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In this presentation I will first focus on the relationship between music and language in order to approach the concepts of audiovisual music and composition. The presentation is illustrated with excerpts of my own audiovisual works since 1995 to 2021. < Back Ir al final | go to botom Music speaks an audiovisual language - Paulo C. Chagas (EUA) In this presentation I will first focus on the relationship between music and language in order to approach the concepts of audiovisual music and composition. The presentation is illustrated with excerpts of my own audiovisual works since 1995 to 2021. Music and language are analog systems of communication that elaborate forms in the medium of sound. Sound is the primary layer of both language and music as communication systems of the society. But sound is just the surface from which music dives us into meaningful depths. Through sound music discloses deep roots of beings and provides with a view from within that it is achieved through sound. Music is language because it speaks; it activates a movement from the immanent to the manifest, through which meaning emerges. In this presentation we will focus on music as audiovisual language, specially in the context of electroacoustic music composition. We observe a growing interest in audiovisual composition with increasingly electroacoustic works being coupled with visuals including film, video, visual projection, 3D images and virtual reality. New forms of audiovisual music emerge both from the convergence of different perceptions – sound, image, body, environment – as well from the diversity of forms. As sound relates to image it raises the consciousness of the interconnection between hearing and listening and intensifies the immersive sensorial experience. As a society inhabited with myriad trivial objects and gadgets of audiovisual technology taking a hold on our existence, we have become saturated by the torrent of audiovisual impressions. Faced with this flood of information that can lead to a state of entropy, it is important to develop a critical reflection on audiovisual communication. We need a comprehensive account of the relation between sound and image beyond the conventional form of cinema in order to understand its full creative potential. It is necessary to deconstruct the hegemonic discourses and point out the broad spectrum of possibilities and diversity of forms within audiovisual composition. Music speaks through a visual language, or music speaks an audiovisual language. Paulo C. Chagas is a professor of composition at the University of California, Riverside. He created more than 180 works for orchestra, chamber music, electroacoustic, audiovisual and multimedia. His works resulted from numerous orders and have been acclaimed in the United States, Europe, Russia, Asia and Brazil. Chagas develops extensive research in semiotics, philosophy, electroacoustics, multimedia, and technology. His book Unsayable Music (Leuven University Press, 2014) presents theoretical, critical and analytical reflections on key themes of contemporary music. He recently edited the book Sounds from Within: Phenomenology and Practice (Springer, 2021) and published the book Zwischen Klängen und Apparaten: zur Theorie und Praxis der elektronischen Musik [Between sounds and apparatuses: theory and practice of electronic music] (Rediroma, 2021) Chagas has received several international awards, including recently the prestigious Fulbright research grant for an audiovisual composition project in Russia. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Homenaje: Hector Quintanar (México, 1936-2013) Entrevista realizada por Ricardo Dal Farra en febrero de 2005. 1 ene 2014 "Héctor Quintanar (Ciudad de México, Mexico, 1936) es un compositor mexicano con una larga y destacada trayectoria. Su amplia producción cuenta, entre los años '60 y '70, con numerosas obras creadas utilizando medios electroacústicos. En 1967 compuso Aclamaciones para coro, orquesta y cinta por encargo de la Secretaría de Educación Pública de México. Esta obra fue estrenada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México por la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Carlos Chavez, en julio del mismo año. Quintanar compuso en 1968 Sideral I para cinta, y en 1969, Simbolos para grupo de cámara (violín, clarinete, saxo. corno, trompeta, tombón, piano), cinta, diapositivas y luces. En 1970 asumió como Director Artístico del primer Laboratorio de Música Electrónica de México, creado en el Conservatorio Nacional de Música como parte de su Taller de Composición. Quintanar compuso con los instrumentos de aquel laboratorio obras tales como: Opus 1, en 1970; Suite Electrónica, Ostinato y Sideral III, las tres en 1971; Voz para soprano y sonidos electrónicos, y Mezcla para orquesta y cinta, ambas durante 1972. Otras obras de Quintanar son: Play back para violín, piano, percusión, cinta, diapositivas, fotografías y luces, de 1970; Diálogos para piano y electrónica, y Dúo para percusión y electrónica, ambas piezas de 1975." Previous Next

Conferencia - Día 3 < Back Pablo Rubio (México) - Eterno Retorno Conferencia - Día 3 Descripción | Abstract Se introduce el trabajo titulado Eterno Retorno, el cual aborda estructuras de improvisación ritualisticas en un entorno natural. Pablo Rubio Compositor, artista multimedia, académico y promotor cultural. El trabajo de Pablo convergen intereses multidisciplinarios enfocados al sonido inmersivo, esquemas de improvisación e implementación tecnológica en la música. Como compositor y artista sonoro, el trabajo de Pablo engloba composiciones instrumentales, mixtas, instalación multimedia, y desarrollo de instrumentos musicales robóticos. Paralelamente, Pablo ha gestado y promovido diferentes eventos musico-culturales como lo son festivales, talleres, o conciertos con el objetivo de difundir la música de vanguardia actual; que proponga formas novedosas de escuchar integrando a la tecnología Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

El colectivo Biopus explora el arte interactivo, desarrollando instalaciones en las que las nuevas tecnologías entran en diálogo con propuestas discursivas contemporáneas. En esta presentación recorreremos algunas de las problemáticas que atravesaron a la hora de hacer arte, articulando tecnologías, propuestas formales, producción de sentido y un espacio participativo. ¿Cuál es la posición que un artista afronta de cara a la tecnología en esta contemporaneidad? Intentaremos plantear posibles respuestas a este interrogante. < Back Ir al final | go to botom Producir arte con nuevas tecnologías en la era del Arte Contemporáneo. Un recorrido desde la producción de Biopus - Emiliano Causa (Argentina) Matias Romero Costas (Argentina) El colectivo Biopus explora el arte interactivo, desarrollando instalaciones en las que las nuevas tecnologías entran en diálogo con propuestas discursivas contemporáneas. En esta presentación recorreremos algunas de las problemáticas que atravesaron a la hora de hacer arte, articulando tecnologías, propuestas formales, producción de sentido y un espacio participativo. ¿Cuál es la posición que un artista afronta de cara a la tecnología en esta contemporaneidad? Intentaremos plantear posibles respuestas a este interrogante. Emiliano Causa Nació en La Plata (Argentina) en 1970. Artista e Ingeniero en Sistemas de Información (Universidad Tecnológica Nacional). Integrante fundador del grupo Biopus ( www.biopus.com.ar ). Es Coordinador del MediaLab del Centro Cultural de España en Buenos Aires. Dirige el Laboratorio de Experimentación EmmeLab de la Facultad de Artes UNLP. Ha sido Coordinador de la Dirección de Investigación y Postgrado en el Área de Artes Multimediales de la UNA. Es profesor de Arte Multimedia III e Informática Aplicada II en la Licenciatura de Artes Multimediales de la UNA. Profesor de Tecnología Multimedial II de la carrera de Diseño Mutimedial de la Facultad de Artes de la UNLP. Es profesor de Sistemas Dinámicos II de la Maestría en Artes Electrónicas de la UNTREF. Dicta el Taller de Investigación y Realización de Objetos II en la Especialización de Teatro de Objetos del Área de Artes Dramáticas de la UNA. Se desempeñó como Consultor a cargo de dirigir el Laboratorio de Arte de la Dirección de Educación Artística de la Prov. de Bs. As. Fue docente de Informática en las carreras de Composición Musical y Cine en la UNLP, y de Inteligencia Artificial en Ingeniería de Sistemas en la UTN. Actualmente trabaja tanto en investigación como en grado y postgrado con temas relacionados al arte interactivo, al arte generativo, la realidad aumentada, a la construcción de instalaciones interactivas y a la aplicación de la informática al arte en general. Matias Romero Costas Nació en Quilmes (Argentina) en 1976. Compositor, artista electrónico, docente e investigador. Licenciado en Composición, Profesor de Armonía, Contrapunto y Morfología Musical, y Profesor en Producción Multimedial, diplomado en la Universidad Nacional de La Plata. Es integrante del colectivo Biopus desde el año 2001. Coordina el Medialab del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Profesor Titular de laboratorio de sonido II, Jefe de trabajos prácticos de Laboratorio de sonido III, en (UNA.); instructor Titular de Procesos Digitales II y Acústica aplicada en la ENERC (INCAA); Jefe de trabajos prácticos de Tecnología Multimedial II en la UNLP. ; y Prof. de Sistemas Dinámicos II y Entornos sensoriales I de la Maestría Artes Electrónicas en la UNTREF. Ha dictado cursos, charlas, conferencias y talleres sobre temas de su especialidad y sus obras han sido expuestas en el país y en el exterior. Ha recibido premios nacionales e internacionales. Su trabajo expresa su interés en el arte generativo, la composición algorítmica, el sonido, y las experiencias interactivas que vinculan el arte con los nuevos medios de expresión. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensamble Noodus - Cromano - [MÉXICO] Juan Manuel Flores - violin I, Eyliana Pérez - violin II, Caleb Ahedo - viola, Diana Blanco - violonchelo, Noe Macías - piano, Mike Tovar - percusiones Eduardo Caballero, director de Noodus-Cromano" 29 ago 2014 El Ensamble Noodus es una agrupación que tiene como propósito principal la exploración de la música de nuestros días. Está formado por músicos profesionales de diferentes nacionalidades como: Bulgaria, México, Suiza y Estados Unidos todos ellos radicados en la Ciudad de Monterrey NL. Formado a principios del 2012, sus integrantes cuentan con gran trayectoria en lo individual ganando reconocidos premios internacionales. Noodus se ha presentado en el IV Foro de Compositores de NL, Festival Internacional Musica Nueva Monterrey 2012 y en la presentación de la Ópera de Cámara “El Conejo y el Coyote” en Monterrey del compositor mexicano Víctor Rasgado. Programa Convergencias II - Eduardo Caballero Violín y electrónica en vivo pf Si - Emmanuel Ontiveros Piano y electrónicos The Whimsical Nature of Small Particle Physics - Ben Wahlund for solo snare drum and soundscape Camposanto - Felipe Perez Santiago Para cuarteto de cuerdas y electronica Encandilado - Felipe Perez Santiago Para cuarteto de cuerdas y electronica Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Urbe: Concierto Audiovisual y Medios Electrónicos Armando Castro, Amanda Gutierrez, Yair López, Anthony Janas 7 sep 2012 En 2011 se reunieron por primera ocasión Amanda Gutiérrez y Yair López en la ciudad de Chicago teniendo como punto de encuentro el FMEL (Festival de Música Electrónica Latina). Ambos artistas comparten intereses en cuanto a estética y discurso. La suma de ellos dos da como resultado un concierto audiovisual. En 2012 Gutiérrez y López conocen a Anthony Janas, músico de la escena experimental de Chicago quien trabaja con sintetizador modular, dispositivos análogos y grabación de campo. La linea que une a estos tres artistas es la experimentación y la utilización del paisaje sonoro y visual como recurso en su trabajo. El proyecto que se propone bajo el título de Urbe involucra medios análogos y digitales enfocados a la exploración de paisajes de zonas industriales de Chicago representados de manera audiovisual en tiempo real. El común denominador es la materialización acústica del espacio industrial en desuso Urbe, se divide en tres partes. El inicio se desprende de una improvisación basada en el espacio como una fuente sonora cambiante. En esta se toman en cuenta variables como lo son: la forma, volumen, vacío, contraste, dinámica, textura, movimiento... Variables vitales para la escucha y la composición. El espació es amplificado por un micrófono y el sitio por una radio de onda corta, siendo este un ejercicio que va de lo particular a lo general. Ejecutado por Armando Castro. La parte medular es un dúo conformado por Amanda Gutiérrez y Yair López el cual comparte entre sus integrantes texturas sónicas que son representadas por medio de eventos visuales. La poética visual de los archivos generados por Amanda Gutiérrez se basan en la ausencia corpórea del humano. Amanda enfatiza su presencia por medio de las ruinas industriales en time lapse. Yair López integra el encuentro de la información sonora obtenida por diferentes medios en la ciudad de Chicago a manera de post producir y reproducir en conjunción dichos archivos con una línea narrativa y performatica de manera aleatoria. Anthony Janas presenta un set que marca el fin de la Urbe en el cual las imagen es evocada por cada uno de los asistentes en total oscuridad de la sala. Janas prefiere soportes tecnológicos analógicos como lo son las cintas de cassette. Estas cintas contienen grabaciones de campo acompañadas de un sintetizador análogo que permite modelar el sonido en el instante, añadiendo efectos y recursos electrónicos. La aleatoriedad de las herramientas de Anthony es guiada por los paisajes sonoros. *Beneficiario del Programa de Estímulos a la Creación y el Desarrollo Artístico del Estado de Jalisco. Programa: Armando Castro Amanda Gutierrez y Yair López Anthony Janas Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Voces del Lago. Retratos sonoros de Michoacán. [MÉXICO / FRANCIA] Wade Matthews (Francia), Darío Bernal Villegas (México), Ramón del Buey (México), Julián Martínez Vázquez (México) 31 oct 2019 En esta época de "big data", la documentación, la recolección de datos, la oferta, el aprovechamiento y la compraventa de información y sus múltiples usos y abusos parecen haber desterrado las largamente reflexionadas cuestiones acerca de lo verdadero, lo falso, lo subjetivo y lo objetivo. En su lugar, nos encontramos ante la más apremiante cuestión de cómo está siendo manejada, y con qué fines. En este contexto, quizá no nos sorprenda demasiado que el antiguo paradigma del arte como medio para transmitir algún tipo de mensaje haya cedido ante la más reciente idea (aunque, a la hora de buscar antecedentes, tampoco podemos obviar a San Agustín) del arte como algo que propicia una experiencia. Y aquí, debemos añadir que, si bien el mensaje se origina en quien lo transmite (con independencia de los Nudos de R. D. Laing y compañía), la experiencia pertenece, sin ninguna duda, a quien la experimenta. Así, más que propiciar una experiencia, quizá sería más exacto decir que el arte ayuda a crear las circunstancias para ella; es decir, para una experiencia que llamaremos "arte" en la medida en que hayamos decidido de antemano (como diría Morse Peckham) tener una "experiencia artística". Ante este paradigma artístico-experiencial, cabe preguntarse ¿qué es, exactamente, lo que retrata un retrato sonoro? La misma palabra "retrato" parecería remitirse a un concepto de mímesis cuya relevancia nos parece menos que patente a estas alturas. No obstante, remite igualmente a la idea de la subjetividad —tanto del artista que elabora el retrato como del subjeto [¿te interesa conservar esa "b" en "subjeto"?] al que retrata—, y de ahí llegamos sin mucha dificultad a la afirmación de que la documentación es, en realidad, la construcción de una narrativa. La idea de una documentación "objetiva" se derrumba desde el momento en que se acepta la presencia de un sujeto documentador (véase el observer effect y su incidencia en la física cuántica). Para poder ofrecer una respuesta útil a esta pregunta ("no necesito la verdad, me sirve igualmente bien una buena hipótesis" reza un viejo truismo científico), antes debemos ver, de forma muy resumida, cómo se hacen estos retratos. El primer paso es identificar el lugar en el que se va a trabajar. El segundo es juntar a los músicos que han de participar en el proceso; preferiblemente alguno(s) del mismo lugar y otro(s) de fuera. El tercero es visitar el lugar y realizar una serie de grabaciones sonoras ("de campo") que constituirán, en conjunto, uno de los dos materiales principales de la obra. Terminadas estas grabaciones, se procede a extraer de ellas las partes que mejor funcionarán en el contexto de la obra sonora final. Luego, los músicos (todos ellos improvisadores) elaboran juntos una serie de improvisaciones musicales en las que los fragmentos de las grabaciones juegan una gran variedad de papeles. De hecho, los fragmentos de las grabaciones constituyen uno de los dos elementos principales de estos retratos, mientras que el otro recae en la contribución musical de cada participante. Y es aquí donde encontramos la respuesta a nuestra pregunta, específicamente en los criterios que guían a los participantes a la hora de contribuir, mediante la imprivisación, a la conformación de los retratos. Hemos de tener en cuenta que estos músicos estarán presentes en el momento de realizar las grabaciones de campo, y también que alguno(s) serán originarios de los lugares donde se realicen. Su presencia, más su experiencia musical y su creatividad, influirán directamente en cómo reaccionen a las grabaciones cuando aparezcan en el discurso musical que estén elaborando como retrato. Así, criterios puramente sonoros o musicales —los ritmos, la dinámica, los espectros de frecuencia, la densidad, duración y regularidad o irregularidad de las texturas de cada fragmento grabado, etc.— se combinan con otros que nacen de los recuerdos que cada uno tiene del lugar, momento y situación en que se grabaron, además de la manera en la que cada músico se asocia con esos sonidos, especialmente si es natural del lugar. Esta combinación de reacciones puramente musicales con otras más de índole afectiva subyace en las decisiones de cada participante a la hora de elaborar el discurso. Así, no ha de sorprendernos que lo que realmente se está retratando sean las experiencias de los creadores sonoros ante el lugar elegido, su realidad y su cotidianeidad. No se trata, pues, de una semejanza del lugar, sino de la plasmación sonora de un conjunto de experiencias, recuerdos y decisiones cuyo propósito, lejos de cualquier interés mimético, será propiciar en los oyentes la posibilidad de construir sus propias experiencias y reflexiones. Wade Matthews (La Chapelle - Saint-Mesmin, Francia, 1955) Tras doctorarse en composición por la Columbia University de Nueva York con una tesis sobre la improvisación con medios electroacústicos, realizada en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, se instala en Madrid, donde se dedica a pensar, sirviéndose indistintamente del sonido (la libre improvisación con síntesis digital y grabaciones de campo, la composición y los retratos sonoros que lleva elaborando desde 1985) y de la palabra (la escritura y la reflexión verbal, incluidas conferencias, clases magistrales y talleres). Viaja incansablemente, lee todo lo que puede y colabora con otros músicos, bailarines, artistas plásticos e investigadores del mundo sonoro. Ha presentado su música en conciertos y festivales en 20 países, incluidos el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y el Centro Nacional de las Arte de México, además de grabaciones para la BBC, France Culture, RTVE, la SODRE y sus propios discos en sellos británicos, estadounidenses, españoles, portugueses, etc. Es autor de Improvisando. La libre creación musical (Turner, 2012), de once tomos de la Historia de la Música Deutsche Grammophon, y recientemente, de Insulas, un libro disco con retratos sonoros de las Islas Canarias. Ha sido editor invitado y co-autor del nº 10 de la revista Doce Notas Preliminares, Improvisación. Crear en el momento; y del nº 151 de la Revista de Occidente, La Música en nuestros días, y ha publicado artículos en revistas especializadas como La Balsa de la Medusa (nº 49), Kunstmusik (nº 5) y Quodlibet (nº 68). Darío Bernal Villegas (1978) Baterista, compositor e improvisador formado en México y Londres. Figura activa en la escena mexicana de música improvisada. Ha colaborado con músicos de la talla de Wade Matthews, Eddie Prevost, Thanos Chrysakis, Wilfrido Terrazas, Le Quan Nihn, Mazen Kerbaj, entre otros. Actualmente trabaja con el colectivo de improvisadores mexicano Generación Espontánea, el trío audiovisual Aves de Rapiña, la banda de danzas de pueblos existentes e inexistentes Nabuzenko y las Lágrimas del Cíclope Llorón, banda de free dance. Se ha presentado en Francia, Reino Unido, y España. En Octubre de 2011 sale su primer disco solista “A Distant Drum”, en el netlabel Audition Records, donde se presentan una serie de piezas improvisadas para batería, erizo drum, objetos y radio. Con el sello inglés Aural Terrains ha grabado cuatro discos: “Palimpsesto”, “instant-cascade-distant”, “ENANTIO_ΔΡOMIA” y “ΠΑΡΑΛΛΑΞΙΣ / PARALLAXIS”, al lado de improvisadores europeos. Es co-productor del sello Ápice, del que se desprende el disco “Cátedra” de Generación Espontánea, que fue nombrado Disco del Año 2011 por la revista La Tempestad. También dentro de este sello coordinó junto con Ramón del Buey el proyecto de colaboraciones a distancia con músicos mexicanos y europeos “The Marvellous Transatlantic". Es miembro activo del Laboratorio Multidisciplinario Redonda Libre, que enfoca su trabajo y producción artística en la liberación de la isla de Redonda en el Caribe. Ramón del Buey (Ciudad de México, 1984) Estudió composición y Letras clásicas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Frecuentemente toca clarinete bajo y piano en diversos proyectos de música experimental e improvisación libre con los que se ha presentado en México, Estados Unidos y Europa. Ha interpretado obras de Stockhausen, Sciarrino, Cage, Lucier y Llorenç Barber, entre otros, y colaborado con músicos como Carlos Alegre, Tim Barnes, Alexander Bruck, Chris Cogburn, Alfredo Costa Monteiro, Francesco Dillon, Michel Doneda, Jeph Jerman, Lê Quan Ninh, Wade Matthews, Misha Marks, Wilfrido Terrazas y Darío Bernal, con quien también ha desempeñado labores docentes y de investigación en el área de arte-educación para institutos y fundaciones como Alumnos47, el museo Rufino Tamayo, el Nicho y el instituto para autistas Domus. Es miembro fundador del colectivo Generación Espontánea, con el que grabó, editó y mezcló dos discos, Cátedra y The Marvellous Transatlantic, un proyecto de improvisación y composición a distancia entre músicos mexicanos y europeos. Ha participado en diversos eventos y obras de carácter multidisciplinario con artistas visuales y cineastas como Luz y Fuerza: Cine Expandido, Hermann Nitsch, Matthew Ragan y Pablo Vargas Lugo, para cuyas obras, presentadas en las bienales de Shanghái 2018 y Venecia 2019, escribió tres piezas al lado de Juan Cristóbal Cerrillo. Publicó un breve ensayo sobre la improvisación libre para el festival No Idea de la ciudad de Austin. Actualmente lleva a cabo varios proyectos: una tesis sobre Ulises de James Joyce; la traducción, junto con Luis Cuervo, del tratado sobre la analogía de Enzo Melandri, La línea y el círculo, y otra más del Abecedario de Lê Quan Ninh. Forma parte del proyecto de liberación del Reino de Redonda a bordo de una embarcación de vela con otros músicos, artistas visuales y literatos. Julián Martínez Vázquez Actual concertino de la Orquesta Sinfónica de Michoacán, egresó con mención honorífica del Conservatorio de las Rosas bajo la tutela de la maestra Guela Dubrova. Originario de Charapan, Michoacán. Inició desde niño su práctica musical en el grupo de su familia, Los purépechas de Charapan. Músico ecléctico igualmente comprometido con la música tradicional o con la música de vanguardia, asistió a los cursos de música contemporánea de Darmstadt, Alemania en 2006. Allí mismo fue invitado a integrarse al Ensemble Moderne Akademie de Frankfurt para hacer conciertos en los festivales Klangspuren y Transart de Austria e Italia. En 2008 se trasladó a Friburgo (Ensemble Recherche Akademie) para continuar tomando clases de repertorio contemporáneo con Melisse Mellinger. Especializado en música contemporánea para violín, estrenó en México Corale, de Luciano Berio, y realizó el estreno absoluto de Stain, del compositor iraní Arash Yazdani, además de que suele tocar como solista conciertos de repertorio clásico. Actualmente forma parte del ensamble Liminar, uno de los grupos más propositivos y activos de la escena musical mexicana, con quienes ha presentado innumerables conciertos de estrenos nacionales o absolutos, además de residencias artísticas, como en la Universidad de Stanford, Red Cat, de Los Angeles, así como en los festivales más importantes de música contemporánea de Nueva York y Berlín. A su retiro, la maestra Guela Doubrova lo eligió para sucederla en su cátedra, por lo que desde el año 2016 es maestro de violín en el Conservatorio de las Rosas. En diciembre de 2018 participó en Autoreconstrucción, pieza comisionada por The Kitchen, de Nueva York para la feria de arte contemporáneo Art Basel Miami. La obra en cuestión fue mencionada por The New York Times como una de las 10 piezas más importantes de la feria. Previous Next

Programa 1- “Manifiesto Yuma” (Audiovisual) Composición visual y modelado 3D: Salomé Lancheros Diseño sonoro: Mercedes Invernizzi Oviedo y Milagros Castillo 2- Tamgù (Cortometraje animación) Isabel Loyer Luis Paris 3- SOLO SET : sistema de amplificación tubular, sintetizador analógico. Federico Barabino < Back Ir al final | go to botom Area Transdepartamental de Artes Multimediales Universidad Nacional de las Artes Argentina Programa 1- “Manifiesto Yuma” (Audiovisual) Composición visual y modelado 3D: Salomé Lancheros Diseño sonoro: Mercedes Invernizzi Oviedo y Milagros Castillo 2- Tamgù (Cortometraje animación) Isabel Loyer Luis Paris 3- SOLO SET : sistema de amplificación tubular, sintetizador analógico. Federico Barabino Salomé Lancheros Arquitecta Universidad Nacional de Colombia, estudiante avanzada de la Licenciatura de Artes Multimediales de la Universidad Nacional de las Artes, actualmente estudia Danza Contemporánea y Performance en la Universidad de la República Oriental del Uruguay. Trabaja y acompaña campañas de políticas de la memoria, derechos humanos y laborales en Colombia y Perú. Isabel Loyer Isabel Loyer nació en Italia en 1989. Tras formarse en cine en la Universidad de París, completó sus estudios con un máster en animación stop-motion en la escuela de diseño BAU de Barcelona en 2020. Su corto-metraje La Vie Souterraine d'Elisabet Granget fue presentado en numerosos festivales internacionales como el Festival International de Film de Bruxelles (Belgique), Laceno d’Oro (Italie), Un festival c’est trop court (Aix), Chouftouhonna festival (Tunis)... Luis Paris Artista y animador digital, egresado de la Universidad de Buenos Aires (UBA) y estudios en Lic. Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), docente de la carrera Lic. en Artes Multimediales (UNA). Con su cortometraje de animación “Pasajes” y su documental “Srta. Hisas” fue seleccionado en numerosos festivales como Seoul International Cartoon & Animation Festival (Corea), Certamen de cortometrajes Angelika (USA), Festival Carton (Argentina), Cortoons Festival di corti di animazione di Roma (Italia), Festival de cine corto en video de Salamanca , Badalona (España), entre otros. Federico Barabino Licenciado en Artes Multimediales (UNA), cursó la Maestría en Estéticas Contemporáneas Latinoamericanas (UNDAV) y actualmente cursa los seminarios de Doctorado en Artes (UNA). Utiliza el error, la re-significación de los objetos, lo expansivo e híbrido como punto de partida para sus trabajos aplicados a diferentes soportes y nutriéndose de estos para su experimentación. Investiga la escucha no como una acción que se da sobre el ataque, cuerpo y decay de un sonido exclusivamente, sino como algo mucho más extenso que nos permita tener una experiencia de lo próximo y lo diseminado. Ha editado más de treinta discos solo y en colaboración con otros artistas en Argentina, Perú, México, Venezuela, Estados Unidos, Alemania, España, Portugal, Grecia, Croacia, Eslovaquia, Rusia, Japón y Australia. Siendo la música grabada una posibilidad de ver la obra personal en continua búsqueda y evolución. Músico activo permanente realiza más de treinta conciertos anuales en los festivales y salas más importantes del género así como en el circuito underground. Paralelamente se desempeña como docente e investigador en la Universidad Nacional de las Artes y en diferentes instituciones del país. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | back to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Monolith. [AUSTRIA] Elisabeth Schimana (Austria) 17 oct 2019 Los sistemas están sincronizados, son lentos, comunican superficialmente la unidad. Es un estado de inmovilidad, un espacio monofónico. Una señal mono de innumerables altavoces: un bloque en el medio, desde el techo, los lados, frontalmente y en la parte posterior. Unísono. Las grietas se desarrollan con el tiempo, comienza una nueva vida en las grietas, depósitos de escombros. Se desarrolla un espacio polifónico. Los innumerables oradores cuentan diferentes historias de sonido. Los módulos individuales se vuelven perceptibles, entran en diálogo. ¿Por qué es tan grande el anhelo de la unidad después de los sistemas monolíticos? Elisabeth Schimana Desde la década de 1980, la músico y compositora Elisabeth Schimana ha estado activa como una de las pioneras austriacas de la música electrónica con proyectos marcados por un enfoque radical y una estética poco convencional. Después de completar su entrenamiento vocal, obtuvo títulos en composición, música de computadora, musicología y etnología. Ha trabajado intensamente con el theremin en Moscú y con el sintetizador Max Brand en Viena. No solo ha creado innumerables obras de radio en cooperación con ORF Kunstradio, sino también numerosas instalaciones de sonido y proyectos interdisciplinarios-performativos. Sus conceptos para configuraciones experimentales comprenden el campo social y ponen a prueba nuevas formas de interactuar musicalmente en Internet. En su trabajo artístico, Schimana examina cuestiones de espacio, comunicación o el cuerpo en su presencia o ausencia, especialmente la transmisión de conceptos compositivos (partituras), lo que da lugar a enfoques completamente nuevos que exploran experimentalmente cómo escuchamos y exigimos una presencia musical más elevada por parte del intérprete. Su exploración también la llevó a fundar IMA Institute of Media Archaeology, que se ha dedicado a los medios acústicos en la interfaz analógica / digital y al tema de la mujer, el arte y la tecnología desde 2005. El galardonado trabajo internacional de Schimana abarca la gama de composición y estructuras abiertas, hace referencia a posiciones históricas, pero se resiste a todos los intentos de categorización y se destaca, de manera sorprendente y reducida, con una tremenda intensidad. (Milena Meller) Previous Next

Conferencia - Día 5 < Back Omar Masera (México/Argentina) - Alternativas para la crisis socio-ambiental: una propuesta desde lo local Conferencia - Día 5 Omar Masera Cerutti es Doctor en Energía y Recursos Naturales por la Universidad de Berkeley. En la actualidad, es investigador del Instituto de Investigaciones en Ecosistemas y Sustentabilidad de la UNAM, donde coordina el Grupo de Innovación Ecotecnológica y Bioenergía. Junto con el Dr. Luca Ferrari, coordina el Programa Nacional Estratégico sobre Energía y Cambio Climático del CONACYT. Ha desarrollado eco-tecnologías, así como modelos de innovación, monitoreo y adopción participativos de tecnología rural. Asimismo, ha coordinado grupos de investigadores nacionales e internacionales, y ha participado como experto internacional de México ante el Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático (IPCC). Ha recibido varios reconocimientos entre los que destacan en 2007, el Premio Nobel de la Paz, como parte del IPCC, el Premio Universidad Nacional 2015 en el área de Innovación Tecnológica, el Premio Estatal de Investigación Tecnológica 2010 del Estado de Michoacán, y el Premio Nacional de Investigación 2000 de la Academia Mexicana de Ciencias a Jóvenes Científicos. Desde una perspectiva sistémica, interdisciplinaria y multiescalar, el trabajo del Dr. Omar Masera involucra temas de bioenergía, transición energética, ecotecnologías rurales, mitigación del cambio climático y análisis de sustentabilidad. Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Mufonía de beat. [MÉXICO] Pablo García Valenzuela (México), Marco Sanchéz (México) 3 may 2019 MUFONÍA DE BEAT es un proyecto de música multicanal que combina la electroacústica y el rock experimental en un formato de concierto de entre ocho y hasta quince canales de audio. Fue creado y es dirig do por P. Gav (Pablo Garcia Valenzuela), compositor, tecladista y programador multicanal Pablo ha creado instrumentos multicanal reactivos y por primera vez presenta un concierto donde el ritmo y el sonido pre- dominan en su propio discurso musical. En este proyecto colabora con Marcos Sánchez de lluminu, quien ha creado un arte visual reactivo de leds especifico para este concierto, así como con Gabriele Bazzech quien estará a cargo de Interpretar la bateria multicanal a través de a percusión electrónica MUFONIA DE BEAT es quizás el punto intermedio entre la estabilidad ritmica y la experimentación sonora Pablo Garcia Valenzuela tiene un Doctorado en Música Electroacústica de City University, Londres Ha ganado premios internacionales por su trabajo como son el Prix de la Región de Aquitaine (Francia), Luig Russolo (Italia) PAPIAM (México) y actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA Se dedica a la composición y diseño de música tridimensional mixta (15 canales de audio sur- round e instrumentos acústicos) en donde combina el sonido electroacústico, la música clásica contem poránea y el rock progresivo experimental. Además de su labor creativa es profesor en SAE Institute Mexico y tiene un estudio de grabación experimental de 152 canales de audio surround en la Ciudad de México diseñado por el mismo. Actualmente dedica su tiempo a su proyecto NAFF (rock experimental multicanali ya la composición para orquesta sintonica combinada con electronica tridimensional a traves del SNCA/FONCA www.gam Marcos Sanchez es un artista visual e ingeniero en audio cuya pasión por la luz y el sonido lo llevó a emprender este gran proyecto llamado Illuminu. Todo comenzó poco antes de egresar de la camera de ingenieria en audio en la escuela SAE Institute, donde conoció distintas aplicaciones del diseño sonoro en diferentes industrias. Fue cuando la institución le regalo pases para MUTEK 2015 en donde ocurrió una revelación en su mente al descubrir el magnifico mundo del arte con luz. Marcos descubrió una pasión oculta hacia el color, la tecnologia y la experimentación. En ese momento comenzó a planificar su primera escultura que debía llevar por requisitos el uso de luz led y sonido, y asi nació la primera pieza llamada "Quark" la cual fue desarrollada de la mano con su socio Daniel Marcial quien es ingeniero en mecatrónica egresado de la UNAM. Marcos con una visión artistica y Daniel con un conocimiento técnico, comenzaron a trabajar juntos con et fin de planificar esculturas de luz que tenen el fin de generar un vinculo emocional con el espectador Muminu es un colectivo que incluye a todo artista que le interese hacer arte con tuz, inovando con tecnologia y sonido Asl es como el equipo ha ido creciendo y los objetivos de Illuminu se vuelven cada vez más grandes. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Camilla Hoitenga y Taavi Kerikmäe [ESTONIA / ESTADOS UNIDOS] Flautista: Camilla Hoitenga (EUA), Pianista: Taavi Kerikmäe (Estonia) 29 ene 2016 Se presentarán principalmente los resultados de la experimentación con el recién creado sintetizador “SERGE”, en donde incluirá la creación de una pieza original para este instrumento por Michael Manion; además se presentarán improvisaciones propias, y lo más importante, la instrumentación y colaboración con otros compositores para abrir el campo para las nuevas composiciones para nuestro dúo. Se aprovechará también para presentar brevemente la música contemporánea de Estonia. Camilla Hoitenga (EUA) nos trae su repertorio ecléctico y actuaciones carismáticas donde quiera que va. Desde Berlín a Nueva York o el Kremlin en Moscú o la Ciudad Prohibida en Beijing. Ya sea acompañado por orquestas como la Sinfónica de Chicago o la Filarmónica de Londres, o interpretando sola en el escenario, Camilla cautiva a su público por sus intensas actuaciones, aclamadas por la prensa como "brillante", "atractiva” y "idealmente transparente y precisa" Sus grabaciones, en particular aquellas con Kaija Saariaho, han ganado premios en Francia, Gran Bretaña y en América del Norte. Inspirada por la música tradicional japonesa, Camilla ha sido una invitada frecuente en Japón y ha estrenado numerosas obras escritas para ella por compositores japoneses como Takehito Shimazu, Miyuki Ito y más recientemente Yasuyori Inamori. Taavi Kerikmäe (Estonia) ha compuesto música para varios espectáculos de danza moderna, por ejemplo, " Hamlet " y " El Principito " para el Ballet Nacional de Estonia (coreografía por O.Titova o "No puedo obtener ninguna / Satisfacción” por M.Kangro). En 2015 recibió el Premio de la Fundación Cultural de Estonia como “Interprete polifacética e Intérprete innovadora". Otros premios incluyen "Artista Electrónico del Año 2008 " por parte de la Asociación de Estonia de Productores del Fonograma, por su trabajo - CD "La muerte tiene un significado para nosotros " con Broken Orchestra Tiempo-. Obtuvo también el premio " Papel determinante en la música contemporánea de Estonia " con el ensamble U en el año 2009 por parte de la Fundación Cultural de Estonia. www.hoitenga.com www.soundcloud.com/Camilla-Hoitenga http://taavikerikmae.edicypages.com/ Previous Next