La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. < Back Ir al final | go to botom Audio digital para jóvenes creadores - Raúl Ignacio Moller (México) La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. Raúl Ignacio Moller Jensen nació en 1986 en la ciudad de Venado Tuerto, en el interior de Argentina. Comenzó su interés por la música desde pequeño, tocando la guitarra y participando de un coro de música popular. Ya finalizando la secundaria (preparatoria), en las prácticas profesionales de la escuela comenzó a participar en un estudio de grabación local (Del Altillo), donde tuvo las primeras experiencias y aprendizajes relacionados al audio. Luego continuó sus estudios en la ciudad de Buenos Aires, primero con una carrera técnica donde obtuvo el título de Técnico en Producción Musical y Productor en Artes Electroacústicas en los institutos de tecnologías ORT (su primer encuentro con las artes contemporáneas); luego estudió una Licenciatura en Post Producción Audiovisual con orientación en sonido en la Universidad Nacional de Lanús, que conservaba la misma línea técnica y artística de los estudios precedentes. En paralelo continuaba con sus experiencias en audio y producción musical yendo a participar como asistente a diversos estudios de grabación tales como el emblemático Circo Beat. Además de haber trabajado en diversos estudio de grabación; trabajó en la televisión digital argentina como diseñador y post productor de sonido, y también ha realizado diseño y post producción de sonido para series, cortometrajes y largometrajes. Actualmente se dedica a la docencia y a la producción musical. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Doctor Zoppa. [ARGENTINA/MÉXICO/ESTADOS UNIDOS] Doctor Zoppa (México/Argentina), David Blink (EUA) 29 nov 2016 Doctor Zoppa propone un espectáculo contundente y ecléctico. En sus presentaciones la música y la imagen juegan el mismo papel de importancia. Formado en 2012 como un dúo integrado por Juan Sebastián Lach (México) y Francisco Colasanto (Argentina). Actualmente esta conformado por Francisco Colasanto (composición, arreglos, voz,) y Sebastián Torrella (cuerdas y visuales). Juan Sebastián Lach participa en varias ocasiones como artista invitado. Los instrumentos que utilizan en vivo son un Eigenharp TAU y acordeón (Colasanto), bajo y guitarra (Torrella), con proyección de videos en vivo de la autoría y/o curaduría de Sebastián Torrella, quien además de ser un destacado multi-instrumentista ha trabajado por 20 años como productor de piezas audiovisuales y colaborado con productoras importantes como las de Tony Scott y Spike Lee. La música propuesta por Doctor Zoppa mezcla diversos estilos: rock, pop, electrónica, electroacústica, avant-garde, etc. Principalmente interpreta música compuesta y arreglada por Francisco Colasanto, aunque también realiza homenajes a diferentes compositores interpretando versiones personales de piezas de músicos tan dispares como Luis Alberto Spinetta, King Crimson, Igor Stravinsky, Morton Feldman, entre otros. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: 44 FIMNME (Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enriquez). [MÉXICO] Compositores: Gabriel Salcedo Sansón (México), Gerardo Meza (México), Ismael Morales (México), Juan Cáceres Avitia (México), Luis Hilario Arévalo (México), Sungji Hong (Corea del Sur), Wingel Mendoza (México) 21 oct 2022 Gabriel Salcedo Sansón (México, 1985) Su trabajo transita distintas formas de creación sonora, desde composición acústica hasta proyectos multimedia. Sus piezas e investigación exploran la interactividad entre el ser humano y la tecnología en entornos creativos. Además, ha incursionado en el diseño sonoro, música para coreografía e improvisación libre. Sus obras han sido interpretadas en distintos festivales nacionales e internacionales como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Festival Gaudeamus y el Festival Internacional Cervantino. La explosión de un millón de soles “El poder de un millón de soles explotando” Totalmente subjetivo y abrumador. Gerardo Meza (México, 1993) Comenzó sus estudios musicales en la Universidad Autónoma de Tamaulipas. Es licenciado en Composición por el Conservatorio de las Rosas donde estudió con Ignacio Martínez Madrigal. Además, es egresado de la carrera de Música y tecnología artística de ENES campus Morelia, UNAM, donde estudió bajo la tutela de Rodrigo Sigal y Juan Sebastián Lach. Actualmente cursa la maestría en Tecnología