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Una noción fundamental de la Música Electroacústica y el Diseño Sonoro es entender al sonido como objeto. No un objeto flotando en un espacio abstracto, inaccesible, filosófico, sobreintelectualizado, sino como objeto de contemplación directa, sensación, expresión, teórico y/o compositivo. Pierre Schaeffer, desde la filosofía y la teoría, renovó el propósito y significado del sonido, y lo entendió como ‘concreto’ en vez de ‘abstracto’ como solían ser los símbolos musicales. Walt Disney, Wilfred Jackson y Ben Burtt, desde la animación y la práctica, aplicaron las primeras interacciones no-literales o de orden simbólico, del sonido con una imagen. < Back Ir al final | go to botom Imbricaciones entre la Música Electroacústica y el Diseño Sonoro - Josué Peregrina (México) Una noción fundamental de la Música Electroacústica y el Diseño Sonoro es entender al sonido como objeto. No un objeto flotando en un espacio abstracto, inaccesible, filosófico, sobreintelectualizado, sino como objeto de contemplación directa, sensación, expresión, teórico y/o compositivo. Pierre Schaeffer, desde la filosofía y la teoría, renovó el propósito y significado del sonido, y lo entendió como ‘concreto’ en vez de ‘abstracto’ como solían ser los símbolos musicales. Walt Disney, Wilfred Jackson y Ben Burtt, desde la animación y la práctica, aplicaron las primeras interacciones no-literales o de orden simbólico, del sonido con una imagen. Si trazamos la genealogía del diseño sonoro, por un lado, comenzando con la tradición de Steamboat Willie de 1928, hasta Star Wars: a New Hope de 1977, y por el otro lado comenzando con el Tratado de los objetos musicales de Pierre Schaeffer hasta Fabsynthesis de Panayiotis Kokoras se notarán ciertos paralelismos entre la música acusmática y el diseño sonoro. La dirección por tomar en esta conferencia será un trazado general teórico en las similitudes y las diferencias en las técnicas de composición acusmática y técnicas de creación de sonidos en el diseño sonoro. Josué Peregrina es compositor y docente. Estudia composición en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León con Ricardo Martínez Leal y Roberto Carlos Flores Gómez y una maestría en música para medios audiovisuales en Berklee College of Music con Laura Karpman, al igual que Síntesis y Diseño Sonoro en Pyramind, San Francisco. Su línea de investigación está orientada hacia la Estética, Tecnología Musical, Composición y Música de Cine. Su versatilidad lo ha llevado a colaborar en proyectos internacionales de diferente índole: Teatro, Documental, Danza, música para Cine, producción y post-producción de audio, Música Académica, Diseño Sonoro así como diferentes proyectos audiovisuales. Su música ha sido interpretada por orquestas y ensambles de México, Bélgica, Estados Unidos, España e Italia. Es encargado del Taller de Electroacústica del Conservatorio Nacional de Música de México. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Open Studio: Encuentro Internacional de Grabación de Campo (2023-2024) [México] Raúl Rodríguez (México) Alejandra Madrigal, (México) Diego González (México) Francisco Chávez (México) 12 ene 2024 EL EIGC (Encuentro Internacional de Grabación de Campo) se crea en 2012 en Guadalajara en colaboración de Sociacusia y Laboratorio Sensorial con el apoyo del CMMAS. El objetivo principal es crear un espacio para la reflexión en torno a la ecología acústica y grabación de campo. En el año 2019 se realizó una residencia de trabajo en el estero El Salado de Puerto Vallarta. Durante dos semanas se conformó un grupo multidisciplinario de trabajo con la premisa de rescatar y conservar el Paisaje Sonoro del estero El Salado; en 2021 en Talpa de Allende; 2022 La ribera del Lago de Chapala. Además de haber creado programas en colaboración con la UNTREF (2022), algunos de los artistas y académicos que han participado son: Francisco López (ES), Fabian Luna (AR), Simon Whetham (UK), Manuel Rocha (MX), Israel Martínez (MX), Guillermo Davalos (MX), Iván Sánchez (MX), Yair López (MX), Florencia Guillen Y Armando Chong (MX), Ana Paula Santana (MX), Andrés Aguilar (MX), Florencia Guillen (MX), Gerardo Martínez (MX), Raymundo Macedo (MX), Tania Rubio (MX), Tito Rivas (MX), Amanda Gutiérrez (MX), Atilio Doreste (CAN), Dave Phillips (CHE), Diana María Restrepo (COL), Ana María Romano G (COL), Diana Peña (MX), Erick Ruiz (MX), Felix Blume (FR), Gregorio Fontén (CL), Juanjosé Rivas (MX), Cinthya García Leyva(MX), Diego Makedonsky (AR), Gordon Hempton (USA), Iris Garrelfs (UK), José María D ́Ángelo (AR), Victoria Polti (AR), María Chávez (USA), Rocío Cerón (MX), Mónica Leyva (MX), Leigh Landy (USA), Luciano Rodríguez (MX), Tonalli R. Nakamura (MX),Arcangelo Constantini (MX). En 2024 las y los artistas participantes en la residencia de creación en el CMMAS son: Raúl Rodríguez, Alejandra Madrigal, Diego González y Francisco Chávez. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Dana Jessen / Paula Matthusen [USA] Dana Jessen, Paula Matthusen (USA) 14 mar 2014 During the course of the residency, Dana Jessen and I will be developing a new work for bassoon and live-electronics, entitled of an implacable subtraction. The title draws its name from Julio Cortázar’s landmark work Hopscotch, in which multiple, navigable paths are made suggested and made possible, disrupting the linearity of the narrative. Working with Dana Jessen’s wide range of extended techniques for the bassoon, I will explore the range of spectra the instrument can create (through multiphonics and singing) as well as their levels of stability and predictability. The spectra produced by the bassoon at different points will be analyzed in real time, and influence not only the actual live-processing of the sound, but also the potential paths the piece can follow. of an implacable substraction is part of a commissioning project made possible by the New Music Bassoon Commissioning Fund, which include new works by Sam Pluta, Tristan Perich, and Peter V. Swendsen. DANA JESSEN Praised for her diverse talents, bassoonist Dana Jessen is in high demand as a soloist, chamber musician, improviser and new music specialist. Dana is the founder of Splinter, a San Francisco-based reed quintet, and has performed with the San Francisco Contemporary Music Players, Ensemble Dal Niente, Calefax Quintet, Rushes Ensemble, Pamela Z, Lucky Dragons, Amsterdam Contemporary Ensemble, Callithumpian Consort and Harvard Group for New Music, among others. Her strong ambitions to explore free jazz and creative improvisation have led to performances throughout Europe and the United States with Han Bennink, Frank Gratkowski, Joe Morris, Taylor Ho Bynum, Michael Moore, Ab Baars, Anne La Berge, Wilbert de Joode, Fred Lonberg-Holm, Mike Reed and many others. In 2009, Dana created the New Music Bassoon Fund, an ongoing consortium commissioning podium dedicated to large scale works for bassoon. Through this ground-breaking organization, Dana invited 30 bassoonists to participate in the project’s first commission, an hour-long composition titled, Rushes, for seven bassoons by composer and Bang on a Can co-founder, Michael Gordon. Dana premiered Rushes in Fall 2012 with a hand picked ensemble of the most innovative bassoonists in the U.S. and continues to tour it around the world. Hailed as ""fascinating...Gordon's simple transformations achieve, in all their simplicity, a great expressiveness"" (NRC-Dutch National Newspaper), Rushes has been described as an evening length tour-de-force. Recent concert highlights include performances at the Ravinia Music Festival in Highland Park, Belgium’s Concertgebouw Brugge, Berlin's Universität der Künste, San Francisco’s Yerba Buena Center for the Arts, November Music in the Netherlands, Brooklyn’s Roulette, the Huddersfield Contemporary Music Festival and Amsterdam's World Minimal Music Festival at the Muziekgebouw aan' t IJ. She has been artist in residence at the Experimental Media and Performing Arts Center, Atlantic Center for the Arts, Amsterdam's STEIM, De Lindenberg Productiehuis, and the Omi International Arts Center. Her recordings as a bassoonist and improviser can be heard on RIOJA, Evil Rabbit and the New World record labels along with a forthcoming 2014 release on Bang on a Can's Cantaloupe Music. Dana has also been heard on radio programs including NPR's All Things Considered, Chicago Public Radio’s Relevant Tones and the BBC Radio's Hear and Now. Dana is currently a Lecturer at the Oberlin Conservatory of Music and has presented masterclasses and workshops on topics surrounding contemporary music and improvisation for students at the Massachusetts Institute of Technology, University of Michigan, San Francisco Conservatory of Music, the Peabody Institute of the Johns Hopkins University, and University of California at Berkeley among others. She holds a M.M. in Bassoon Performance with academic honors from the New England Conservatory of Music and a M.M. in Improvisation from the Artez Hogeschool voor de Kunsten in the Netherlands. She lived in Amsterdam for three years as the recipient of a2009-2011 HSP Huygens Fellowship and 2008-2009 J. William Fulbright Fellowship where she researched contemporary and improvised music. PAULA MATTHUSEN Paula Matthusen is a composer who writes both electroacoustic and acoustic music and realizes sound installations. In addition to writing for a variety of different ensembles, she also collaborates with choreographers and theater companies. She has written for diverse instrumentations, such as ""run-on sentence of the pavement"" for piano, ping- pong balls, and electronics, which Alex Ross of The New Yorker noted as being ""entrancing"". Her work often considers discrepancies in musical space—real, imagined, and remembered. Paula Matthusen Her music has been performed by Dither, Alarm Will Sound, International Contemporary Ensemble (ICE), orchest de ereprijs, Ballett Frankfurt, The Glass Farm Ensemble, James Moore, Kathryn Woodard, Todd Reynolds, Kathleen Supové, Margaret Lancaster and Jody Redhage. Her work has been performed at numerous venues and festivals in America and Europe, including the Tanglewood Festival of Contemporary Music, the MusicNOW Series of the Chicago Symphony Orchestra, Other Minds Festival, the Ecstatic Music Festival, Merkin Concert Hall, the Aspen Music Festival, Bang on a Can Summer Institute of Music at MassMoCA, the Gaudeamus New Music Week, SEAMUS, International Computer Music Conference and Dither's Invisible Dog Extravaganza. She performs frequently with Object Collection, and through the theater company Kinderdeutsch Projekts. Awards include the Walter Hinrichsen Award from the American Academy of Arts and Letters, a Fulbright Grant, two ASCAP Morton Gould Young Composers' Awards, First Prize in the Young Composers' Meeting Composition Competition, the MacCracken and Langley Ryan Fellowship and recently the ""New Genre Prize"" from the IAWM Search for New Music. Matthusen has also held residencies at The MacDowell Colony, Yaddo, create@iEar at Rensselaer Polytechnic Institute, STEIM, and the Atlantic Center for the Arts. Matthusen completed her Ph.D. at New York University - GSAS. She was Director of Music Technology at Florida International University for four years, where she founded the FLEA Laptop Ensemble. Matthusen is currently Assistant Professor of Music at Wesleyan University, where she teaches experimental music, composition, and music technology. Programa - Improvisation - Dana Jessen + Paula Matthusen - this person would be an animal - Dana Jessen - eden's arch of promise bending - Paula Matthusen - Of an implacable subtraction (work in progress) - Dana Jessen + Paula Matthusen - Dorian Reeds :: - By Terry Riley, performed by Dana Jessen + Paula Matthusen Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar ONAR - Live Cinema Performance José Rogelio Vargas Navarrete, José Jairo Torres Gasca, Fernando García García, Addis Otelo Rangel Vazquez 13 nov 2025 Una experiencia audiovisual en tiempo real que fusiona imagen, sonido y espacio. ONAR propone una narrativa sensorial que se construye en vivo, rompiendo las fronteras entre cine, música y arte contemporáneo. Evento especial de Expo Cinema UVAQ 2025 y CMMAS invitan. Participantes José Rogelio Vargas Navarrete Multi-instrumentusta, interprete y creador. Egresado del Conservatorio de las Rosas en Percusiones, Lic. en Pedagogía musical por la UDEH. Maestrando en educación. Interprete en agripaciones locales econ las que ha estado en múltiples festivales de la República. Compositor de música contemporánea para instrumentos musicales, ensamble, con cinta, jazz y música para teatro y danza, Improvisación libre y experimentación sonora José Jairo Torres Gasca Licenciado en Artes visuales y Productor audiovisual ha transitado de la imagen fija, aérea, analógica, cinematografía y videomapping. Fernando García García Maestro en Artes y Artista multidisciplinar y académico. Su producción transita por diversos campos como la fotografía, imagen en movimiento, la animación, la programación computacional creativa, la video instalación interactiva y el video escénico. Addis Otelo Rangel Vazquez Músico, compositor, guitarrista, creador, Licenciado en música egresado del Conservatorio de las Rosas de la licenciatura en composición musical. Egresado de la licenciatura en ingeniería en audio y producción musical. Ha participado como compositor e intérprete en diversas agrupaciones locales dentro y fuera de la república. Compositor de música para danza y teatro e improvisación. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: João Pedro Oliveira. (Virtual) [PORTUGAL] João Pedro Oliveira (Portugal) 23 abr 2021 El segundo concierto del ciclo "Perspectivas Sonoras" presenta un concierto a cargo del celebre compositor João Pedro Oliveira, consta de una compilación de obras audiovisuales que representan y cruzan distintas realidades y contextos, explorando timbres inusuales y únicos, propios de la obra del compositor. João Pedro Oliveira El compositor João Pedro Oliveira ocupa la cátedra Corwin Endowed in Composition de la Universidad de California en Santa Bárbara. Estudió interpretación de órgano, composición y arquitectura en Lisboa. Completó un doctorado en Música en la Universidad de Nueva York en Stony Brook. Su música incluye ópera, composiciones orquestales, música de cámara, música electroacústica y video experimental. Ha recibido más de 50 premios y galardones internacionales por sus obras, incluidos tres premios en el Concurso de Música Electroacústica de Bourges, el prestigioso Premio Magisterio y el Premio Especial Giga-Hertz, 1er Premio en el concurso Metamorfosis, 1er Premio en el Concurso Yamaha-Visiones Sonoras, 1er Premio en el concurso Musica Nova. Enseñó en la Universidad de Aveiro (Portugal) y la Universidad Federal de Minas Gerais (Brasil). Sus publicaciones incluyen varios artículos en revistas y un libro sobre teoría musical del siglo XX. Previous Next

< Back Antonio Russek (Méx) - Clase Magistral Nació en Torreón, Coahuila, en 1954. Se ha destacado en el campo de la composición por su trabajo en la electroacústica. Lleva más de 25 años involucrado profesionalmente en actividades relativas a la producción musical. Como compositor, se ha distinguido por la aplicación de los recursos electrónicos al arte musical, labor que lo sitúa como pionero en este campo. Ha creado música para obras representativas del teatro actual, así como composiciones para danza contemporánea y conciertos, donde queda patente su afán exploratorio y lúdico. El uso desprejuiciado de la tecnología lo ha llevado a experimentar con la generación de campos sonoros virtuales tanto en instalaciones y esculturas sonoras como en espectáculos interdisciplinarios, en los cuales ha colaborado con artistas visuales del más alto nivel. Ha tenido a su cargo proyectos de promoción y difusión de la música mexicana en producciones discográficas, conciertos, conferencias, publicaciones y cursos de instituciones públicas y privadas. Depositario de premios y distinciones, su trabajo está presente en los festivales de mayor prestigio dentro y fuera del país. La actividad musical de Antonio Russek ha estado ligada desde sus inicios a las artes escénicas y es amplia su participación en eventos interdisciplinarios, ambientaciones sonoras para exposiciones, videoarte e instalaciones con artistas plásticos, música para teatro y danza, música radiofónica, arte efímero y escultura sonora. Con una notable trayectoria y más de un centenar de composiciones en su catálogo, Russek es pionero de lo que hoy se denomina "arte sonoro", colaborando de manera permanente con cantidad de artistas fuera del ámbito estrictamente musical, redefiniendo el rol de la música experimental en nuestro país. Fundador del Centro Independiente de Investigación Musical y Multimedia, donde desarrolló una importante tarea editorial a través de la producción de discos, publicaciones, conferencias, asesoría, organización, difusión y curaduría para conciertos de música electrónica y medios alternativos (CIIMM). La labor emprendida por Antonio Russek en favor del uso y la exploración de la tecnología en el arte, está reflejada en su propia obra, influyendo positivamente al trabajo de otros compositores. De su catálogo, seleccionamos aquellas actividades que sentaron un especial antecedente en la vida profesional de Russek y en el acontecer cultural de los últimos veinte años. "Los Hacedores", música para danza comisionada par el Ballet Nacional de México, coreografía de Federico Castro. Palacio de Bellas Artes (1991). Miembro directivo de la Sociedad Mexicana de Música Nueva (1994). o Codirección de Ángel Cosmos y Antonio Russek / CCIIMM (1984). Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto En busca de la miniatura- [CANADÁ] Piano - Juan Sebastian Lach (México) Compositor - Jef Chippewa (Canadá) 27 jun 2014 Pianista --- Juan Sebastian Lach Un caprichoso tour de miniaturas y obras de cortas duración que van desde estudio del objeto sonoro (sonido, textura, rítmo), hasta obras basadas en procesos (algoritmos situacionales), formas narrativas (historias cortas/ anécdotas, soundscape) hasta obras basadas en acciones. Concierto curado por el compositor canadiense Jef Chippewa, este programa incluye obras de compositores canadienses, mexicanos, ingleses, alemanas y estadounidenses. Incluirá también el estreno de “Footscapes”, obra compuesta durante una residencia en el CMMAS en el 2009. Jef Chippewa (Canadian, living in Berlin), is a composer of electroacoustic and instrumental works, specialist in the notation of new music, arts administrator, project manager and a fantastic cook. In recent works he has explored the potential of the miniature as a way of problematizing musical form, notably with 17 miniatures (flute, extended piano, drumset and several dozen sound-producing objects) and in hisfootscapes (electroacoustic) and