación y producción artística circula en las fronteras de la música experimental – instrumental, electroacústica y mixta - y el arte sonoro. Ha estrenado obras y participado en festivales en Uruguay (conciertos del Núcleo Música Nueva, festival Monteaudio, entre otros), Argentina (ECo: Estadías de Composición – UNQ – Teatro Cervantes; JIME), Chile (Universidad de la Serena), Paraguay (Movimiento Pu Joa), México (Muslab), Estados Unidos (Look and Listen Festival), Canadá (Oak Bay New Music Festival), España (Festival Zeppelin y Festival Mixtur – Barcelona; Festival Insonora – Madrid; Día Internacional del Arte - Girona), Suiza (Ars Forum Wallis) y Alemania (Earport – Duisburgo, Festival Opening Trier). Y trabaja en diseño de sonido y composición para piezas audiovisuales. El 9 de marzo de 2022, en el concierto homenaje a la compositora uruguaya Renée Pietrafesa, la Orquesta Filarmónica de Montevideo estrena en el Teatro Solís su pieza “Demografía Acústica: %”, compuesta específicamente para la ocasión, por encargo de la OFM en el marco del Día Internacional de la Mujer 2022. En 2019, su pieza electroacústica “Virtualidad Real” es seleccionada y resulta una de las dos piezas ganadoras en la convocatoria “2020 Call for Works Sound Spaces”, organizada por Hertzbreakerz / Ars Nova Malmö Sound Spaces 2020 (Malmö, Suecia). Esculturas temporales (2022) La obra se dispone como un continúo de fragmentos sonoros que buscan construir diversas formar de esculpir el tiempo; diversos gestos; diversos caminos de acumulación y distensión de energías. Esculturas temporales, compuesta exclusivamente a partir de muestras de contrabajo, toma el sonido como material moldeable, y se propone esculpir sobre él tal como si pudiéramos asirlo, tomarlo, sentirlo con nuestras manos. En definitiva, es un intento en vano de hacer tangible un material efímero como lo es el sonido, del cual no podemos constatar más que la experiencia temporal y espacial que nos deja su fugaz presencia. Guillermo Eisner Sagüés (Montevideo, 1980) Profesor Asistente (D) del Departamento de Sonido de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Doctor en Música, campo de Composición Musical, por la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió música y composición en Chile, España, Portugal y México. Ha desarrollado música de concierto acústica y electroacústica, participando en festivales en Sudamérica, Norteamérica y Europa. Ha publicado los CDs Música para guitarra (Chile Clásico, 2021); música de barrio (Cero Records, México, 2019); y habitar el tiempo (2012). En el año 2015 publicó el libro y CD guitarrerías. 10 monotemas para guitarra (Microtono Ediciones Musicales). Y ha compuesto y estrenado las óperas de cámara Titus (2017) en el Teatro Helénico, Ciudad de México; y La isla de los peces (2015) en el Centro Cultural GAM, Santiago. Junto con esto, ha desarrollado su trabajo creativo en el ámbito de las artes escénicas y audiovisuales, componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza y video danza. Previo Siguiente

02.11.2022 < Regresar Adrían Oropeza (México) 02.11.2022 Adrián Oropeza Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBAHa sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia.Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA Ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia. Fundó en 2006 su propuesta musical, con la idea de mostrar que la música mexicana tiene grandes posibilidades de fusionarse, en especial con el jazz. Ha grabado cuatro discos como solista “Texturas” 2008 “Mezcal” 2011 ambos realizados con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Amaneceres” 2015 y “Desafío” 2021. En 2019, fue beneficiado como Creador escénico del Sistema de apoyos a la creación para llevar a cabo el proyecto “La batería contemporánea y el uso de Nuevas Tecnologías con la música y la improvisación” proyecto con el cuál ha impartido clases magistrales y conciertos en festivales importantes como “Visiones sonoras” y “Expresiones contemporáneas” Ha participado en importantes festivales en México y a nivel internacional enPortugal, Indonesia, Singapur, Francia Holanda, Bolivia y Santa Lucia Previo Siguiente

Artist managers develop strategies and plans to bring the artist and their work to the audience. For centuries this work has varied and evolved in relation to transportation, communication and recording technology. Now a new variable exists in the creation and distribution of virtual representations of performance and art works which are the marriage of a live art form with digital capture. < Back Ir al final | go to botom The Artist Manager in the age of Digital Production and Distribution - Barbara Scales (Canadá) Artist managers develop strategies and plans to bring the artist and their work to the audience. For centuries this work has varied and evolved in relation to transportation, communication and recording technology. Now a new variable exists in the creation and distribution of virtual representations of performance and art works which are the marriage of a live art form with digital capture. Barbara Scales Barbara Scales is the founder of Latitude 45 Arts Promotion, established in 1981 and based in Montreal. She works with artists who perform at the highest level, with creativity, engagement and courage. Originally conceived to serve artists from the vibrant musical community of Montreal, Latitude 45 has become a full-service organization for composers and performers hailing from Australia, Japan, Korea, Iran, Israel, Mexico, Argentina, France, the United Kingdom, Russia, South Africa, the United States and Canada. She established and was co-director of Danséchange in the 1980s establish links between Dancer Choreographers in Montreal, New York and Paris. Barbara Scales’ academic studies were in philosophy with a Master’s thesis on the question: “What does it mean to say that art belongs to its time?” She considers this question daily as it is central to her work with creative performers. Her arts training is in music, dance and theatre. She was a scholarship student at the Graham School in New York City. She has taught Dance and Theatre in Colleges and Universities in Montreal. During 2021, she developed a website designed to introduce basic information for digital production, presentation including legal and financial responsibilities towards creative partners as well as strategies for visibility and for monetization. https://www.accelerando.media/ Since 2019, she has been working on the development of a semi-annual journal to be published by Berghahn books and journals in NYC. TURBA: The Journal for Global Practices in Live Arts Creation. Volume I, Number 1 of TURBA is scheduled for Spring 2022. https://www.berghahnjournals.com/view/journals/turba/turba-overview.xml Originally from New York City, Barbara Scales has made her home in Montreal since 1968. Since 2014, she has been President of the Board of Directors of the Canadian Music Centre in Quebec. She has served for over 25 years on the Board of the Canadian Music Centre. She has also served as an officer on the Boards of CINARS, NAPAMA, ISPA and presided over the first IAMA conference outside of Europe, in 2013. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

14.09.2022 < Regresar Fredy Vallejos (Colombia | Ecuador) 14.09.2022 TEMPUS / PACHA Fredy Vallejos ha realizado estudios de percusión, composición, informática musical y musicología en Colombia, Francia y Suiza. Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa principalmente en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas de CAC (composición Asistida por computador) y en la relación del sonido con otras formas de arte. Sus obras se han presentado en más de 15 países y participado en festivales como AIMAAKO, Archipel, Charlesroi Danses, DOCK.fest, Escuchar-Sonidos Visuales, Encuentros Sonoros, Experimenta Sur, FICCI, IDFA, Milano Musica, MANIFESTE, o Visiones Sonoras entre otros. Laureado del Multimedia Prize (Milan), del concurso de composición André Jolivet (Francia) y Finalista de los concursos de jóvenes solistas de la Orquesta Filarmónica del Valle del Cauca y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Segundo puesto y Premio a los mejores arreglos en el concurso de música tradicional afro colombiana Petronio Alvarez. Residente en la Cité International des Arts de Paris (2013-2014) y becario de la ciudad de Villeurbanne, de la Fundación Simón Patiño, del Instituto Departamental de Bellas Artes (Cali-Colombia) y de la Ciudad de Ginebra (Suiza). Actualmente es coordinador de la carrera de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad de las Artes del Ecuador. Descripción del concierto: A través de diferentes textos (Guambo: Primavera Nuclear Andina, Lema: Ñuka hatunmamata pachaka imata kan nishpa tapukpika, BIPM: The International System of Units), la obra explora el concepto de identidad, a partir del Tiempo como eje transversal de reflexión, y del sonido en tanto que fenómeno temporal por excelencia. TEMPUS / PACHA juega entonces con los límites entre una temporalidad discursiva y cíclica. Entre una narración y una especie de performance ritual donde el fluir de la existencia da paso a un presente continuo, a una temporalidad difusa acentuada por la multiplicidad de experiencias sensoriales de la propuesta. Composición, programación y video: Fredy Vallejos Textos y voz: Agustín Guambo Asistencia: Mario Rodriguez: Edición de video Jorge Flores: Imágenes de archivo Juanjo Ripalda: Programación Previo Siguiente

Baba Yaga is an exploration of live processing, sample-based music, and processed electroacoustic drumset performance. The character Baba Yaga (often referred to as “Bony-Legged") is a witch and common antagonist in Slavic folklore. The piece features a recitation of a Baba Yaga folk tale, from Politicizing Magic: an Anthology of Russian and Soviet Fairy Tales, in both the English and Russian languages. The tale intertwines and juxtaposes language and rhythm. The electronics of Baba Yaga contain many short samples played on a drum sampler pad, a series of fixed-media sections, and live audio processing for the drumset. The sampled material is constructed from both audio and MIDI instruments. < Back Ir al final | go to botom Baba Yaga – Jacob Ransom (EUA) Baba Yaga is an exploration of live processing, sample-based music, and processed electroacoustic drumset performance. The character Baba Yaga (often referred to as “Bony-Legged") is a witch and common antagonist in Slavic folklore. The piece features a recitation of a Baba Yaga folk tale, from Politicizing Magic: an Anthology of Russian and Soviet Fairy Tales, in both the English and Russian languages. The tale intertwines and juxtaposes language and rhythm. The electronics of Baba Yaga contain many short samples played on a drum sampler pad, a series of fixed-media sections, and live audio processing for the drumset. The sampled material is constructed from both audio and MIDI instruments. Jacob Ransom Jacob Ransom is a percussionist, composer, and educator. This spring, he finished his Doctoral degree in percussion performance at the University of Arizona under the tutelage of Dr. Morris Palter. Ransom specializes in electroacoustic music, video composition, and drumset. He bridges the divide between academic study and folklore, embracing scholarly and colloquial approaches to music and life, savoring the intricate while appreciating simple elegance. Ransom currently performs and collaborates with many groups and artists including Desert Fantasy, Y La Bamba, Darol Anger, Tiburones, Nick Delphs, Megan Diana, Rory James, and Esperanza Spalding. Ransom has held the position of principal percussionist for the University of Arizona Wind Ensemble, the University of the Arizona Symphony Orchestra, Fairbanks Symphony Orchestra, and was assistant director of the Malleus percussion ensemble. He received his Master of Music degree from the University of Alaska, Fairbanks, studying with Dr. Morris Palter, and his Bachelor of Music degree at Southern Oregon University, studying with Dr. Terry Longshore. Social Media: Music Website (Desert Fantasy) https://spark.adobe.com/page/GK2tSaljWbA1M/ IG: https://www.instagram.com/jake__ransom/?hl=en Website: https://jacobransom.wordpress.com/ ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. < Back Ir al final | go to botom Audio digital para jóvenes creadores - Raúl Ignacio Moller (México) La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. Raúl Ignacio Moller Jensen nació en 1986 en la ciudad de Venado Tuerto, en el interior de Argentina. Comenzó su interés por la música desde pequeño, tocando la guitarra y participando de un coro de música popular. Ya finalizando la secundaria (preparatoria), en las prácticas profesionales de la escuela comenzó a participar en un estudio de grabación local (Del Altillo), donde tuvo las primeras experiencias y aprendizajes relacionados al audio. Luego continuó sus estudios en la ciudad de Buenos Aires, primero con una carrera técnica donde obtuvo el título de Técnico en Producción Musical y Productor en Artes Electroacústicas en los institutos de tecnologías ORT (su primer encuentro con las artes contemporáneas); luego estudió una Licenciatura en Post Producción Audiovisual con orientación en sonido en la Universidad Nacional de Lanús, que conservaba la misma línea técnica y artística de los estudios precedentes. En paralelo continuaba con sus experiencias en audio y producción musical yendo a participar como asistente a diversos estudios de grabación tales como el emblemático Circo Beat. Además de haber trabajado en diversos estudio de grabación; trabajó en la televisión digital argentina como diseñador y post productor de sonido, y también ha realizado diseño y post producción de sonido para series, cortometrajes y largometrajes. Actualmente se dedica a la docencia y a la producción musical. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Phonos Phonos es un centro de creación, presentación y divulgación de música y artes sonoras comprometidas con las nuevas tecnologías. Llevamos a cabo nuestra actividad a través de una programación regular de conciertos, sesiones de teoría y crítica, residencias artísticas, talleres de divulgación alrededor del sonido y músicas digitales, así como en proyectos de investigación en estrecha colaboración con el Music Technology Group de la Universitat Pompeu Fabra, institución a la que Phonos está vinculada desde 1994. < Back Ir al final | go to botom El Laboratorio Phonos - Ángel Faraldo (España) - Javier Rojas (España) - Teresa Pelinski (España) - Judro Guerrero (España) - Roger Navarro (España) - Pedro Gonzalez (España) Phonos Phonos es un centro de creación, presentación y divulgación de música y artes sonoras comprometidas con las nuevas tecnologías. Llevamos a cabo nuestra actividad a través de una programación regular de conciertos, sesiones de teoría y crítica, residencias artísticas, talleres de divulgación alrededor del sonido y músicas digitales, así como en proyectos de investigación en estrecha colaboración con el Music Technology Group de la Universitat Pompeu Fabra, institución a la que Phonos está vinculada desde 1994. Como centro pionero en el ámbito de la música electroacústica en España, con 45 años de historia, nuestra misión fundamental sigue siendo la de establecer puentes entre la creación sonora, la investigación en tecnología y el mundo cultural y artístico, promoviendo e informando los últimos desarrollos en tecnología desde la creación y difusión musical. Ángel Faraldo Activo como creador de música experimental, Ángel Faraldo extiende su trabajo con instalaciones sonoras, acciones site-specific y diseño de sonido para danza y ópera. Su trabajo se centra en la exploración sistemática de procesos que maximizan recursos mínimos, desarrollando una perspectiva crítica y ecológica de la música electrónica en vivo, tal y como se materializa en su ciclo The Feedback Study Series, su sintetizador digital MISS o su aproximación a la no-input-mixer. Además, desarrolla una intensa labor como intérprete y realizador de música electrónica en vivo, especialmente como miembro de Vertixe Sonora Ensemble, Placa Base Col·lectiu Instrumental y como director artístico de la Fundación Phonos en Barcelona. Se ha formado en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y en el Instituto de Sonología (La Haya), obteniendo su doctorado en el Music Technology Group de la Universidad Pompeu Fabra (Barcelona). http://www.upf.edu/web/phonos ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

This mini-lecture will focus on compositional methods used while composing Pārsa and the power of stochastic procedures in assisting the composer. Examples of my personal workflow will be shown throughout the video, using programs such as SuperCollider and Ableton Live. < Back Ir al final | go to botom Expansion of Choice Through Stochastic Methods - Dariush Derakhshani (Alemania-Iran) This mini-lecture will focus on compositional methods used while composing Pārsa and the power of stochastic procedures in assisting the composer. Examples of my personal workflow will be shown throughout the video, using programs such as SuperCollider and Ableton Live. Dariush Derakhshani is a German-born Iranian composer/performer of concert and electroacoustic music. He has written for numerous acclaimed soloists and ensembles, with whom his works have been performed internationally. He also attended IRCAM Manifeste, where he had the opportunity to work closely with members of Ensemble Intercontemporain, and Altitude Festival where he worked with l’ensemble Multilatérale. Other notable festival appearances include Impuls Academy, the Madeira Residency, Festival DME, Barcelona Mixtur, and Kyiv Contemporary Music Days. He has studied and participated in masterclasses with the composers Patricia Alessandrini, Raphaël Cendo, Francesco Filidei, Beat Furrer, Philippe Hurel, Helmut Lachenmann, Mauro Lanza, Fabien Lévy, Tristan Murail, Gilbert Nouno, Åke Parmerud, Jaime Reis, Yann Robin and Alexander Schubert. Derakhshani recently completed the one-year course at Koninklijk Conservatorium's Institute of Sonology. Currently he is a Ph.D. candidate in Music Composition at California University of Music, Santa Barbara under the supervision of João Pedro Olivera. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

A través de esta charla se busca orientar a músicos que deban autogestionar su carrera artística y/o musical, así como a quienes participan en proyectos o instituciones culturales, con respecto a ciertas claves de gestión fundamentales para el buen éxito y eficiente desarrollo de proyectos musicales. < Back Ir al final | go to botom Gestión de proyectos musicales - Mariol Arias (México) A través de esta charla se busca orientar a músicos que deban autogestionar su carrera artística y/o musical, así como a quienes participan en proyectos o instituciones culturales, con respecto a ciertas claves de gestión fundamentales para el buen éxito y eficiente desarrollo de proyectos musicales. Mariol Arias Sánchez México, DF, 23 de enero 1973 Licenciada en Ciencias de la Comunicación, es Maestra en Gestión Cultural por la Universidad de Barcelona, y tiene un Diplomado en Gestión y Políticas Culturales por la misma Universidad. Estos estudios los pudo realizar gracias a una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Está certificada como Certified Meetings Specialist, y realizó también el Diplomado Harvard Manage Mentor. Gestora Cultural y coordinadora de eventos artísticos, empresariales, sociales y culturales, internacionales y nacionales, fue fundadora y Directora de la DMC, Ep Consultoría, Evento al punto durante 9 años. Uno de sus intereses principales es el bienestar social y la creación de proyectos que puedan propiciar el mejoramiento de la sociedad a la que pertenece. Reconoce que lo que más disfruta es la gestión de eventos y los proyectos que la llevan a conocer constantemente lugares, personas y situaciones nuevas e interesantes. Tiene más de 20 años de experiencia en organización de eventos, comunicación y relaciones públicas, principalmente enfocados al ámbito cultural. Es Directora del Concurso Internacional de Violonchelo Carlos Prieto desde 2000, y fue Directora General del Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez de agosto 2016 a junio 2020. Hasta julio de 2016 estuvo a cargo del área de comunicación y márketing institucional del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). Ha sido también analista de contenidos del Portal Iberoamericano de Gestión Cultural y tutora de la maestría en Gestión Cultural, por la Universidad de Barcelona. Trabajó como Directora de Imagen y Desarrollo del Conservatorio de las Rosas durante varios años, y fue Gerente del Festival de Música de Morelia durante 3 ediciones. Actualmente, se desempeña como consultora cultural independiente desarrollando diversos proyectos de gestión y de formación, por ejemplo, es miembro del cuerpo de maestros de la maestría en Gestión Cultural y Políticas Culturales de la Universidad Panamericana y funge como tutora de Proyectos de Desarrollo Cultural del Consejo de las Artes del Estado de Nuevo León, además de dar consultoría a diversas instituciones culturales del país en temas de relaciones públicas, procuración de fondos y organización de proyectos culturales. Asimismo, es Directora de Gestión y Relaciones Interinstitucionales de Esperanza Azteca. Participa activamente en el programa de Alta Dirección de Empresas Culturales del DeVos Institute of Arts Management de la Universidad de Maryland. Y ha sido seleccionada para el programa The next genearation of leading women, de la London School of Economics. Sus esfuerzos se dirigen a lograr que el arte y la cultura sean motores de desarrollo para las comunidades en los que se desarrollan. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS