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La propuesta consiste en explicar y resaltar el proceso de realización de las tres obras para batería y nuevas tecnologías, composiciones originales de los compositores Rodrigo Sigal, Francisco Villegas y Josué Collado. < Back Ir al final | go to botom Batería y nuevas tecnologías - Adrián Oropeza (México) La propuesta consiste en explicar y resaltar el proceso de realización de las tres obras para batería y nuevas tecnologías, composiciones originales de los compositores Rodrigo Sigal, Francisco Villegas y Josué Collado. La fusión de instrumentos acústicos con las nuevas tecnologías, constituye una propuesta vanguardista y forma parte de las nuevas tendencias de la música actual que deben ser fomentadas y difundidas en los festivales para transferir el conocimiento y acercar a las nuevas generaciones de músicos a la batería y el uso de las nuevas tecnologías como eje de formación en las nuevas tendencias actuales de la música, lo cual impulsará y acercará a muchas generaciones de jóvenes músicos a este género. Adrián Oropeza Como músico ha sido invitado a impartir clases magistrales de batería en Conservatorios de la CDMX y en distintos estados de la República, además del Conservatorio Nacional de Lisboa en Portugal, el Conservatorio de La Paz en Bolivia y en la Universidad de Yakarta en Indonesia. Es Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música, incursionó en la música de la mano de importantes bateristas como Álvaro López, Hernán Hecht y Antonio Sánchez, así como con Joe Porcaro y Ralph Humpries en Los Angeles Music Academy (LAMA), quienes le aportaron el estilo y la técnica en ese instrumento, no solo en el jazz, sino en otros géneros musicales Luego de participar en algunas agrupaciones que fusionaban música tradicional de Bolivia y otros países latinoamericanos, Adrián Oropeza fundó en 2006 su propia propuesta, en formato de trío, con la idea de mostrar que la música mexicana tiene grandes posibilidades de fusionarse, en especial con el jazz. En 2008 grabó su primer álbum “Texturas” y en 2011 presentó su segundo disco “Mezcal”, ambos realizados con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, al obtener la beca del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales. En 2015 grabó de manera independiente su tercer disco “Amaneceres”. Adrián Oropeza como líder de su trío, viajó en 2012 a Manila, Filipinas como representante de México en el Festival Internacional de Jazz (P.I. Jazz Festival) y posteriormente a Bolivia en el 25 Festijazz de La Paz. En 2014 participó en el Java Jazz Festival de Yakarta, Indonesia e hizo algunas presentaciones en Singapur, acompañado por su trío. Además tuvo la oportunidad de ser el primer mexicano y latinoamericana en ser invitado al Guimaraes Jazz Festival de Portugal, también en 2014. En 2016 viajó a Francia para integrar la programación del FIMU, Festival Internacional de Música Universitaria, en la ciudad de Belford. En 2017 viajó a Holanda para participar en los festivales Jazz in de Gratch en La Haya y en Delft Jazz Fest en la ciudad de Delft. En 2018 fue invitado al Festival Internacional de Jazz de Santa Lucía, isla del Caribe. En México ha participado en importantes festivales de jazz en Querétaro, Aguascalientes, Tabasco, Hidalgo, Michoacán, Colima, Yucatán, Zacatecas, San Luis Potosí, Nuevo León y la Ciudad de México. Entre 2012 y 2018 participó en otros proyectos musicales como H3A al lado del reconocido flautista Horacio Franco y en Sattva Jazz Project, agrupación con la que muestra otras vertientes en su trayectoria como baterista, con la que presentó a finales de 2017 el disco de jazz electroacústico “0101”; actualmente integra el proyecto de la cantante Atenea Ochoa con los músicos Alex Mercado y Aarón Cruz. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

10.08.2022 < Regresar Untrioeléctrico (Ecuador) 10.08.2022 DESDE LA SALA DE EXPERIMENTACION SONORA, Mz14, Uartes, Guayaquil Un trio Eléctrico es un grupo de compositores, ejecutantes e investigadores de música electrónica de Guayaquil y la Universidad de las Artes. COnformado por Adina Izarra (COmpositora, Visuales y síntesis), Meining Cheung (COmpositora, Piano, piano de juguete) y Rubén Riera (COmpositor, Guitarra, Teorba, ukelele y Push). Descripción del concierto: Obras mixtas donde la interactividad se establece entre intérpretes y visuales. Todo es generado en vivo, resampleado y reinterpretado. EL uso de instrumentos tradicionales como la guitarra y el piano se complemente con cantidad de objetos sonoros. Previo Siguiente