postcards (toy piano and sound objects) series. Sound objects and funky performance techniques play a large role in his works since plastik [disposable music #2] (2003) andin nomine (2004), and a mildly theatrical, gestural-choreographic element has been a crucial compositional element of most of his recent instrumental pieces, notably “… unless he senses when to jump” (2012) and …without… (2008). His compositions have been performed in such concert series and festivals as Ai-Maako (Santiago), EuCuE (Montréal), Darmstadt Ferienkurse, FUTURA (France), Inventionen (Berlin), ISCM (Stuttgart, 2006)MANTIS (Manchester UK) and Visiones Sonores (Morelia, Mexico). Ensembles such as LUX:NM, Trio Nexus, Quartet New Generation and ensemble recherche have commissioned and/or performed his compositions. In 1999, jef chippewa founded shirling & neueweise, a company specialised in New Music notation, which collaborates with composers, ensembles and publishers (mathias spahlinger, Bernhard Lang, Sebastian Claren, ensemble recherche, PEER Music-Classical, Breitkopf & Härtel). The quality of his work is recognized by his international peers, notably by Breitkopf, who in 2010 invited him to prepare the first digital edition of Helmut Lachenmann’s pivotal work, Pression. Further examples of his notation work are published in Theresa Tisano’s Notations 21. Since 2010, drawing on his experiences as both a copyist and a composer, he has been developing a module-based seminar, “New Music Notation: Score Design, Function and Role.” Aiming to encourage better mastery and understanding of the notation of contemporary works in the instrumental and electroacoustic milieux, he has given the seminar in various forms in Canada, Germany, Israel, Mexico, UK and the USA. Working as Project Manager, chippewa has coordinated several tours and events for the Canadian Electroacoustic Community (notably their 25th Anniversary Tour), Gilles Gobeil and the laptop trio Endphase, among others. For nearly a decade, jef chippewa has been Administrative co-Director of the Canadian Electroacoustic Community (CEC), Canada’s national association for electroacoustic music, and Coordinating Editor for the CEC’s quarterly electronic journal, eContact! His efforts in this position have contributed greatly to establishing the CEC’s highly respected international presence and to making it the most active and progressive of the national EA associations. http://newmusicnotation.com/chippewa/index.html Programa - associations libres (1990) gilles gobeil [CA] - magic piano (2013) panayiotis kokoras [GK] - breathe (2003) jef chippewa [CA] y joão pais [PT] this is for real (2004) bernhard gál [DE] - i beat john sobol at pool last night (1995) steve heimbecker [CA] - 3 postcards for toy piano and sound objects (2011) jef chippewa sens unique - summer BBQ (2006) wendy atkinson [CA] - panurgos hold of the tunguska blast (2010) mauricio meza [MX] - tantana (2011) andrew lewis [UK] - störung (1975) mathias spahlinger [DE] - between the leaves (v2) (2012) james andean [CA] - balloon sonatino (2008) girilal baars [SE] - net (1989) john oswald [CA] - 3 postcards for toy piano and sound objects (2011) jef chippewa wiegenlied [lullaby] - mambo à la braque (1990) javier álvarez [MX] - DUO (1998) jef chippewa [CA] - LSD no. 1 (2014) stuart cunningham [UK] - 3 postcards for toy piano and sound objects (2011) jef chippewa ritual - footscapes (2010–) jef chippewa one (2010/2013) • march [marcha / марш] (2010/2013) - - forward, stop, rewind, stop (2013) panos amelides [GK] Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Jorge Haro [ARGENTINA/ESPAÑA] Artista: Jorge Haro (Argentina / España) 16 may 2013 "Jorge Haro es un artista sonoro y audiovisual. Sus investigaciones se centran en el campo de la música experimental, las piezas audiovisuales y las instalaciones sonoras. Trabaja sobre los aspectos estético y científico del sonido y las vibraciones, con particular interés en la escucha expandida, la visualización del sonido y los procesos de transformación de datos." Previous Next

16.11.2022 < Regresar José Ignacio López Ramírez Gastón (Perú) 16.11.2022 On/Off: seis décadas de intermitencia en la música electrónica académica en el Perú José Ignacio López Ramírez Gastón (Barcelona, 1968). Es Doctor y Magister en Computer Music por la University of California San Diego, en donde realizó sus estudios bajo la supervisión de Miller Puckette, y Licenciado por el Departamento de Estudios Comparados de la Ohio State University. Actualmente es Director de Innovación y Transferencia Tecnológica de la Universidad Nacional de Música, donde también coordina el Laboratorio de Música Electroacústica, enseña los cursos de Electroacústica y dirige el ELUNM (Ensamble de Laptops de la Universidad Nacional de Música). En el 2019 publicó el primer libro de análisis sobre la historia de la música electrónica en el Perú: “La Guardia Nueva: Visiones sobre la música electrónica en el Perú”. Descripción del concierto : On/Off presenta piezas de los actores más importantes de la música electrónica académica peruana desde los 1960 hasta el día de hoy. Esta selección demuestra que, si bien existe una discontinuidad en la historia de la experimentación electrónica académica peruana, el Perú ha contado con músicos dedicados a estas artes y con piezas musicales representativas del desarrollo de la música de base tecnológica. Previo Siguiente

This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. < Back Concierto meditativo de poesía sonora “Habitar la Huella del Silencio”. - Romel Hervez [Venezuela] Semblanza Rommel Hervez (Romel Herrera). Anaco, Venezuela 1971 Es escultor, artista sonoro, docente, ensayista, curador y director de Qaliticum_lcs. Realizó estudios de dibujo y pintura en la escuela de Artes Cristobal Rojas de Caracas, se licenció en Artes Plásticas Mención Escultura y maestría en arte contemporáneo en el IUESAPAR, también cursó estudios de filosofía (USB) y teología espiritual (UCAB), así como talleres de creación literaria (CELARG). Desde 2013 es profesor ordinario en la Universidad de las Artes de Caracas, en las áreas de Escultura y Arte Sonoro. Ha presentado su trabajo de investigación: exposiciones, conciertos, conferencias y publicaciones principalmente en México (CMMAS, Universidad del Claustro, Museo Exteresa, Museo de Hacienda y Universidad del Claustro de Sor Juana) y en Venezuela (Museo de Bellas Artes, Galería de Arte Nacional, Museo de Arte Contemporáneo, Museo Alejandro Otero y Centro de Artes los Galpones), así como en Costa Rica, Argentina, Uruguay, España, Alemania, Estados Unidos y Colombia. Ha complementado su investigación trabajo con la producción de eventos, la museografia, la curaduría de exposiciones, conciertos y festivales internacionales. Su Investigación está centrada en entender el sonido como una materia entre disciplinas: visual, sonora, literaria y reflexiva a través de la creación de una lengua artística, el Qalítico. Concierto meditativo de poesía sonora “Habitar la Huella del Silencio” Sinopsis: Esta propuesta de concierto explora, a través de la voz, los significados simbólicos de conceptos como ruido/silencio; tiempo/eternidad; ser/no-ser. Narra formalmente –y a través de una lengua artificial, el Qalítico– un tránsito que construye atmósferas de sonidos ininteligibles que esculpen en el espacio soplos que rozan con una musicalidad plástica. Conceptualmente describe, en cinco movimiento, un recorrido de las vicisitudes de un ser que ha sido rescatado de la ciudad del Ruido. Se construyen imágenes a partir una narración mítica-ficcional, aborda, el tránsito del ser humano hacia su mundo interior, a partir de la configuración de personajes que surgen de un diálogo interno/externo, significa enfrentar sus inquietudes hacia una trascendencia espiritual. Un llamado; recuperar la voz interior ante el ruidoso poder. Concepto: Distinguir la voz propia del ruido invasor, eco de voces perdidas, demoníacas, que reverberan en la memoria durante un tiempo, no sin antes producir tormentos y desgarros. Cuando estas se disipan, emprendido, el viaje interior, emerge el canto que redime. La voz, en su tender hacia el Silencio, ha pasado por el grito, se ha ordenado sonido y se intuye extensión del inextricable Silencio. El grito histérico ha pretendido condenar la voz, ha creado leyes para impedir la división de las lenguas, las que no se entienden, las que no figuran ni en censo ni en consenso, las que dialogan con el misterio. Esa voz ha emergido de una escucha que atendió un llamado interior. El qalítico, en su complejidad sonora (plástica-consonántica, sobre-tonos, guturaciones, silbidos…), ha servido para reflexionar sobre los límites que enfrenta el ser humano en un mundo vertiginosamente cambiante. La voz significa persona y ningun ruido debe cubrirla. Estructura conceptual del Concierto (45’) 1. 1er. Movimiento, Er no se distingue del ruido. (Monólogo del poseido). 2. 2do. Movimiento, Er distingue el ruido en él. (Diálogo de enfrentamiento). 3. 3er. Movimiento, Er reconoce su voz, una voz externa lo guía. (Diálogo reflexivo). 4. 4to. Movimiento, Er diáloga con su silencio interior. (Monólogo del liberado). 5. 5to. Movimiento, su huella se expande hacia el Silencio. (Canto de Comunión). Ficha artística Dirección, texto y concepto: Rommel Hervez Producción: Carla Cordero Voces Jhonny Rivas (Ruido-Er) José Ángel Arvelaiz (Viento) Rommel Hervez (Er 1) Indira Monzón (Er 2) Sainma Rada (Er 3) Coro: Clarimar Arguinzones Misael Carpio Aaron Parra Narradora de intros: Citlalli Godoy Videoarte Rodolfo Graziano Ficha técnica Producción Qaliticum_lcs Oz Producciones Centro de Arte los Galpones Dirección escénica Citlalli Godoy Dirección de Arte y máscaras Indira Monzón Vestuario Clarimar Arguinzones Fotografía Iván Amaya Registro audiovisual Camilo Paparoni Diseño de flayer Dayana Díaz Colaboradoras: Adriana Herz Alicia Cole Danahe Palacios Verónica Aponte Teresa Cabello Previous Next

Francis Dhomont studied under Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. In the late 40s, in Paris (France), he intuitively discovered with magnetic wire what Pierre Schaeffer would later call “musique concrète” and consequently conducted solitary experiments with the musical possibilities of sound recording. Later, leaving behind instrumental writing, he dedicated himself exclusively to electroacoustic composition. < Back Ir al final | go to botom Abstraction and figuration in music - Francis Dhomont (France) Francis Dhomont studied under Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. In the late 40s, in Paris (France), he intuitively discovered with magnetic wire what Pierre Schaeffer would later call “musique concrète” and consequently conducted solitary experiments with the musical possibilities of sound recording. Later, leaving behind instrumental writing, he dedicated himself exclusively to electroacoustic composition. The Conseil des arts et des lettres du Québec has awarded him a prestigious carreer grant. In 1999, he was awarded five first prizes for four of his recent works at international competition (Brazil, Spain, Italy, Hungary and Czech Republic). In 1997, as the winner of the Canada Council for the Arts’ Victor Martyn Lynch-Staunton Award, he was also supported by the DAAD for a residence in Berlin (Germany). Five-time winner at the Bourges International Electroacoustic Music Competition (France) — the Magisterium Prize in 1988 — and 2nd Prize at Prix Ars Electronica 1992 (Linz, Austria), he has received numerous other awards. He is the editor of special issues published by Musiques & Recherches (Belgium) and of Électroacoustique Québec: l’essor (Québec Electroacoustics: The Expansion) — for Circuit (Montréal). Musical coeditor of the Dictionnaire des arts médiatiques (published by UQAM), he is also lecturer and has produced many radio programs for Radio-Canada and Radio-France. In 1978-2004, he has divided his time between France and Québec, where he has taught at the Université de Montréal from 1980 to ’96. Since the fall of 2004 he lives in Avignon (France) and regularly presents his works in France and abroad. Great traveller, he participates in several juries. He is an Associate Composer of the Canadian Music Centre (CMC, 1989) and a Founding Member (1986) and Honorary Member (1989) of the Canadian Electroacoustic Community (CEC). In October 2007, Université de Montréal awarded him a honoris causa doctorate. He is the president of the collective Les Acousmonautes (Marseille, France) — until its dissolution in 2016 — and “Ehrenpatron” (honour patron) of the organization Klang Projekte Weimar (Germany). He is awarded the Qwartz Pierre-Schaeffer 2012 (Paris, France), Baiocco d’oro 2012 (Perugia, Italia), and the Grand prize of the Giga-Hertz-Preis 2013 (Karlsruhe, Germany). In November 2014 he becomes an Honorary Member of the International Confederation of Electroacoustic Music (ICEM). In 2017 he becomes the Honorary President of the Festival Klang! (Montpellier, France). He now focuses on composition and theory. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

En el contexto de Visiones Sonoras proponemos una parte de nuestra última producción Panacea y otra de una sesión en vivo de “Sesiones bang” producida por la revista Bang con la dirección de Vladimir Pérez en el año 2017: < Back Ir al final | go to botom RaBeat (Bolivia) En el contexto de Visiones Sonoras proponemos una parte de nuestra última producción Panacea y otra de una sesión en vivo de “Sesiones bang” producida por la revista Bang con la dirección de Vladimir Pérez en el año 2017: Ra Beat es un proyecto de música electrónica que surgió hace poco más de 15 años, de la mano de Álvaro “Conejo” Arce. Durante ese lapso el proyecto consolida dos formatos, uno como DJ Ra Beat (Alvaro Arce) y otro como ensamble o banda denominada de la misma manera. La producción transita por diferentes facetas estilísticas con influencia de rock y de distintos géneros de la música electrónica. Actualmente Paco Aguilar y Óscar Kellemberger son los dos músicos que forman parte integral de este proyecto ya desde hace varios años. Fue entre estos tres músicos que en abril de 2020, se fue hilvanando la posibilidad de hacer un disco a distancia, en el contexto de estar aislados y encontrarse ubicados en distintas ciudades del país. Sin la posibilidad de continuar con las presentaciones y el trabajo en vivo, se dio de manera natural empezar un experimento de creación desde sus respectivos hogares. El proceso de composición comenzó en la parte más dura de la pandemia, durante la cuarentena rígida, fue un proceso de ida y vuelta de mandar ideas musicales que fueron tomando forma y que luego se convirtieron en el esqueleto de las actuales canciones. En este proceso inicial de composición participaron principalmente Oscar Kellemberger y Álvaro Arce, quienes trajeron a la mesa virtual la mayor parte de las ideas iniciales que luego recibieron aportes composicionales y de estructura por parte de Paco Aguilar. El siguiente paso fue una etapa de análisis y producción musical entre Aguilar y Arce, fueron meses de trabajo y grabaciones a distancia hasta lograr tener temas con una base sólida y un norte estilístico definido. Fue en esta etapa que se empezaron a plantear las colaboraciones, invitar a vocalistas para participar en algunos de los temas, nunca se pensó que cada canción terminaría teniendo un invitado distinto en la parte vocal, pero a raíz la pandemia, y la imposibilidad de juntarse, se dio de manera natural invitar a músicos amigos a q aporten no solo con la interpretación, si no con la composición de las melodías y letras de sus intervenciones. Cada canción tiene sonoridades y estilos muy particulares y cada invitado ha logrado plasmar su personalidad y sentido estético en cada una de ellas. Entre los músicos invitados se encuentran Christian Krauss, Auza, Daniel Abud, Imilla Kózmika, Laura Ede, David Roland, Dia Nalabi y Natalia Maldonado. Jose Carlos Auza es el músico y productor que estuvo, además de participar como cantante, a cargo de la mezcla, la producción adicional y los arreglos de orquesta de varios temas del álbum. Su trabajo y las ideas q aportó fueron claves para lograr la sonoridad final del disco. Adicionalmente, Marcelo Guerrero, Jorge Zamora y So Myung Jung participaron mezclando tres piezas. El mastering y toque final lo ha dado Marcelo Navía en Lado B Mastering. Alvaro Arce (Bolivia) Estudio en la escuela de música Simeón Roncal en Sucre. Músico, productor y compositor que inicia su carrera musical de manera profesional en 1993. Hasta la fecha fue miembro de varias agrupaciones importantes de rock, funk, hip hop y música fusión de Bolivia con las cuales edito numerosas placas discograficas. En el año 2003 inicia el proyecto de música electrónica y experimental Ra Beat con el cual edita 6 álbumes hasta la fecha. En el año 2015 profundizó sus estudios de síntesis sonora en el estudio La Siesta del Fauno en Buenos Aires. Oscar Kellemberger (Bolivia) Inició sus estudios en teclado de manera autodidacta el año 1990, formando parte de varias agrupaciones musicales del medio. Comienza sus estudios académicos en composición y dirección el año 2000, en la Carrera de Música de la Universidad Loyola, en la ciudad de La Paz. Durante éste periodo participa de varios eventos musicales estudiantiles como compositor, director e intérprete con distintos ensambles. El año 2004 inicia su carrera de docente universitario en la misma Universidad, actividad que continúa hasta la actualidad. Creador de numerosas piezas; ha desarrollado un repertorio propio con obras para los medios más diversos como la música coral, la electrónica, el multimedia, la música orquestal y otros no convencionales. Interpreta varios instrumentos, especializándose en los teclados y el uso de herramientas digitales. Dedicado a la investigación; su actividad académica, se centra en el estudio de las diferentes posibilidades que brindan las tecnologías actuales aplicadas a la creación musical. Ha trabajado como analista, transcriptor de archivos sonoros y técnico. Docente universitario de piano, teoría, composición y audio. Actualmente trabaja en el campo de la sonoterapia. Paco Aguilar (Bolivia) Estudió en el conservatorio nacional de música desde el año 1995 hasta el año 1999 egresado de la licenciatura de música a sus 19 años. Posteriormente estudio ingeniería de sonido y producción musical en la universidad Vicente Pérez Rosales de Santiago de Chile hasta el año 2005. En su Retorno a Bolivia participó como guitarrista en varias bandas entre ellas buscando a gozalvez krause y Rabbit banda con la que hasta el día de hoy sigue vigente. Paralelamente tienen actividad permanente como productor musical y compositor para música en audiovisuales así como producción multimedia y dirección artística. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | go to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS