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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Boletín y elegía de las mitas [ECUADOR] Mesías Maiguashca (Ecuador) 8 may 2015 El Boletín y Elegía de las Mitas es una cantata escénica para la Orquesta de Instrumentos Andinos de Quito, tres coros, objetos sonoros, electrónica en vivo y un montaje de fotografías. La obra está basada en el poema del mismo nombre del escritor ecuatoriano César Dávila Andrade. Tema de la obra es el doloroso período histórico de las Mitas y Encomiendas en los siglo XVI y XVII, en el que el indigenado ecuatoriano, ya colonizado por el conquistador español, fue prácticamente esclavizado en fábricas de producción textil (encomiendas) y en minas de metal precioso (mitas), destruyéndolo física y psíquicamente por siglos. El montaje en vivo de la obra es de difícil realización, razón por la cual he hecho una versión en DVD con técnica audio Surround 5.1, que documenta, por así decir, la presentación en vivo. Esta versión será presentada en la sala del CMMAS. Boletín y elegía de las mitas Texto: César Dávila Andrade Música: Mesias Maiguashca Versión DVD con Audio 5.1 de la Cantata Escénica del mismo nombre para la Orquesta de Instrumentos Andinos de Quito (OIA), tres coros, objetos sonoros, electrónica en vivo y un montaje de fotografías, Mesías Maiguashca Nació el 24.12.1938 en Quito, Ecuador. Estudió en el Conservatorio de Quito, la Eastman School of Music (Rochester, N.Y.), el Instituto di Tella (Buenos Aires) y en la Musikhochschule Köln. Producciones en el estudio de Música de la WDR (Colonia), en el Centre Européen pour la Recherche Musicale (Metz), en el IRCAM (Paris), en el Acroe (Grenoble) y en el ZKM (Karlsruhe). Trabajo docente en Metz, Stuttgart, Karlsruhe, Basel,Sofía, Quito, Cuenca, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Györ y Szombathely (Hungría), Seoul (Corea). Conciertos en los principales festivales europeos. Desde 1990 Profesor de Música Electrónica en la Musikhochschule Freiburg hasta su jubilación en 2004. En 1988 fundó con Roland Breitenfeld el K.O.Studio Freiburg, una iniciativa privada para el cultivo de música experimental. Vive desde 1996 en Freiburg, Alemania. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Música Eléctrica Integral. [ESTADOS UNIDOS] John Nichols III (EUA) 25 may 2017 Descrito por su audiencia como energético, evocativo y rico en movimiento y forma, el trabajo de Nichols en el campo del sonido es diverso y se ha caracterizado como punzante, meditativo e hipnótico. Sugiere el desarrollo autónomo del sonido, independiente de la interpretación y conexiones narrativas. Adopta tanto la armonía y el contrapunto como archivos, grabaciones y técnicas contemporáneas de estudio. Su trabajo contribuye a las artes sónicas a través de la tecnología de computadora y la libertad de composición. La motivación de su trabajo es aplicar la tecnología moderna para capturar, manipular y transformar los sonidos del mundo hacia la producción de música nueva. Estructurado para establecer una relación audio-sujeto sin influencia del contexto, su trabajo considera la libertad del sonido sobre la composición y balance, con lo que se acerca a una representación y momentos específicos de abstracción. Las composiciones del Dr. John Nichols III han sido descritas por su público como "cósmica," "sísmica" y "tectónica". Nichols ha recibido reconocimientos internacionales por su trabajo electroacústico y sus composiciones han sido presentadas en eventos como el Gaudeamus Muziekweek, International Computer Music Conference, New York City Electroacoustic Music Festival, y MUSLAB –entre otros. Su trabajo ha sido galardonado con premios como el 2014 Luigi Russolo Grand Prize & 1st Luigi Russolo Award, el Prix Destellos, Métamorphoses Composition Competition y el International Composition Competition "Città di Udine" entre otros. Su más reciente composición ha sido publicada en Exhibitronic, Musique & Recherches, SEAMUS, Monochrome Vision y ABLAZE Records. El Dr. Nichols actualmente es Director de Artes Liberales y Admisiones en la Northwest Suburban College en Chicago. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Synchresis Program 58. Crespo Barba (Netherlands) Mateja Drev (Netherlands) Stefano Scarani (Spain) Jorge Sad (Argentina) Pablo Magne (Argentina) Carolina Carrizo (Argentina) Nuria Giménez Comas (France) Dan Browne (France) João Pedro Oliveira (Portugal) 30 ago 2024 Concierto video-acusmático multicanal de obras de videomúsica. El creciente interés que cada vez más compositores musicales dirigen a la creación audiovisual, sobre todo en ámbito electroacústico, ha contribuido al desarrollo de lenguajes y formas expresivas particulares, donde imagen y música parecen reunirse en una manifestación artística singular, a través de un lenguaje común. Exigencia expresiva y disponibilidad tecnológica han reforzado esta unión, a partir del cine experimental desarrollado hace casi un siglo, hasta la computer music que actualmente encuentra ágil dimensión en un cómodo laptop, donde finalmente los procesos de creación del sonido y de la imagen conviven en un único espacio, y pueden manifestarse a través de “un único gesto”. Este “único gesto” acuñado por el compositor de videomúsica Jean Piché, es la emanación de la ancestral y escurridiza unión entre imagen y sonido, que se ha tratado de aferrar en la selección de obras dirigidas al proyecto Synchresis. Hemos querido dar cabida a un amplio elenco de las obras presentadas, para abarcar un panorama lo más extenso posible de la variedad que este ámbito creativo asume. La finalidad de Synchresis es la promoción de la Videomúsica como genero emergente y lenguaje artístico. http://www.tangatamanu.com/synchresis/ Programa: - Somewhere Else - Avec Le Pèse-Nerfs - Lo nuevo es la presencia radiante del pasado - Del - Em - Back to the line of forces - Tesserac Previous Next

“Surface Tension” is a collaborative interdisciplinary work for piano and interactive video created by pianist Eve Egoyan and artist David Rokeby. It was commissioned by the Open Ears Festival with a grant from the Canada Council. It was premiered at Open Ears in Kitchener in May of 2009. < Back Ir al final | go to botom Surface Tension and works for augmented acoustic piano “Surface Tension” is a collaborative interdisciplinary work for piano and interactive video created by pianist Eve Egoyan and artist David Rokeby. It was commissioned by the Open Ears Festival with a grant from the Canada Council. It was premiered at Open Ears in Kitchener in May of 2009. “Surface Tension” is a collaborative interdisciplinary work for piano and interactive video created by pianist Eve Egoyan and artist David Rokeby. It was commissioned by the Open Ears Festival with a grant from the Canada Council. It was premiered at Open Ears in Kitchener in May of 2009. In “Surface Tension”, Eve’s performance at the keyboard is transformed and interpreted by a computer into live visual images projected onto a screen rising from the body of the piano. The visuals respond to a variety of performance parameters including dynamics, pitch, the harmonic relation between pitches, the use of the sustain pedal, and the duration of individual notes. This extends the piano into a visual instrument as well as a musical one. Much of the visual material is based on simulations of natural processes such as the swarming behaviours of insects, the trajectories of planets or the rippling of water when a pebble hits the surface. Eve's performance triggers and modulates aspects of these simulations; the visual representations respond to Eve, but also have a sort of life of their own, becoming in a sense a partner in the performance. In one movement, each note played on the piano contributes to the construction of a three-dimensional tower. In another, Eve draws out the trajectories of falling snowflakes, manipulating the live processing of a pre-recorded video. Yet another charts the harmonic relationships between the notes that Eve is playing. The performance itself is a loosely structured audio-visual improvisation in 5 movements. The improvisation is shaped partly by Eve's response to the system's visual response to her playing. Except for the change of software programs between movements, all visual activity on the screen is directly responsive to Eve. The result is an extraordinary integration of sound and image in which neither of these elements dominate the other. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Oscuro bosque oscuro. [MÉXICO] Alejandra Hernández (México) 9 nov 2017 Presentación de una obra multidisciplinar para cuatro voces (soprano, alto, tenor y bajo), objetos sonoros, sonidos electroacústicos y video; basada en la novela "Oscuro bosque oscuro" del escritor Jorge Volpi. Esta peza será el resultado de una residencia en el CMMAS en la que se realizará una investigación sobre las posibilidades sonoras y visuales que puede tener un texto literario como el que trabajaremos. Una exploración de las convergencias y divergencias entre distintos lenguajes al intentar su integración. Hasta qué punto esto realmente ocurre y qué sucede en el camino es en donde radica el interés por componer esta obra y será lo que se materializará en su presentación. Alejandra Hernández Compositora interesada en la articulación de la investigación y la exploración sonora, la tecnología y las técnicas instrumentales actuales con el fin de encontrar procedimientos y materiales para la creación de sus obras, centradas principalmente en la música electroacústica y la interdisciplina. Estudió en México y en Berklee College of Music, gracias a una beca de dicha institución y otra FulbrightGarcía Robles. Desde entonces ha tomado diversos cursos de música contemporánea y nuevas tecnologías. Para desarrollar su trabajo ha recibido becas, apoyos y reconocimientos de diversas instituciones. En 2005 resulta ganadora de la convocatoria para artistas "Remodela con nosotros" del Instituto Goethe en México. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA en dos ocasiones. Forma parte de la Asociación de Música Electroacústica y Arte Sonoro de España (AMEE) desde 2011. Sus obras se han presentado en numerosos festivales internacionales y espacios para la música contemporánea. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: L’arte Dei Rumori de Russolo + Piano preparado y medios electrónicos. [MÉXICO] Emiliano López Rascón (México), Gaspar Peralta (México) 21 abr 2017 Gaspar Peralta: El concierto explora las posibilidades del procesamiento del sonido en tiempo real a través del uso de hardware y su vinculación con la naturaleza objetual del piano, la construcción de distintas capas de sonido a partir de loops, su manipulación tímbrica y la generación de texturas que propicien la inmersión, observación y espacio para el escucha. Emiliano López La carta enviada por Luigi Russolo el 11 de Marzo de 1913 contenía el programa y principios del arte sonoro. Así se constituyó como un manifiesto estético. Me propuse trabajarlo como un guión-partitura de una obra de radioarte en multicanal en sonido envolvente 5.1 Encontré en el texto una estructura coherente de sonidos para una composición de música concreta y una estructura dramática-cuasi- musical, en los que se va abriendo el arco de la escucha en una retrospectiva histórica; interludios como la pieza fonética de F.T. Marinetti y la apoteosis de las 8 conclusiones. Sin embargo, no es un interpretación literal del texto con ruidos concretos y tonalidades musicales: frases y pasajes del texto se hablan en italiano con la voz del poeta Luigi Amara. Contiene samples de los legendarios intonarumoris y la voz de F.T Marinetti así como reconstrucciones de composiciones de Balilla Pratella y un alud más de ruidos. Emiliano López Rascon Creador sonoro y radiofónico. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores. Autor de más de 35 obras de arte sonoro y radioarte. Varias se han programado en emisoras de la European Broadcast Union yen Sudamérica. Ganador del XIV Concurso de Creación Radiofónica convocado por el INAIEM del Ministerio de Cultura de España y Radio Clásica. La obra se estrenó en el Festival de Música Contemporánea de Alicante y representó a la Radio Nacional de España en el Prix Italia de 2008. Ha ganado en dos ocasiones el concurso de la Bienal Internacional de Radio en la categoría de radioarte y una en radiodrama además de otras seis distinciones en ese concurso. Realizó tres curadurías de arte radiofónico y un encargo para el festival Transitio_Mx 2.0. Autor del concepto de creación sonora colectiva Graba/Comparte/Remezcla expresado en proyectos como Resonoser y Balon Babel presentado en Visiones Sonoras X 2014. Gaspar Peralta Compositor, pianista y artista sonoro. Su obra se desarrolla a través de distintas prácticas de creación sonora, improvisación libre, música electrónica, composición e instalación sonora. Como instrumentista se especializa en la interpretación de obras polifónicas y música contemporánea. Su trabajo ha sido programado en festivales relacionados con prácticas sonoras experimentales y música contemporánea: Festival Internacional de Música y Musicología X Edición, Sound Thought Festival of Music and Sound Research Center for Contemporary Arts Glasgow X edición, MUTEKMx XIII edición. Ha sido acreedor a distintas becas y distinciones, destacan: Programa de Estímulo y Creación Artística Jóvenes Creadores especialidad composición acústica y electroacústica (2013-2014); Programa de apoyo a la producción artística Cecut/Secretaría de Cultura en la especialidad Multimedia. Ha sido becario del CMMAS en diversas ocasiones (2014, 2015). Actualmente está en el proceso de recibirse como Licenciado en Música, especialidad en piano bajo la tutoría de Ella Korobchenko y Ella Melik-Huysan por la UABC. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Infinite Lives. [REINO UNIDO] Robbie Thomson (UK) 29 sep 2017 Infinite Lives es un performance-instalación inmersivo que utiliza sonido envolvente, luz intensa, escultura quinestésica, animación en 3D y video en tiempo real. Semejante a algún tipo de laboratorio, instrumentos, microscopios, especímenes vivos y dispositivos robóticos, son manipulados y movidos en tiempo a los efectos de una iluminación firmemente coreografiada con una partitura electrónica en vivo. Basándose en una amplia gama de Influencias, desde la neurociencia a la psicodelia, Infinite Lives nos lleva a un universo inesperado de estructuras extra dimensionales y visuales pulsantes. Infinite Lives es un juego de composición e incidencias al azar. En parte experimental y en parte ritual, esta presentación se desarrolla desde movimientos atómicos hacia un ambiente donde el artista Robbie Thomson armoniza con las máquinas, quienes habitan este mundo. Robbie Thomson es un artista con residencia en Glasgow que trabaja en los campos del arte visual, música y teatro. Su práctica multidisciplinaria se ha enfocado en el uso de nuevas tecnologías como punto inicial y metodología para su trabajo. Sus intereses actuales van desde la interacción de la tecnología con la conciencia -- cómo la mente contemporánea está influenciando y se está dejando influenciar por la arquitectura y ultra conectividad. Sus trabajos más recientes incluyen: XFRMR – una presentación AV en vivo que incorpora una bobina Tesla cantante, sintetizadores y audio visuales reactivos; The New Alps – una instalación de gran formato inspirada en el paisaje post-industrial; y The Eye – una adaptación de Story of the Eye que incorpora performance, robótica y streaming en tiempo real. Thomson se convirtió en una asociado de Cryptic Associate en 2013. Su trabajo ha sido presentado en Australia, Francia, Indonesia, México, Los Países Bajos, Corea del Sur y el Reino Unido. La residencia de Robbie Thomson es posible gracias al apoyo CMMAS, Anglo Arts, British Council y Cryptic. Presentado como parte del proyecto Seeing Hearing UK Mexico, una colaboración de 3 años entre el Reino Unido y México con el apoyo de Anglo Arts, el departamento cultural de The Anglo Mexican Foundation A.C.; British Council México; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) y Cryptic. Previous Next

Documental < Back Oliver Ressler (Austria) - Everything's coming together while everything's falling apart Documental Oliver Ressler Is an artist and filmmaker who produces installations, projects in public space, and films on issues such as economics, democracy, migration, the climate crisis, forms of resistance and social alternatives. Ressler has had solo exhibitions at Berkeley Art Museum, USA; Museum of Contemporary Art, Belgrade; Centro Cultural Conde Duque, Madrid; Alexandria Contemporary Arts Forum, Egypt; The Cube Project Space, Taipei; Kunsthaus Graz, Graz and comprehensive solo exhibitions at Wyspa Institute of Art, Gdansk; Lentos Kunstmuseum, Linz; Centro Andaluz de Arte Contemporaneo – CAAC, Seville; SALT Galata, Istanbul; MNAC – National Museum of Contemporary Art, Bucharest; and Cultural Centre of Belgrade. Ressler has participated in more than 400 group exhibitions, including Museo Reina Sofía, Madrid; Van Abbe Museum, Eindhoven; MASSMoCA, North Adams, USA; Centre Pompidou, Paris; the biennials in Prague (2005), Seville (2006), Moscow (2007), Taipei (2008), Lyon (2009), Gyumri (2012), Venice (2013), Athens (2013, 2015), Quebec (2014), Helsinki (2014), Jeju (2017), Kyiv (2017), Gothenburg (2019) and Stavanger (2019), and at Documenta 14, Kassel, 2017 (exhibition organized by EMST). Ressler has completed thirty-eight films that have been screened in thousands of events of social movements, art institutions and film festivals. A retrospective of his films took place at Centre d’Art Contemporain Genève in 2013. In 2002, Ressler won the first prize at the International Media Art Award of the ZKM in Karlsruhe and he is the first prize winner of the newly established Prix Thun for Art and Ethics Award in 2016. For the Taipei Biennale 2008, Ressler curated an exhibition on the counter-globalization movement, A World Where Many Worlds Fit . A travelling show on the financial crisis, It’s the Political Economy, Stupid , co-curated with Gregory Sholette, has been presented at nine venues (2011-2016), including Pori Art Museum in 2013. Since 2019 Ressler directs Barricading the Ice Sheets, a research project on the climate justice movement, funded by the Austrian Science Fund, that will lead to an exhibition at Camera Austria in Graz in September 2021. Everything's coming together while everything's falling apart Not too long ago, global warming was science fiction. Now it has become hard science, and a reality we already live in. The latest reports from the sober Intergovernmental Panel on Climate Change (IPCC) suggest that the planet may be approaching multiple thresholds of irreversible damage faster than was ever anticipated. The title “Everything’s coming together while everything’s falling apart” refers to a situation in which all the technology needed to end the age of fossil fuel already exists. Whether the present ecological, social and economic crisis will be overcome is primarily a question of political power. The climate movement is now stronger than ever. It obstructed pipeline projects such as the Keystone XL tar sands pipeline. It stopped Arctic drilling and blocked fracking all over the globe. Coal-fired power plants were shut down by resistance, and the divestment movement that pressures institutions to unload their stocks from fossil fuel corporations has had successes. The story of this ongoing film project may turn out to be a story of the beginning of the climate revolution, the moment when popular resistance began to reconfigure the world. The project follows the climate movement in its struggles to dismantle an economic system heavily dependent on fossil fuels. It records key events for the climate movement, bringing together many situations, contexts, voices and experiences. There is one film for each event. Everything's coming together while everything's falling apart: Code Rood” - 2018 The film highlights the civil disobedience action “Code Rood” in the port of Amsterdam in June 2017. The blockade of Europe’s second-largest coal port draws a red line against this important infrastructure facility for fossil capitalism. The largest single source of the coal shipments is Colombia, where coal is extracted under ecologically and socially devastating conditions. “Everything's coming together while everything's falling apart: The ZAD” - 2017 The film on the ZAD focuses on Europe’s largest autonomous territory, located close to Nantes in France. The ZAD (zone to defend) emerged from the struggle against a new airport. In 2012 the French state's attempt to evict the zone was fiercely resisted by more than 40,000 people. The police have not set foot there since. Today 250 people in 60 collectives live permanently at the ZAD occupying the wetlands, fields and forests. The ZAD is a successful example of the way resistance and the creation of alternatives need to happen at the same time. While people take back control over their lives with self-organized bakeries, workshops, a brewery, medicinal herb gardens, a rap studio, weekly newspaper and a library, they hinder the construction of an unnecessary, ecologically disastrous airport project. The film is built around a group discussion with activists living at the ZAD. “Everything's coming together while everything's falling apart: Ende Gelände” - 2016 The film on the Ende Gelände (end of the road) action shifts the focus to a massive civil disobedience action at the Lusatia lignite coal fields (near Berlin). 4,000 activists entered an open-cast mine, blocking the loading station and the rail connection to a coal-fired power plant. The blockades disrupted the coal supply and forced the Swedish proprietor Vattenfall to shut the power station down. The action was part of an international “global escalation” against the fossil fuel industry, calling on the world to “Break Free from Fossil Fuels” and putting that imperative directly into practice. “Everything's coming together while everything's falling apart: COP21” - 2016 In the first film, activists contest the UN Climate Change Conference in Paris, a city then under a state of emergency. Like twenty failed annual climate conferences before it, COP21 in Paris in 2015 proved the incapacity of governments to commit themselves to any binding agreement that would curtail global warming through a definite strategy for the end of fossil fuel use. The resulting Climate Agreement avoids anything that would harm the economic interests of corporations. The governments now pretending that non-binding agreements can hold back climate change are the same ones whose binding free trade pacts make dead letter of local environmental and climate legislation. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Resonancias Híbridas - Angel Florido [México]. Angel Florido (México) Diego Jiménez Tamame (México) Valeria Jonard (México) Ash Fure Abraham Ortiz (México) 9 ago 2024 "Resonancias Híbridas" Expone el nuevo movimiento dentro de la música contemporánea experimental, su interpretación y su exploración en las percusiones por medio de la hibridación de objetos cotidianos integrando la voz el sonido y el cuerpo. Obras de Valeria Jonard, Abraham Ortíz, Ash Fure y Diego Jiménez Tamame. Angel Florido Originario de la Ciudad de México estudió en la Facultad de Música de la UNAM en Percusiones. Su eclecticismo lo ha llevado a trabajar en distintos géneros desde la música contemporánea, la improvisación libre, la música folclórica de medio oriente, el rock y el jazz, trabajando con ensambles como Fiquet y Xin DUO. Se ha presentado en festivales de música contemporánea y popular como en el Festival Diferencial 2023 en el CENART ,Northwestern University New Music Conference (NUNC!) en Chicago Illinois, 21 st Century Guitar en Lisboa Portugal, Casa del Lago UNAM, Winter Composer Festival line upon line percussion en Austin Texas entre otros. Actualmente esta trabajando en su proyecto Resonancias Híbridas: Percusión Experimental y Teatro Sonoro donde expone el nuevo movimiento de la música experimental por medio de hibridación de objetos saliéndose del roll tradicional del percusionista académico, proyecto apoyado por el Sistema Creación del Gobierno de México " Creadores Escénicos 2024" Programa: - Recoli/Rebound - Diego Jiménez Tamame - La caja de Pandora - Valeria Jonard - Shiver Lung 2 - Ash Fure - Escolonpendra de Alientos: Pie Primero - Abraham Ortiz Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar 3er, Simposio Nacional Universitario en torno a problemas actuales del Arte, Acrónimo 3 [MÉXICO] Rodrigo Sigal 28 may 2014 Importancia de la tecnología en la creación artística. Compositor y Director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Modera: Isbeth Michell García Vallejo Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ciclo Escuchar y Mirar [ARGENTINA/ESPAÑA] Coordinador: Jorge Haro (Argentina) Invitado/Intérprete: Javier Piñango (España) 19 jun 2015 Alguna vez leí en el libro Puntos de Referencia de Pierre Boulez que a un compositor le incumbían otras actividades: la interpretación, la investigación, la producción, la divulgación y la docencia. En el contexto de la música experimental y el arte sonoro es fundamental establecer lazos entre esas actividades enumeradas por el autor. En lo personal me interesa la transdisciplina: construir puentes entre conocimientos y expresiones artísticas. Así es que diseño sonido, compongo música, investigo, además de desempeñarme como docente universitario, trabajo con visuales, objetos y me dedico a la programación de conciertos, instalaciones, muestras, talleres y conferencias. Estos intereses son compartidos por muchos artistas contemporáneos y precisamente en ellos, en los que cruzan ideas y praxis, en los que directa o indirectamente practican esas actividades concomitantes, he puesto la atención para esta programación en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Conozco el CMMAS desde 2008, una institución que admiro y que es una referencia a nivel mundial en la relación sonido-música-investigación-tecnología. Hay además algo que lo diferencia de otros centros: su apertura. Este ciclo es la confirmación de esto último, ya que la programación involucra a creadores interdisciplinarios que trabajan en la divulgación, la autogestión, etc. y que sin tener necesariamente un pie en la tradición o la academia detentan una inquietud y una tarea ligada a expresiones absolutamente contemporáneas. Para esta primera edición de Escuchar y Mirar en el CMMAS he convocado a Javier Piñango (España), Nicolás Varchausky (Argentina) y Mitchell Akiyama (Canadá). Artistas que en su conjunto cruzan la síntesis con los sensores; el teatro con la gestión; los instrumentos tradicionales con las grabaciones de campo; la instalación con la performance. En resumen: una bella confusión en una época signada por la post-producción y la mixtura. La edición 2015 de este ciclo, se desarrolla durante los meses de junio, julio y octubre, en la que los artistas convocados realizarán conciertos, conferencias, y una instalación. Jorge Haro, 2015 Javier Piñango es un reconocido sintetista. A bordo de su Korg MS-20 mixtura lo mejor de dos mundos: el analógico y digital. Sociólogo y con cultural rock, ha tenido una implicancia fundamental en la praxis de la música experimental en España. Es además un agitador cultural con base en Madrid que ha dirigido durante 10 años el Festival Experimentaclub, una referencia ineludible en la capital de la península. Artista, mentor de ciclos y festivales, conferencista, gerente de sellos discográficos; Piñango es un agudo pensador de las incidencias sociales y culturales del arte. Esta mezcla de intereses y acciones define el perfil para la apertura de Escuchar y Mirar. El CMMAS presenta su último trabajo, publicado por el sello Audiotalaia, “i.r.real 6 transcontinental electronic flight”, basado en impresiones sonoras sobre ciudades, arquitectura, aeropuertos y aviones. Una deriva que comienza en abril de 2014 en su gira por Sudamérica e incluye a Buenos Aires, Lima y Montevideo como ciudades que inspiraron los tracks. El trabajo se basa en superposiciones de patches del mítico MS-20, para transmitir ”sensaciones, subjetividad y un estado mental a través de la música”. Por otra parte, Piñango ofrece una conferencia titulada Gestión de Festivales y Proyectos de Música Experimental basada en sus vivencias al frente de Experimentaclub. Esta conferencia brinda una aproximación a modelos de gestión y difusión de carácter transversal, intergeneracional e interartístico, a partir de un contexto regional y sociocultural. Jorge Haro, 2015 La obra está construida a través de la exploración de los límites sónicos de un sintetizador analógico Korg MS20, la cual es un viaje, un sube/baja transcontinental, un recorrido de impresiones sonoras construidas en torno a ciudades, edificios, aeropuertos, y aviones. Javier Piñango (Madrid, 1962) es director del festival internacional de música experimental Experimentaclub y del proyecto de difusión y promoción de música experimental del mismo nombre (http://www.experimentaclub.com ). Además es co-director del proyecto iberoamericano de intercambio artístico y cooperación cultural Experimentaclub LIMb0. Lleva ya más de veinticinco años trabajando en la escena sonora de vanguardia española desde diferentes frentes: como músico, programador cultural, creador de sellos discográficos, periodista musical, etc. En 1989 creó el sello discográfico Triquinoise Producciones junto a Jaime Munárriz y Esther Berdión. Más tarde, ya en 1992, fundaría el sello Por Caridad producciones (junto a Ajo y Javier Colis), siendo entonces también uno de los responsables de la publicación Noise Club. Experimentaclub es una plataforma creada en el año 2000 encaminada a la difusión de todas las vertientes de la música experimental y otras manifestaciones artísticas afines: electrónica, arte sonoro, ruidismo, improvisación, apropiacionismo, poesía fonética, arte audiovisual, etc. Entre sus actividades hay que destacar especialmente el festival internacional Experimentaclub, de carácter anual y ya con diez ediciones celebradas. También Experimentaclub funciona como net-label a través de su sello exp_net. Como músico Javier Piñango formó parte a finales de los 80 y primeros 90 de Cerdos (blues electrónico industrial) y más tarde, en 1992, fundó junto a Ajo y Javier Colis Mil Dolores Pequeños (con los que grabaría tres álbumes) y en 1994 Destroy Mercedes (electrónica y psicodelia) junto a Jaime Munárriz, editando dos CDs en 1996 y 1997 respectivamente. En 1999 crea Druhb, también junto a Jaime Munárriz, proyecto electrónico con el que edita en 2002 un primer CD bajo el título de "Cone Of Silence" (Geometrik). Ya en 2005 editaron en Hazard Records un nuevo CD presentando el soundtrack que diseñaron especialmente en 2004 para un nuevo montaje audiovisual a partir de la película de Fritz Lang "Doctor Mabuse". También en Hazard Records publicaron "Mirador bbaa ssion". Su último trabajo publicado como Druhb es "Variationen" (exp_net) en 2007. Javier Piñango forma parte también del dúo Ankitoner Metamars, junto al ex-cantante de Superelvis Anki Toner, con dos discos editados hasta la fecha: “Ankitoner Metamars” (G3G Records, 2008) y “Who Cares?” (Autoreverse, 2009). Además compagina este proyecto con otro bajo el nombre de Klang!, junto al argentino Jorge Haro. Desde 2010 trabaja en solitario bajo el título genérico de i.r.real con varios trabajos publicados: “i.r.real . uno” (finales de 2010), “i.r.real . dos” (mayo de 2011), “i.r.real . tres” (diciembre de 2011), los tres en exp_net; “i.r.r_soma” (mp3 single, Micro Ediciones, Fuga Discos, Buenos Aires, 2012), “i.r.real metal music” (Hazard Records, 2012) y ya en 2013 “i.r.real space music” (Audiotalaia). También ha publicado recientemente “tRAVEL”, disco junto al guitarrista e improvisador David Paredes (Hazard Records, 2013). Por otra parte en 2012 inició un nuevo proyecto de colaboración junto a Edu Comelles llamado Rally!, con un primer disco en exp_net publicado en junio de 2012 y un segundo trabajo a comienzo de 2014 llamado “BullDozer” (suRRism-Phonoethics). En otoño de 2014 se publica el sexto volumen de i.r.real: “i.r.real 6: transcontinental electronic flight” (Audiotalaia) Previous Next