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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Where the Cicadas sing. [ESTADOS UNIDOS] Brad Decker & David Gracon (EUA) 5 jun 2015 "El concierto multimedia consistirá en obras de audio y video de Brad y David, en las cuales han colaborado recientemente con la técnica DIY (Do-it-yoursel - hágalo usted mismo), con estéticas de documental e improvisación sonora, que es experimental en su naturaleza. Las obras vienen de una combinación de secuencias encontradas en la creación fílmica (Where the Cicadas Sing) , así como del documental minimalista/observacionista (Ordinary Video Series). Las obras de audio incorporan el proceso en vivo de instrumentos en vivo. La combinación focal de la imagen y sonido es predicada a través de momentos de suerte y del espontáneo : como uno responde artísticamente al mundo alrededor de nosotros? Programa Where the Cicadas Sing (2014) - David Gracon, video - Brad Decker, audio sequal.13.04.03 (2013) - Brad Decker Electroacústica cuadrafónica Ordinary Video Series - David Gracon Traces of Morelia* (2015) - David Gracon, video - Brad Decker, procesamiento de audio en vivo. *premier mundial Dr. Brad Decker My music focuses on the concept of interaction, and each project does so in a unique way (i.e. performer/composer interactivity; combining eras of technology; exploring disparate gestures and timbres; juxtaposing spaces and architectural ratios; etc.). I am currently working on a series of pieces that involve improvisation and live audio processing, with or without multimedia influence. I am also a bassist, and I typically perform on double bass with interactive computer processing. My interests are in using technology to be expressive. Typically one sound source is used to develop an entire palette of sound. I am also concerned with how I (a composer/performer) interact with the computer environment to create a tactile experience that is analogous to instrumental performance. Previous projects have incorporated infrared sensor technology, modular synthesis, fixed media, and acoustic idioms. My music has been performed in Australia, Italy, France, Brazil, and Canada, as well as at numerous venues in the United States. As a teacher, I stress positive, creative exploration, and refined clarity of expression. My classes usually center on the discovery of new ideas through hands-on experience, critical thinking and focused observation. I received my DMA in music composition from the University of Illinois at Urbana-Champaign. My graduate work focused on the late music of Franco Donatoni. I received my MM in music theory and composition at the University of Tennessee, Knoxville. I currently teach music composition, electronic music, and musicianship at Eastern Illinois University. For more information, visit www.braddecker.org Dr. David Gracon My current interdisciplinary intersections of research, teaching and creative production interests include the political economy of media, critical cultural studies, alternative media and documentary production. While I produce traditional documentary, I’m also invested in experimental, diary filmmaking and observational/minimalist documentary. I'm working on the ongoing Ordinary Video Series (2013-Present), a series of short haiku-like/minimalist observational documentaries exploring the intersections of nature, media and socially constructed spaces shot spontaneously on my Smartphone. I’m also currently organizing a Midwest tour with my retrospective program Amateur Versus Professional — Experimental Film and Video works 1997-2015. I’m a native of Buffalo, NY and have been invested in post-punk, indie, experimental music scenes, zine communities and college radio; as well as activist orientated experimental film, video and documentary collectives since the mid 90’s. In 2001, I was the technical director at Squeaky Wheel: Buffalo Media Resources, a prominent DIY microcinema located in Buffalo, NY. In 2009 I co-curated (along with Marc Moscato and Julie Perini of Portland, Oregon) and toured the program Tough Stuff From the Buff Tour: Experimental and Activist Film and Video from the Fringes of Buffalo, NY by bicycle around the Pacific Northwest. I have been making DIY experimental film and video and various strands of documentary video since the mid 90’s. My works have been screened widely including the Chicago Underground Film Festival, the Kuala Lumpur Experimental Film and Video Festival (KLEX), Hallwalls Contemporary Art Center (Buffalo, NY) and the Pittsburgh Film Festival. I currently run and curate Hallways Microcinema, a monthly screening series of underground/experimental media in Champaign, Illinois. I completed my PhD in Communication and Society at the University of Oregon and my MA/BA from the University at Buffalo (SUNY) in Media Studies and Sociology. I’m currently an assistant professor of Communication Studies at Eastern Illinois University. http://mediastudy.buffalo.edu/" Previous Next

Artist managers develop strategies and plans to bring the artist and their work to the audience. For centuries this work has varied and evolved in relation to transportation, communication and recording technology. Now a new variable exists in the creation and distribution of virtual representations of performance and art works which are the marriage of a live art form with digital capture. < Back Ir al final | go to botom The Artist Manager in the age of Digital Production and Distribution - Barbara Scales (Canadá) Artist managers develop strategies and plans to bring the artist and their work to the audience. For centuries this work has varied and evolved in relation to transportation, communication and recording technology. Now a new variable exists in the creation and distribution of virtual representations of performance and art works which are the marriage of a live art form with digital capture. Barbara Scales Barbara Scales is the founder of Latitude 45 Arts Promotion, established in 1981 and based in Montreal. She works with artists who perform at the highest level, with creativity, engagement and courage. Originally conceived to serve artists from the vibrant musical community of Montreal, Latitude 45 has become a full-service organization for composers and performers hailing from Australia, Japan, Korea, Iran, Israel, Mexico, Argentina, France, the United Kingdom, Russia, South Africa, the United States and Canada. She established and was co-director of Danséchange in the 1980s establish links between Dancer Choreographers in Montreal, New York and Paris. Barbara Scales’ academic studies were in philosophy with a Master’s thesis on the question: “What does it mean to say that art belongs to its time?” She considers this question daily as it is central to her work with creative performers. Her arts training is in music, dance and theatre. She was a scholarship student at the Graham School in New York City. She has taught Dance and Theatre in Colleges and Universities in Montreal. During 2021, she developed a website designed to introduce basic information for digital production, presentation including legal and financial responsibilities towards creative partners as well as strategies for visibility and for monetization. https://www.accelerando.media/ Since 2019, she has been working on the development of a semi-annual journal to be published by Berghahn books and journals in NYC. TURBA: The Journal for Global Practices in Live Arts Creation. Volume I, Number 1 of TURBA is scheduled for Spring 2022. https://www.berghahnjournals.com/view/journals/turba/turba-overview.xml Originally from New York City, Barbara Scales has made her home in Montreal since 1968. Since 2014, she has been President of the Board of Directors of the Canadian Music Centre in Quebec. She has served for over 25 years on the Board of the Canadian Music Centre. She has also served as an officer on the Boards of CINARS, NAPAMA, ISPA and presided over the first IAMA conference outside of Europe, in 2013. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

14.09.2022 < Regresar Fredy Vallejos (Colombia | Ecuador) 14.09.2022 TEMPUS / PACHA Fredy Vallejos ha realizado estudios de percusión, composición, informática musical y musicología en Colombia, Francia y Suiza. Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa principalmente en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas de CAC (composición Asistida por computador) y en la relación del sonido con otras formas de arte. Sus obras se han presentado en más de 15 países y participado en festivales como AIMAAKO, Archipel, Charlesroi Danses, DOCK.fest, Escuchar-Sonidos Visuales, Encuentros Sonoros, Experimenta Sur, FICCI, IDFA, Milano Musica, MANIFESTE, o Visiones Sonoras entre otros. Laureado del Multimedia Prize (Milan), del concurso de composición André Jolivet (Francia) y Finalista de los concursos de jóvenes solistas de la Orquesta Filarmónica del Valle del Cauca y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Segundo puesto y Premio a los mejores arreglos en el concurso de música tradicional afro colombiana Petronio Alvarez. Residente en la Cité International des Arts de Paris (2013-2014) y becario de la ciudad de Villeurbanne, de la Fundación Simón Patiño, del Instituto Departamental de Bellas Artes (Cali-Colombia) y de la Ciudad de Ginebra (Suiza). Actualmente es coordinador de la carrera de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad de las Artes del Ecuador. Descripción del concierto: A través de diferentes textos (Guambo: Primavera Nuclear Andina, Lema: Ñuka hatunmamata pachaka imata kan nishpa tapukpika, BIPM: The International System of Units), la obra explora el concepto de identidad, a partir del Tiempo como eje transversal de reflexión, y del sonido en tanto que fenómeno temporal por excelencia. TEMPUS / PACHA juega entonces con los límites entre una temporalidad discursiva y cíclica. Entre una narración y una especie de performance ritual donde el fluir de la existencia da paso a un presente continuo, a una temporalidad difusa acentuada por la multiplicidad de experiencias sensoriales de la propuesta. Composición, programación y video: Fredy Vallejos Textos y voz: Agustín Guambo Asistencia: Mario Rodriguez: Edición de video Jorge Flores: Imágenes de archivo Juanjo Ripalda: Programación Previo Siguiente

Se delimitarán las bases para construir puentes de comunicación entre distintas aplicaciones para un propósito de ejecución en vivo, y crear así un vocabulario más completo de las posibilidades inter-mediáticas de expresividad y dominio tecnológico. Se explorarán los siguientes recursos y temas: Max MSP, Ableton Live, interfaces Enttec DMX USB Pro, DMX y VSynth < Back Ir al final | go to botom Interconectividad multimediática entre MIDI, DMX y Jitter - Eduardo Mariné (México) Se delimitarán las bases para construir puentes de comunicación entre distintas aplicaciones para un propósito de ejecución en vivo, y crear así un vocabulario más completo de las posibilidades inter-mediáticas de expresividad y dominio tecnológico. Se explorarán los siguientes recursos y temas: Max MSP, Ableton Live, interfaces Enttec DMX USB Pro, DMX y VSynth Eduardo Mariné nació en la Ciudad de México en el año de 1990, y su interés por el arte musical se consolidó tan pronto como a sus 4 años siendo Fantasía de Walt Disney su película favorita (y, que a la fecha, sigue siendo). Incursionó en estudios particulares de piano académico a la edad de 13 años con la Mtra. Marcia Freyre de Andrade, con quien estudió por más de 20 años. Formó parte del programa de Berklee Latino en los años de 2014 y 2015 donde estudió bajo la tutela de Nando Michelín y Mark Walker, quienes profundizaron sus intereses en la música contemporánea, el jazz, la composición y la improvisación; y poco después concluyó sus estudios en Producción Musical en el Tecnológico de Monterrey, bajo la tutela de maestros como el Dr. Hugo Solís y el Dr. Kenji Calderón con reconocimientos por rendimiento académico sobresaliente. 

Al poco tiempo de su graduación, fue aceptado para estudiar un Master's Degree en Music Technology, Production & Innovation en Berklee College of Music, Campus Valencia del cual se gradúo con el máximo reconocimiento Summa Cum Laude y lo llevó a desarrollar un profundo interés por una carrera en el mundo académico de la música, siendo invitado por el Dr. David Rodríguez de la Peña en el año de 2019 a formar parte del cuerpo docente del Conservatorio Nacional de Música y por la Mtra. Diana Urquiza a formar parte del cuerpo docente del Tecnológico de Monterrey. Durante todos estos años formativos, ha trabajado en más de 300 producciones que cubren un amplio espectro estilístico con artistas de talla internacional y así mismo ha desarrollado un profundo interés por la tecnología musical, detallando trabajo audiovisual utilizando diversos lenguajes de programación, interconectividad entre protocolos y nuevos discursos bajo el abanico del arte digital. Eduardo ha presentado tanto obra propia musical como obra audiovisual en diversos espacios nacionales e internacionales, como la Ciudad de las Artes y las Ciencias en Valencia, España, El Colegio Nacional en la Ciudad de México o el Museo de Arte Moderno en Toluca, Estado de México.
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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto - Sample-Based Compositions. [Holanda / REINO UNIDO] Leigh Landy (USA/Holanda) 6 jun 2019 Sample-based compositions es un concierto que incluirá la presentación de diversas composiciones sonoras, todas basadas en samplec, por ejemplo de transmisiones de radio, de un autor o de la música tradicional de una nación. Algunas obras incluirán actuaciones en vivo con material pregrabado y otras Incluirán una coreografia de samples en 8 canales, algo que el compositor llama "teatro sonoro El compositor está actualmente completando un libro con su colega, John Richards, llamado "On the Music of Sounds and the Music of Things" que se centra tanto en las técnicas de sampling como en la cul- tura del hacking Leigh Landy tiene una Catedra de Investigación en la Universidad De Montfort (Leicester, Reino Unido). donde dirige el área de Música, Tecnologia e Innovación- Institute for Sonic Creativity (MT12). El plan de estudios se divide entre el trabajo creativo y musicológico. Sus composiciones, muchas de las cuales se basan en samples, incluyen video, danza, teatro y se han realizado en todo el mundo. Ha trabajado extensamente con el difunto dramaturgo Heiner Müller, el artista de los nuevas medios de comunicación, Michel Jaffrennou y el compositor-intérprete, Jos Zwaanenburg y fue compositor en residencia para el Teatro Nacional Holandés durante sus primeros años de existencia. Sus publicaciones se centran princi palmente en los estudios de música electroacústica Es editor de "Organized Sound (CUP) y autor de ocho libros que incluyen "What's the Matter with Today's Experimental Music?" "Understanding the Art of Sound Organization" (MIT Press) and "The Music of Sounds (Routledge, 2012). Más recientemente, se publico su libro electrónico, "Compose Your Words (Intelligent Arts, 2014) y el libro coeditado (con Simon Emmerson), Expanding the Horizon of Electroacoustic Music Analysis (Cambridge University Press, 2016). Actualmente está escribiendo el libro "On the Music of Sounds and the Music of Things" con John Richards. Dirige los proyectos ElectroAcoustic Resource Site (EARS) y es director fundador de la red de estudios de música electroacústica (EMS) Previous Next

19.10.2022 < Regresar Aldo Aranda (Mexico/Holanda) 19.10.2022 Percussion Landscapes Aldo Aranda (México / Holanda, 1978) Percusionista multifacético y virtuoso interprete de marimba, calificado como “El maravilloso percusionista mexicano” por el renombrado artista y director Jan Fabre. Sus presentaciones llevan la percusión a un nuevo nivel de expresión, fusionando diversas técnicas y disciplinas como el teatro musical contemporáneo, improvisación, danza y tecnología, revolucionando el concepto de ejecución e interpretación. Premiado con menciones honoríficas en el 1er y 2do Concurso y Festival Internacional de marimbistas en el estado de Chiapas, México en las ediciones de 1999 y 2001. Graduado de maestría en el Real Conservatorio Flamenco de Amberes, Bélgica y posteriormente en el Real Conservatorio de la Haya, Holanda. De emocionante y versátil trayectoria actualmente afincado entre Amberes y Barcelona, ha trabajado con renombrados directores, compositores, compañias de teatro y orquestas entre quienes destacan Placido Domingo, Neeme Jarvi, Jan Fabre / Troubleyn Company, Louis Andriessen, Gabriela Ortiz, Heiner Gobbels, Asko-Schoenberg Ensemble, Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, Orquesta de la Opera de Bellas Artes (México), Noord Netherlands Orchestra (Holanda), y Antwerp Symphony Orchestra (Bélgica), entre muchos otros. Se ha presentado en los mas prestigiosos festivales alrededor del mundo como el Festival de Avignon (FRA), Edinburgh Festival (ESC), Wiener Festwochen (AUS), Gaudeamus music week (HOL) Festival Internacional Cervantino (MEX), Aarhus festuge, (DIN), por mencionar algunos. En 2014 fue nombrado director artístico de la compañía teatral The Modern Troubadours, que produce espectáculos combinando música, teatro, danza y narración. Actualmente reside en la ciudad de Amberes, Belgica y es artista residente en Fabra i Coats y Fundación Phonos en la ciudad de Barcelona, España. Descripción del concierto: Este proyecto presenta una innovadora aproximacion a los instrumentos de Percusión y su manera de ser interpretados. A partir de intervenciones con diversos materiales y relaciónandolos con la tecnología se presentara un programa de diversas obras escritas para percusión con vídeo, electrónica en vivo e improvisación. El público podrá ver, escuchar y experimentar música de los últimos años con diferentes enfoques en técnicas interpretativas y formas de tocar e utilizar un instrumento de percusión. La selección de piezas busca alentar a la audiencia, compositores, intérpretes a tener una mirada más cercana a este aspecto musical de la percusión contemporánea y a descubrir mas posibilidades que la tecnología en combinación con la percusión pueden crear. Esta propuesta busca llegar a diferentes esferas de la sociedad para fomentar, expandir, y conocer estos nuevos lenguajes musicales; así como abrir nuevas oportunidades a colaboraciones con artistas, compositores e intérpretes multimedia para crear nuevas obras, y seguir ampliando el repertorio y el interés de la sociedad y nuevos creadores hacia con la tecnología y los instrumentos acústicos. Previo Siguiente

Mesa redonda < Back 1.- Emilio Hernandez Cortés Mesa redonda Mesa redonda con Emilio Hernandez Cortés Emilio Hernandez Cortés Director creativo especialista en producción de cine y videoarte, nacido el 7 de abril de 1988 en CDMX. Enfocado en la investigación de la imagen en movimiento, postcinema y su expansión con nuevas tecnologías. Generación de proyectos en los campos de: instalación, branding, producción cinematográfica, videoarte y live sessions. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Taller out of the box. [MÉXICO] Marco Machera Julie Slick (Bajista) Alessandro Inolti (Baterista) 21 mar 2018 Veintiocho Arte Colectivo presenta: “Out to the box”, MASTERCLASS? con EchoTest y Mylets Marco Machera Julie Slick Alessandro Inolti OUT OF THE BOX es un curso que profundiza en los retos y beneficios de ser un músico creativo y los diferentes acercamientos que se pueden tener con un instrumento musical para poder ir más allá de los patrones comunes, razonar de manera creativa y activar el sentido crítico en el proceso artístico. Un desarrollo muy necesario en estos tiempos. Para quien se pregunta “¿De qué se habla en OUT OF THE BOX? ¿Qué clase de curso es y para qué sirve?” No existen fórmulas fijas para entender la música, ni hay sólo una manera de tocar tu instrumento. A un músico se le puede pedir que no toque notas, sino que haga ruido, pero no un ruido aleatorio: que suene como una tormenta que está a punto de desatarse o como las olas del mar. O que no toque para mantener el ritmo, sino para crear una atmósfera, o para apoyar otros sonidos de una manera original. O se le puede pedir tocar un solo que suene desafinado, pero sin que realmente lo esté. Estos son algunos de los temas que se abordarán en OUT OF THE BOX, un evento en el que se llevará a cabo una conversación sobre la sustancia moral y espiritual en la música, se hablará sobre la improvisación, se escucharán discos y analizarán canciones. En este contexto, Marco Machera, Julie Slick y Alessandro Inolti comparten su experiencia personal y profesional, así como su trayectoria creativa como artistas y músicos “fuera de la caja”.?Los profesores pondrán a disposición de los participantes el bagaje de experiencias que han acumulado durante años de trabajo en el estudio y en vivo, intentando ofrecer un punto de vista diferente y enriquecedor. Marco Machera Músico, compositor y productor. Ha lanzado tres álbumes como solista, "One Time, Somewhere" (2012), "Dime Novels" (2014) y "Small Music From Broken Windows" (2017). Este último ha sido nominado por la revista “Classic Rock” como uno de los 10 mejores discos de Italia en 2017. Colabora con músicos de renombre internacional, tanto en el estudio como en vivo. Desde 2014 formó EchoTest junto a Julie Slick, con quien ha lanzado cuatro álbumes, "Fourth Dementia" (2014), "Le Fil Rouge" (2015), "From Two Balconies" (2017), “Daughter of Ocean” (2018). Realiza giras en Italia y en el extranjero. Julie Slick Es una virtuosa bajista y compositora conocida por su amplia gama de tonos únicos e importantes inventos melódicos. A lo largo de su carrera, ha desarrollado una voz distintiva a través de presentaciones internacionales y grabaciones con reconocidos músicos tanto en el rock progresivo como en el jazz (con Adrian Belew Power Trio, Crimson ProjeKct, EchoTest, RMS, PAPER CAT, Springs y DRGN Rey). Alessandro Inolti Se graduó en el Drummers Collective de Nueva York y en el Saint Louis College of Music de Roma.?Actualmente es baterista en Fabrizio Moro, EchoTest, TROOT y Nathaliè. Trabajó como baterista con Franco Cerri, Fabrizio Moro, Paolo Fattorini, Piotta, Andrea Ra, Kutso, Música por Organi Caldi, Marco Manusso, Violapolvere, Almanoir, Payaso, Astrak Week, Marco Rò, Cassandra Da Rosa, Filippo Marcheggiani, Fans O Previous Next

Diseño audiovisual y creación algorítmica: Daniela Levy Esses. Asesoría Narrativa: Ana Rosa Gómez Mutio, Fernanda del Monte, Cinthya García Leyva, Diego Trujillo Pisanty, Rolando González e Iván Abreu. Asesoría en modelado y simulación computacional: Aaron Martínez y Roberto Cabezas H. Producción: CENTRO. < Back Ir al final | go to botom Emerge Diseño audiovisual y creación algorítmica: Daniela Levy Esses. Asesoría Narrativa: Ana Rosa Gómez Mutio, Fernanda del Monte, Cinthya García Leyva, Diego Trujillo Pisanty, Rolando González e Iván Abreu. Asesoría en modelado y simulación computacional: Aaron Martínez y Roberto Cabezas H. Producción: CENTRO. Emerge es un proyecto de investigación práctica que se pregunta ¿cómo contribuyen los sistemas computacionales de simulación al proceso artístico? en concreto como fuente de exploración para diseñar forma y movimiento dentro del espacio digital. Emerge experimenta a través de la parametrización de variables declarando la posibilidad de la forma y el movimiento en el espacio digital, y partiendo de una lógica percibida en el mundo natural que luego es trasladada a la ciencia computacional. La animación experimental con fines estéticos, deriva de la apropiación de un sistema computacional conocido como Boids. Daniela Levy Esses nació el 26 de Mayo de 1996 en la Ciudad de México. Desde pequeña ha sido amante de la naturaleza a través de la cual se ha conectado con el diseño, arte y deporte extremo. Al cursar la carrera de Diseño en Medios Digitales y Tecnología en la Universidad CENTRO, definió el código como herramienta y lenguaje para explorar el movimiento y la forma dentro del espacio digital a partir de fenómenos intrínsecos en la naturaleza. Hoy en día sigue en una constante exploración para crear narrativa visual e imagen en movimiento. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Overview. [FRANCIA] Anabelle Playe (Francia) 31 ene 2019 OVERVIEW, performance audiovisual: música electrónica y video generativo (3D). Annabelle Playe interpreta música en vivo desde un instrumento electrónico. La música oscila entre electrónica, electroacústica, drone y ruido. Las masas de sonido, caóticas o pulsadas, los timbres envolventes están conectados a una superficie de audio 3D reactiva, creada por Hugo Arcier, y animada de acuerdo con los parámetros musicales. Algunos sonidos distorsionan la superficie, otros generan colores que se difunden en ella. OVERVIEW: una odisea, una energía casi nuclear que perturba nuestra percepción del espacio, cuestiona nuestra postura en el mundo, electrifica el tejido que conecta la esencia, la existencia y el universo. La música y las imágenes están en sinergia para desarrollar una fuerza a veces hipnótica, a veces caótica que nos lleva a cruzar una pared de sonido, un deslumbramiento, para finalmente ir al otro lado. Annabelle Playe es una artista multidisciplinaria. A ella le gusta explorar la voz, el sonido, el video y la escritura. Ella toca música electrónica y experimental en Francia y en el extranjero. Su música en vivo está basada en un dispositivo hecho de sintetizadores analógicos. El sonido se agita entre la música electrónica y la electroacústica, algunos de ellos hechos de diferentes fuentes (voces, sonidos concretos) se procesan, se ponen en espacios y se mezclan con lo analógico. Su primer álbum «Matrice» (DAC records) y «Vaisseaux» (DAC records) recibió una muy buena respuesta de los medios internacionales y «Matrice» se convirtió en una presentación audiovisual con el videoartista Philippe Fontes. "Geyser" será lanzado en 2018. Crea actuaciones audiovisuales: «ANA» y «Vessels» con el músico Marc Siffert y el cineasta Gregoy Robin. En 2017, creó OVERVIEW, una presentación audiovisual con Hugo Arcier (video generativo) que se ha reproducido en Cube, un centro de creación digital cerca de París (FR). Annabelle Playe diseña el video como composición musical: repetición de patrones, desarrollos, rupturas y sombras. La edición dinámica de imágenes interactúa con la música de forma contraria. A veces, las imágenes se desvanecen para dar paso a la música. "With the support of SACEM, society of authors, composers and music publishers in France" Previous Next

"Mess" was performed at Iklektik, London on July 17, 2021, for Iklektika Experimental Music Fair with Frédéric Acquaviva (electronics and video-texts) + Loré Lixenberg (mezzo-soprano) < Back Ir al final | go to botom Frédéric Acquaviva "MESS" "Mess" was performed at Iklektik, London on July 17, 2021, for Iklektika Experimental Music Fair with Frédéric Acquaviva (electronics and video-texts) + Loré Lixenberg (mezzo-soprano) M E S S ( 2 0 1 5 – 2 0 1 7 ), 2 6 ’ for mezzo (loré lixenberg), mouths, skins and buchla composed at : EMS, stockholm, november 2015 - january 2016 la plaque tournante, berlin, february - november 2016 EHF, venezia, december 2016 – january 2017 mastered in london, december 2017 live performances (frédéric acquaviva with loré lixenberg) + videotext : - art’s birthday, curated by marcus gammel, kantine am berghain, berlin, january 17, 2017 - frédéric acquaviva, curated by richard martel, le lieu, québec, april 15, 2017 - frédéric acquaviva, kehle, curated by peter weibel, ZKM, kubus, karlsruhe, may 5, 2017 - CRU 2, curated by frédéric acquaviva and loré lixenberg, iklectik, london, may 9, 2017 - invisible republic, curated by anabela duarte, MAAT, generators room, lisboa, october 25, 2017 - iklektika, iklektic, london, july 17, 2021 radio diffusions : radio ars acustica, live on liszt satellite : czech radio, brno / RTV, ljubljana / CCMA, barcelona / deutschlandradio kultur, berlin / HRT, zagreb / RTVE, madrid / SWR, freiburg / radio France, paris / IERT, limerick / sveriges radio, stockholm) + live streaming, january 17, 2017 klangkunst, curated by marcus gammel, deutschlandradio kultur, berlin, january 27, 2017 Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

20.06.2022 < Back 7.- Curador: Edmar Soria 20.06.2022 Curador: Edmar Soria Obtuvo un Doctorado y Maestría en Tecnología Musical por la UNAM, una licenciatura en Matemáticas en el Instituto Politécnico Nacional y otra Maestría en Economía Aplicada por la UNAM. Es profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Estudió composición electroacústica con Elizabeth Anderson y Rodrigo Sigal, composición algorítmica/live electronics con Roberto Morales y arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide. Ganador del Concurso Acousmonium INA GRM-Fonoteca Nacional 2016 (Francia-México), del concurso SONOM 2014 (Festival Internacional de Arte Sonoro), finalista del "Concours International de Composition Electroacoustique SIME 2018" (Lille, Francia) y becario de los Programas Creadores Escénicos 2018 (FONCA, México) y Resiliencias Sonoras-Composición Electroacústica 2020 (UNAM México), ha realizado residencias artísticas en dos de los estudios de música acusmática más importantes del mundo: Musique & Recherches (Bélgica) y el INA GRM (París, Francia). Ha realizado residencias de composición de música electroacústica y arte digital en DXArts (El Centro de Artes Digitales y Medios Experimentales, Universidad de Washington), el Conservatorio de Belo Horizonte-Brasil (bajo la dirección del compositor Joao Pedro Oliveira), y el CMMAS (Morelia, México). Ha sido reconocido internacionalmente mediante comisiones oficiales para composiciones y performances multimedia por el Difrazzioni Festival 2016 (Florencia, Italia), Multiphonies GRM 2017 (Francia) y New York University Music Ensemble (2017), así como en Bienales de Arte Digital (Reino Unido y Colombia, ambas en 2020). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentados en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Como investigador académico actualmente es perfil deseable PRODEP (SEP) y candidato a SNI (CONACyT); sus áreas de interés y áreas de trabajo incluyen la espacialidad/localización del sonido (acústica/psicoacústica), sonido para formatos inmersivos 3D, visualización/sonificación de datos, aplicaciones de inteligencia artificial al arte digital, filosofía de la computación, teoría general de sistemas y tópicos de matemáticas aplicadas al arte y tiene distintas publicaciones al respecto además de dos libros publicados como autor y co-coordinador. Ddirector y fundador del Coloquio Internacional Espacio Inmersividad que cuenta hasta ahora con 3 emisiones (2018-2019-2020) y de Desfases, Festival Inmersivo de Producción Multimedia (2021). Descripción del concierto Este concierto reúne 5 propuestas audiovisuales que exploran (cada una a su modo) distintos aspectos de lo virtual y lo maquínico como formas poéticas de construir lo real; como vías alternas de entender lo cotidiano y lo esencial. Cada una de las obras permite ver la manera en que las y los artistas abordan, reflexionan y develan (desde lo íntimo y desde lo abstracto) sus propias ideas acerca de lo antes referido. Utilizando diversos formatos y recursos multimedia, las y los autores, proponen obras que abarcan visuales complejos, live coding, visualizaciones/sonificaciones procedurales y recursos composicionales electroacústicos y acusmáticos, con el fin de transportarnos a una experiencia audiovisual particular. Las piezas están seleccionadas y ordenadas a modo de un viaje metafórico en el cual se hace alusión a una transición desde el dormir, soñar, deconstruir la realidad del sueño y alcanzar finalmente, una nueva realidad a través de todo lo anterior. Programa hipercuboLab Live set - Michel Soto & Aide Aspicit Visuales y música en vivo. Beats algorítmicos y visuales 3d. Visuales procedurales mandado y recibiendo datos del flujo sonoro. Ambas partes influyen y moldean a la otra via OSC. Música, texturas 3d y código interactuan en un solo sistema interactivo. Systema - Luciano Rodríguez Exploración audiovisual centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética y el caos, a través de patrones fluctuantes y sistemas de retroalimentación. Decoding Reality - Ricardo Dal Farra Animación generada algorítmicamente y sonidos grabados en las altas regiones del Cuzco y en los países bálticos.“Decoding reality” nos propone reflexionar acerca de la realidad, sus diversas interpretaciones y el modo en que cada uno pueda percibirla, entenderla, sentirla. Esta instalación que modela en el espacio imágenes generadas a partir de descriptores matemáticos con sonidos grabados e imaginados, busca en el contraste los canales de vinculación que permitan proponer un posible modo de comprender la existencia. ¿Qué es la realidad? Un objeto matemático, responden algunos filósofos. Es la de ahora, la que fue ayer… será mañana? Es propia, colectiva? Es la de este espacio, o la de algún otro que ni siquiera podemos penetrar? En Decoding reality los sonidos de la vida, la naturaleza y la cultura llegan con las imágenes de mundos inciertos, paisajes que intentamos recordar de lugares donde aún no hemos pisado. Mientras la realidad va cambiando, o quizás cada uno va transformando, los códigos de la vida parecen eludir la permanencia. Solitarios entornos aparecen, con las resonancias del humano que transita. Dispar e integrado a la vez, el código que permite leer la realidad se diluye al encontrarse con múltiples sistemas que traspasan las vivencias y quedan en el tiempo. Coalescence - Joao Pedro Oliveira La coalescencia es el proceso de unión o fusión de elementos para formar una masa o un todo. En esta pieza de música visual, tanto los materiales visuales como la música se unen y se separan en distintas unidades, formando formas y sonidos que son la combinación de elementos unidos. Los cielos infinitos - María Cristina Kasem | Nicolás Testoni "Los cielos infinitos " es una pieza de carácter grave y solemne que evoca la atmósfera de un rezo. Inspirada en algunos mitos y leyendas Tobas que evocan el viaje iniciático de la hechicera que transformada en águila sobrevuela los niveles cosmológicos del mundo. Puerto Diálogo intenso entre la materia visual y sonora que hace alusión a lo etéreo y efímero , creado con filme de 8mm y revelado de manera artesanal experimentando con los artefactos nativos de este medio, la banda sonora creada utilizando como elemento principal la voz experimenta con procesos digitales como contrapunto a su origen analógico. Biografías Aidé Aspicit Historiadora por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desarrolladora web por parte de Laboratoria. Especializada en producción audiovisual con programación en CENTRO. Interesada en temas de arte y tecnología, especialmente enfocada en explorar las pedagogías detrás de los productos culturales audiovisuales. Actual beneficiaria del programa de “La Venganza de la Basura del Centro de Cultura Digital” con un proyecto de animación y video. Ha participado en festivales como “La escucha como acción” en Perú; Ensemble For Sound Poetry And Contemporary Music en Polonia, así como diversos festivales nacionales como “La escucha activa en espacios públicos” por parte de la Fonoteca de Tlaxcala. Michel Soto 1993 Cdmx Compositor, artista multimedia y programador. Licenciado en Música y Tecnología Artística por la ENES UNAM Morelia. Estudió el bachillerato en música y humanidades con especialidad en composición en el Conservatorio de las Rosas. Fue becario del programa "Jóvenes creadores" del FONCA durante el periodo Dic. 2019 - Nov. 2020. Ganador del estímulo ¨La Venganza de la Basura¨ por el Centro de Cultura Digital y la Colmena en el año 2021. Sus obras han sido parte de festivales como Coloquio Internacional Espacio Inmersividad, Ecos Urbanos festival de arte sonoro y transmedia, Festival de Otoño de la Universidad de Aveiro, Latin American Project, entre otros. Su trabajo ha sido presentando en Suiza, Italia, España, Portugal, Estados Unidos y México. Ha trabajado con intérpretes internacionales como Ensamble Cepromusic, Henrique Portovedo, Iván Manzanilla, UMS n ́ JIP duo y Low Frequency Trio. Luciano Rodríguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en México, Bélgica, Alemania, Chile y Ecuador entre otros. Es co-fundador y co-director de Cima Estudio, donde desarrolla proyectos orientados al performance en vivo y a medios interactivos. Actualmente es el coordinador del departamento de Multimedia Arte digital y Medios interactivos de la Universidad de medios audiovisuales CAAV. Ricardo Dal Farra Profesor de artes electrónicas y música en Concordia University, Canadá. Director-Fundador del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIARTE), Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), Argentina. Director de la serie de simposios Internacionales Balance-Unbalance (BunB) sobre arte-ciencia y crisis ambiental, y Understanding Visual Music (UVM). Ha sido director del Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies de Canadá; coordinador del Área Comunicación Multimedial del Ministerio de Educación de Argentina; investigador del Music, Technology and Innovation Research Centre de De Montfort University en Inglaterra; coordinador de la alianza internacional DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; consultor senior del Centro de Arte y Nuevos Medios Amauta de Cusco, Perú; e investigador de la UNESCO, Francia, para su proyecto Digi-Arts. Co-diseñó la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF, y la Tecnicatura en Producción Musical de la Escuela Técnica ORT, en Argentina. Creador de la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana en la Fundación Langlois. Miembro del consejo editorial de Leonardo (MIT Press), Organised Sound (Cambridge University Press) y Artnodes (UOC), y del consejo directivo de ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Doctor en estudio y práctica de las artes. Compositor y artista, especializado en acciones transdisciplinarias con ciencia y nuevas tecnologías. Joao Pedro Oliveira Ha recibido más de 50 premios y reconocimientos internacionales por sus obras, incluyendo, entre otros, el Premio Giga-Hertz y el Premio Magisterium del Institut International de Musique Électroacoustique-Bourges (IMEB). En enero de 2020, Oliveira se incorporó al cuerpo docente de la Universidad de California en Santa Bárbara como profesor y titular de la Cátedra Corwin de Composición. Es el director del programa de composición e imparte cursos de composición, música electroacústica, música visual y técnicas contemporánea María Cristina Kasem Nació en Buenos Aires, Argentina. Se graduó en el Conservatorio de Música de Buenos Aires (Tecnicatura artística en violín). Sus estudios universitarios la llevaron a una Maestría en Etnomusicología en la Universidad 3 de Febrero en Buenos Aires, y una Maestría en Musicología en el Departamento de Musicología de la Universidad Lille III en Lille, Francia. Ha recibido varios premios y distinciones internacionales: primer premio en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges (IMEB) por la pieza Las aguas abismales (2009). El Premio Motus otorgado por la Fundación Destellos (Argentina) y Motus Acousma (Francia) por la pieza Lo inefable (2008). La pieza Niebla y Luz fue seleccionada para representar a Argentina durante los World Music Days. Kasem participó en el Consejo Internacional de Música ROSTRUM - UNESCO con el trabajo Pacha Mama en mayo de 2014 en Helsinki, Finlandia. Sus fuentes de inspiración son la cultura amerindia en particular, su espiritualidad a través del uso de instrumentos tradicionales. En 2013 creó junto a Ricardo Mandolini, la Semana Internacional de Música Electroacústica, un evento cultural anual que tiene lugar en la Universidad de Lille de la que sigue siendo su codirectora artística. Nicolás Testoni nació en Bahía Blanca, Argentina. Cursó estudios en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires. Es Director de Ferrowhite, museo taller del puerto de Ingeniero White, docente del Laboratorio TyPA de Gestión en Museos y del programa “Museos, formación y redes” de la Dirección Nacional de Museos de Argentina. Junto al Museo del Juguete de San Isidro y Ferrowhite, obtuvo el premio del concurso “La Coronación” durante la primera edición de El Museo Reimaginado. Previous Next