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23.11.2022 < Regresar Doriana Mendes (Brasil) 23.11.2022 EVOÉ Maria! Doriana Mendes Singer, Actress-Dancer. PhD and Master in Music and Bachelor in Singing, she has been a singing teacher at UNIRIO (Rio de Janeiro) since 2013. She made her international debut at the Darmstadt Theater singing an opera by Jocy de Oliveira. In 2019, he premiered the multimedia opera “Helena y su ventríloquo” by Daniel Quaranta at the MUSLAB Festival (México-DF) and at the XV Festival Visiones Sonoras, in Morelia, Mexico. In 2016 he starred in the premiere of the opera Medeia by Mario Ferraro at the 1st edition of the “Bienal de Ópera Atual” (Current Opera Biennial), by FUNARTE. Soloist of Abstrai Ensemble dedicated to contemporary music and Codex Sanctissima specialized in medieval music. He performed in Germany, France, Ireland, Portugal, Chile, Bolivia, Argentina, Mexico and in all states of Brazil, on the Sonora Brasil-SESC tour (2011-2012). An expressive performer has made numerous world premieres as a guest soloist for national and international festivals, as well as operatic, musical, theater and dance casts. https://catalogoaudiovox.com.br/ Descripción del concierto: El concierto online EVOÉ Maria! presenta una propuesta para la creación de quatro obras electrovocales para voz solista y soporte electroacústico. El tema incluye como inspiración el conjunto de obras de la artista Maria Martins (1894-1973). En 2022 estaremos celebrando los 100 años de la Semana de Arte Moderno de 1922 —Maria tenía entonces 28 años— y, a nuestros ojos, el singular surrealismo de la artista representa una fuerza de diálogo con el modernismo brasileño inaugurado en el período.Doriana Mendes, creadora de la propuesta del concierto e intérprete, celebra, en 2022, 25 años de actuación en la música contemporánea brasileña e internacional. Los compositores invitados son creadores brasileños con amplia experiencia en música contemporánea y electrovocal: Arthur Kampela (Rio de Janeiro-New York), Guilherme Ribeiro (São Paulo-Lisboa), Neder Nassaro (Rio de Janeiro) e Ivan Simurra (São Paulo-Rio Branco). La ingeniería de grabación está a cargo del compositor Bryan Holmes (Rio de Janeiro-Santiago), especializado en música y tecnología.El artista digital Clelio de Paula hizo la intersección entre las obras inéditas, proponiendo un diálogo entre la visualidad de las esculturas de Maria Martins y la vocalidad performática de Doriana Mendes. Clelio creó 5 piezas en arte digital, de 1 minuto de duración, que hacen la provocación de la apertura del concierto e interactuán entre cada obra electrovocal hasta la coda final. El conjunto de obras de Maria Martins componen la inspiración para la creación de imágenes y posibles sonidos provenientes del cuerpo de estas esculturas, evocando el grito de las Bacantes como saludo a la contemporaneidad de la Maria modernista: ¡EVOÉ Maria! Notas de programa 1. MARIA! (Guilherme Ribeiro) Maria! é uma peça para voz feminina e eletrônica em suporte fixo dedicada à cantora Doriana Mendes e em homenagem à artista Maria Martins (in memoriam). Maria nasce do convite-proposta feito por Doriana Mendes para que eu compusesse uma peça tendo como referência e inspiração o trabalho e vida da artista brasileira Maria Martins (1894-1973). A peça tem em seu texto alguns trechos de dois poemas escritos por Maria Martins: “Explication I” (1946) e “Sem título” (1945?). « ainda muito tempo após minha morte, muito tempo após tua morte, eu quero te torturar, quero que meu pensamento como uma serpente de fogo se enrole no teu corpo sem te queimar, eu quero te ver perdido, asfixiado, errando nas neblinas mal-sãs tecidas por meus desejos, quero pra ti longas noites sem sono acompanhadas pelo tumtum ressoante das tempestades longínquas, invisíveis, desconhecidas, quero que a saudade da minha presença então te paralise. » Este é um dos trechos da poesia de Maria Martins utilizados nesta peça, que traz como tema e resultado o corpo. Mas não qualquer corpo, senão o corpo da mulher dos trópicos, da mulher brasileira e sua existência neste mundo machista e misógino. Neste sentido, não é a minha voz a falar, mas indubitavelmente a voz de Maria, de Maria Martins, de Doriana Mendes, e de muitas outras Marias. Maria!, por fim, se apresenta com muitas vozes, com muitas línguas, com muitas bocas: faladas, mutadas, cantadas, sussurradas, mastigadas, gritadas. 2. O IMPOSSÍVEL (Arthur Kampela) Embora ininterrupta, a obra pode ser dividida, basicamente, em 3 partes ou segmentos:1) A primeira é uma espécie de coral baseado em gravações superpostas da voz da Doriana. Aí já se inscreve um primeiro momento de reflexão e suspense onde o material é inspecionado sob o ponto de vista da harmonia e de suas conexões internas .2) A partir do minuto cinco da peça há uma intervenção rítmica de materiais contrastantes que corta este coral inicial. Faço uso primordialmente além de ruídos obtidos com a voz de Doriana, de um piano distorcido, ou seja, sons gravados em todas as partes de um piano de cauda (em suas teclas e no seu interior). Aos poucos a peça ganha muita ressonância e uma grande variedade dinâmica e rítmica, que, sinto, seria o equivalente sonoro dos "tentáculos" (cabeças) da escultura da Maria Martins – a parte monstro da escultura, mais precisamente.3) Este amálgama de ritmos e sons vocais vai paulatinamente se resolvendo, e o coral inicial retorna em meio ao turbilhão de sons deste segmento. Aos poucos, se escuta a emergência de uma melodia com caráter de modinha e francamente tonal, inicialmente obscurecida pelos ruídos e sons menos comuns que o suporte eletroacústico gera. Tal melodia ainda opaca à escuta, vai-se aos poucos afirmando em várias transposições. Finalmente, a emergência desobstruída desta melodia acontece nos últimos momentos da peça – uma espécie de "reconciliação", eu diria, com as formas mais angulares (cabeças) da escultura de Maria Martins, uma volta às origens vinda da anatomia humana do corpo da escultura. No último instante, esta melodia é abruptamente cortada por sons muito rítmicos e angulares provindos de um piano distorcido, e reminiscentes da parte anterior da composição. – Formalmente, uma espécie de micro-coda de caráter mais agressivo que sutilmente complementa a melodia tonal, enfatizando, assim, a metamorfose estrutural da escultura e da música que nela se baseou. 3. ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT (Ivan Simurra) “predamaquinação” Elaborada como uma criação musical em conjunto, ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT retrata as trocas de ideias de contextos, aparentemente, distantes e distintos: a escultura e o som; a música e o gesso, a floresta e o concreto. Contudo, é preciso discutir a desfiguração humana que é, neste contexto, o início de uma outra forma animal, vegetal ou outra. "preda, (má)quina e ação" são termos emprestados das conversas realizadas durante o processo criativo da obra: a ação predatória da máquina e da regeneração da floresta por intermédio dos sons, da interação humana com a natureza. Essa relação deve voltar a um equilíbrio que se perdeu em grande escala nos últimos quatro anos, especificamente, no Brasil. Como a floresta pode se esconder e se proteger? O que devoramos, deglutimos ou nos é socado/estocado “goela abaixo”? O soco no estômago - o vazio - o espaço da voz, do pronunciamento, do grito, da denúncia, do riso deslocado e nervoso. A proximidade da floresta. Passos. Pés que adentram o território. 4. FUNDO do POÇO (Neder Nassaro) A obra Fundo do Poço é um exercício de aproveitamento poético das potencialidades sonoras da voz humana. Sua escrita experimental, imersa numa ambientação eletroacústica de sons gravados e sintetizados, privilegia gestos livres, texturas baseadas em fluxos, e o emprego de técnicas não-convencionais de execução. Em um universo de combinações (fusão, contraste, inter-relação e interferência), Fundo do Poço permite à intérprete explorar suas capacidades criativas, gerando novas leituras e novas percepções a cada montagem. Previo Siguiente

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Bismvth. Ensamble audiovisual. [México] Claudia Pineda (México) Ash Ortega (México) Irving Duarte (México) 21 jun 2024 Bismvth es un ensamble mexicano de creación audiovisual, cuyo enfoque creativo se basa en la exploración de la música electrónica y el arte sonoro en relación al videoarte, la videomúsica y el videoclip. Se inspira en el género literario y cinematográfico de la ciencia ficción cyberpunk, mismo que manifiestan a través del planteamiento y desarrollo audiovisual de narrativas futuristas y escenarios imaginarios distópicos que exploran la evolución de los organismos vivos y sus ecosistemas bajo al influjo tecnológico. Previous Next

La emergencia de la Electroacústica está ligada a la Musique Concrete de Pierre Schaefer y con ella el concepto de la acusmática. Se ha pensado que dicho término proviene de las antiguas formas de enseñanza pitagórica en dónde el maestro, el emisor, permanece oculto tras un velo en pos de fomentar la atención de lo dicho sin ninguna interferencia propia de la vista. < Back Ir al final | go to botom El Acusma de la Música Acusmática - Juan Carlos Cáceres Avitia (México) La emergencia de la Electroacústica está ligada a la Musique Concrete de Pierre Schaefer y con ella el concepto de la acusmática. Se ha pensado que dicho término proviene de las antiguas formas de enseñanza pitagórica en dónde el maestro, el emisor, permanece oculto tras un velo en pos de fomentar la atención de lo dicho sin ninguna interferencia propia de la vista. Si esto es un hecho histórico o no, como se ha debatido académicamente, no importa al presente; pues el acusma, en tanto el lugar de plena escucha, permite preguntar por sus potencias estéticas para la música. Los altavoces se presentan como tanto como el velo del acusma, como una nueva condición de posibilidad para el arte musical y con ello trastocar la propia experiencia integral de la música, desde la composición hasta la escucha. Recorramos las potencias estéticas que se develan al pensar en el acusma y sus implicaciones para el arte de Euterpe. Juan Cáceres Avitia. Inició sus estudios profesionales de piano en la Facultad de Música de la UNAM. Actualmente estudia la carrera de Musicología bajo la tutela de Ricardo Miranda en el Conservatorio Nacional de Música, a la par estudia Composición Musical con Josué Peregrina. Fue becario en el año 2019 para los Cursos Universitarios Internacionales de Música Española “Música en Compostela” en España; como compositor su obra fue presentada en el XV Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías: Visiones Sonoras a cargo del CMMAS. Fue ponente en el Coloquio Miguel Bernal Jiménez del Festival de Música de Morelia con la ponencia: Tarkovsky y Beethoven: De Elysium a la Nostalgia. Ha tomado clases con Panayiotis Kokoras y Jorge Torres Sáenz. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

JUEVES 22 DE FEBRERO 2024 Ir a cmmas.org < Back Aquelarre 2024 - Concierto 4 JUEVES 22 DE FEBRERO 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Synchresis Program 58. Crespo Barba (Netherlands) Mateja Drev (Netherlands) Stefano Scarani (Spain) Jorge Sad (Argentina) Pablo Magne (Argentina) Carolina Carrizo (Argentina) Nuria Giménez Comas (France) Dan Browne (France) João Pedro Oliveira (Portugal) 30 ago 2024 Concierto video-acusmático multicanal de obras de videomúsica. El creciente interés que cada vez más compositores musicales dirigen a la creación audiovisual, sobre todo en ámbito electroacústico, ha contribuido al desarrollo de lenguajes y formas expresivas particulares, donde imagen y música parecen reunirse en una manifestación artística singular, a través de un lenguaje común. Exigencia expresiva y disponibilidad tecnológica han reforzado esta unión, a partir del cine experimental desarrollado hace casi un siglo, hasta la computer music que actualmente encuentra ágil dimensión en un cómodo laptop, donde finalmente los procesos de creación del sonido y de la imagen conviven en un único espacio, y pueden manifestarse a través de “un único gesto”. Este “único gesto” acuñado por el compositor de videomúsica Jean Piché, es la emanación de la ancestral y escurridiza unión entre imagen y sonido, que se ha tratado de aferrar en la selección de obras dirigidas al proyecto Synchresis. Hemos querido dar cabida a un amplio elenco de las obras presentadas, para abarcar un panorama lo más extenso posible de la variedad que este ámbito creativo asume. La finalidad de Synchresis es la promoción de la Videomúsica como genero emergente y lenguaje artístico. http://www.tangatamanu.com/synchresis/ Programa: - Somewhere Else - Avec Le Pèse-Nerfs - Lo nuevo es la presencia radiante del pasado - Del - Em - Back to the line of forces - Tesserac Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Francisco Lapetina. (Virtual) [URUGUAY] Francisco Lapetina (Uruguay) 5 oct 2022 FRANCISCO LAPETINA (Uruguay, 1970) Músico y artista sonoro, docente, comunicador, productor musical y audiovisual. Cuenta con estudios en la Facultad de Arquitectura y Diseño y una trayectoria de más de 20 años que combina el trabajo en el territorio del arte así como el empresarial (diseño/ comunicación institucional / publicidad). Con base en lo sonoro-musical y visual, su trabajo se sitúa en un territorio de exploración híbrida donde experimenta con la voz, el cuerpo, los instrumentos y la tecnología. Ha trabajado en obras de transdisciplina, audiovisuales, arte sonoro en instalaciones, performances multimedia y obras de danza contemporánea. Su enfoque sobre la creación y producción artística (fundamentalmente en áreas de música y sonido pero también el texto, la imagen, el diseño y la escena) es personal e integrador: la creatividad, las relaciones humanas y las redes, las identidades locales, la colaboración y la tecnología, tienen un rol estructural. Es director de Hornero Usina de ideas y proyectos en arte, cultura y educación (www.hornero.uy ), artistas y docentes que desarrollan dispositivos de creación como Hornero Migratorio, seminarios de estimulación Creativa para docentes como Crisálida o eventos/interfases de creación remota como Paralaje. Cuenta con cinco álbumes discográficos publicados con composiciones y producciones propias habiendo sido productor artístico de otros tres (uno publicado en Nueva York). Entre sus colaboraciones se destacan los trabajos realizados junto a Tamara Cubas (Uruguay), Arthur Rossenfeld (USA-Holanda), Marcelo Evelin (Brasil), Fernando Velázquez (Uruguay-Brasil), Miguel Grompone (Uruguay) y Gastón Ackermann (Uruguay). Ha sido premiado con otorgación de fondos para proyectos en varias ocasiones por parte de la ANII (Agencia Nacional de Investigación e Innovación), los Fondos Concursables MEC, el FONAM (Fondo Nacional de Música), el INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas) el Premio Graffiti y el Festival Montevideo de la Canción. En 2020 fue Capacitador en Formación para Emprendedores de Industrias Culturales y Creativas / Referente de la Región Metropolitana en curso organizado por el Departamento de Industrias Creativas del MEC y brindó junto a Ernesto Donas el Curso de Educación Permanente EUM/UDELAR "Paralaje: El Texto como Arte Sonoro y Performance”. Un recorrido por las exploraciones de Francisco Lapetina como artista que transita en en los cruces y bordes: el sonido analógico y digital, la experimentación en canciones y música instrumental o electrónica, la danza contemporánea, el texto, el audiovisual, la creación colectiva y la educación creativa. Territorios de hibridación y esponjamineto en proyectos personales y como director de Hornero Usina de Ideas en Arte, Cultura y Educación así como colaboraciones junto a artistas como Fernando Velázquez (Brasil / Uruguay), Tamara Cubas (Uruguay), Gastón Ackermann (Uruguay) y Ernesto Donas (Uruguay). Previous Next

Jueves 26 de septiembre 2024 Ir a cmmas.org < Back Visiones Sonoras - Concierto 3 Jueves 26 de septiembre 2024 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Nuevos caminos para la creatividad musical en la composición y en la performance colaborativa < Back Ir al final | go to botom Nuevos caminos para la creatividad musical en la composición y en la performance colaborativa Nuevos caminos para la creatividad musical en la composición y en la performance colaborativa Pedro S. Bittencourt (Rio de Janeiro, 1975) Saxofonista, investigador y director artístico dedicado a la música de concierto, contemporánea y mixta. Profesor de saxofón en tiempo integral del Departamento de Viento en la Universidad Federal de Rio de Janeiro (UFRJ), Brasil. Profesor/investigador en ambos programas de posgrado en esta institución: PPGM/UFRJ y PROMUS/UFRJ. Vicecoordinador de la línea Prácticas Interpretativas y sus Procesos Reflexivos en PPGM. Director del ensamble de sax de la UFRJ. Fundador, director y saxofonista del ensamble ABSTRAI. Doctor en música por la Universidad CICM/París 8, con un trabajo de investigación de música mixta de saxófono, bajo la supervisión de Horacio Vaggione. Ganador de una beca de la Fundación de Ciencia y Tecnología de Portugal para la realización de su doctorado. Máster en Artes/Musicología por la Universidad de Bordeaux 3, con una tesis sobre el Oresteia de Iannis Xenakis. Artista invitado en el Instituto ZKM de Música y Acústica, en Alemania. Estudios en música de cámara contemporánea y saxofón con Marie-Bernadette Charrier en el Conservatorio Nacional de Bordeaux, Francia. Graduación en Radiodifusión en la Escuela de Comunicación de la UFRJ. Artista Selmer (saxofones) y Vandoren (cañas y boquillas). Iracema de Andrade Iracema de Andrade es una artista versátil y comprometida con las expresiones de su tiempo. Reconocida por su trabajo en torno a los repertorios que utilizan medios electroacústicos, visuales, la interdisciplina y la improvisación, ha generado a lo largo de su trayectoria un importante número de obras para su instrumento. Su colaboración creativa con artistas de diferentes generaciones y disciplinas se ha combinado con actividades docentes, académicas, de gestión y de investigación en los últimos años. De Andrade es Doctora en Interpretación Musical con Mención Honorífica, título otorgado por la Facultad de Música de la UNAM, con especialidad en el campo del repertorio contemporáneo para violonchelo y medios electroacústicos. Ha sido galardonada con la Medalla “Alfonso Caso” al Mérito Académico por sus destacados estudios doctorales. En Inglaterra realizó estudios de Maestría en la University of West London y obtuvo el Fellowship Diploma y el Certificado de Estudios Avanzados del London College of Music. Se ha presentado en varios recitales de música contemporánea estrenando diversas obras en México, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra, Argentina, Cuba y Escocia, además de presentaciones en vivo para la BBC3 en Londres, Radio UNAM, Opus 94 y Radio Educación. Desde el año 2000 se desempeña como profesora en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. Actualmente es investigadora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, concentrándose en los campos de la música contemporánea y los antecedentes de la música electroacústica en México. Nicolas Tzortzis Nicolas Tzortzis was born in May 1978 in Athens and has been living in Paris, France since 2002. His music is characterized by great vivacity, a musical and visual polyphony, the organic incorporation of extra-musical elements and the controlled presence of technology. He studied instrumental and electronic composition with Philippe, musical theatre composition with Georges Aperghis and Computer Aided Composition at the University of Paris 8 under the direction of Horacio Vaggione and José Manuel Lopez-Lopez. In 2009-2010 he attended the CURSUS 1 at the IRCAM and was later selected for the CURSUS 2 for the years 2010-2012, where he presented “Incompatible(s) V” for silent piano and live electronics. In the summer of 2017 and 2018 he taught at the Il Suono summer composition academy in Città di Castello, Italy, giving lectures and workshops on instrumental and electronic composition to emerging composers from around the world. Selected by Peter Eötvös, he was composer-in-residence at the Herrenhaus Edenkoben in 2013 and resident at the Villa Ruffieux in Sierre, Switzerland, from in 2014. In 2015, he was a Fulbright visiting scholar at the CNMAT in UC Berkeley, and was also a resident at the Akademia Schloss Solitude in Stuttgart. His recent works include a sound and video installation with German artist Sascha Hahn, a piano concerto for the Thessaloniki State Symphony Orchestra, a piece for voice and ensemble, commissioned by the French Radio and a violin chamber concerto for Alexandra Greffin-Klein with the French Ensemble Court-Circuit. November 1st, 2019 saw the release of his first portrait CD, “Les mystères”, with Das Neue Ensemble, on the English Label Toccata Classics. Upcoming projects include music for a dance production, a work for baritone and ensemble for the Greek National Opera, plus a work for saxophone and string orchestra, for