musical en la UNAM. En 2017 resultó ganador del 1er Concurso Nacional de Composición para Cuarteto de Percusiones con su obra Aleación. Ha sido beneficiario del programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico en 2014 y 2019, y su música ha sido interpretada en México, Estados Unidos y España. non-Human Es una pieza que plantea la asimilación y creación de un lenguaje posthumano. Este proceso es aplicado al UrSonate (1932) de Kurt Schwitters, este fue analizado para extraer sus patrones y crear a un nuevo lenguaje ciborg. Otro elemento principal es la sonificación de fragmentos de este lenguaje. Ambos procesos se intercalan y paulatinamente se afectan cada vez más hacia el final de la obra, compartiendo rasgos y materiales entre las secciones. Por otro lado, existe una segunda capa que acompaña y crea texturas basadas en vocales que lentamente generan un contrapunto formal con la primera capa. La pieza es estática y lenta, con algunos momentos llenos de energía autorregulada, planteando la metáfora de interacción entre el ciborg, la tecnología y naturaleza, donde la modulación borra las fronteras del lenguaje humano para establecer un diálogo entre las partes. Ismael Morales (México, 1993) Es egresado de la licenciatura en Lengua y literaturas hispánicas en la UNAM. Actualmente es programador y productor en Radio UNAM. Estudió guitarra clásica con Brian Reyes Rodríguez, y posteriormente, estudió Composición musical en la Escuela Contemporánea de Música y Arte Free Note, con Galo Ortiz y Eduardo Ghenno Marchand. Actualmente prepara el grado de licenciatura en Composición, bajo la tutela de Axel Retif, por la University of West London. Su música ha sido presentada en México, Colombia y España, en festivales como Expresiones Contemporáneas 2021. Claroscuro La idea original nació del poema “Destino” de Rosario Castellanos. El tema central del poema es que el amor es una experiencia humana ambivalente y dual. Esa dualidad está representada en la idea del amor como una fuerza vital y, al mismo tiempo, en la violencia que se ejerce sobre lo amado. Esta idea me llevó a reflexionar acerca de la manera en que la humanidad ha destruido aquello que le rodea y cómo ha dejado de ser un ciervo para convertirse en un tigre que desgarra y despedaza todo a su paso, condenándose a su propia destrucción. Fue a partir de las dualidades presentes en el poema (luz-sombra, ciervo-tigre, vida-muerte) que pensé en el concepto de claroscuro. Por esa razón decidí titular así mi obra, para enfatizar que los claroscuros habitan en el interior de la naturaleza humana pero también se proyectan en el mundo que nos rodea. Juan Cáceres Avitia (México, 1992) Inició sus estudios de Piano en la Facultad de Música de la UNAM. Actualmente estudia la carrera de Musicología bajo la tutela de Ricardo Miranda en el Conservatorio Nacional de Música, a la par estudia Composición musical con Josué Peregrina. Fue becario en 2019 para los Cursos Universitarios Internacionales de Música Española Música en Compostela en España; como compositor su obra ha sido presentada en el Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías: Visiones Sonoras, del CMMAS, el Festival Ecos Sonoros 2021 del Tecnológico de Monterrey y en el Festival AudioRockFes2021 de la Universidad de las Artes de Osaka, Japón. Fue ponente en el Coloquio Miguel Bernal Jiménez del Festival de Música de Morelia y en la Edición XVII del Festival Visiones Sonoras. Ha tomado clases con Panayiotis Kokoras y Jorge Torres Sáenz. Entendre la sensation Inmersa en la dualidad del verbo francés entendre (oír-escuchar/entender). Entendre la sensation se convierte en un viaje donde la escucha no puede sino perseguir el segundo significado: la comprensión, el entendimiento. En palabras de Jean-Luc Nancy: "Estar a la escucha es siempre estar a orillas del sentido o en un sentido de borde y extremidad, y como si el sonido no fuese justamente otra cosa que ese borde, esa franja o ese margen: el sonido escuchado [...] como sentido resonante, sentido en que se presuma que lo sensato se encuentra en la resonancia y nada más que en ella". El sonido se convierte en aliado, la sensación en el medio para encontrar el camino. Acudiendo al filósofo francés Gilles Deleuze, Entendre la sensation: "se pinta, se esculpe, se compone con sensaciones”. Montserrat Pérez-Lima Luis Hilario Arévalo (México, 1977) Realizó sus estudios en el Instituto Cardenal Miranda, el Trinity College London, la Universitat Pompeu Fabra en Barcelona, CMMAS y el Cenart. Su música se ha presentado en México, Alemania, Canadá, Cuba, Chile, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Reino Unido y Suecia. Fue beneficiario del Fondo para la Cultura y las Artes del Estado de México en la categoría Jóvenes Creadores en 2004, 2006 y 2009. Ganador del concurso de comisión de obra para Orquesta infantil y juvenil organizado por el Sistema Nacional de Fomento Musical en 2009. Realizó una residencia artística en el Bellagio Institute en Italia dentro de un programa gestionado por la Fundación Rockefeller en 2009. Beneficiario del programa UNESCO-Aschberg. Ganador del concurso The Comission organizado por VCCA junto con la artista visual Maja Spasova en 2013. Es estudiante de música clásica de la India. Hágase el baile Obra elaborada con muestras de música regional de distintas partes del país. La intención es mostrar la riqueza sonora de México y la vocación festiva que nos caracteriza. Sungji Hong (Corea del Sur, 1973) Entre sus logros se cuentan las becas Guggenheim y Charles Ives de la American Academy of Arts and Letters. Ha recibido comisiones de la Fromm Music Foundation, la National Flute Association, Texas Flute Society, el MATA Festival, Lorelei Ensemble, iSing Silicon Valley, el Tongyeoung International Music Festival, Kumho Asiana Cultural Foundation, y la Filarmónica de Seúl. Tiene títulos de la Hangyang University, la Royal Academy of Music y la University of York en Reino Unido. Es profesor asistente de Composición musical en la University of North Texas. Ekvallein Escrita para clarinete bajo y electrónica, explora las capacidades sónicas del instrumento de la siguiente manera: tremolo con matices armónicos, glissando en la parte alta del instrumento y una rápida sucesión de multifónicos espectrales en la escala fundamental. Esta obra es el resultado de una colaboración activa con Sarah Watts. El solo de clarinete bajo fue compuesto en 2019 y fue grabado durante el ClarinFest 2019 en la Universidad de Tennessee en Knoxville. Sarah Watts hizo grabacones adicionales en su estudio en 2021. Use estas grabaciones como las principales fuentes sonoras en la cinta para crear un mundo sonorounificado entre la parte electrónica y la parte instrumental. La obra la estrenó Sarah Watts en 2021 en el ClarinFest y está dedicada a ella. Wingel Mendoza (México, 1982) Obtuvo el grado de licenciatura en Composición musical por parte de Trinity College of London. En 2014 obtuvo la maestría en Composición musical en la Universidad de las Artes de Rotterdam, Países Bajos. En 2016 obtuvo el grado de post-maestría en Composición musical con medios electrónicos en Würzburg, Alemania. Obtuvo su segunda maestría en Arte sonoro en la Universidad Johannes Gutenberg, Mainz, Alemania, donde continúa con sus estudios de post-maestría en Arte sonoro. Su música ha sido tocada en México, Alemania, España, Noruega, República Checa, Austria, Países Bajos y Lituania. Ha sido beneficiario del programa Jóvenes creadores del Fonca. Ganó el primer lugar en el concurso Armin Knab Wettbewerb für Komposition 2016, así como en el concurso Von fremden Ländern und Menschen 2017, ambos en Alemania. Es parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2020-2023. Limited Noises for electronics Es una obra donde el material sonoro proviene de la guitarra eléctrica y la manipulación del sonido en tiempo real, en la que el ruido está en los límites de la percepción Intérprete Antonio Rosales Es egresado del Conservatorio de Ámsterdam, Países Bajos, donde realizó estudios de posgrado en Clarinete bajo con Harry Sparnaay y Erik van Deuren. Realizó la licenciatura en Clarinete en la Escuela Superior de Música del INBAL, bajo la guía de Luis Humberto Ramos. Actualmente es miembro y director artístico de los ensambles Umbratono, Quartz y Low Frequency Trio. H realizado el estreno mexicano de las obras Dal Niente, de Helmut Lachenmann; Itou, de Pascal Dusapín; Échange, de Iannis Xenakis; Concierto para clarinete bajo y cuarteto de cuerda de Tristan Keuris, y Schattenklänge de Mauricio Kagel. Se ha presentado como solista con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Camerata de Coahuila y el Ensamble Tempus Fugit. Ha ofrecido conciertos en el Festival Internacional Cervantino, el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Festival Internacional de Música Nueva de Monterrey y el Foro de Compositores de Nuevo León, además de presentarse como solista en Estados Unidos, Alemania, Holanda y Francia. Previous Next

10 de octubre del 2025 Ir a cmmas.org < Back Concierto: Ecos del pasado, brillos del futuro: relecturas acusmáticas del Renacimiento y el Barroco 10 de octubre del 2025 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: CINESTESIA: Dispositivo para una algoritmia del cuerpo. [CHILE] Colectivo ene_ene (Internacional) 8 sep 2017 "Cinestesia: Dispositivos para una algoritmia del cuerpo" es un proyecto que investiga modos de experimentar la presencia o ausencia del cuerpo utilizando como eje fundamental su movimiento. El proyecto aborda la relación humano-máquina, con el fin de hacer ininteligible la distinción entre cuerpo y máquina, lo propio y lo ajeno, lo orgánico y lo artificial. Cinestesia es una performance que abre un espacio del diálogo entre cuerpos humanos en movimiento y distintos artefactos robóticos dispersos. Cada robot recibe datos en tiempo real sobre el movimiento del performer, imitándolo y expresando ciertas gestualidades. Un algoritmo manipula la información recibida y genera respuestas reconfigurando el movimiento, dando lugar a una cadena de acciones y reacciones entre cuerpos humanos y cuerpos robotizados. CINESTESIA se ha desarrollado gracias a FONDART-Chile, el centro de fabricación digital Fablab Barcelona, la asociación de artistas digitales Matics y el centro para las artes vivas L’Estruch. Colectivo ene_ene está formado por artistas que cruzan sus diferentes conocimientos para la creaciónde piezas de arte electrónico, performance e instalación. La trayectoria de Nicolás Villa (CO) como compositor, muestra un amplio trabajo con sonidos sintéticos, algoritmos y entornos de programación. Por otro lado y desde el diseño industrial, Citlali Hernández (MX) ha estado involucrada en proyectos que relacionan al cuerpo y la tecnología. Andrés Costa (CL) como artista visual ha generado numerosas intervenciones urbanas mediante escritura en hielo a gran escala, y actualmente investiga nociones de sistema, tiempo-real y finitud. Finalmente, Marc Sans (ES) se forma en Valencia y Barcelona, así como con los profesionales Jordi Cortés, Sol Picó, Nicolás Ricchini, Batsheva Dance Company, Ohad Naharín, entre otros. Ha trabajado en compañías europeas de teatro, danza o teatro físico y se ha presentado en recintos como el Mercat de Les Flors, el Dampfzentrale de Bern, etc. Previous Next

26.10.2022 < Regresar Guillermo Eisner (Uruguay/Chile) 26.10.2022 “Música electroacústica del sur (Chile-Uruguay)” Programa Curador, Guillermo Eisner Uy - Cl O en su defecto (2020) Lucía Chamorro, Uy 6:08 Di minuto (2021) Pablo Fredes, Cl 9:52 Las palabras (2005) Cecilia García-Gracia, Cl 10:17 Todos te fajan, todos, che (2008) Vladimir Guicheff Bogacz, Uy 4:29 Vuelo Nocturno (2017) Federico Schumacher, Cl 9:00 Virtualidad real (2020) Sofía Scheps, Uy 8:57 Esculturas Temporales (2022) Guillermo Eisner, Uy-Cl 7:53 O en su defecto (2020) Pieza electroacústica que explora el uso de texturas rugosas y granulares. Fue compuesta a partir de grabaciones procesadas de puertas, cencerros y voces. Estos materiales “ruidosos” resultantes, que pueden ser considerados como defectos técnicos, sonidos molestos o interferencias en la comunicación, son descontextualizados y organizados desde la búsqueda por valorizarlos y por generar una nueva experiencia de escucha. Esta pieza es una ventana hacia un paisaje sonoro imaginario, una experiencia en la que conviven sonidos externos e internos, una perspectiva en la que los ruidos y los defectos se ponen en primer plano y cobran interés. Lucía Chamorro (Montevideo, Uruguay). Artista multidisciplinar que trabaja principalmente en las áreas de la composición musical y del arte sonoro. Es egresada de la Licenciatura en Composición, de la Escuela Universitaria de Música (Montevideo) y ha realizado un Máster en Artes en la Escuela Sur (Círculo de Bellas Artes + Universidad Carlos III de Madrid). Ha trabajado en proyectos de creación e investigación sobre paisaje sonoro, música electroacústica, música contemporánea, improvisación libre, creación sonora para audiovisual y videoarte. Más información: luciachamorro.com Di minuto (2021) Es un artefacto-circuito que trabaja distintos enfoques del minuto hasta situarlo en un imaginario. Su cuenta que no cuenta, los segundos que no pasan, pero suenan; pulsativas que no son propias, pero lo aluden. Sonidos de engranaje mecánico y eléctrico circuito. Es su historia como cápsula que lo emancipa de su tiempo. El minuto, encerrado en sí mismo, solo es una mecánica cuenta. Di minuto: Decir del minuto. Pablo Fredes, compositor chileno- español. Realizó sus estudios musicales en la Universidad Católica de Valparaíso, Chile. En el año 2000 viaja a Francia para estudiar "Composición instrumental en la ENMP de Pantin, París" con Sergio Ortega, compositor chileno residente en Francia. Y también cursa los estudios de la música electroacústica con la compositora francesa Christine Groult, en donde consigue su DEM en música electroacústica. Además, cursa el taller de composición de José Manuel López López en París 8, en la universidad de Saint Dennis. En Barcelona, donde se traslada en el año 2006, estudia con el compositor chileno- español Gabriel Brncic, quien ha sido su maestro de composición por muchos años. Actualmente es compositor residente en la fundación Phonos de la Universidad Pompeu Fabra. Las Palabras (2005) Compuesta en el año 2005 por encargo para la coreógrafa chilena Paulina Vielma, "Las Palabras" es un segmento de una obra mayor llamada "Desarme" En ella se explora el rol de la mujer en la sociedad actual desde muchos puntos de vista y la búsqueda de la identidad fuera del estigma. En este caso "Las palabras" dice relación con los muchos sinónimos respecto a lo que consideramos masculino v/s femenino y por ende, qué características se consideran propias a la mujer. Las Palabras es una obra audiovisual. El video muestra un hombre y una mujer desnudos, y en sus cuerpos van apareciendo palabras que representan lo masculino y femenino. Luego producto de la danza y el contacto entre estos cuerpos, esas palabras se van desdibujando, llegando a ser solo pintura. La música va en una línea que contrasta con lo visual. En un idioma inventado, donde no comprendemos lo que escuchamos vamos complementando esta audición con la imagen. Pero la voz que escuchamos es de una mujer por lo tanto, es la visión de ella respecto a estas palabras y el efecto que éstas causan sobre sí misma. Cecilia García-Gracia (Chile, 1968). Licenciada en Música de la Universidad de Chile, estudió piano con la maestra Silvia Peña en la Escuela Moderna y luego con el pianista letón Armand Abols. Además estudió en forma particular canto, composición, danza y yoga. Su formación electroacústica es autodidacta, y su interés por la música es diverso, explorando desde lo folklórico, lo popular, hasta lo clásico; así como su desarrollo en ella: interpretación (canto, piano, danza, actuación), composición (pop, clásico, electroacústico, tecno y folklórico), investigación (danzas, religión, sanación), producción (música, danza y cine) y pedagogía (piano, canto, teoría musical y armonía popular). Ha compuesto 35 obras electroacústica hasta la fecha, siendo comisionada la mitad de ellas para danza contemporánea. Su música se ha tocado en Chile y el extranjero destacando Festival Synthèse, Francia; Festival Territorio Visual, España; JIEM,España; Universidad de Cataluña y centro PHONOS, España; Festival Sonoimágenes, Argentina; Bienal de São Paulo; EICTV en Cuba; entre otros. Fue presidenta de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh) entre el 2011 y 2014, y además fundadora junto a otros músicos chilenos del Festival Aimaa-ko en 2001, el que se ha mantenido en forma ininterrumpida hasta la fecha. En 2015, junto al guitarrista y compositor Guillermo Jiménez, funda Estudio435, la primera escuela de especialidad en Música Popular en Chile, creando un sistema de malla curricular flexible único en su tipo. Actualmente se desempeña como directora de Estudio435 y como integrante de la banda Ciudad de Dós. Todos te fajan, todos, che (2008) "Qué le vas a hacer, ñato, cuando estás abajo todos te fajan. Todos, che, hasta el más maula. Te sacuden contra las sogas, te encajan la biaba. Andá, andá, qué venís con consuelos vos. Te conozco, mascarita. Cada vez que pienso en eso, salí de ahí, salí. Vos te creés que yo me desespero, lo que pasa es que no doy más aquí tumbado todo el día. Pucha que son largas las noches de invierno, te acordás del pibe del almacén cómo lo cantaba. Pucha que son largas... Y es así, ñato. Más largas que esperanza'e pobre. Fijáte que yo a la noche casi no la conozco, y venir a encontrarla ahora... Siempre a la cama temprano, a las nueve o a las diez. El patrón me decía: "Pibe, andáte al sobre, mañana hay que meterle duro y parejo" Una noche que me le escapaba era una casualidad. El patrón... Y ahora todo el tiempo así, mirando el techo. Ahí tenés otra cosa que no sé hacer, mirar p'arriba. Todos dijeron que me hubiera convenido, que hice la gran macana de levantarme a los dos segundos, cabrero como la gran flauta. Tienen razón, si me quedo hasta los ocho no me agarra tan mal el rubio" Julio Cortazar Vladimir Guicheff Bogacz (Montevideo, 1986) es compositor, improvisador y guitarrista. Entre el 2006 y el 2012 estudió en la Escuela Universitaria de Música en Montevideo, obteniendo los títulos en Interpretación Musical (guitarra) y Composición, estudiando esto último con Osvaldo Budón y Luis Jure. Entre el 2013 y el 2019 vivió en la ciudad alemana de Colonia, a donde además de haber realizado sus estudios de posgrado en la Hochschule für Musik und Tanz Köln (Prof. Johannes Schöllhorn y Brigitta Muntendorf) trabaja activamente como compositor. Sus obras se han interpretado en diversos festivales internacionales en Alemania, Polonia, Italia, Hungría, Grecia, Suiza, Argentina y Uruguay. Como compositor ha trabajado junto diversos ensambles, tales como Musikfabrik, Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Garage, Ensemble Modern, Manufaktur für Aktuelle Musik, Spółdzielnia Muzyczna, Ensemble S201, Ensemble uBu, Ensemble SurPlus, Trio Catch y Kollektiv3:6Koeln. Éste último fundado por él mismo junto a colegas colonienses, con quienes desarrolla obras que difuminan la frontera entre la música de concierto y la escénica. En el año 2011 su pieza Coral N3 obtiene el primer premio en el concurso de composición de la 1º Bienal de Composición y Arreglo coral “Acordelur”. En el 2014, estudio anatómico obtiene el primer premio en el concurso Trabant en Basilea. En el 2016, La Tiza obtiene el segundo Premio Nacional de Música del MEC. En el 2019 es elegido por el Deutscher Musikrat (Consejo Alemán para la Música) para la edición, en la discográfica Wergo, de un CD autorretrato de su obra. En el 2021 gana el Premio Ibermúsicas de Composición y Estreno de Obra por su obra ¿a qué hora volverán?. Desde el 2009 es Docente en la Escuela Universitaria de Música en las cátedras de Composición e Instrumentación. Vuelo Nocturno (2017) A Saint-Exupéry. A quienes se extravían en ‛la secreta casa de la noche’ Ahora todos son caídos menos nosotros los caídos. Ahora todo el universo eres tu y yo menos tu y yo. (Raúl Zurita, Canto a su Amor Desaparecido) Federico Schumacher (Santiago de Chile, 1963) Compositor. Investigador. Docente en el Departamento de Sonido, Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francia y Canadá. Doctor en Música por la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil. En tanto compositor se ha dedicado preferentemente a la composición de obras acusmáticas, por las cuales ha recibido diversos reconocimientos y distinciones en Chile y el extranjero. Como investigador se ha interesado en la historia de la música electroacústica en Chile y en la cognición musical relacionada con la experiencia musical acusmática. Dirige y participa de proyectos de investigación financiados por Conicyt y el Fondo de la Música Nacional del Ministerio de las Culturas y las Artes. https://soundcloud.com/federicoschumacherratti https://www.researchgate.net/profile/Federico_Schumacher Virtualidad Real (2020) La pieza toma la imagen estereofónica como el elemento compositivo principal, utilizado en un sentido plástico y expresivo: buscando deliberadamente la discontinuidad, la descompensación, el desequilibrio, lo que se percibe como artificial, como una falla. Para conseguir esto trabajo en general con materiales continuos, y recurro a ténicas duras de edición y espacialización (paneos y cortes duros). Este tipo de tratamiento ilumina cruelmente el artificio de la producción y reproducción sonora digital. Los parlantes aparecen casi como personajes que nos anclan al tiempo y espacio de reproducción, y nos recuerdan lo que somos: un ser humano escuchando un par de parlantes. El material sonoro se esculpe con herramientas gruesas, y las huellas de estas incisiones conforman la identidad de la pieza: su forma y su devenir en el tiempo. Sofía Scheps (Montevideo 1987) Compositora uruguaya egresada de la Escuela Universitaria de Música (Universidad de la República, Uruguay), donde actualmente es docente asistente de Composición e Instrumentación en del Departamento de Teoría y Composición. Desde 2015 y hasta 2017 residió en España, donde completó la Maestría en Arte Sonoro de la Universidad de Barcelona. Su investigación y producción artística circula en las fronteras de la música experimental – instrumental, electroacústica y mixta - y el arte sonoro. Ha estrenado obras y participado en festivales en Uruguay (conciertos del Núcleo Música Nueva, festival Monteaudio, entre otros), Argentina (ECo: Estadías de Composición – UNQ – Teatro Cervantes; JIME), Chile (Universidad de la Serena), Paraguay (Movimiento Pu Joa), México (Muslab), Estados Unidos (Look and Listen Festival), Canadá (Oak Bay New Music Festival), España (Festival Zeppelin y Festival Mixtur – Barcelona; Festival Insonora – Madrid; Día Internacional del Arte - Girona), Suiza (Ars Forum Wallis) y Alemania (Earport – Duisburgo, Festival Opening Trier). Y trabaja en diseño de sonido y composición para piezas audiovisuales. El 9 de marzo de 2022, en el concierto homenaje a la compositora uruguaya Renée Pietrafesa, la Orquesta Filarmónica de Montevideo estrena en el Teatro Solís su pieza “Demografía Acústica: %”, compuesta específicamente para la ocasión, por encargo de la OFM en el marco del Día Internacional de la Mujer 2022. En 2019, su pieza electroacústica “Virtualidad Real” es seleccionada y resulta una de las dos piezas ganadoras en la convocatoria “2020 Call for Works Sound Spaces”, organizada por Hertzbreakerz / Ars Nova Malmö Sound Spaces 2020 (Malmö, Suecia). Esculturas temporales (2022) La obra se dispone como un continúo de fragmentos sonoros que buscan construir diversas formar de esculpir el tiempo; diversos gestos; diversos caminos de acumulación y distensión de energías. Esculturas temporales, compuesta exclusivamente a partir de muestras de contrabajo, toma el sonido como material moldeable, y se propone esculpir sobre él tal como si pudiéramos asirlo, tomarlo, sentirlo con nuestras manos. En definitiva, es un intento en vano de hacer tangible un material efímero como lo es el sonido, del cual no podemos constatar más que la experiencia temporal y espacial que nos deja su fugaz presencia. Guillermo Eisner Sagüés (Montevideo, 1980) Profesor Asistente (D) del Departamento de Sonido de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Doctor en Música, campo de Composición Musical, por la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió música y composición en Chile, España, Portugal y México. Ha desarrollado música de concierto acústica y electroacústica, participando en festivales en Sudamérica, Norteamérica y Europa. Ha publicado los CDs Música para guitarra (Chile Clásico, 2021); música de barrio (Cero Records, México, 2019); y habitar el tiempo (2012). En el año 2015 publicó el libro y CD guitarrerías. 10 monotemas para guitarra (Microtono Ediciones Musicales). Y ha compuesto y estrenado las óperas de cámara Titus (2017) en el Teatro Helénico, Ciudad de México; y La isla de los peces (2015) en el Centro Cultural GAM, Santiago. Junto con esto, ha desarrollado su trabajo creativo en el ámbito de las artes escénicas y audiovisuales, componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza y video danza. Previo Siguiente

Ir a cmmas.org < Regresar Diego Espinosa, Hugo Morales y Sergio Luque [MÉXICO] Artistas: Diego Espinosa, Hugo Morales, Sergio Luque 6 jul 2012 Diego Espinosa y Hugo Morales presentarán las piezas que trabajaron durante su residencia: Enclosure para cajón amplificado y manipulación digital Espacios Encordados para piano, “feedback” y manipulación digital. \_/ para triangulo solo Bocina para bocina y ondas sinusoidales Nueva obra para percusión, computadora y proyección Sergio Luque estará como invitado y presentará las siguientes piezas: "'Sex, Drugs and Rock 'n Roll' was never meant to be like this" para computadora "Brasil" para computadora Previous Next

07.09.2022 < Regresar Alejandro Cardona (Costa Rica ) 07.09.2022 Voces reimaginadas Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, es catedrático de la Escuela de Música, Universidad Nacional de Costa Rica. Junto a su composición de música contemporánea acústica, ha desarrollado trabajos audiovisuales, multimediales, de diseño sonoro y composición para danza y teatro, así como obra en el ámbito de la música electroacústica y diversos géneros de música “popular”. Es el autor de 4 libros: dos en el campo téorico (lectura rítmica basada en principios rítmicos afroamericanos, y principios de la armonía tonal funcional); uno de análisis de música latinoamericana; y una autoetnografía con una reflexión en torno a la composición musical. Ha participado activamente en foros y festivales a nivel internacional. Su música ha sido ejecutada y grabada en Latinoamérica, Norteamérica y Europa. Entre sus últimos proyectos están un disco de su música para piano con Carolina Ramírez, la grabación de un disco monográfico con el Ónix Ensamble, y un encargo para la Filarmónica de Los Ángeles. Descripción del concierto: "Voces reimaginadas" presenta cuatro obras compuestas por tres creadores de Costa Rica: Alejandro Cardona, Byron Latouche y Pablo Santiago Chin. Todas las obras tienen en común que incorporan, como uno de los elementos centrales, la voz humana, así como el uso de diversas posibilidades expresivas de la electroacústica, incluyendo el tratamiento del material vocal. Se trata de obras estrenadas en diferentes momentos y lugares. Sólo la obra de Byron Latouche constituye un estreno mundial. Programa Byron Latouche – Mika ye meat – Acusmática Alejandro Cardona – Palenque (toques cimarrones) para multipercusionista, ensamble de cámara y electrónica Pablo Santiago Chin – Si Chavela met Matta II, para voz femenina, piano, percusión y electrónica Vicky Cortés/Alejandro Cardona – Loop – Video danza Previo Siguiente

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Electro Series. [CANADÁ] Quasar Saxophone Quartet (Canadá) 3 mar 2017 Electro Series es una experiencia sónica inmersiva en la que el universo de la música electrónica y acústica converge, explorando el sonido en la era digital. Conocidos por su energía y su atrevida innovación, Quasar explora múltiples facetas de la creación musical: música de cámara, improvisación, teatro musical y electrónica. El cuarteto guarda una solida relación con varios compositores canadienses e internacionales con los que tiene el orgullo que contribuir. Así, busca aportar al desarrollo de su lenguaje musical y proveer una plataforma para nuevos experimentos musicales, exploración y producción. El cuarteto ha estrenado más de 100 trabajos y se mantiene constantemente en la búsqueda de nuevas piezas de la escena internacional que puedan integrar a su repertorio. Felipe Pérez Santiago ha recibido numerosos premios en Europa, Estados Unidos y América Latina. Ha escrito música para las principales orquestas y ensambles del mundo, y ha hecho residencias como compositor invitado en institutos, universidades y conservatorios de varios países. Su música ha sido comisionada e interpretada en más de 40 países y está incluida en cerca de 10 producciones discográficas. Es miembro honorario del Sistema Nacional de Creadores de Arte y nombrado como uno de los 7 artistas mexicanos más reconocidos a nivel mundial. Es director artístico del Ensamble Mal’Akh, formación que combina la música contemporánea con rock, jazz, improvisación y multimedia; al frente de esta agrupación ha obtenido diversos premios, becas y reconocimientos. Su obra abarca desde obra de concierto de gran formato, obra de cámara, música para cine, danza y video arte e instalaciones multimedia. Previous Next

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Estreno de obra encargo del CMMAS Regresar Estreno de obra encargo del CMMAS Naciente. Modelado fluvial Tania Alejandra (México) “Esta obra es parte del programa de encargos a jóvenes compositoras mexicanas del CMMAS 20022 “Creación y perspectiva” Naciente. Modelado fluvial Tania Alejandra Su principal interés son los procesos y productos resultantes del cruce entre disciplinas artísticas que involucran el uso de nuevas tecnologías. Egresada de la licenciatura en Música y tecnología artística en la ENES Unidad Morelia, UNAM. Con estudios previos en la licenciatura de Instrumentista-Violoncello en la Facultad de Música de la UNAM. La mayor parte de su trabajo es desarrollado en colectivo con artistas nacionales e internacionales de diversas disciplinas, por ejemplo, como violoncellista y compositora para las obras coreográficas “Las Paredes” y “Las múltiples y repitentes ciudadelas del ruido” ambas parte de la serie “Olor Naranjo” de la Compañía de Cámara Danza UNA de Costa Rica (2020), como compositora de “Una ventana, todas las ventanas” para el proyecto para la conservación "Voz Terra" en Colombia (2021), así como compositora para la obra coreográfica “You will not die if you breathe” con las bailarinas Mamiko Usuda y Honoka Minami estrenada en Tsukuba, Japón (2021). Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

27-29 de septiembre Ir a cmmas.org < Back Festival de mujeres y discidencias en la Música y la Tecnología: Aquelarre 27-29 de septiembre Descubre el Acervo CMMAS Previous Next