El constante uso de la voz en el repertorio musical contemporáneo refleja la flexibilidad y posibilidad de adaptación del formato vocal en sus innumerables contextos musicales actuales. Una de las particularidades del área de composición del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes es precisamente la variedad de aproximaciones tanto técnicas como estéticas en la práctica de la composición. En esta presentación tendremos la oportunidad de conocer, desde la perspectivca de tres compositores colombianos tan aparentemente distintos en cuanto a su música, las problemáticas e intereses que resultan desde la composición involucrando la voz. < Back Ir al final | go to botom Cruces y confluencias – El tratamiento de la voz en la obra de 3 compositores Uniandinos - Pedro Felipe Ramírez (Colombia) - Santiago Lozano (Colombia) - Jorge Gregorio García Moncada (Colombia) El constante uso de la voz en el repertorio musical contemporáneo refleja la flexibilidad y posibilidad de adaptación del formato vocal en sus innumerables contextos musicales actuales. Una de las particularidades del área de composición del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes es precisamente la variedad de aproximaciones tanto técnicas como estéticas en la práctica de la composición. En esta presentación tendremos la oportunidad de conocer, desde la perspectivca de tres compositores colombianos tan aparentemente distintos en cuanto a su música, las problemáticas e intereses que resultan desde la composición involucrando la voz. Pedro Felipe Ramírez (Cali, 1979-) Realizó sus estudios de pregrado en la Universidad del Valle (1996-2001), principalmente en guitarra clásica con el maestro Clemente Díaz y en teoría, armonía y contrapunto con los maestros Mario Gómez-Vignes, Álvaro Gallego y Alberto Guzmán. Posteriormente realizó estudios de composición con el maestro Mario Gómez-Vignes y de contrapunto atonal con el maestro Álvaro Gallego. Obtuvo el Diplôme d’études musicales Spécialité Composition (D.E.M.) en el Conservatoire Jacques Thibaud de Bordeaux (2004-2007) con los maestros Jean-Yves Bosseur (composición) y Patrice De Faccio (escritura), destacándose en la U.V. de Contrepoint (anteriormente Prix de Contrepoint) con la más alta distinción otorgada por el jurado y siendo nominado al Prix SACEM de Contrepoint 2007. Posteriormente realizó su Maestría en Composición (M.Mus. Composition) en la Université de Montréal (2011-2012) con los maestros Alan Belkin (composición y orquestación) y François de Médicis (análisis). Su música se ha estrenado en China, Francia, Canadá y Colombia. En la actualidad se desempeña como Profesor Asistente del Departamento de Música de la Universidad de los Andes. Santiago Lozano (Bogotá Colombia, 1976) Nacido en el seno de una familia musical, Santiago inicia sus estudios musicales a temprana edad. Luego de obtener su diploma en composición de la universidad de los andes bajo la dirección del maestro Luis Pulido; se traslada a Berlín a continuar sus estudios en musicología en la universidad Humboldt. En el campo de la composición cinematográfica su maestro principal ha sido Luis E. Bacalov quien orientó su trabajo de maestría en el Centro sperimentale di cinematografia en Roma Italia. Luego de obtener dicho título continúa su aprendizaje trabajando cómo orquestador del maestro Bacalov. Ha realizado la música para un gran numero de películas y diversos formatos audiovisuales en Italia, España y Colombia. Su interés como compositor se centra en la interacción con diferentes formas artísticas y el uso de la tecnología como recurso expresivo. Multimedia y transmedia están en el centro de su proceso investigativo y creativo, ejemplo de ello son sus óperas Incorpóreo y Violeta ópera modular. Sus composiciones han sido ejecutadas en una docena de países. Actualmente se desempeña como profesor asociado del departamento de música de la universidad de los andes en los campos de composición y composición para cine y medios. JORGE GREGORIO GARCÍA MONCADA, PhD. (Bogotá, Colombia 1975) Compositor, diseñador de sonido e intérprete – PhD, Universidad de Birmingham, Reino Unido (2013), Master in Music de la Texas Christian University, Fort Worth, Texas, EEUU (2003), y Músico compositor, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia (2000) – Profesor asociado del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes, enfocado actividades de investigación / creación y docencia en los campos de la composición por medios electroacústicos, mixtos e instrumentales y la teoría musical. Es fundador y director de BLAST – Teatro de Sonido de Bogotá, Universidad de los Andes –, un sistema sonoro inmersivo multicanal de alta definición para la realización de conciertos a gran escala de obras musicales con formatos mixtos y electroacústicos. Es director del Festival Internacional de Música Electroacústica SPECTRA. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

En esta conferencia hablaremos del proyecto The FRONT Arte & Cultura, un espacio de arte ubicado en la frontera entre Tijuana y USA, y Nett Nett un proyecto de radio por internet nacida entre Tijuana y Los Angeles, enriquecido con creadores de todo el mundo. Ambos proyectos se mueven entre la transnacionalidad, la multiculturalidad y la colaboración sin fronteras para la creación sonora y multimedia. < Back Ir al final | go to botom El sonido del aire transfronterizo - Francisco Morales (México) En esta conferencia hablaremos del proyecto The FRONT Arte & Cultura, un espacio de arte ubicado en la frontera entre Tijuana y USA, y Nett Nett un proyecto de radio por internet nacida entre Tijuana y Los Angeles, enriquecido con creadores de todo el mundo. Ambos proyectos se mueven entre la transnacionalidad, la multiculturalidad y la colaboración sin fronteras para la creación sonora y multimedia. Francisco Morales - Pablo Francisco Morales (1981) es originario de la Ciudad de México y actualmente vive y trabaja en San Diego, CA. Francisco es compositor y artista multimedia. Crea instalaciones, intervenciones y performances musicales, sonoras y multimedia. Su trabajo se ha presentado en todo el mundo, específicamente en México, Estados Unidos, Europa y Sudamérica. Francisco es el actual Director de Galería en The FRONT Arte & Cultura, galería de arte binacional en la región fronteriza de San Ysidro US - Tijuana Mex, donde cura exposiciones de arte, talleres y performances. Centrado en la vida artística transnacional de la región, pero también atento a la escena artística internacional. Haydeé jiménez - Haydeé Virginia Jiménez MacFarland (San Diego / Tijuana 1981)Cofundador de nettnettradio y nettnett Tijuana. Explorador en los reinos de los enfoques artísticos y holísticos para la curación a través de frecuencias de sonido, vibraciones y música de computadora. Compositor / productor / intérprete de música electrónica también conocido como Hi-D / Hidhawk / AyDD. Promotor de músicos y artistas experimentales / electrónicos de la región - Borderlandnoise. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Acousmatic music has brought us face-to-face with the idea that the internal structure of sound can be a source of compositional ideas. This resonantes strongly with Spectralist conceptions of musical form (viz. Grisey’s call to ‘no longer compose with notes, but with sounds’). But where Spectralist instrumental music often involves translations of a spectromorphological structure, acousmatic music deals in the moment-by-moment reality of the sonic object itself. Two musical consequences of this are identified: the bypassing of micro-interval approximations necessitated in much Spectralist instrumental music and the capacity to progressively unravel a sound to create new ‘partial’ objects. < Back Ir al final | go to botom Partial Objects: A perspective on Spectralism - John Young (Reino Unido) Acousmatic music has brought us face-to-face with the idea that the internal structure of sound can be a source of compositional ideas. This resonantes strongly with Spectralist conceptions of musical form (viz. Grisey’s call to ‘no longer compose with notes, but with sounds’). But where Spectralist instrumental music often involves translations of a spectromorphological structure, acousmatic music deals in the moment-by-moment reality of the sonic object itself. Two musical consequences of this are identified: the bypassing of micro-interval approximations necessitated in much Spectralist instrumental music and the capacity to progressively unravel a sound to create new ‘partial’ objects. John Young is Professor of Composition in the Institute for Sonic Creativity at De Montfort University, Leicester. He composes largely with his own field recordings, using these as windows on experience and creating new sound worlds by embedding them in networks of digitally-realised sound design. Awards include first prizes in the 1996 Stockholm Electronic Arts Award, Musica Nova (Prague) 2018 and 2020, Klang! Montpellier 2019 and the 2007 Bourges International Competition with Euphonie d’Or (2010). He has been a guest composer and/or teacher at numerous institutions, including Ina-GRM, the IMEB Bourges, EMS and Kungliga Musikhögskolan (Stockholm), the Sibelius Academy, Conservatoire de Mons, Tempo Reale, the iMPACT Center (University of Missouri-Kansas City), San Jose State University, Bowling Green State University, Oberlin Conservatory, Ohio State University, Simon Fraser University, the University of Montréal, the Ai-Maako Festival (Santiago), the University of Lanús (Buenos Aires) and the University of Auckland. His music is published by Empreintes DIGITALes, Montréal. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

15.06.2022 < Regresar Andrés Rivera Fernández (Chile) 15.06.2022 Obras audiovisuales interdisciplinarias a partir de sensores de presión de tela (Centro de Estudios Musicales Latinoamericanos) El CEMLA es un espacio de estudio de la música latinoamericana, tanto desde las vertientes tradicionales y populares, y de las académicas y experimentales, poniendo un especial énfasis en las nuevas expresiones que surgen del cruce entre estas. Participan artistas, investigadorxs, intérpretes y docentes de Chile y Latinoamérica. La re-incorporación de las tradiciones orales, los instrumentos nativos/populares, las prácticas colectivas y el uso de tecnologías son pilares fundamentales de esta propuesta. Sus ejes principales de trabajo son la Formación Académica, el Fomento a la Creación y la Difusión de las Nuevas Músicas Latinoamericanas. Andrés Rivera Fernández es Mgtr. en Creación Musical UNTREF. Se desarrolla en el campo de la música experimental con raíz latinoamericana, la innovación en didáctica musical y la reflexión filosófica sobre la música como un fenómeno identitario y geoculturalmente situado. Docente de la Cátedra de Etnografía de la Música (Universidad de Valparaíso) y Director del CEMLA Descripción del concierto: Este proyecto de Ciencia, Arte y Tecnología es una colaboración entre el Centro de Estudios Musicales Latinoamericanos y la Escuela de Ingeniería Eléctrica de la PUCV para la creación de obras mediales interdisciplinarias a partir de sensores de presión hechos de tela y fáciles de construir. El sensor está basado en telas conductoras que al contacto transforman la presión en una señal que puede ser enviada de manera inalámbrica, en tiempo real, para ser procesadas según las necesidades del artista. Esto crea una forma de controlar de manera única cualquier señal producida por la interacción sensor/artista. Sobre esta base, lxs artistas vinculadxs al CEMLA buscan explorar y expandir las posibilidades técnicas y de captura de datos del sensor con fines estéticos y expresivos. Blando, vestible, móvil, presionable y virtualmente inalámbrico, el sensor puede potenciar el movimiento, cuerpo y la interacción entre instrumentistas, generando procesamiento en tiempo real e interactivo del sonido y la imagen de maneras novedosas e innovadoras. Las obras del CEMLA ocurren en el área de cruce entre elementos de experimentación y nuevas tecnologías, con tradiciones populares y cultura local, con un fuerte énfasis en la creación colectiva. En este proyecto en particular se piensan relaciones, confluencias y divergencias entre el paradigma de la ciencia y el paradigma del arte, ambos con distintas miradas respecto de lo que es el conocimiento y la producción de este. Las obras creadas fueron registradas y producidas audiovisualmente por Grieta Cine. Previo Siguiente

Pablo Martín Freiberg Nacido en Buenos Aires, 1974, estudió en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) de Argentina, donde obtuvo el título de Profesor de Música (guitarra), el de Licenciado en Artes Musicales (composición); y el de Profesor Universitario. < Back Ir al final | go to botom Psicoacústica y Psicología aplicadas a la Composición Musical Electroacústica - Pablo Martín Freiberg (Argentina) Pablo Martín Freiberg Nacido en Buenos Aires, 1974, estudió en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) de Argentina, donde obtuvo el título de Profesor de Música (guitarra), el de Licenciado en Artes Musicales (composición); y el de Profesor Universitario. Además, realizó múltiples seminarios de composición, psicoacústica y psicología de la música en la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ), la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y la Universidad Católica Argentina (UCA). Actualmente, se encuentra a la espera de defender su tesis doctoral en la UNA. En cuanto a su carrera docente, dicta en la actualidad las asignaturas “Composición Instrumental”, “Composición con Medios Electroacústicos”, “Psicoacústica y Psicología de la Música” y “Acústica” en el Departamento de Artes Musicales y Sonoras (DAMus) de la UNA, “Computación Aplicada a la Música” en el Conservatorio de la Cdad. de Bs. As. “Astor Piazzolla”, y diversos Seminarios de Posgrado. Sus obras han sido presentadas en múltiples países, y premiadas o distinguidas en Argentina, Italia, Cuba y Bélgica. Finalmente, Freiberg ha sido el fundador del “Ensamble Electroacústico” (2014) y del “Laboratorio de Psicoacústica y Psicología de la Música” (2019) del DAMus (UNA). ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

20.04.2022 < Regresar Ricardo Risco Cortés (Panamá) 20.04.2022 Ricardo Risco-Compositor Panameño Ricardo Risco Cortés (Panamá, Panamá - 1960), realizó estudios de Composición con Mario Lavista, Dirección Orquestal con Pedro Cortinas y Dirección Coral con Alberto Alva en el Conservatorio Nacional de Música de México. En este país laboró como director de diversas orquestas y coros, y fue profesor en distintas instituciones musicales. Durante ese periodo destaca su labor de director titular en agrupaciones musicales, tales como: Coro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Ensamble Coral y Orquestal de la Ciudad de México, Coro y Ensamble Vocal del Instituto Tecnológico de Monterrey, entre otras, y fue invitado como director huésped de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta Sinfónica de Coyoacán, Solistas Ensamble de Bellas Artes, Coro de Madrigalistas, etc. En abril del 2000 regresó a Panamá, y de entonces a la fecha, ha realizado una fructífera labor como pedagogo, compositor y director. Entre otras agrupaciones, ha dirigido los coros y la orquesta del Instituto Nacional de Música, la Orquesta Sinfónica Juvenil Istmeña, Grupo Lírico de Panamá, la Orquesta del Sistema Nacional de Orquestas, Bandas y Coros Infantiles y Juveniles, y la Orquesta Sinfónica Nacional, de la que es director asistente. Con esta última agrupación, además de los conciertos en los que ha abordado un repertorio internacional, cabe resaltar los estrenos absolutos de autores nacionales durante las “Muestras de Compositores Panameños” que se realizan anualmente. Ha recibido numerosos encargos y ha sido ganador en diversos concursos internacionales de composición, y sus obras han sido interpretadas en distintos países de América, Europa y Asia. En noviembre del 2012, la Universidad Nacional de Panamá realizó en su honor el concierto-conversatorio “El compositor y su obra. Ricardo Risco, un recorrido por más de 20 años de su labor creativa”. Además de seguir fungiendo como Director Asistente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, dirige el Ensamble "Solistas de Panamá", la Orquesta Juvenil "Gonzalo Brenes", y labora como profesor del Ciclo Superior en el Instituto Nacional de Música de Panamá. Descripción del concierto: En este concierto podremos escuchar música para muy diversos formatos (música de cámara para muy variadas agrupaciones, ensambles vocales, orquesta de cuerdas, orquesta sinfónica con coro y con solistas, etc.), del compositor panameño Ricardo Risco Cortés. En ellas, podremos apreciar lo rico y variado del lenguaje musical de este compositor, pues las obras incluidas en el programa, abarcan un período de 35 años, y en ellas podremos evidenciar el camino evolutivo, estilísticamente hablando, que ha recorrido el compositor durante todos estos años. Previo Siguiente

Francis Dhomont studied under Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. In the late 40s, in Paris (France), he intuitively discovered with magnetic wire what Pierre Schaeffer would later call “musique concrète” and consequently conducted solitary experiments with the musical possibilities of sound recording. Later, leaving behind instrumental writing, he dedicated himself exclusively to electroacoustic composition. < Back Ir al final | go to botom Abstraction and figuration in music - Francis Dhomont (France) Francis Dhomont studied under Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. In the late 40s, in Paris (France), he intuitively discovered with magnetic wire what Pierre Schaeffer would later call “musique concrète” and consequently conducted solitary experiments with the musical possibilities of sound recording. Later, leaving behind instrumental writing, he dedicated himself exclusively to electroacoustic composition. The Conseil des arts et des lettres du Québec has awarded him a prestigious carreer grant. In 1999, he was awarded five first prizes for four of his recent works at international competition (Brazil, Spain, Italy, Hungary and Czech Republic). In 1997, as the winner of the Canada Council for the Arts’ Victor Martyn Lynch-Staunton Award, he was also supported by the DAAD for a residence in Berlin (Germany). Five-time winner at the Bourges International Electroacoustic Music Competition (France) — the Magisterium Prize in 1988 — and 2nd Prize at Prix Ars Electronica 1992 (Linz, Austria), he has received numerous other awards. He is the editor of special issues published by Musiques & Recherches (Belgium) and of Électroacoustique Québec: l’essor (Québec Electroacoustics: The Expansion) — for Circuit (Montréal). Musical coeditor of the Dictionnaire des arts médiatiques (published by UQAM), he is also lecturer and has produced many radio programs for Radio-Canada and Radio-France. In 1978-2004, he has divided his time between France and Québec, where he has taught at the Université de Montréal from 1980 to ’96. Since the fall of 2004 he lives in Avignon (France) and regularly presents his works in France and abroad. Great traveller, he participates in several juries. He is an Associate Composer of the Canadian Music Centre (CMC, 1989) and a Founding Member (1986) and Honorary Member (1989) of the Canadian Electroacoustic Community (CEC). In October 2007, Université de Montréal awarded him a honoris causa doctorate. He is the president of the collective Les Acousmonautes (Marseille, France) — until its dissolution in 2016 — and “Ehrenpatron” (honour patron) of the organization Klang Projekte Weimar (Germany). He is awarded the Qwartz Pierre-Schaeffer 2012 (Paris, France), Baiocco d’oro 2012 (Perugia, Italia), and the Grand prize of the Giga-Hertz-Preis 2013 (Karlsruhe, Germany). In November 2014 he becomes an Honorary Member of the International Confederation of Electroacoustic Music (ICEM). In 2017 he becomes the Honorary President of the Festival Klang! (Montpellier, France). He now focuses on composition and theory. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

EL EIGC (Encuentro Internacional de Grabación de Campo) se crea en 2012 en Guadalajara en colaboración de Sociacusia y Laboratorio Sensorial. El objetivo principal es crear un espacio para la reflexión en torno a la ecología acústica y grabación de campo. En 2019, el EIGC se realizó en Puerto Vallarta, bajo la premisa de Conservación Sonora (con el apoyo del Instituto Vallartense de Cultura, Estero El Salado, Municipio de Puerto Vallarta y la jefatura de Música y Arte Sonoro de la Secretaría de Cultura de Jalisco). < Back Ir al final | go to botom Encuentro Internacional de Grabación de Campo (México) EL EIGC (Encuentro Internacional de Grabación de Campo) se crea en 2012 en Guadalajara en colaboración de Sociacusia y Laboratorio Sensorial. El objetivo principal es crear un espacio para la reflexión en torno a la ecología acústica y grabación de campo. En 2019, el EIGC se realizó en Puerto Vallarta, bajo la premisa de Conservación Sonora (con el apoyo del Instituto Vallartense de Cultura, Estero El Salado, Municipio de Puerto Vallarta y la jefatura de Música y Arte Sonoro de la Secretaría de Cultura de Jalisco). En 2020 se realizó un programa académico donde se celebró la virtualidad y además una breve residencia de trabajo en el municipio de Talpa de Allende, Jalisco (con el apoyo del de la Jefatura de Música y Arte Sonoro de la Secretaría de Cultura de Jalisco, el municipio de Talpa de Allende, CMMAS y Laboratorio Sensorial). En 2021 se dará continuidad con el programa académico y el tema tiene que ver con el agua, se hará una residencia en la Rivera del Lago de Chapala, Jalisco. Yair López (MX-1983). Trabaja diseñando los programas públicos para el MAZ (Museo de Arte de Zapopan) Y es Coordinador de el CCEPI (Centro Cultural El Pitillal). Estudia actualmente el Doctorado en Ciencias en la Universidad de Guadalajara, su trabajo de investigación se centra en la interacción de ondas infrasónicas. Además, es Maestro en Ciencias en Geofísica por la UDG. Combina el error, datos geofísicos y la poesía materializando piezas sonoras y audiovisuales. Como investigador ha publicado artículos científicos en el Seismological Research Letters y es autor del libro: LOS TERREMOTOS NO MATAN, LOS EDIFICIOS SÍ. Pablo de la Peña. Realizó estudios en Radio-TV-Cine y Antropología en The University of Texas at Austin; así como un Master en Artes Digitales en la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona. Actualmente es doctorando en Filosofía, Arte y Pensamiento Crítico por la European Graduate School, en Suiza. He tenido exposiciones en el Museo de Arte de Zapopan, el ex convento del Carmen, la galería Jorge Martínez o Niu Audiovisual. Además ha trabajado como realizador en 4 proyectos de video documental. Actualmente se desempeña como docente, investigador, realizador audiovisual y es titular de la jefatura de Música y Arte Sonoro de la Secretaria de Cultura de Jalisco. Javier Audirac (GDL, 1975). Antiguo portavoz de las disqueras Happy Garlic, Abolipop, Poni Republic y Barrilete Cósmico. Co-Director del extinto Sociacusia Ciclo, y programador del Salón Púrpura. Actualmente es parte del Comité Organizador del Festival Doña Pancha. Excolumnista del suplemento Ocio, El Informador, las revistas Wow, Marvin, Zona de Obras y Páramo de Luvina. Fue Coordinador de actividades culturales en Vía RecreActiva GDL de 2015 a 2018. Actualmente es Director de http://sensorialradio.org , Encargado de Logística y Producción en la Jefatura de Música y Arte Sonoro de Cultura Jalisco y Productor del programa Palavern del Centro Goethe Bezirk, para Jalisco Radio. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Esta mesa redonda consta de cuatro presentaciones en las que estudiantes del Posgrado en Música de la UNAM, del área de tecnología musical, generación 2021, hablan de sus proyectos de investigación. La mesa es moderada por Jorge David García, profesor de investigación del mismo posgrado. < Back Ir al final | go to botom Perspectivas de tecnología musical - Mesa redonda Jorge David García (México) - Libertad Figueroa (México) - Alejandro Ramírez (México) - Sofía Matus Cancino (México) Esta mesa redonda consta de cuatro presentaciones en las que estudiantes del Posgrado en Música de la UNAM, del área de tecnología musical, generación 2021, hablan de sus proyectos de investigación. La mesa es moderada por Jorge David García, profesor de investigación del mismo posgrado. Jorge David García. Compositor e investigador especializado en temas de tecnología musical y estudios sonoros. Profesor de la Facultad de Música de la UNAM y miembro del Sistema Nacional de investigadores. Libertad Figueroa. Artista mexicana enfocada a la improvisación/experimentación/musical con sintetizadores y código en SuperCollider. Alejandro Ramírez. Compositor egresado de la Facultad de música de la UNAM. Su trabajo principal es en el ámbito cinematográfico, realizando música original, sonido directo, diseño sonoro y mezcla. Ollin Vázquez González. Compositor enfocado principalmente en las tecnologías musicales, la música experimental y la música vocal, egresado de la Academia de Arte de Florencia. Sofía Matus Cancino. Artista digital radicada en el Valle de México, egresada del Conservatorio de Música del Estado de México como técnico en piano y Licenciada en Arte Digital por la UAE ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

dream is my first audiovisual composition, completed under the guidance of Dr. He during my pursuit of a Masters degree in Landscape Architecture at the University of Arizona. In this piece, I explored simple animation by manipulating and distorting over 30 layers of a digitally painted ocean scene I created in Photoshop. The piece was created during the Coronavirus pandemic and explores the properties of water and fire in a nebulous and saturated dreamscape. Working in this invented digital dream-space became a necessary escape for me during the chaotic isolation of life during the pandemic. < Back Ir al final | go to botom Dream – Tess Wagner (EUA) dream is my first audiovisual composition, completed under the guidance of Dr. He during my pursuit of a Masters degree in Landscape Architecture at the University of Arizona. In this piece, I explored simple animation by manipulating and distorting over 30 layers of a digitally painted ocean scene I created in Photoshop. The piece was created during the Coronavirus pandemic and explores the properties of water and fire in a nebulous and saturated dreamscape. Working in this invented digital dream-space became a necessary escape for me during the chaotic isolation of life during the pandemic. Tess Wagner Tess is a multimedia artist, landscape designer, and ecological restoration practitioner. She lives in Patagonia, Arizona, where she manages the watershed restoration program for a local non-profit. Tess spends her free time exploring the wild landscapes of the sky islands and creating multimedia artwork inspired by her wanderings. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS