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Con software desarrollado recientemente para complementar la denominada experiencia ‘Realidad Virtual’ o VR, al generar un campo sonoro hasta con 64 canales alrededor del escucha virtual, capaz de responder al movimiento de la cabeza y basado en curvas de transferencia standard o personalizadas se obtiene un entorno controlado con precisión, determinando la distancia y atenuación de cada fuente, como la reacción del sonido con diferentes materiales acústicos. < Back Ir al final | go to botom Binauralización de obras acusmáticas multicanal - Antonio Russek (México) Con software desarrollado recientemente para complementar la denominada experiencia ‘Realidad Virtual’ o VR, al generar un campo sonoro hasta con 64 canales alrededor del escucha virtual, capaz de responder al movimiento de la cabeza y basado en curvas de transferencia standard o personalizadas se obtiene un entorno controlado con precisión, determinando la distancia y atenuación de cada fuente, como la reacción del sonido con diferentes materiales acústicos. Ha sido posible por décadas realizar instalaciones físicas multicanal con diferentes propósitos y desde los 90's existen aplicaciones especializadas para la creación de campos sonoros compuestos y el libre trazado de trayectorias sonoras, utilizados tanto en estudios científicos como en la industria (cognición auditiva, simuladores de vuelo, efectos especiales para cine etc.) pero hasta hace poco se generó un enfoque específico hacia el entretenimiento debido al uso extensivo de audífonos. En un archivo de audio stereo binauralizado está presente la posición de cada una de las fuentes sonoras en un entorno ideal diseñado a voluntad, cada vez que se colocan los audífonos en la cabeza tendremos siempre las condiciones creadas por el autor, mientras que las condiciones durante un concierto, el desempeño de un cierto equipo de sonido interactuando con la acústica del lugar implica variables no siempre controlables. Desde luego que son actos distintos asistir a un concierto en un recinto con público que escuchar la música en privado con audífonos, me refiero aquí a lo puramente aural y en particular a la escucha de música acusmática multicanal realizada en soporte fijo. Antonio Russek (Torreón Coahuila 1954) La actividad musical de Antonio Russek ha estado ligada desde sus inicios a las ártes escénicas, es amplia su participación en eventos interdisciplinarios; música y diseño sonoro para museos y galerías, videoarte e instalación, cine, teatro, danza y videodanza, radioarte y accionismo. Realiza escultura sonora, instalación y construye dispositivos interactivos. Con una notable trayectoria y más de un centenar de obras en su catálogo, Russek es pionero de lo que hoy se denomina 'arte sonoro', colaborando de manera permanente con artistas fuera del ámbito estrictamente musical, redefiniendo el rol de la música experimental en México. Experto en audioacústica y productor, brinda asesoría tanto a realizadores en nuevos medios como a instituciones culturales en una diversidad de proyectos. En 1982 funda el Centro Independiente de Investigación Musical y Multimedia (CIIMM) donde desarrolla una importante tarea a través de la producción discográfica, publicaciones, conferencias, talleres, asesoría, organización, difusión y curaduría para conciertos de música electrónica y medios alternativos. La labor emprendida por Antonio Russek en favor del uso y exploración de la tecnología en el arte está reflejada en su propia obra, con la creación de entornos sonoros inmersivos en espacios cerrados, como en la proyección de sonido en espacios abiertos utilizando sistemas multicanal. Funda y dirige el Laboratorio Multimedia para el colectivo AlbercaArtes A.C. y desde 2004 es catedrático de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos donde crea el Laboratorio de Sonido. En 45 años de vida profesional ha recibido becas, premios y distinciones, pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte y su obra se ha presentado en los más importantes festivales nacionales e internacionales. Sitio web: www.cmmas.org/antoniorussek_obrareunida ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Sonus Litterarum es una plataforma dedicada a la música, una mezcla de revista digital con repositorio de documentos históricos, de red social especializada en música con el despliegue de un diálogo entre la filosofía de la música y la musicología, un espacio para partituras, fotos, grabaciones. Un espacio para hablar de la música en todas las perspectivas posibles. Del rock a la música más experimental, de la música indígena al arte sonoro. Con un énfasis especial en la música mexicana de todos los tiempos y geografías. < Back Ir al final | go to botom