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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez Compositores: João Pedro Olveira (Portugal) , José Miguel Beviá (España) Dirección: Walter Boudreau. (Canadá) Percusión: Iván Manzanilla (México) 6 jun 2014 Concierto por parte del XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel EnríquezObras para orquesta y electrónica de João Pedro Oliveira y José Miguel Beviá.Orquesta Sinfónica de Michoacán. Programa: - Cassiopeia (2008-2012) - João Pedro Oliveira - Sinfonía núm. 2 Shapes of the Cities… (2010-rev. 2013) - José Miguel Beviá João Pedro Oliveira Tiene un doctorado en Música por parte de la Universidad de Nueva York en Stony Brook. Su música incluye una ópera de cámara, varias composiciones orquestales, un réquiem, 3 cuartetos de cuerda, música de cámara, música solista instrumental y música electroacústica. Ha recibido numerosos premios y distinciones incluyendo 3 premios en el Bourges Electroacoustic Music Competition, el Magisterium Prize, el premio especial de Giga-Hertz, 1er premio en Metamorphoses competition, 1er premio en Yamaha-Visiones Sonoras, 1er premio en Musica Nova Competition, entre otros. Es profesor en la Universidad Federal de Minas Gerais en Brasil y en la Universidad de Aveiro en Portugal. José Miguel Beviá Es graduado del Conservatorio de Música de Valencia donde estudió piano con José Luis de Prado, del Berklee College of Music y de la Florida State University donde obtuvo el doctorado en teoría musical y composición. Sus obras se han interpretado en España, República Checa, Holanda y Estados Unidos. Ha recibido comisiones de The Commission Project y la BMI Foundation. Fue ganador del University of West Florida Philips Jazz Piano Competition, y del Charlie Parker Composition Prize de la BMI Foundation, así como finalista en el Brussels Jazz Orchestra International Composition Contest de 2006 Orquesta Sinfónica de Michoacán Fundada en 1961. Su repertorio abarca desde el barroco hasta el contemporáneo incluyendo ballet, ópera y obras de estreno tanto de compositores michoacanos y extranjeros. Ha realizado diversas producciones discográficas y ha sido reconocida con múltiples distinciones. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes y la Sala Nezahualcóyotl, en la ciudad de México, así como en el Pritzker Pavilion de Chicago. La orquesta ha recibido a solistas como María Alejandres, Jianfeng Cheng, Olivia Gorra, Katherine Jacobson, Jean François Heisser, Alex Klein, Michael Ludwig, Fred Mils, Richard Young y a directores como Francesc Esteve, JoAnn Falleta, Enrique Pérez Meza y Juan Felipe Molano, entre otro. En 2012 el gobernador del estado, a través de la Secretaría de Cultura de Gobierno del Estado de Michoacán, convocó a un proceso de reestructuración artística mediante la selección de un nuevo director artístico: Miguel Salmón Del Real. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Retromanía y Retroalimentación. [ARGENTINA] Nicolás Varchausky (Argentina) 12 jul 2019 Nicolás Varchausky presenta dos facetas distintas de su producción musical: una selección de sus piezas electrónicas para sonido envolvente y una renovada versión de su performance basada en retroalimentación sonora. En la primera parte del concierto se escucharán obras que toman la voz hablada como materia prima para transformarla y resignificarla: desde el juego con las resonancias poéticas del habla cotidiana hasta la exploración del complejo paisaje sonoro que late en el interior de los fonemas. En la segunda parte, Varchausky manipula micrófonos y parlantes en escena construyendo una poderosa performance a partir del feedback. Utilizando su cuerpo como una antena para generar y modular el sonido, se desplaza en busca de campos de resonancia y corrientes caóticas de aire produciendo el ingobernable flujo sonoro del acople que, a su vez, es transformado digitalmente en tiempo real. Nicolás Varchausky Compositor, artista sonoro y docente-investigador de la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ) y la Universidad Nacional Tres de Febrero. Su producción artística incluye obras electroacústicas e instrumentales, performance, instalaciones sonoras y proyectos interdisciplinarios en espacios públicos. Su obra investiga las relaciones posibles entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Desde hace más de 30 años lleva adelante el proyecto Archivo PAIS (archivopais.org), una colección de registros de voces anónimas que exploran las tensiones entre sonido y sentido en la voz hablada como material musical. Dirige la Serie Arte Sonoro de la Colección Música y Ciencia en la Editorial UNQ y el sello de música electrónica experimental Inkilino Records (inkilinorecords.net). Ha realizado música original para teatro, danza y cine, y recibió diversas distinciones entre las que se destacan la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica, la Beca Ibermúsicas y el premio Germaine Derbecq otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte. Recientemente, recibió comisiones de los 48º Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt (DE), la Bienal de Performance (AR), Festival Nativo (MX), Teatro Cervantes (AR), Festival SONICA (UK) y el CETC Centro de Experimentación del Teatro Colón (AR). Realizó su doctorado en The Centre for the Digital Arts and Experimental Media (DXARTS), University of Washington, Seattle, USA. "Con el apoyo del Programa de Investigación I+D Sistemas Temporales y Síntesis Espacial en el Arte Sonoro - EUdA - UNQ" Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Voces del Lago. Retratos sonoros de Michoacán. [MÉXICO / FRANCIA] Wade Matthews (Francia), Darío Bernal Villegas (México), Ramón del Buey (México), Julián Martínez Vázquez (México) 31 oct 2019 En esta época de "big data", la documentación, la recolección de datos, la oferta, el aprovechamiento y la compraventa de información y sus múltiples usos y abusos parecen haber desterrado las largamente reflexionadas cuestiones acerca de lo verdadero, lo falso, lo subjetivo y lo objetivo. En su lugar, nos encontramos ante la más apremiante cuestión de cómo está siendo manejada, y con qué fines. En este contexto, quizá no nos sorprenda demasiado que el antiguo paradigma del arte como medio para transmitir algún tipo de mensaje haya cedido ante la más reciente idea (aunque, a la hora de buscar antecedentes, tampoco podemos obviar a San Agustín) del arte como algo que propicia una experiencia. Y aquí, debemos añadir que, si bien el mensaje se origina en quien lo transmite (con independencia de los Nudos de R. D. Laing y compañía), la experiencia pertenece, sin ninguna duda, a quien la experimenta. Así, más que propiciar una experiencia, quizá sería más exacto decir que el arte ayuda a crear las circunstancias para ella; es decir, para una experiencia que llamaremos "arte" en la medida en que hayamos decidido de antemano (como diría Morse Peckham) tener una "experiencia artística". Ante este paradigma artístico-experiencial, cabe preguntarse ¿qué es, exactamente, lo que retrata un retrato sonoro? La misma palabra "retrato" parecería remitirse a un concepto de mímesis cuya relevancia nos parece menos que patente a estas alturas. No obstante, remite igualmente a la idea de la subjetividad —tanto del artista que elabora el retrato como del subjeto [¿te interesa conservar esa "b" en "subjeto"?] al que retrata—, y de ahí llegamos sin mucha dificultad a la afirmación de que la documentación es, en realidad, la construcción de una narrativa. La idea de una documentación "objetiva" se derrumba desde el momento en que se acepta la presencia de un sujeto documentador (véase el observer effect y su incidencia en la física cuántica). Para poder ofrecer una respuesta útil a esta pregunta ("no necesito la verdad, me sirve igualmente bien una buena hipótesis" reza un viejo truismo científico), antes debemos ver, de forma muy resumida, cómo se hacen estos retratos. El primer paso es identificar el lugar en el que se va a trabajar. El segundo es juntar a los músicos que han de participar en el proceso; preferiblemente alguno(s) del mismo lugar y otro(s) de fuera. El tercero es visitar el lugar y realizar una serie de grabaciones sonoras ("de campo") que constituirán, en conjunto, uno de los dos materiales principales de la obra. Terminadas estas grabaciones, se procede a extraer de ellas las partes que mejor funcionarán en el contexto de la obra sonora final. Luego, los músicos (todos ellos improvisadores) elaboran juntos una serie de improvisaciones musicales en las que los fragmentos de las grabaciones juegan una gran variedad de papeles. De hecho, los fragmentos de las grabaciones constituyen uno de los dos elementos principales de estos retratos, mientras que el otro recae en la contribución musical de cada participante. Y es aquí donde encontramos la respuesta a nuestra pregunta, específicamente en los criterios que guían a los participantes a la hora de contribuir, mediante la imprivisación, a la conformación de los retratos. Hemos de tener en cuenta que estos músicos estarán presentes en el momento de realizar las grabaciones de campo, y también que alguno(s) serán originarios de los lugares donde se realicen. Su presencia, más su experiencia musical y su creatividad, influirán directamente en cómo reaccionen a las grabaciones cuando aparezcan en el discurso musical que estén elaborando como retrato. Así, criterios puramente sonoros o musicales —los ritmos, la dinámica, los espectros de frecuencia, la densidad, duración y regularidad o irregularidad de las texturas de cada fragmento grabado, etc.— se combinan con otros que nacen de los recuerdos que cada uno tiene del lugar, momento y situación en que se grabaron, además de la manera en la que cada músico se asocia con esos sonidos, especialmente si es natural del lugar. Esta combinación de reacciones puramente musicales con otras más de índole afectiva subyace en las decisiones de cada participante a la hora de elaborar el discurso. Así, no ha de sorprendernos que lo que realmente se está retratando sean las experiencias de los creadores sonoros ante el lugar elegido, su realidad y su cotidianeidad. No se trata, pues, de una semejanza del lugar, sino de la plasmación sonora de un conjunto de experiencias, recuerdos y decisiones cuyo propósito, lejos de cualquier interés mimético, será propiciar en los oyentes la posibilidad de construir sus propias experiencias y reflexiones. Wade Matthews (La Chapelle - Saint-Mesmin, Francia, 1955) Tras doctorarse en composición por la Columbia University de Nueva York con una tesis sobre la improvisación con medios electroacústicos, realizada en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, se instala en Madrid, donde se dedica a pensar, sirviéndose indistintamente del sonido (la libre improvisación con síntesis digital y grabaciones de campo, la composición y los retratos sonoros que lleva elaborando desde 1985) y de la palabra (la escritura y la reflexión verbal, incluidas conferencias, clases magistrales y talleres). Viaja incansablemente, lee todo lo que puede y colabora con otros músicos, bailarines, artistas plásticos e investigadores del mundo sonoro. Ha presentado su música en conciertos y festivales en 20 países, incluidos el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y el Centro Nacional de las Arte de México, además de grabaciones para la BBC, France Culture, RTVE, la SODRE y sus propios discos en sellos británicos, estadounidenses, españoles, portugueses, etc. Es autor de Improvisando. La libre creación musical (Turner, 2012), de once tomos de la Historia de la Música Deutsche Grammophon, y recientemente, de Insulas, un libro disco con retratos sonoros de las Islas Canarias. Ha sido editor invitado y co-autor del nº 10 de la revista Doce Notas Preliminares, Improvisación. Crear en el momento; y del nº 151 de la Revista de Occidente, La Música en nuestros días, y ha publicado artículos en revistas especializadas como La Balsa de la Medusa (nº 49), Kunstmusik (nº 5) y Quodlibet (nº 68). Darío Bernal Villegas (1978) Baterista, compositor e improvisador formado en México y Londres. Figura activa en la escena mexicana de música improvisada. Ha colaborado con músicos de la talla de Wade Matthews, Eddie Prevost, Thanos Chrysakis, Wilfrido Terrazas, Le Quan Nihn, Mazen Kerbaj, entre otros. Actualmente trabaja con el colectivo de improvisadores mexicano Generación Espontánea, el trío audiovisual Aves de Rapiña, la banda de danzas de pueblos existentes e inexistentes Nabuzenko y las Lágrimas del Cíclope Llorón, banda de free dance. Se ha presentado en Francia, Reino Unido, y España. En Octubre de 2011 sale su primer disco solista “A Distant Drum”, en el netlabel Audition Records, donde se presentan una serie de piezas improvisadas para batería, erizo drum, objetos y radio. Con el sello inglés Aural Terrains ha grabado cuatro discos: “Palimpsesto”, “instant-cascade-distant”, “ENANTIO_ΔΡOMIA” y “ΠΑΡΑΛΛΑΞΙΣ / PARALLAXIS”, al lado de improvisadores europeos. Es co-productor del sello Ápice, del que se desprende el disco “Cátedra” de Generación Espontánea, que fue nombrado Disco del Año 2011 por la revista La Tempestad. También dentro de este sello coordinó junto con Ramón del Buey el proyecto de colaboraciones a distancia con músicos mexicanos y europeos “The Marvellous Transatlantic". Es miembro activo del Laboratorio Multidisciplinario Redonda Libre, que enfoca su trabajo y producción artística en la liberación de la isla de Redonda en el Caribe. Ramón del Buey (Ciudad de México, 1984) Estudió composición y Letras clásicas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Frecuentemente toca clarinete bajo y piano en diversos proyectos de música experimental e improvisación libre con los que se ha presentado en México, Estados Unidos y Europa. Ha interpretado obras de Stockhausen, Sciarrino, Cage, Lucier y Llorenç Barber, entre otros, y colaborado con músicos como Carlos Alegre, Tim Barnes, Alexander Bruck, Chris Cogburn, Alfredo Costa Monteiro, Francesco Dillon, Michel Doneda, Jeph Jerman, Lê Quan Ninh, Wade Matthews, Misha Marks, Wilfrido Terrazas y Darío Bernal, con quien también ha desempeñado labores docentes y de investigación en el área de arte-educación para institutos y fundaciones como Alumnos47, el museo Rufino Tamayo, el Nicho y el instituto para autistas Domus. Es miembro fundador del colectivo Generación Espontánea, con el que grabó, editó y mezcló dos discos, Cátedra y The Marvellous Transatlantic, un proyecto de improvisación y composición a distancia entre músicos mexicanos y europeos. Ha participado en diversos eventos y obras de carácter multidisciplinario con artistas visuales y cineastas como Luz y Fuerza: Cine Expandido, Hermann Nitsch, Matthew Ragan y Pablo Vargas Lugo, para cuyas obras, presentadas en las bienales de Shanghái 2018 y Venecia 2019, escribió tres piezas al lado de Juan Cristóbal Cerrillo. Publicó un breve ensayo sobre la improvisación libre para el festival No Idea de la ciudad de Austin. Actualmente lleva a cabo varios proyectos: una tesis sobre Ulises de James Joyce; la traducción, junto con Luis Cuervo, del tratado sobre la analogía de Enzo Melandri, La línea y el círculo, y otra más del Abecedario de Lê Quan Ninh. Forma parte del proyecto de liberación del Reino de Redonda a bordo de una embarcación de vela con otros músicos, artistas visuales y literatos. Julián Martínez Vázquez Actual concertino de la Orquesta Sinfónica de Michoacán, egresó con mención honorífica del Conservatorio de las Rosas bajo la tutela de la maestra Guela Dubrova. Originario de Charapan, Michoacán. Inició desde niño su práctica musical en el grupo de su familia, Los purépechas de Charapan. Músico ecléctico igualmente comprometido con la música tradicional o con la música de vanguardia, asistió a los cursos de música contemporánea de Darmstadt, Alemania en 2006. Allí mismo fue invitado a integrarse al Ensemble Moderne Akademie de Frankfurt para hacer conciertos en los festivales Klangspuren y Transart de Austria e Italia. En 2008 se trasladó a Friburgo (Ensemble Recherche Akademie) para continuar tomando clases de repertorio contemporáneo con Melisse Mellinger. Especializado en música contemporánea para violín, estrenó en México Corale, de Luciano Berio, y realizó el estreno absoluto de Stain, del compositor iraní Arash Yazdani, además de que suele tocar como solista conciertos de repertorio clásico. Actualmente forma parte del ensamble Liminar, uno de los grupos más propositivos y activos de la escena musical mexicana, con quienes ha presentado innumerables conciertos de estrenos nacionales o absolutos, además de residencias artísticas, como en la Universidad de Stanford, Red Cat, de Los Angeles, así como en los festivales más importantes de música contemporánea de Nueva York y Berlín. A su retiro, la maestra Guela Doubrova lo eligió para sucederla en su cátedra, por lo que desde el año 2016 es maestro de violín en el Conservatorio de las Rosas. En diciembre de 2018 participó en Autoreconstrucción, pieza comisionada por The Kitchen, de Nueva York para la feria de arte contemporáneo Art Basel Miami. La obra en cuestión fue mencionada por The New York Times como una de las 10 piezas más importantes de la feria. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: José Manuel Berenguer + Oliver Rappoport. [ESPAÑA] José Manuel Berenguer (España), Oliver Rappoport (España) 18 ago 2016 Concierto presentación del Festival Mixtur con una selección de obras de la convocatoria 2016, además de obras propuestas por la dirección artística del Festival Mixtur que incluyen electroacústica y videocreación. José Manuel Berenguer Director la Orquestra del Caos, Director del Festival Música13, organizado por Nau Coclea, Camallera. Profesor y coordinador académico del Máster de Arte Sonoro de la Universitat de Barcelona, Consultor de Sonido en sistemas multimedia en el GMMD-Universitat Oberta de Cataluña y profesor de Sonido Digital en ESDI-Universitat Ramon Llull, también ha colaborado con otras universidades e instituciones de investigación artística como Metrònom, MECAD, IUA-Universidad Pompeu Fabra, Universidad Politécnica de Cataluña, Universidad Autónoma de Barcelona y Elisava. Artista inter-media, fundador de Côclea con Clara Garí, y también de la Orquestra del Caos, colaborador del Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges, fue el diseñador y primer responsable del Laboratorio de sonido y música del CIEJ de la Fundació la Caixa de Pensions, así como profesor de Música Electroacústica en el Conservatorio de Bourges. Ex-Presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España, actualmente es Presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO, miembro de la Académie Internationale de Musique Electroacoustique/Bourges, de la Academia del Consejo Nacional de la Música del CIM/UNESCO, del Patronato de la Fundación Phonos, así como del Patronato de la Fundació AAVC. Oliver Rappoport Bianchi Nace en Málaga, España posteriormente, se traslada a Barcelona donde se titula en la Escola Superior de Música de Catalunya, además de participar en el intercambio Sócrates/Erasmus, durante un año en el Conservatoire National Superieur de Musique de Paris. Amplía sus estudios en el Technische Universität Berlín y en Kings College of London. Estudia con los Compositores: Helmut Lachenmann, Agustín Charles, Luís Naón, Gabriel Brncic, Emmanuel Nunes, Jonathan Harvey, Georges Aperghis, José Manuel López López, Mauricio Sotelo y Magnus Lindberg. Ha recibido diversas becas y premios: Residencia Artística Iberoamericana del FONCA, Festival Illes Balears, Premio Franz Liszt-stipendiat de Weimar, Compositor Residente del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, Premio de Composición otorgado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música y el Colegio de España de París, Compositor residente del Taller de Música Contemporánea de la Joven Orquesta Nacional de España, 1er Premio del Concurso Internacional para Jóvenes Compositores de la SGAE-Fundación Autor, Compositor Residente del Jóvenes Intérpretes de Catalunya, Seleccionado por Société Internationale pour la Musique Contemporaine de Francia, para el 5to Forum de Jóvenes Compositores, entre otros. Además es Director Artístico de SONARTEnsemble y Co-fundador del Festival Mixtur. Con la colaboración de AC/E, Centro Cultural de España en México, Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), Embajada de España en México. Previous Next

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VIERNES 20 DE FEBRERO 2026 Ir a cmmas.org < Back Concierto: Mark Takeshi McGregor & Farshid Samandari VIERNES 20 DE FEBRERO 2026 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

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Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Little Giant Chinese Chamber Orchestra. Director y fundador de la LGCCO: Chih-Sheng Chen (China) Compositor: Pablo Rubio (Mèxico) 21 nov 2019 Morelia, Mich. 20 de noviembre de 2019. El Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), se suma a las actividades del Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez a través de las presentaciones de la Little Giant Chinese Chamber Orchestra, que ofrecerá Master class y concierto este jueves 21 de noviembre en las instalaciones del Centro, ambas con entrada gratuita. Las actividades comienzan a las 11:00 horas del jueves con la clase magistral que impartirán los músicos taiwaneses junto con un equipo de compositores principalmente mexicanos que están experimentando con la composición para instrumentos tradicionales chinos. Además de la Little Giant Chinese Chamber Orchestra, estarán presentes Pablo Rubio, Emmanuel Ontiveros, Mario Duarte, Emma Wilde, Juan José Bárcenas y Ellery Tiburcio. Más tarde, en punto de las 18:00 horas, la orquesta ofrecerá un concierto, también gratuito y de entrada libre, aprovechando la acústica y equipo del auditorio del CMMAS, en donde interpretará un repertorio de música contemporánea, interpretada con instrumentos tradicionales chinos y electrónica. La historia de esta visita, la narra el compositor mexicano Pablo Rubio: Mientras hace sus estudios de doctorado en Santa Cruz, California, Rubio conoce a Chih-Sheng Chen, director y fundador de la Little Giant Chinese Chamber Orchestra (LGCCO) (ensamble originario de Taiwán que trabaja con instrumentos tradicionales chinos), quien le comunica su deseo de realizar proyectos musicales conjuntos en Latinoamérica. Este deseo embona con el hecho de que el Gobierno de Taiwán cuenta con un fondo especialmente destinado para la realización de proyectos culturales en nuestro continente, y también con el enfoque específico sobre México como país ideal para esta colaboración. Pablo Rubio vuelve a México en 2018 y obtiene del FONCA un apoyo especial para la generación de este tipo de proyectos; como consecuencia, la LGCCO se presenta ese año en Morelia, Querétaro y Aguascalientes. En particular, su presencia en Morelia forma parte de la edición 2018 del Festival Visiones Sonoras del CMMAS (Centro Mexicano Para la Música y las Artes Sonoras). Durante su estancia en México, la LGCCO menciona su interés particular en gestionar y obtener nuevas obras para su repertorio, con el objeto de añadirlas a su bagaje de música tradicional china y de obras de compositores chinos. Para ello, una de las estrategias planteadas por Chih-Sheng Chen es la de hacer encargos específicos a compositores jóvenes. Aprovechando la presencia de la LGCCO en las universidades de Querétaro y Aguascalientes y en el CMMAS de Morelia, se organizan talleres a través de los cuales los músicos mexicanos adquieren un primer nivel de familiarización con el instrumental chino tradicional que forma la dotación de ensamble. Al planearse entonces la invitación a la LGCCO para presentarse en el Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez en 2019, resurge la idea de los encargos de obra a compositores mexicanos, y a instancias de Chih-Sheng Chen, Pablo Rubio se pone en contacto con varios de ellos (y con una joven compositora inglesa) para convocarlos al proyecto. Rubio afirma que su idea fue la de convocar a compositores cercanos a su generación que, además, representaran diferentes ciudades, diferentes escuelas, diferentes orientaciones estéticas y compositivas. Con estos antecedentes, es interesante notar el rango generacional representado en este programa de colaboración: los compositores convocados para este programa nacieron entre 1978 y 1991. Sobra decir que uno de los puntos fundamentales de interés de este programa de la LGCCO en colaboración con el CMMAS es la coincidencia y fusión de un instrumental ancestral, antiquísimo, con las técnicas actuales de composición y con algunas manifestaciones de la fascinante interfaz que se ha generado entre la música y las nuevas tecnologías. Todas las obras que se seleccionan están diseñadas especialmente para el equipo multicanal del CMMAS, por lo que la experiencia del sonido y su movimiento en el espacio son superiores a cualquier otro espacio o auditorio. En todos los casos la entrada a los conciertos es gratuita. La cartelera puede consultarse en www.cmmas.org/eventos. El Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras opera gracias al apoyo de la Secretaría de Cultura del Estado de Michoacán, el Centro Nacional de las Artes y la Escuela Nacional de Estudios Superiores de la UNAM, unidad Morelia. He aquí la historia que da origen a este concierto, tal y como la narra el compositor Pablo Rubio. Mientras hace sus estudios de doctorado en Santa Cruz, California, Rubio conoce a Chih-Sheng Chen, director y fundador de la Little Giant Chinese Chamber Orchestra (LGCCO) (ensamble originario de Taiwán que trabaja con instrumentos tradicionales chinos), quien le comunica su deseo de realizar proyectos musicales conjuntos en Latinoamérica. Este deseo embona con el hecho de que el Gobierno de Taiwán cuenta con un fondo especialmente destinado para la realización de proyectos culturales en nuestro continente, y también con el enfoque específico sobre México como país ideal para esta colaboración. Pablo Rubio vuelve a México en 2018 y obtiene del FONCA un apoyo especial para la generación de este tipo de proyectos; como consecuencia, la LGCCO se presenta ese año en Morelia, Querétaro y Aguascalientes. En particular, su presencia en Morelia forma parte de la edición 2018 del Festival Visiones Sonoras del CMMAS (Centro Mexicano Para la Música y las Artes Sonoras). Durante su estancia en México, la LGCCO menciona su interés particular en gestionar y obtener nuevas obras para su repertorio, con el objeto de añadirlas a su bagaje de música tradicional china y de obras de compositores chinos. Para ello, una de las estrategias planteadas por Chih-Sheng Chen es la de hacer encargos específicos a compositores jóvenes. Aprovechando la presencia de la LGCCO en las universidades de Querétaro y Aguascalientes y en el CMMAS de Morelia, se organizan talleres a través de los cuales los músicos mexicanos adquieren un primer nivel de familiarización con el instrumental chino tradicional que forma la dotación de ensamble. Al planearse entonces la invitación a la LGCCO para presentarse en el Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez en 2019, resurge la idea de los encargos de obra a compositores mexicanos, y a instancias de Chih-Sheng Chen, Pablo Rubio se pone en contacto con varios de ellos (y con una joven compositora inglesa) para convocarlos al proyecto. Rubio afirma que su idea fue la de convocar a compositores cercanos a su generación que, además, representaran diferentes ciudades, diferentes escuelas, diferentes orientaciones estéticas y compositivas. Con estos antecedentes, es interesante notar el rango generacional representado en este programa de colaboración: los compositores convocados para este programa nacieron entre 1978 y 1991. Sobra decir que uno de los puntos fundamentales de interés de este programa de la LGCCO en colaboración con el CMMAS es la coincidencia y fusión de un instrumental ancestral, antiquísimo, con las técnicas actuales de composición y con algunas manifestaciones de la fascinante interfaz que se ha generado entre la música y las nuevas tecnologías. Previous Next

< Back < Back Concierto: Berk Yagli (Chipre) Fecha de grabación 30 de marzo de 2023 Berk Yagli (born 1999) is a Cypriot guitarist, composer, and producer. His mission with his music has been to talk about social, political, and philosophical matters interestingly to invite the listeners into reflecting on the topics. He has been active in the UK for the past six years due to his education in Music and Sound Technology (University of Portsmouth), Masters in Composition (University of Sheffield), and currently at the University of the Arts London working under Adam Stanovic for his Ph.D. topic hybridity between metal and electroacoustic music. During his master's, his main focus has been electroacoustic music composition, and currently, he is studying and working on the potential hybridity of electroacoustic music with metal music. He also composed, produced, and released a cinematic/epic social commentary progressive metal album ‘Symphony of Humanity’ in 2021. His works have been presented in the UK, USA, and internationally including Espacios Sonoros (Salta, Argentina), New York City Electroacoustic Music Festival (New York, US), International Computer Music Conference (Limerick, Ireland), Seoul International Computer Music Festival (Seoul, South Korea), Sound Junction (Sheffield, UK), Convergence-De Montfort (Leicester, UK), BFE/RMA Research Student’s Conference (Plymouth, UK), Research on Contemporary Composition Conference 2022 (Georgia, US), Sonic Matter Festival 2022 (Zurich, Switzerland), International Confederation of Electroacoustic Music (Krakow, Poland), WOCMAT Conference 2022 (Taipei, Taiwan), SEAMUS (New York City, US), MOXSonic Festival (Missouri, US), Earth Day Art Model Festival (Indianapolis, US) and more. He is regularly invited to compose his music in studios throughout the world including VICC-Visby International Centre for Composers (Visby, Sweden), CMMAS- Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (Morelia, Mexico), and Studio Kura (Fukuoka, Japan). He also recently won the 2022 18th WOCMAT Phil Winsor International Youth Computer Music Competition Award

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Passepartout Duo. [ITALIA / ESTADOS UNIDOS] Nicoletta Favari (Italia) Christopher Salvito (USA) 30 jun 2022 Passepartout Duo es un grupo musical compuesto por la pianista Nicoletta Favari y el percusionista Christopher Salvito. Haciendo música que escapa a la categorización, el viaje continuo del dúo alrededor del mundo informa las colaboraciones multidisciplinarias, las composiciones instrumentales y los videos musicales evocadores que constituyen su cuerpo de trabajo. Los eventos musicales que crean se enfocan en reconsiderar las modalidades en las que las personas escuchan y se conectan con la música, y se proyectan desde una amplia gama de estéticas y disciplinas. Tomando un enfoque desde cero con sus esfuerzos musicales, los instrumentos DIY juegan un papel central en sus lanzamientos discográficos. El lanzamiento del LP de 2020 del grupo, llamado Vis-à-Vis, presenta composiciones escritas para una instrumentación portátil hecha a mano que acompañó al dúo durante un viaje en tren de un mes por Asia Central. El proyecto se inició durante una residencia en la Embajada de Artistas Extranjeros en 2019 (CH), y el álbum se produjo durante su residencia en el Swatch Art Peace Hotel en 2019/2020 (CN). Su lanzamiento más reciente, llamado Daylighting (2021), se centró en un conjunto de sintetizadores que combinan textiles y circuitos analógicos. El conjunto también se ha presentado en destacados festivales de música como Rewire (NL), el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield (Reino Unido), el Festival de Música de Cámara de Norfolk (EE. UU.), el Festival de La Habana de Música Contemporánea (CU), el Festival Sounding Now ( SG), el Festival Summartónar (FO), y el Festival Dark Music Days (IS). El dúo también recibió una beca de conjunto en el Creative Lab inaugural de Eighth Blackbird en 2017. Previous Next

18.07.2022 < Back 9.- Curadora: Malitzin Cortés 18.07.2022 Alucinaciones híbridas | Metaverso y performance Expandido Curadora: Malitzin Cortés (CNDSD). Músico, Artista digital y Programadora. Adopta la transdisciplina y tecnología en las prácticas transmedia contemporáneas, su trabajo se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, VR, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Ha realizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual, Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel, Spektrum Berlín y en festivales internacionales de arte sonoro y música experimental como la Conferencia Internacional de Live Coding, Transpiksel, Aural, Transmediale, Simposio Internacional de Arte Electrónico Corea, CYLAND MediaArtLab San Petesburgo, MUTEK México, Montreal y San Francisco. Programa Realidad Expandida e interacción XR al Fresco | Partituras Interactivas para Música Invisible Julian Bonequi (MX) Composición para Realidad Extendida grabada en vivo, en el Concierto de Clausura en Variable X - Foro de Inmersión y realidades extendidas en Latinoamérica, en el Centro de Cultura Digital, en Diciembre 3, 2021. Conciertos VR con PatchXR | Creando música dentro del metaverso ACTO 1 Where, When, How. MOWUKIS (EU) & Ted Pallace (EU) ACTO 2 Can Be Reclaimed. MOWUKIS (EU) & Ted Pallace / SAVAGES (EU/MX) ACTO 3 Parallel { | | } Metaverse. Laura luCas (MX), Nesso (It), Ivan Abreu (MX) y CNDSD (MX) Web VR y performance presencial 360 MUXX exhibición WebVR piezas audiovisuales (recorrido)| EPOCH Gallery | Los Ángeles County Museum of Art (LACMA) MUXX: Performance transmedia explorando el género no binario a través del lente de les muxes. Lukas Avedaño(MX), EYIBRA(EU), NNUX(MX) y Oswaldo Erréve(MX) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: The 70th Week (La 70ª Semana) Una Opera Audiovisual - João Pedro Oliveira [PORTUGAL - USA] João Pedro Oliveira (Portugal) 26 may 2023 "The 70th Week - (La 70ª Semana) - Una Opera Audiovisual El Libro de Daniel es probablemente uno de los libros más misteriosos de la Biblia. La descripción de los hechos y las profecías incluyen asesinatos, traiciones, orgías y torturas. Pero también tiene varias profecías muy interesantes y enigmáticas que pueden interpretarse de muchas maneras para estar relacionadas con los tiempos actuales. La inestabilidad social, la guerra global, el exterminio masivo y muchos otros eventos posiblemente puedan interpretarse en los escritos proféticos de este joven. Esta ópera de música visual incluye varios eventos en la vida de este profeta y sus compañeros, así como las tres principales profecías que aún pueden no haberse cumplido. La semana 70 descrita en el libro es una de estas profecías, y se relaciona con un estado de guerra constante, sacrilegio y destrucción, que finalmente conducirá a una milagrosa transformación del mundo en un nuevo espacio de paz y justicia. Esta profecía luego se reafirma en el Libro de Apocalipsis, en la Biblia. Como sugiere la descripción de la pieza (una ópera audiovisual), la acción operística se reinterpreta en una pantalla, utilizando varias imágenes y sonidos generados por computadora, así como líneas vocales y movimientos de baile pregrabados. Algunas de las 8 escenas que constituyen esta pieza son representaciones imaginadas de los eventos descritos en el libro y algunas otras escenas son simbólicas. Los textos utilizados son transcripciones directas de los textos originales del libro, cantados en latín, hebreo y arameo. La Semana 70 fue el resultado de un encargo del Ministerio de Cultura de Portugal. También recibió el apoyo de Manitou Fund (EE.UU.), mpmp - Património Musical Vivo (Portugal), Universidad de Aveiro (Portugal) y Universidad de California – Santa Bárbara (EE.UU.). Fue compuesta entre marzo de 2021 y septiembre de 2022." Previous Next