00000000-0000-0000-0000-000000000003 © Copyright CMMAS 2006 - 2024. Todos los derechos reservados.

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Redirecciones Visuales, curado por: Eduardo Palacio. (Virtual) Eduardo Palacio Guerrero (México) 28 mar 2022 Estudió en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM), obteniendo un certificado del Trinity College London - Inglaterra. En París - Francia , obtiene certificados en composición instrumental y electroacústica - Conservatoire International de Musique de París / Conservatoire du Val Maubuée. Diplomado en Musicoterapia - IMMI Instituto Mexicano de Musicoterapia Interdisciplinaria. Diseño y Gestión de Eventos Culturales - Universidad del Claustro de Sor Juana. En 2017 Ingresa al Sistema Nacional de Creadores de Arte - FONCA Primer lugar de Luigi Russolo Award 2019 - Francia - Internacional Su obra ha sido presentada y reconocida en países como México, Argentina, Brasil, Bolivia, Francia, España, Grecia, Eslovaquia, Irlanda, Escocia, Japón, Suiza, Portugal, Italia, Rusia y Praga, entre otros. Recientemente su obra audiovisual fue seleccionada y presentada en Transferencias Aurales / I Encuentro Latinoamericano de música y tecnología - UNAM. Festival Desfases - Festival Inmersivo de Producción Multimedia / Casa de las Diligencias UAEM. CCEMx Centro Cultural de España en México / Panorámica _01 - 2022. Descripción del concierto Concierto con obras audiovisuales de importantes artistas, que proponen un trabajo de transversalidad entre audio y video, involucrado a los sentidos de la escucha y la vista en convivencia perceptiva, con obras basadas en elementos contemplativos, de observación e interpretación de diversos aspectos que revelan la esencia de instantes precisos. Curaduría inspirada en torno a la reflexión del espacio / tiempo como muestra de nuestra existencia. Programa Manuel Rocha Iturbide - Graciela Iturbide (2008) - 6’ Jorge Sad Levi - Lo nuevo es la memoria radiante del pasado (2020) - 10’19’’ João Pedro Paiva Oliveira - Thinks I have seen in my dreams (2019) - 9’28’’ Enrique Mendoza - Electric rainband (2022) - 10’ Eduardo Palacio - Routes_Root (2021) - 8'47'' Previous Next

La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. < Back Ir al final | go to botom Audio digital para jóvenes creadores - Raúl Ignacio Moller (México) La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. Raúl Ignacio Moller Jensen nació en 1986 en la ciudad de Venado Tuerto, en el interior de Argentina. Comenzó su interés por la música desde pequeño, tocando la guitarra y participando de un coro de música popular. Ya finalizando la secundaria (preparatoria), en las prácticas profesionales de la escuela comenzó a participar en un estudio de grabación local (Del Altillo), donde tuvo las primeras experiencias y aprendizajes relacionados al audio. Luego continuó sus estudios en la ciudad de Buenos Aires, primero con una carrera técnica donde obtuvo el título de Técnico en Producción Musical y Productor en Artes Electroacústicas en los institutos de tecnologías ORT (su primer encuentro con las artes contemporáneas); luego estudió una Licenciatura en Post Producción Audiovisual con orientación en sonido en la Universidad Nacional de Lanús, que conservaba la misma línea técnica y artística de los estudios precedentes. En paralelo continuaba con sus experiencias en audio y producción musical yendo a participar como asistente a diversos estudios de grabación tales como el emblemático Circo Beat. Además de haber trabajado en diversos estudio de grabación; trabajó en la televisión digital argentina como diseñador y post productor de sonido, y también ha realizado diseño y post producción de sonido para series, cortometrajes y largometrajes. Actualmente se dedica a la docencia y a la producción musical. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Doctor Zoppa. [ARGENTINA/MÉXICO/ESTADOS UNIDOS] Doctor Zoppa (México/Argentina), David Blink (EUA) 29 nov 2016 Doctor Zoppa propone un espectáculo contundente y ecléctico. En sus presentaciones la música y la imagen juegan el mismo papel de importancia. Formado en 2012 como un dúo integrado por Juan Sebastián Lach (México) y Francisco Colasanto (Argentina). Actualmente esta conformado por Francisco Colasanto (composición, arreglos, voz,) y Sebastián Torrella (cuerdas y visuales). Juan Sebastián Lach participa en varias ocasiones como artista invitado. Los instrumentos que utilizan en vivo son un Eigenharp TAU y acordeón (Colasanto), bajo y guitarra (Torrella), con proyección de videos en vivo de la autoría y/o curaduría de Sebastián Torrella, quien además de ser un destacado multi-instrumentista ha trabajado por 20 años como productor de piezas audiovisuales y colaborado con productoras importantes como las de Tony Scott y Spike Lee. La música propuesta por Doctor Zoppa mezcla diversos estilos: rock, pop, electrónica, electroacústica, avant-garde, etc. Principalmente interpreta música compuesta y arreglada por Francisco Colasanto, aunque también realiza homenajes a diferentes compositores interpretando versiones personales de piezas de músicos tan dispares como Luis Alberto Spinetta, King Crimson, Igor Stravinsky, Morton Feldman, entre otros. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Presentación del libro 'Desde la escucha. Creación, Investigación e Intermedia [MÉXICO] Manuel Rocha Iturbide (México) 4 may 2018 Presentación del libro editado por la UAM y la editorial Juan Pablos 2017, con la presencia del compositor Juan Sebastían Lach y el artista Fernando Llanos. Manuel Rocha Iturbide es compositor, artista sonoro, investigador y curador. Estudió la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes y ha recibido encargos del Instituto IMEB de Bourges, Cuarteto Arditti, Liminar, Etc. Ha realizado esculturas e instalaciones sonoras en exposiciones importantes como La Bienal de Sydney 1998, ARCO, Fundación PRADA, etc. Ha sido beneficiario de becas en el Banff Center for the Arts, de la Fundación Japón, etc. Ha ganado premios en los concursos Luigi Russolo de Italia, Bourges Francia, y Ars Electronica entre otros. Actualmente es maestro titular en la UAM Lerma y de composición en la UNAM. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Overview. [FRANCIA] Anabelle Playe (Francia) 31 ene 2019 OVERVIEW, performance audiovisual: música electrónica y video generativo (3D). Annabelle Playe interpreta música en vivo desde un instrumento electrónico. La música oscila entre electrónica, electroacústica, drone y ruido. Las masas de sonido, caóticas o pulsadas, los timbres envolventes están conectados a una superficie de audio 3D reactiva, creada por Hugo Arcier, y animada de acuerdo con los parámetros musicales. Algunos sonidos distorsionan la superficie, otros generan colores que se difunden en ella. OVERVIEW: una odisea, una energía casi nuclear que perturba nuestra percepción del espacio, cuestiona nuestra postura en el mundo, electrifica el tejido que conecta la esencia, la existencia y el universo. La música y las imágenes están en sinergia para desarrollar una fuerza a veces hipnótica, a veces caótica que nos lleva a cruzar una pared de sonido, un deslumbramiento, para finalmente ir al otro lado. Annabelle Playe es una artista multidisciplinaria. A ella le gusta explorar la voz, el sonido, el video y la escritura. Ella toca música electrónica y experimental en Francia y en el extranjero. Su música en vivo está basada en un dispositivo hecho de sintetizadores analógicos. El sonido se agita entre la música electrónica y la electroacústica, algunos de ellos hechos de diferentes fuentes (voces, sonidos concretos) se procesan, se ponen en espacios y se mezclan con lo analógico. Su primer álbum «Matrice» (DAC records) y «Vaisseaux» (DAC records) recibió una muy buena respuesta de los medios internacionales y «Matrice» se convirtió en una presentación audiovisual con el videoartista Philippe Fontes. "Geyser" será lanzado en 2018. Crea actuaciones audiovisuales: «ANA» y «Vessels» con el músico Marc Siffert y el cineasta Gregoy Robin. En 2017, creó OVERVIEW, una presentación audiovisual con Hugo Arcier (video generativo) que se ha reproducido en Cube, un centro de creación digital cerca de París (FR). Annabelle Playe diseña el video como composición musical: repetición de patrones, desarrollos, rupturas y sombras. La edición dinámica de imágenes interactúa con la música de forma contraria. A veces, las imágenes se desvanecen para dar paso a la música. "With the support of SACEM, society of authors, composers and music publishers in France" Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Partituras animadas. [MÉXICO] Teresa Tamez (México) 26 may 2017 El proyecto consiste en la composición de una serie de trabajos visuales a realizarse con video arte, que permiten al estudiante, investigador o aficionado, seguir la lectura minuciosa de partituras complejas que, de otra manera, difícilmente podrían ser comprendidas desde la relación interna entre lo escrito y lo escuchado. El objetivo principal es crear una serie de partituras visuales (visual scores o partituras interactivas) para cada una de las obras que serán presentadas dentro del programa de concierto. Obras de Marianela Arocha, Manuel Enríquez, Julio Estrada, Nicandro Tamez, Gyorgy Kurtag, Frederic Rzewski. Teresa Tamez Nacida en San Luis Potosí, México; actualmente vive en la ciudad de Monterrey. Estudios: 1990-97 RAM “Gnessin”Moscow,Russia: B in Music, M in Fine Arts 2014- Universidade Aveiro,Portugal : Ph.D. Piano Performance, tutor: Dr.Luca Chiantore. Conciertos 2005-Recital solista: L.vanBeethoven, A.Scriabin, O.Messiaen, M.Ohana, G.Ligeti, N.Tamez 2006- Sonatas para Chello y Piano: C.Debussy, B.Britten,S.Rachmaninov con Mary Artmann 2008- O.Messiaen, Quatour pour la fin du Temps with Saul Bitrán,violin Alvaro Bitrán,cello Eleanor Weingartner, clarinete 2010- Voz y Piano: S.Rachmaninov,N.Medtner con Patricia Valdés, soprano 2014- Concierto de cámara con: Jorge Layana, oboe J.S.Bach, F. Poulenc,N.Tamez Miguel Lawrence, flauta B. Bartok, P. Hindemith, O. Messiaen, N.Tamez 2015- Solista en el XII Festival Internacional de Música Nueva, Monterrey, N.L. 2016- Conciertos, master clases y jurado en el XIII Concurso “Silvia Eisenstein” Caracas, Venezuela Poesía y música: An indissoluble friendship S. Rachmaninov y S. Rachmaninov con Damallanty Castillo, soprano y Teresita Soto, lector. Premios: 1998-CONACULTA- FONCA Beca para piano 2014-CONACULTA- FONCA Beca para piano 2016- CONACULTA-Financiarte Maestra de piano desde 1997 en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey Acreedora al programa FINANCIARTE (CONARTE NL 2016) para estudios de Doctorado en la Universidad de Aveiro, Portugal Previous Next

Lic. Cintli Elizabeth Ramos Mora. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM < Regresar El papel de la tecnología en la democratización de la producción musical Lic. Cintli Elizabeth Ramos Mora. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM La músico, compositora y filósofa Cintli Elizabeth Ramos Mora actualmente reside en la ciudad de Morelia. Realizó estudios de composición como carrera técnica en el Conservatorio de las Rosas, el grado de licenciada en Filosofía en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, y la licenciatura de Música y Tecnología Artística en la Escuela Nacional de Estudios Superiores, UNAM. Ha participado en festivales de arte contemporáneo, realizando live-coding como miembro de la Sociedad de Música Libre, ejecutando perfomance como parte del Circuito de Arte Independiente, y realizando instalaciones colaborativas en los museos Casa Taller Alfredo Zalce y en Centro Cultural Calvijero. A su vez, ha tenido distintas presentaciones en Sala Niños Cantores de Morelia, en el Teatro Ocampo y en diversos foros culturales como compositora e intérprete de piezas instrumentales de ensamble, solistas, electrónicas y mixtas. Así como múltiples participaciones en talleres y seminarios de índole estético, específicamente en el campo de lo sonoro, e impartido clases y talleres de música y filosofía. Actualmente labora en el proyecto Casa Centro, de filosofía aplicado a las disciplinas estéticas, del que ella misma es fundadora, y por comisiones como compositora, intérprete y artista sonora. cintli_123@hotmail.com , cintli.elizabeth@gmail.com Producción musical socicultural mexico .pdf Descargar PDF • 19.05MB MUSIC MEDIA HISTORY .pdf Descargar PDF • 3.67MB Producción musical socicultural mexico .pdf Descargar PDF • 361KB Crítica musical insutria mexico .pdf Descargar PDF • 142KB Anterior Siguiente

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Duplum Dúo [MÉXICO] Intérpretes: Fernando Domínguez (México), Iván Manzanilla (México) 11 jun 2015 En colaboración con el Foro de Música Nueva “Manuel Enríquez”, Dúplum dúo (Iván Manzanilla, Fernando Domínguez) presentará un concierto de música contemporánea para clarinete, percusión y electrónica. Programa Francisco Javier García Ledesma Duplum para marimba y clarinete bajo (2014)* Allegro moderato Andante assai La obra Duplum para marimba y clarinete bajo se realizó como un proyecto de extensión del Cuerpo Académico Música: Idea, Concepto y Educación del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato. Itzam Zapata Molinos del pensamiento (2013)** Graciela Agudelo Ese tiempo que gira (2014)* Mark Applebaum Composition Machine # 1 (2014)** Juan Campoverde Veils (sobre la fragilidad de las cosas) (2014)* Gonzalo Macías Bésame azul (2007) Rodrigo Sigal Obtura (2009) *Estreno mundial **Estreno en México Duplum Duo Fernando Domínguez, clarinetes Iván Manzanilla, percusiones Compositores Graciela Agudelo (México, 1945) Autora de un extenso catálogo de obras, también se ha dedicado a la pedagogía y a la difusión de la música, tanto en actividades organizativas, cuanto en radiofónicas, lectivas, académicas, editoriales y parlamentarias de carácter internacional. Su catálogo incluye piezas para instrumentos solistas, obras para voz y grupos de cámara; producciones didácticas, obras para orquesta, música coral y de otros géneros. Partituras y discos de sus obras han sido publicados por diversas editoras y grabadoras. En 2002 recibió el Premio Xochipili (Comuarte/INBA) como creadora destacada en el área de la música en México, y en 2012, el reconocimiento 25 y más… de la SACM, por su aporte enriquecedor al acervo cultural mexicano durante su trayectoria como compositora. Sus presentaciones, conferencias, ensayos, ponencias y diversas labores en torno a la composición, la difusión de la música y la protección de la diversidad musical quedan consignadas en numerosos libros, diccionarios, revistas de documentación musical, enciclopedias y sitios de internet. Ese tiempo que gira El tiempo es tan destructor como un bombardeo Patrick Modiano El título alude a la naturaleza cíclica de los aconteceres, como ese uróboros que se engulle a sí mismo por la cola en un ciclo eterno, metaforizando el tiempo, la continuidad y el renacimiento. Inspirada en el mito de Saturno, símbolo del tiempo, que va devorando a sus hijos (los días) en cuanto nacen, la obra rinde tributo al artista y al científico, que con su esfuerzo, su trabajo y su legado, afrontan y vencen (en parte) el efecto destructor del tiempo. Fue escrita en 2014 por encargo de Dúplum Dúo y bajo el auspicio del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Itzam Zapata (México, 1989) Comenzó sus estudios en guitarra en la Escuela Superior de Música bajo la tutela de Josefina Robles, y estudio composición de manera particular con Jorge Ritter. Estudió en Helsinki en la Academia Sibelius la maestría en composición con Lauri Kilpiö, y la maestría en composición en el Mozarteum en Salzburgo, bajo el tutelaje de Tristan Murail. Recientemente obtuvo el 1er premio en el Frank Robert Abell Young Composer Competition por su obra Piñatas, Glitter and Stilettos y el premio Coup de cœur du public en el Forum 2014, por su obra The Poetry of Negation. También fue acreedor del premio Sonic Landscape en el Segundo Concurso de Composición del IFCM con su obra On Desire. Ha sido acreedor a la beca de Jovenes Creadores y del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fonca, así como el apoyo de la asociación civil finlandesa Pro Musica Säätiö, entre otras. Molinos del pensamiento Las frases del clarinete bajo se graban en vivo y se tocan en loops que son transformados gradualmente destruyendo todas las propiedades que se asemejaran al sonido original, los loops tienen vida propia y se desmarcan de la parte del clarinete, creando un diálogo interno entre ellos y al mismo tiempo creando una oposición a la estricta parte escrita del clarinete Francisco García Ledesma (México, 1966) Nació en Cuerámaro, Guanajuato. Realizó estudios musicales en la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato y en el Conservatorio Nacional de Música, donde obtuvo el título de licenciado en composición bajo la asesoría de Mario Lavista y Juan Fernando Durán. Posee el diploma de estudios avanzados en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Autónoma de Madrid. Sus obras se han interpretado en salas de México, Guanajuato, León y Celaya. Asimismo, su música se ha transmitido por Radio Nacional de España y Radio Universidad de Guanajuato. Recibió la beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Guanajuato en el área de Creadores con Trayectoria. Es coordinador del Claustro de Composición y responsable del Cuerpo Académico Música: Idea, Concepto y Educación del Departamento de Música de la Universidad de Guanajuato donde imparte clases de armonía, análisis, contrapunto y composición. Duplum para marimba y clarinete bajo En su título se alude a la técnica musical de los organa y clausulae medievales de la escuela de Notre Dame, es decir aquella en que a una melodía preestablecida se le agrega otra parteen la voz superior o inferior, sin embargo no fue concebida en su totalidad siguiendo explícitamente tal esquema. No obstante, el término duplum coincidiendo con el nombre del grupo, fue lo que inspiró la obra. Esta composición trata de explotar la extraordinaria sonoridad tímbrica del clarinete bajo y la marimba así como la habilidad técnica de sus intérpretes, pues demanda cierto virtuosismo en su interpretación. La obra fue escrita de manera tradicional sin hacer uso de escritura de efectos ni de técnicas extendidas, más bien el lenguaje lo establecen los temas en cada movimiento. Se trata de un ejercicio de escritura de música pura, pues no persigue ningún fin programático por lo que el público que la escuche podrá darle el significado que quiera. Está dedicada a Duplum Dúo. Mark Applebaum (Estados Unidos, 1967) Es profesor asociado de composición en la Universidad de Stanford. Su música para solista, de cámara, orquestal, operática y electroacústica ha sido interpretada en todo el mundo. Muchas de sus obras se caracterizan por cuestionar los límites convencionales de la ontología musical. Por ejemplo: obras para tres directores sin ejecutantes, un concierto para florista y orquesta, piezas para instrumentos hechos de basura, especificaciones de notación que aparecen en carátulas de relojes, obras que utilizan un lenguaje de signos inventado y coreografiado con sonido, rituales dadaístas amplificados, una obra de cámara hecha de vueltas de página obsesivas y una partitura gráfica de 22 metros de largo expuesta en un museo y sin explicación alguna para su interpretación. Es pianista de jazz y constructor de esculturas sonoras electrónicas hechas con basura y es director y fundador del Stanford Improvisation Collective. Composition Machine # 1 Es una obra derivada de la síntesis de dos obras anteriores: The Metaphysics of Notation es una elaborada partitura gráfica que no incluye instrucciones sobre la interpretación de sus pictogramas. La pieza es una provocación sin fin o estímulo para ejecutantes atrevidos e intrépidos. La partitura esta definida en su parte visual pero el resultado sonoro es indeterminado, diverso y personal. El último movimiento de Straitjacket, en el cual los ejecutantes dibujan sobre superficies amplificadas con ritmos específicos, es el contrario conceptual de Methapysics of Notation, los gestos rítmicos que dibujan la partitura están estrictamente establecidos y se traducen en imágenes (se convierten en una partitura que podría ser interpretada pero jamás lo es). Composition Machine incluye ambos aspectos en una narrativa casual de repeticiones: el ejecutante dibuja su propia partitura y después la interpreta. Tradicionalmente el compositor proporciona una partitura y su método de interpretación (ya sea explícito o basado en implicaciones culturales), yo no proveo ninguna de estas. Simplemente le indico al ejecutante como dibujar una partitura y le doy la libertad de interpretarla. Juan Campoverde (Ecuador, 1964) Vive en Estados Unidos, dónde culminó sus estudios de composición en la Universidad de California, San Diego. Su música ha sido presentada en las América, Europa y Asia por orquestas y ensambles como la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador, L’Ensemble Intercontemporain, New Music Concerts Ensemble, Noise Ensemble, Sonor Ensemble, el Ensamble SurPlus, Fonema Consort y el Ensamble Quito 6, así como por solistas internacionalmente reconocidos. Su música ha participado en festivales organizados por la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, así como también dentro de la serie Green Umbrella de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, el Festival SoundON en la Jolla, California, el Festival Atempo, en Paris, Caracas, Quito y Cuenca, el Festival Redce/MúsicaViva, en Quito, Visiones Sonoras, en México y el Festival Cage100 en Nueva York. Veils (sobre la fragilidad de las cosas) Esta obra pretende explorar aquellas áreas expresivas que se encuentran por detrás de los gestos y de las formas de escritura musical aceptadas, intentando descubrir esas zonas inestables de tensión expresiva que se dan como el producto del choque entre las fuerzas interpretativas que se requieren (una cualidad interpretativa que trasciende los conceptos románticos de virtuosismo), y las resistencias ofrecidas por los sistemas de notación adoptados (una notación que privilegia transiciones y transformaciones constantes del sonido). Desde un punto de vista aun mas general, esta obra alude a aquellos aspectos de nuestra interioridad que nos dejan desvelar esos balances, provisorios y frágiles, entre nuestra voluntad y anhelos, y las contingencias que caracterizan nuestra vulnerable existencia. Fue escrita para Duplum Dúo y está dedicada, in memoriam, a los cuarenta y tres estudiantes de Iguala. Gonzalo Macías (México, 1958) Nació en Huamantla, Tlaxcala. Sus maestros fueron Isaías Noriega de la Vega, Jorge Suárez, Federico Ibarra, Mario Lavista, Sergio Ortega, Betsy Jolas, Gérard Grisey, Michel Zbar y Emmanuel Nunes. Su música se ha publicado en Ediciones Mexicanas de Música y se ha estrenado en Francia, Estados Unidos, Chile, Argentina, Alemania, Canadá, España, Rusia, Cuba e Irlanda. Sus piezas se han estrenado en el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, en Radar del Festival del Centro Histórico, en el VII Festival Internacional Música y Escena, en el Cuarto Festival Internacional de Música y Musicología, en Ensenada Baja California, en el Festival Internacional Cervantino, en el Forum Mundial de las Culturas, en Monterrey, en Discantus y en el VI Festival de Música y Nuevas Tecnologías Visiones Sonoras. En dos periodos, ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Artes (2001-2006 y 2011-2013). En 1996 fundó la licenciatura en composición musical en la Escuela de Música de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Bésame azul El proceso que transforma un fragmento prestado de un bolero de Consuelo Velázquez (Bésame mucho), y que lleva hacia la composición de Bésame azul, consiste en un juego de la imaginación que parte de una idea simple y transparente para crear una serie de relaciones, complementos, resonancias. Cada situación sonora así generada, se vuelve elemento detonador de otras situaciones, de manera que poco a poco, el resultado se va alejando de la idea original. Fue escrita por encargo de Fernando Domínguez, a quien está dedicada. Rodrigo Sigal (México, 1971) Realizó un doctorado en composición musical con medios electroacústicos en la City University de Londres y una licenciatura en Composición Musical en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM) de México. Formó parte del taller de composición de Mario Lavista, además de haber estudiado con Denis Smalley, Javier Álvarez, Franco Donatoni, Judith Weir, Michael Jarrel, Alejandro Velasco y Juan Trigos, entre otros. Terminó un posdoctorado en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y desde 2006 es director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Es compositor de obras de cámara, electroacústicas, para danza, cine y otros medios. Desde 2004 es miembro del consejo de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano. Ha recibido apoyos del Fonca, del Banff Centre for the Arts en Canadá, de la ORS, de la Sidney Perry Foundation en Inglaterra, del Ministerio de Cultura de España, y del Estudio Agon en Italia. En 1999 su obra Cycles obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Composición Luigi Russolo de Italia. Desde 2012 pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte. Sus obras son interpretadas regularmente en diferentes países y están disponibles en más de trece discos. Obtura Las frecuencias de la luz y del sonido existen en zonas del espectro muy lejanas. La tecnología puede generar un espacio de percepción y sonora en el que ambos mundos coexistan, aunque sea brevemente, de manera cercana. Obtura pretende vincular luz a lo que escuchamos a través del gesto de los intérpretes y el sonido a lo que vemos a través gestual de la interacción entre los timbres, el ritmo y el espacio. Compuesta por encargo de Duplum Dúo, está dedicada a Fernando Domínguez e Iván Manzanilla. Intérpretes Duplum Dúo Se presentó por primera vez durante los cursos de música contemporánea en Darmstadt, Alemania en 2004. Desde entonces, se ha presentado en los festivales Internacional Cervantino, Internacional Chihuahua, el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, El Colegio Nacional, Instrumenta Oaxaca y en Querétaro y en Morelia, en donde fue grupo residente del Conservatorio de las Rosas en 2006. En 2011 fue invitado a participar en el proyecto anual del Asian Youngs Musicians’ Connection en la Universidad de California en San Bernardino. Además del repertorio tradicional, ha experimentado con el uso de nuevas tecnologías, la improvisación así como el teatro musical. La inusual combinación del clarinete y la percusión da como resultado una amplia paleta sonora que ha sido aprovechada por algunos de los más destacados compositores del siglo XX y XXI. Desde su formación ha generado repertorio específico para su instrumentación por compositores como Ignacio Baca Lobera, Rodrigo Sigal, Verónica Tapia, Georgina Derbez, Alejandra Hernández, Carole Chargueron, José Luis Castillo, Joao Pedro Oliveira y Chong Kee Yong, entre otros. Además ha impartido cursos específicos dirigidos a jóvenes compositores e instrumentistas mexicanos. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Taller out of the box. [MÉXICO] Marco Machera Julie Slick (Bajista) Alessandro Inolti (Baterista) 21 mar 2018 Veintiocho Arte Colectivo presenta: “Out to the box”, MASTERCLASS? con EchoTest y Mylets Marco Machera Julie Slick Alessandro Inolti OUT OF THE BOX es un curso que profundiza en los retos y beneficios de ser un músico creativo y los diferentes acercamientos que se pueden tener con un instrumento musical para poder ir más allá de los patrones comunes, razonar de manera creativa y activar el sentido crítico en el proceso artístico. Un desarrollo muy necesario en estos tiempos. Para quien se pregunta “¿De qué se habla en OUT OF THE BOX? ¿Qué clase de curso es y para qué sirve?” No existen fórmulas fijas para entender la música, ni hay sólo una manera de tocar tu instrumento. A un músico se le puede pedir que no toque notas, sino que haga ruido, pero no un ruido aleatorio: que suene como una tormenta que está a punto de desatarse o como las olas del mar. O que no toque para mantener el ritmo, sino para crear una atmósfera, o para apoyar otros sonidos de una manera original. O se le puede pedir tocar un solo que suene desafinado, pero sin que realmente lo esté. Estos son algunos de los temas que se abordarán en OUT OF THE BOX, un evento en el que se llevará a cabo una conversación sobre la sustancia moral y espiritual en la música, se hablará sobre la improvisación, se escucharán discos y analizarán canciones. En este contexto, Marco Machera, Julie Slick y Alessandro Inolti comparten su experiencia personal y profesional, así como su trayectoria creativa como artistas y músicos “fuera de la caja”.?Los profesores pondrán a disposición de los participantes el bagaje de experiencias que han acumulado durante años de trabajo en el estudio y en vivo, intentando ofrecer un punto de vista diferente y enriquecedor. Marco Machera Músico, compositor y productor. Ha lanzado tres álbumes como solista, "One Time, Somewhere" (2012), "Dime Novels" (2014) y "Small Music From Broken Windows" (2017). Este último ha sido nominado por la revista “Classic Rock” como uno de los 10 mejores discos de Italia en 2017. Colabora con músicos de renombre internacional, tanto en el estudio como en vivo. Desde 2014 formó EchoTest junto a Julie Slick, con quien ha lanzado cuatro álbumes, "Fourth Dementia" (2014), "Le Fil Rouge" (2015), "From Two Balconies" (2017), “Daughter of Ocean” (2018). Realiza giras en Italia y en el extranjero. Julie Slick Es una virtuosa bajista y compositora conocida por su amplia gama de tonos únicos e importantes inventos melódicos. A lo largo de su carrera, ha desarrollado una voz distintiva a través de presentaciones internacionales y grabaciones con reconocidos músicos tanto en el rock progresivo como en el jazz (con Adrian Belew Power Trio, Crimson ProjeKct, EchoTest, RMS, PAPER CAT, Springs y DRGN Rey). Alessandro Inolti Se graduó en el Drummers Collective de Nueva York y en el Saint Louis College of Music de Roma.?Actualmente es baterista en Fabrizio Moro, EchoTest, TROOT y Nathaliè. Trabajó como baterista con Franco Cerri, Fabrizio Moro, Paolo Fattorini, Piotta, Andrea Ra, Kutso, Música por Organi Caldi, Marco Manusso, Violapolvere, Almanoir, Payaso, Astrak Week, Marco Rò, Cassandra Da Rosa, Filippo Marcheggiani, Fans O Previous Next

Mtra. Mariana Sepúlveda Morales. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM < Regresar Resistencia musical feminista Mtra. Mariana Sepúlveda Morales. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM Mariana Sepúlveda Morales es originaria de Morelia, Michoacán. Es maestra en Música (Tecnología Musical) por la Universidad Nacional Autónoma de México, licenciada en Música y Tecnología Artística por la ENES Morelia y licenciada en Composición por el Conservatorio de las Rosas. Actualmente se desempeña como docente en la Facultad de Música y Artes de la Universidad Autónoma de Tamaulipas y es doctorante en Música (Tecnología Musical) por la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha cursado el diplomado Músicas en Territorio , impartido por la Universidad Nacional de las Artes, y el diplomado en Creación Sonora con Nuevas Tecnologías ofrecido por el CMMAS.Ha participado en distintos festivales y encuentros como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Encuentro Latinoamericano Transferencias Aurales , el Primer Encuentro de Performance Morelia, el Festival Revueltas Sonoras , Visiones Sonoras y el Festival de Música Contemporánea de Morelia. Su práctica artística se nutre de la exploración instrumental, tímbrica y de notación, con un interés constante en las cualidades del sonido y las posibilidades expresivas de las técnicas extendidas. Integra herramientas tecnológicas y lenguajes de programación como medios de creación y experimentación, ampliando el campo de lo compositivo hacia lo instalativo, performativo e interactivo. En su trabajo, la música es también un espacio de resistencia: una vía para nombrar y hacer audible lo que ha sido silenciado, especialmente RESISTENCIA MUSICAL FEMINISTA .pdf Descargar PDF • 9.00MB Anterior Siguiente