Presentación de Sonus Litterarum - Luis Jaime Cortez (México) - Ana Lara (México) Sonus Litterarum es una plataforma dedicada a la música, una mezcla de revista digital con repositorio de documentos históricos, de red social especializada en música con el despliegue de un diálogo entre la filosofía de la música y la musicología, un espacio para partituras, fotos, grabaciones. Un espacio para hablar de la música en todas las perspectivas posibles. Del rock a la música más experimental, de la música indígena al arte sonoro. Con un énfasis especial en la música mexicana de todos los tiempos y geografías. Ana Lara Compositora y promotora cultural. Ha desarrollado una incansable labor para la promoción de los compositores mexicanos y de la música contemporánea en general. Creadora de la serie radiofónica Hacia una nueva música en Radio UNAM con más de 30 años al aire sin interrupción. Organizadora de los Días Mundiales de la Música de la ISCM, 1993, fundadora del Festival Internacional Música y Escena, directora artística de Instrumenta Puebla Verano, coordinadora de música contemporánea del Festival Internacional Cervantino entre muchos otros festivales en los que ha colaborado. Fue Consejera Cultural en la Embajada de México en Francia y Directora del Instituto Cultural de México en París (2016-2017). Su obra abarca desde la música para instrumentos solistas, de cámara, sinfónica y coral hasta música coreográfica y teatral, que ha sido interpretada por algunos de los más importantes solistas, ensambles y orquestas nacionales e internacionales. Luis Jaime Cortez Compositor y musicólogo. Autor de los libros “Tabiques rotos: siete ensayos musicológicos”, “Mario Lavista: textos en torno a la música” y “Favor de no disparar sobre el pianista” (novela biográfica de Silvestre Revueltas), entre decenas de artículos y ensayos. Es autor de las óperas “La tentación de San Antonio” y “Luna”, además de la sinfonía “Lluvias” (a partir de un poema de Saint John Perse) y de una numerosa obra camerística. Realizó una intervención orquestal de canciones desconocidas del compositor Chucho Monge, que grabó con el tenor Francisco Araiza. Ha sido miembro, por tres ocasiones, del Sistema Nacional de Creadores, y miembro del Consejo Directivo del FONCA. Fue director del Centro Nacional de Investigación Musical Cenidim (1988 - 1994), rector del Conservatorio de las Rosas (1994-2004 y 2011-2017). Actualmente es miembro del equipo académico del Doctorado en Artes del Centro Nacional de las Artes e investigador del Cenidim. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

La serie Resonancias, Turbulencias & Explosiones es un proyecto a largo plazo que se propone la exploración acústica del alfabeto, a partir de la creación de piezas electrónicas breves para sonido en 3 dimensiones. Cada pieza utiliza las componentes acústicas de un fonema diferente para revelar y desplegar el paisaje sonoro interior latente en él. La serie no pretende analizar una lengua en particular, sino explorar poéticamente la materia sonora del lenguaje, tomando sonoridades de diversas lenguas. < Back Ir al final | go to botom Resonancias, Turbulencias & Explosiones: ciclo Purépecha - Nicolas Varchausky (Argentina) La serie Resonancias, Turbulencias & Explosiones es un proyecto a largo plazo que se propone la exploración acústica del alfabeto, a partir de la creación de piezas electrónicas breves para sonido en 3 dimensiones. Cada pieza utiliza las componentes acústicas de un fonema diferente para revelar y desplegar el paisaje sonoro interior latente en él. La serie no pretende analizar una lengua en particular, sino explorar poéticamente la materia sonora del lenguaje, tomando sonoridades de diversas lenguas. Nicolas Varchausky Compositor, artista sonoro y docente-investigador de la Universidad Nacional de Quilmes y la Universidad Nacional de Tres de Febrero en Argentina. Su producción artística incluye obras electroacústicas e instrumentales, performance, instalaciones, proyectos de archivo sonoro y sitio específico. Su obra investiga las relaciones entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Ha realizado música para teatro, danza y cine; y dirige el sello de música experimental Inkilino Records (inkilinorecords.net). Recientemente recibió la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica, la Beca Ibermúsicas y encargos de los Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt, el Centro Experimental del Teatro Colón CETC y la Fundación Pro Helvetia. Realizó su doctorado en el Digital Arts and Experimental Media Department (DXARTS), University of Washington, USA. Esta actividad se realiza con el apoyo de Fundación Telefónica ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Neil Rolnick Neil Rolnick (EUA) 10 abr 2015 El compositor Neil Rolnick presentará un concierto de su música, haciendo énfasis en piezas recientes y antiguas de su repertorio para solo de laptop, desde el 1987 hasta la fecha. Rolnick se ha focalizado en interpretación por computadora desde los años 70s, y ha desarrollado un acercamiento altamente musical utilizando la computadora como instrumento. Programa Música para solo de computadora A Robert Johnson Sampler - Neil Rolnick Gate Beats - Neil Rolnick Balkaization - Neil Rolnick O Brother! - Neil Rolnick WakeUp - Neil Rolnick and Felice & Boudleaux Bryant Composer Neil Rolnick pioneered in the use of computers in musical performance, beginning in the late 1970s. Based in New York City since 2002, his music has received increasingly wide recognition and numerous performances both in the US and abroad. Rolnick has often included unexpected and unusual combinations of materials and media in his music. He has performed his music around the world, exploring forms as diverse as digital sampling, interactive multimedia, and acoustic vocal, chamber and orchestral works. Throughout the 1980s and ‘90s he was responsible for the development of the first integrated electronic arts graduate and undergraduate programs in the US, at Rensselaer Polytechnic Institute’s iEAR Studios, in Troy, NY. Though much of Rolnick’s work connects music and technology, and is therefore considered in the realm of “experimental” music, his music has always been highly melodic and accessible. Whether working with electronic sounds, acoustic ensembles, or combinations of the two, his music has been characterized by critics as “sophisticated,” “hummable and engaging,” and as having “good senses of showmanship and humor.” In 2014 Rolnick completed Silicon Breath for solo saxophone and computer, commissioned by the New York State Council on the Arts, and Dynamic RAM & Concert Grand for solo piano, commissioned by the Fromm Foundation. These pieces, along with a new piece, Cello Ex Machina, for solo cello and computer, will be on a new CD of recent large scale pieces to be released by Innova in 2015. During this period Rolnick also completed the first two of a series of new solo laptop performance pieces, O Brother! and WakeUp, deconstructing recordings by Rolnick’s younger brother and by the Everly Brothers, respectively. 2014 also saw the release of Rolnick’s 18th commercially available recording, The iFiddle Concerto, released digitally by the American Composers Orchestra, featuring violinist Todd Reynolds. Previous Next

To play, press and hold the enter key. To stop, release the enter key. © Copyright CMMAS 2006 - 2021. Todos los derechos reservados.

This presentation will introduce Space Control, a forthcoming software application enabling the realization and mixture of spatial gestures for electronic music composition. Space Control aims to provide an intuitive graphical interface for defining and combining spatial trajectories of arbitrary number and complexity within a user-defined loudspeaker arrangement, emphasizing precision, versatility, and ease of use. A discussion of the project's motivation, design, and operation will be accompanied by a software demonstration. < Back Ir al final | go to botom Space Control: A New Software Application for Intuitive Sound Spatialization - Raphael Radna (EUA) This presentation will introduce Space Control, a forthcoming software application enabling the realization and mixture of spatial gestures for electronic music composition. Space Control aims to provide an intuitive graphical interface for defining and combining spatial trajectories of arbitrary number and complexity within a user-defined loudspeaker arrangement, emphasizing precision, versatility, and ease of use. A discussion of the project's motivation, design, and operation will be accompanied by a software demonstration. Raphael Radna is a composer of acoustic and electronic music whose works embrace unconventional compositional strategies and new technologies. Specializing in interactive electroacoustic music and computer-assisted composition, he regards the computer-composer nexus as the foremost tool for discovering and realizing innovative directions in music composition and performance. Raphael’s music has been presented in concerts, festivals, and conferences across the United States and in Japan, including the International Computer Music Conference, the New York Electroacoustic Music Festival, the California Electronic Music Exchange Concerts, the UCSB Summer Music Festival, and the Osaka University of Arts Electroacoustic Music Festival. He also has extensive professional performance experience on guitar, bass guitar, keyboard, and electronics; his performance credits include appearances at The Hollywood Bowl, REDCAT, CounterPulse, The Center for New Music in San Francisco, and the Time-Based Art festival in Portland, OR. Raphael holds a BA in Music from Vassar College, an MFA in Electronic Music and Recording Media from Mills College, and is currently pursuing a PhD in Music Composition at UC Santa Barbara. His teachers include João Pedro Oliveira, Clarence Barlow, Curtis Roads, W.A. Mathieu, John Bischoff, Chris Brown, and Peter McCulloch. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Punto de convergencia. [COLOMBIA / ARGENTINA] Claudia Robles - Angel (Colombia/Alemania) 25 ene 2019 Obras audiovisuales de Claudia Robles-Angel En sus composiciones audiovisuales, Claudia Robles trata los elementos visuales y sonoros como entidades separadas e individuales, no relacionadas entre sí: texturas visuales y auditivas son combinadas en contrapunto creando sin embargo en algunos momentos puntos de convergencia entre lo auditivo y lo visual. De esta manera el público se ve inducido a un estado de duda permanente y está en sus manos el decidir en cada momento qué dirección (visual o sonora) seguir. En Ideas Sónicas 2014, bajo el título Audiovisual: perspectivas de una entidad indivisible, Claudia Robles presenta detalles de su propuesta artística con relación a la composición audiovisual, la cual está inspirada en escritos de Gilles Deleuze sobre lo audio-visual. Claudia Robles-Angel es artista audiovisual y de nuevos medios. Nació en Bogotá - Colombia y actualmente vive y trabaja en Colonia -Alemania. Su obra cubre diferentes aspectos del arte visual y sonoro, el cual se extiende desde obras audiovisuales en medio fijo hasta performances interactuando con señales biomédicas usando interfaces tales como la EMG que mide la tensión muscular y la interfaz EEG (electroencefalograma) que mide la actividad cerebral. Ha sido artista en residencia en diversos centros de arte, entre los mas destacados el Center for Art and Media - ZKM Karlsruhe, la KHM Colonia y recientemente en el ICST Institute for Computer Music and Sound Technology, ZHdK in Zurich. Su obra es constantemente presentada no sólo en festivales/conferencias de nuevos medios y arte sonoro sino también en exposiciones individuales y colectivas a nivel mundial, entre los más destacados se encuentran el ZKM en Karlsruhe, Enter3 en Praga, en la exposición de Capitales Europeas de la Cultura: Luxemburgo y Rumania; en el centro de multimedia KIBLA en Máribor; en la Conferencia Internacional de Música por Computador - ICMC en Copenhague, Montreal y Utrecht; en la SIGGRAPH Asia Yokohama, Conciertos en el Limb0 y en el ESPACIO Fundación Telefónica en Buenos Aires, el festival de música electroacústica de Nueva York -NYCEMF; en la conferencia de nuevas interfaces para expresión musical NIME, Oslo; en el simposio internacional de artes electrónicas ISEA Estambul, Manizales y Durban, en el Museo de Arte Contemporáneo Bogotá - MAC, en el espacio para arte de nuevos medios LEAP en Berlín, en el Simposio de música por computador CMMR en Marsella y Plymouth, en el Salón Suizo - evento colateral oficial de la 55. bienal de Venecia, Audioart Festival en Cracovia, Miami New Media Festival, en el centro para Artes con Medios Digitales Harvestworks en Nueva York, en el Kunstquartier Bethanien en Berlín, en el centro para arte Nabta Cairo, Festival MADATAC en Madrid, en el Festival de Arte Digital en Atenas ADAF y recientemente en el Experimental Intermedia New York City. Previous Next

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< Back Project Name This is placeholder text. To connect this element to content from your collection, select the element and click Connect to Data. Power in Numbers 123K Programs 12K Locations 1,234 Volunteers Project Gallery Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Signes Émergents. [FRANCIA] Mario Mary (Argentina/Francia) 21 abr 2016 El concierto presenta varias reflexiones que el artista presenta sobre la música contemporánea y de una posible redefinición del término "contemporáneo". Donde propone que en esta época, en la cual ciertas técnicas de la música del siglo XX son moneda corriente, la música que tiene más derecho a ser llamada "contemporánea" es aquella que dé indicios de ir más allá del siglo XX. Dicho de otra manera, la verdadera música contemporánea de hoy es la que produce los signos emergentes de las tendencias estéticas del nuevo siglo. Igualmente presenta sus exploraciones estéticas en materia de “polifonía del espacio” y “orquestación electroacústica” desarrolladas en obras “Signes Émergents” y “2261”. Entretejiendo el discurso musical de pequeños sonidos de manera polifónica y contrapuntística aprovechando las posibilidades de espacio multicanal en 8 pistas alrededor del público. Mario Mary. Doctor en "Estética, Ciencias y Tecnología de las Artes" (Universidad Paris VIII, Francia). Actualmente es Profesor de Composición Electroacústica en la Academia Rainier III de Mónaco y Director artístico del Monaco Electroacoustique - Encuentros Internacionales de Música Electroacústica. Entre 1996 y 2010 enseñó Composición Asistida por Ordenadores en la Universidad Paris VIII, donde creó y dirigió el Ciclo de Conciertos de Música por Ordenadores. Trabajó como compositor-investigador en el IRCAM: AudioSculpt Cross-Synthesis Handbook (manual de síntesis cruzada) et Des traitements en AudioSculpt contrôlés par Open Music (interfaces gráficas de control). Ganó una veintena de premios de composición instrumental, electroacústica y mixta en Francia, Italia, Bélgica, Finlandia, Portugal, República Checa, Brasil y Argentina. Brindó una cincuentena de conferencias y cursos en diferentes países de Europa y de América latina. Previous Next

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Javier Álvarez 1956-2023 Comp ositor, creador, educador, gestor cultural Nacido en 1956 y criado en la Ciudad de México, el compositor, educador e intelectual Javier Álvarez creció en una familia de arquitectos, aprendió a tocar el clarinete y comenzó a componer a temprana edad, tocando jazz y música tradicional mexicana durante su adolescencia. La efervescencia artística, literaria y musical de su país natal y sus estudios de pregrado en el Conservatorio Nacional con los mentores Mario Lavista y Daniel Catán lo impulsaron a alcanzar el reconocimiento como compositor emergente a principios de los años setenta. Después de obtener más títulos académicos de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee y más tarde del Royal College of Music y la City University de Londres, donde vivió y trabajó durante casi 25 años, regresó a su país natal en 2005. La búsqueda musical de Javier Álvarez ha involucrado varios géneros a lo largo de su vida: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1978, a los 17 años, obtuvo reconocimiento nacional como ganador de un premio de composición orquestal y para 1993 había compuesto la música de Cronos, la ópera prima del cineasta ganador del Oscar Guillermo del Toro. La producción de Javier Álvarez suma cerca de 125 obras que van desde formaciones instrumentales solistas y de cámara, con y sin electroacústica, hasta composiciones vocales y orquestales. Muchos de los solistas, conjuntos, directores y orquestas más destacados de México y el extranjero interpretan su catálogo. El timbre y el ritmo han sido áreas de especial interés para Javier Álvarez y quizás por eso escribió obras para percusión (entre ellas tres conciertos de percusión, obras en las que intervienen instrumentos vernáculos de origen afrolatinoamericano como los steel drums chekerés y los berimbaos, así como obras para maracas, marimbas, tambores y percusiones variadas). Desde los años ochenta, la mayoría de sus composiciones oscilan entre lo electroacústico, lo instrumental y lo orquestal, por ejemplo: Brazos de niebla (2018), Mejor morir en la selva (2017), Metal de Corazones (2012), Quemar las Naves (1988), Metro Chabacano (1988), o Temazcal (1984). Muchas de estas obras se han convertido en paradigmáticas en sus respectivos géneros, y son estudiadas regularmente en universidades y conservatorios de Europa, Asia, América del Norte o América Latina. Es dentro de este amplio territorio musical donde se puede encontrar la contribución más característica de Álvarez al lenguaje musical: un realismo mágico musical - una síntesis extraordinaria de realidad y fantasía, de lo tradicional y lo contemporáneo, la mezcla de lo tecnológico con lo primigenio: un hilo resonante de ritmo y timbre. En las conceptualizaciones musicales de Álvarez, como en las de Ginastera, Bartok, Lutoslawski o Revueltas, esto no es solo un adorno fácil: cuando uno escucha obras como Temazcal se reconoce una voz individual, un poder cognitivo; ese que surge cuando, en cada nueva escucha de una pieza, uno percibe una singularidad que es nueva y desafiante pero identificable: una mezcla abstracta y fluida de fantasía, humor, inteligencia e imaginación que es única e individual. En consecuencia, la música de Álvarez impregna una trama fantástica, pero el oyente invariablemente percibe una "claridad de dicción", o lo que en música se refiere a la capacidad del compositor para convertir lo que primero se imagina y luego se escribe en una experiencia sonora memorable. Esta es una hazaña mental que solo unos pocos artistas logran lograr. En palabras del musicólogo Aurelio Tello, “las obras de Álvarez reflejan un lúcido deseo de borrar las fronteras entre lo erudito y lo popular y afirmar un compromiso con lo heredado, lo aprendido y lo creado. Imagina una escena para transformarse en sonido, ya sea un movimiento de remeros, como en Trirreme ; la mecánica de un objeto, como en De aquí a la veleta , la invención de un folclore imaginario, como en Geometría foliada , y un paseo rutinario que estimula la imaginación creadora del compositor, como en Jardines con palmera . Luego procede con una orquestación impecable, lo que resulta en el descubrimiento de una gran cantidad de timbres, una certeza sonora que distingue a Javier Álvarez como uno de los compositores contemporáneos más refinados, personales y originales”. Amigo entrañable y maestro en todos sentidos. Siempre agudo y con una crítica sincera pero constructiva. Padre, marido, amigo, compositor, intérprete, maestro, gestor, director. ¿Cómo se puede ser tantas cosas? En realidad, son una sola. Transportador de ideas en sonido y en palabras, en acciones y en gestos. Javier es la razón de escuchar diferente y conmoverme tanto con el sonido. “Debes de llevar esta idea al máximo. Cuando sientas que ya no da mas, ahí apenas estas comenzando” decía. Su música, sorprendente, conmovedora, conectada con lo importante. Interesado en tantas cosas. En el origami, el café, la política, los gadgets, los bichos, la foto, los espacios. Recordaba detalles significativos, pero estaba ahí para las cosas de cada día. Pilar siempre del CMMAS, de Visiones Sonoras y muchos otros planes. Te voy a extrañar para siempre y para siempre te daré las gracias mas profundas que puedan existir. Rodrigo Sigal (mayo 24, 2023) A manera de homenaje el CMMAS ha recopilado en este sitio el material que hemos tenido la fortuna de producir, apoyar y compartir. Los invitamos a escuchar, conocer y disfrutar del trabajo de Javier Álvarez: Recordar a los compositores que hemos conocido, contar sus historias, realizar sus dibujos verbales, su écfrasis creativa, es más importante y urgente de lo que uno piensa. Cuántos amigos de Revueltas se llevaron con ellos las anécdotas, las conversaciones, los recuerdos de los momentos vividos, o de Chávez, o Candelario Huizar cuando era laborioso y paciente bibliotecario del Conservatorio Nacional. Hay, si acaso, alguna foto. Porque no se usaban las fotos como ahora, podría decirse, pero tampoco hay fotografías de palabras, y las palabras no escaseaban entonces. El propio Manuel Enríquez, tan cercano a nosotros y tan lejano a la vez. Y ya que le he mencionado empezaré por ahí. Conocí a Javier en el viejo Cenidim, en el primer Cenidim, que fundó y a la sazón dirigía Manuel Enríquez, precisamente. Javier llegó desde las humedades grises de Londres para escribir una obra electroacústica en el laboratorio instalado en la calle de Liverpool (16), donde estaba atracado un Moog monumental, como en una película retro de ciencia ficción. —Vine de Londres a Liverpool, que chiste —dijo, siempre con un sentido del humor a flor de piel. Se aparecía, y daban ganas de sonreír. Contagiaba su vitalidad feliz. Tenía dentro de sí una especie de sol meridiano portátil que no le abandonó ni en los momentos más grises. Javier estaba ahí, invitado por Enríquez. Todavía no nacía la Mac, hay que decirlo, porque esas computadoras, desde la Classic, constituyeron uno de los detonantes de felicidad metafísica de Javier. Yo andaba por los diecisite. Era el año 79, quizás el 80. El Cenidim, en su primera versión, estaba ubicado en una casa porfiriana de gran belleza, con ventanas nostálgicas que empezaban a desanudarse de un pasado lleno de voces y sonidos. Ese pasado se desprendió del todo con el terremoto del 85. Todo alrededor. Pero la vieja casona sobrevivió de manera inverosímil, y ahí siguió, desfasada de su centro de gravitación, lo que pareció asentarla en un espacio descolocado de deconstrucción muy a la moda. Hoy es la sede de la fundación Ocavio Paz. Tenía una escalera de caracol con baldosas de mármol. Javier, como hijo de arquitecto, hacía constantes reflexiones sobre sus proezas constructivas, con gran tino, como si la casa le susurrara sus secretos al transitar por ella. Al fondo, en lo que inicialmente debió ser un jardín, se construyó una mole rectangulada, un tanto Bauhaus, que por fortuna parecía discretamente escondida. En la planta baja estaban instalados los gabinetes para el taller de composición, que dirigió por muchos años Federico Ibarra. En la segunda planta aguardaba el tesoro, el laborioso laboratorio instalado con exactitud ingenieril por el ingeniero Raúl Pavón, uno de los pioneros de la electroacústica quien recibió a Javier con el emotivo comedimiento con que son recibidos los héroes. Javier venía de escuchar otros sonidos más allá del oceano (no había Internet y los acetatos eran la tecnología de punta), y Pavón quería no tanto escucharlos, como imaginar sus centáuricas estructuras acústicas. En ese momento la electroacústica nos presentaba sonidos no escuchados, sonidos imposibles seguramente provenientes de otra galaxia. Escuchábamos las transformaciones internas del sonido como cosas de otro mundo, aunque la acústica nos las explicara como cosa sensata e inofensiva. Fue el paso desde la electroacústica que quería parecerse a los instrumentos, para sustituirlos, a una electroacústica que no quería parecerse a nada. De pronto emergió un instrumento insólito, un super órgano, que era como un cerebro exterior. Todo ocurría a través de cables, como si fuera un sistema de neuronas conectándose. Dado un sonido, un cable aportaba la altura, otro, la onda cuadrada o sinosoide, uno más, las envolventes de ataque y decaimiento, y había que agregar la intensidad, y las mezclas de las ondas (por ejemplo de la cuadrada con la triangular), y aún recursos candorosos de espacialización (candorosos si los comparamos con un sistema multicanales de hoy, aunque resultaba igualmente emocionante y espectacular). Todo eso era necesario para cada instante de sonido. Hoy hemos perdido esa latencia de lo insólito, y las sonoridades más remotas han adquirido una cierta indolencia doméstica. El laboratorio, cuyo cerebro era el Moog, se desplegaba en un laberinto de cables y conexiones, miles y miles, con cables rojos, verdes, amarillos y azules, cada uno con un código indispensable. Detrás de cada cable se ocultaba un universo desconocido y fantástico. El compositor electroacústico de entonces tenía la obligación de aprender acústica. Y por ahí se encuentra una de las historias de vida de Javier, siempre al día con la última posibilidad tecnológica, siempre agotando el último recurso en espera automática del nuevo. Javier nos cuenta con sus obras la historia tecnológica del sonido de las últimas décadas, de las décadas definitivas, en las que pasamos de grabar y cortar cintas a los procesadores del siglo XXI. Pavón quería saber cómo podía situarse su laboratorio de sonidos en el contexto de los espacios de creación que Javier había conocido en Europa y Estados Unidos, y le preguntaba constantemente por su punto de vista sobre los recursos encontrados ahí. Tenía dudas del profesionalismo de soluciones a la mexicana, con materiales comprados en la tlapaleria de la esquina, pero a la vez confiaba en la fortuna del resultado. En el centro había un Moog, que era como un sistema neuronal de un futuro distante hecho de conexiones por cables. Si ustedes han visto el área de cables del Cmmas, debo decirles que es cosa de niños frente a aquella habitación en la que los sonidos eran reducidos constitutivamente a su condición de cables. No es que cada cable fuese un sonido, pues cada sonido requería para consituírse un conjunto de cables. Algo verdaderamente alucinante. Una sola secuencia de sonido requería horas de trabajo conectivo. Había, claro, la intuición y la predicción teórica de lo que ocurriría con cada nuevo enchufe, pero siempre con el temor de algunas sorpresas que llegaron a volar las ventanas de vidrio. Entre otras cosas, ahí comprendí la potencia del sonido, que hasta entonces me había parecido inofensivo. En el doble sentido decibélico y simbólico. Fueron décadas de cambios prodigiosos, que Javier recorrió minuciosamente, escalón tras escalón. Durante medio siglo Javier compró cada artefacto que prometiera hacer algún ruido, al grado de que si los hubiera guardado (¿los guardó?) podría hacerse con ellos un museo del sonido que al mismo tiempo escribiera la biografía de Javier y de la electroacústica. La historia tecnológico-sonora de esas décadas es científica y a la vez fantasiosa, y descubre nuevos territorios de manera constante. Se llegó a decir que estábamos ante el fin de los instrumentos de madera y metal, ante el fin de las orquestas y cuartetos de cuerda. Javier veía en sus fierros y plásticos y pantallas verdaderos guarnieris en potencia. Iba de éxito en éxito con sus artefactos, pero al mismo tiempo de fracaso en fracaso, porque cada recurso mostraba sus límites con la salida del nuevo recurso, más potente, más rápido, más brillante, más poderoso desde el prestigio de su marca Acme. Hay algo triste en ese proceso, algo que no pasa, digamos, con los Guarnieri o los Stenway, que llegan para quedarse. Esa cosa efímera se vuelve constitutiva de la estética. Javier decía, con un realismo feroz, que lo que hacemos es efímero, un mero happening sin más trascendencia que el presente. Las propias historias de Javier son muy sugerentes al respecto, desde la que cita como su estímulo definitivo para tomar la decisión de ser músico, en una casa cuyas tuberías hacían propuestas percusivas aleatorias cada vez que alguien abría la llave. O aquellas historias de París, como huésped del entonces joven IRCAM. Generaba sus conexiones y lanzaba un proceso. Mientras los aparatos generaban los tres segundos de sonido inventado, Javier podía irse por un café a los Campos Elíseos y hasta escuchar de paso una sinfonía de Berlioz. Hoy eso mismo se hace en menos tiempo de lo que puede contar como tiempo. Hay que decir que Pavón escribía el que a la postre sería el libro pionero de la música electrónica en español (La electrónica en la música y el arte), y muchas de las cosas contenidas en él (yo estuve a cargo del proceso editorial) fueron tratadas por Pavón en esas conversaciones con Javier. Enríquez también era electroacústico en una buena escala, pero tanto como lo fueron Berio o Ligeti. Es la generación de Javier la que inicia con plenitud la vida electroacústica llena de aparatos que harán obsoletos en muchos sentidos a los conservatorios (Javier hablaba de ello con frecuencia), y en donde empezarán a existir compositores que vienen del ámbito de la ingeniería y no del contrapunto. A la vertiente tecnológica como medio de aproximación a Javier, sumaría una inmediatamente consecuente: el estallamiento de los sistemas de composición en tanto sistemas interválicos, base de la teoría por varios cientos de años. El sonido es otra cosa apasionante además de sus alturas. ¿Qué es? Esa sigue siendo una pregunta viable. Y con cada obra de Javier podríamos explorar una respuesta distinta. He pensado ahora que surge de pensar que hay una afinidad conceptual en el diseño de un mosquito y de un helicóptero, y escribe una obra que muestra la transición entre ambos mundos, que al final parece un simple asunto de decibeles. Mencionaré brevemente, por apremio de tiempo, un par de cosas más, que se entrelazan. Me refiero a su mexicanismo, un tanto nostálgico, imaginado por una buena etapa de su vida desde otras latitudes. La idea de poner títulos con nombres de estaciones del metro suena hoy natural, pero en su momento fue todo un desafío. Un guiño. En ese momento seguía presente, como lo está ahora, la disputa entre vanguardia y nacionalismo, como si fueran dos cosas incompatibles. Imaginemos de un lado a compositores como Leonardo Velázquez y del otro a Manuel Enríquez y Alicia Urreta. Javier, con un pie en cada lado, mostró otras posibilidades. Una especie de nacionalismo urbano contemporáneo, surgido de los sitios menos predecibles. Sin excluir los referentes simbólicos indígenas. Por ejemplo, Temazcal, que termina con una breve cita de música mexicana. Es una de sus obras más exitosas, porque reúne las señales más exactas de la obra de Javier, desde la selección ritual, chamánica, de las maracas, hasta la habilidad tecnológica. La aparición de la última cita es una revelación, parece que toda la obra es una deconstrucción de eso que escucharemos al final, como si todo lo electroacústico fuera esa cita vista desde el revés. La electroacústica como deconstrucción de lo real. Eso parece decirnos la obra. Y de pronto en una transición nos lo muestra. Esa sorpresa de ir de un punto abstracto, de sonidos que no existen hasta ese momento en que nacen, a otros sonidos que no sólo existen desde antes, sino que tienen una fuerza cultural absorbente, ahí, en esa transición, en esa frontera, ahí surge Javier Álvarez. Ahí, entre líneas, están las claves de lectura de la gran obra musical de Javier. Finalmente hablaré de poetas. Como Debussy, como Revueltas o Lavista, Javier amaba particularmente a dos poetas, al menos. Pero Tabasco y Yucatán y el sur en su conjunto forman una sola unidad cultural. Ambos tabasqueños. Ambos, poetas mayores. Pero a la vez, ambos mal leídos, por distintas razones. Por tanto no alcanzan a tener en el imaginario popular el alto rango que realmente poseen. Uno solar, transparente, admirado por el propio Revueltas en su versión joven: Carlos Pellicer. Formado con recursos de apariencia tradicional, su contenido de cien grados alcohólicos de poesía lo salva de los lugares comunes de manera permanente. La selva, el sol están en él como de algún modo también en Javier. El otro, que escribió un sólo vasto libro, José Carlos Becerra, otro Carlos. Su libro: El otoño recorre las islas. El otro extremo de lo solar, pero en el universo de la selva, del Caribe, de la humedad pesada de sonidos. Habría que buscar una lectura en clave de ambos Carlos para leer entre líneas la obra de Javier. Dije al principio que Javier, cuando aparecía, iba precedido de una sonrisa solar meridiana, en el doble sentido de Mérida y de medio día sin sombras. Luis Jaime Cortez (septiembre, 2024) Obra "La música de Javier Álvarez refleja la influencia de las culturas populares que van más allá de las fronteras de nuestro tiempo y espacio; su trabajo es representativo de una corriente sumamente importante en las artes." 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