Vincent Daoud with the Swiss Camerata Ataremac. Rodrigo Castellanos músico, compositor e improvisador que ha participado en conciertos, performences y festivales internacionales en México, Chile, Alemania, Reino Unido, Argentina, Portugal, España, entre otros países. Su experiencia artística incluye música de cámara, mixta, electroacúsica, improvisación, y colaboraciones para danza, video arte y mapping. Realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, en la Escuela Superior de Música del INBA en México, y un Master en Artes y Composición Musical en la Universidad de Chile. Ha recibido diversas becas y reconocimientos para la creación de obras fonográficas, residencias artísticas, estudios, giras, y perfeccionamiento en el extranjero. Desde el 2018 es académico en la Escuela de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Austral de Chile, y director artístico del Ciclo de Música Electroacústica organizado por la misma escuela. Además dirige dos proyectos para realizar instalaciones sonoras con financiamiento del FONDART Nacional y Regional de Chile. Do you have comments or questions to the artist? 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In this presentation we will report the research on telematic chamber music that we have been developing during the social isolation of covid-19, under the supervision of Paulo C. Chagas at the University of California, Riverside. We will discuss the technological and creative solutions for performing some Chagas’ works for solo flute, electronics and audiovisual, and also the pioneering and revolutionary work Virtual Studies (2020): five studies for flute or flute ensemble, electronics and video, which was performed by students and faculty of the University of California and the University of São Paulo as a pedagogic project of the UCR Concert Band conducted by Lauren Wasynczuk. < Back Ir al final | go to botom Telematic Chamber Music Research: Performing Paulo C. Chagas' works - Cassia Carrazcoza (Brasil - EUA) In this presentation we will report the research on telematic chamber music that we have been developing during the social isolation of covid-19, under the supervision of Paulo C. Chagas at the University of California, Riverside. We will discuss the technological and creative solutions for performing some Chagas’ works for solo flute, electronics and audiovisual, and also the pioneering and revolutionary work Virtual Studies (2020): five studies for flute or flute ensemble, electronics and video, which was performed by students and faculty of the University of California and the University of São Paulo as a pedagogic project of the UCR Concert Band conducted by Lauren Wasynczuk. Cássia Carrascoza is Professor in the Music Department at the Faculty of Philosophy, Sciences and Letters of Ribeirão Preto, University of São Paulo (USP). She is currently visiting scholar at the University of California, Riverside, working on a research on telematic performance under the supervision of Prof. Paulo C. Chagas. From 1999 to 2018 she was principal flutist of the Symphonic Orchestra of the Municipal Theater of São Paulo. She was member of the Brazilian contemporary music ensemble Camerata Aberta. As a soloist, she performed with several orchestras in Brazil and abroad and gave concerts in many countries such as Hungary, Holland, France, Portugal, Belgium, the United States and Argentina. Currently, Cassia Carrascoza develops research in collaborative composition, telematic performance and improvisation with electronics. Since December 2020 she has been a member of NowNet Arts Lab Ensemble, an international group directed by Sarah Weaver. She has been invited to research and perform at international institutions such as IRCAM (Paris), University of California – Riverside, and Pontificia Universidad Católica (Chile). ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Camilla Hoitenga y Taavi Kerikmäe [ESTONIA / ESTADOS UNIDOS] Flautista: Camilla Hoitenga (EUA), Pianista: Taavi Kerikmäe (Estonia) 29 ene 2016 Se presentarán principalmente los resultados de la experimentación con el recién creado sintetizador “SERGE”, en donde incluirá la creación de una pieza original para este instrumento por Michael Manion; además se presentarán improvisaciones propias, y lo más importante, la instrumentación y colaboración con otros compositores para abrir el campo para las nuevas composiciones para nuestro dúo. Se aprovechará también para presentar brevemente la música contemporánea de Estonia. Camilla Hoitenga (EUA) nos trae su repertorio ecléctico y actuaciones carismáticas donde quiera que va. Desde Berlín a Nueva York o el Kremlin en Moscú o la Ciudad Prohibida en Beijing. Ya sea acompañado por orquestas como la Sinfónica de Chicago o la Filarmónica de Londres, o interpretando sola en el escenario, Camilla cautiva a su público por sus intensas actuaciones, aclamadas por la prensa como "brillante", "atractiva” y "idealmente transparente y precisa" Sus grabaciones, en particular aquellas con Kaija Saariaho, han ganado premios en Francia, Gran Bretaña y en América del Norte. Inspirada por la música tradicional japonesa, Camilla ha sido una invitada frecuente en Japón y ha estrenado numerosas obras escritas para ella por compositores japoneses como Takehito Shimazu, Miyuki Ito y más recientemente Yasuyori Inamori. Taavi Kerikmäe (Estonia) ha compuesto música para varios espectáculos de danza moderna, por ejemplo, " Hamlet " y " El Principito " para el Ballet Nacional de Estonia (coreografía por O.Titova o "No puedo obtener ninguna / Satisfacción” por M.Kangro). En 2015 recibió el Premio de la Fundación Cultural de Estonia como “Interprete polifacética e Intérprete innovadora". Otros premios incluyen "Artista Electrónico del Año 2008 " por parte de la Asociación de Estonia de Productores del Fonograma, por su trabajo - CD "La muerte tiene un significado para nosotros " con Broken Orchestra Tiempo-. Obtuvo también el premio " Papel determinante en la música contemporánea de Estonia " con el ensamble U en el año 2009 por parte de la Fundación Cultural de Estonia. www.hoitenga.com www.soundcloud.com/Camilla-Hoitenga http://taavikerikmae.edicypages.com/ Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar 3er, Simposio Nacional Universitario en torno a problemas actuales del Arte, Acrónimo 3 [MÉXICO] Rodrigo Sigal 28 may 2014 Importancia de la tecnología en la creación artística. Compositor y Director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Modera: Isbeth Michell García Vallejo Previous Next

07.09.2022 < Regresar Alejandro Cardona (Costa Rica ) 07.09.2022 Voces reimaginadas Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, es catedrático de la Escuela de Música, Universidad Nacional de Costa Rica. Junto a su composición de música contemporánea acústica, ha desarrollado trabajos audiovisuales, multimediales, de diseño sonoro y composición para danza y teatro, así como obra en el ámbito de la música electroacústica y diversos géneros de música “popular”. Es el autor de 4 libros: dos en el campo téorico (lectura rítmica basada en principios rítmicos afroamericanos, y principios de la armonía tonal funcional); uno de análisis de música latinoamericana; y una autoetnografía con una reflexión en torno a la composición musical. Ha participado activamente en foros y festivales a nivel internacional. Su música ha sido ejecutada y grabada en Latinoamérica, Norteamérica y Europa. Entre sus últimos proyectos están un disco de su música para piano con Carolina Ramírez, la grabación de un disco monográfico con el Ónix Ensamble, y un encargo para la Filarmónica de Los Ángeles. Descripción del concierto: "Voces reimaginadas" presenta cuatro obras compuestas por tres creadores de Costa Rica: Alejandro Cardona, Byron Latouche y Pablo Santiago Chin. Todas las obras tienen en común que incorporan, como uno de los elementos centrales, la voz humana, así como el uso de diversas posibilidades expresivas de la electroacústica, incluyendo el tratamiento del material vocal. Se trata de obras estrenadas en diferentes momentos y lugares. Sólo la obra de Byron Latouche constituye un estreno mundial. Programa Byron Latouche – Mika ye meat – Acusmática Alejandro Cardona – Palenque (toques cimarrones) para multipercusionista, ensamble de cámara y electrónica Pablo Santiago Chin – Si Chavela met Matta II, para voz femenina, piano, percusión y electrónica Vicky Cortés/Alejandro Cardona – Loop – Video danza Previo Siguiente