Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Live Coding con Tidal Cycles I y II Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Descripción del curso En este curso te brindaremos una introducción al Live Coding y tendremos un entrenamiento de inducción a Tidal Cycles que es un lenguaje de código abierto que te permitirá crear patrones musicales con programación, ya sea para acto en vivo o composición. Tidal Cycles contiene lenguaje para describir secuencias flexibles, por ejemplo: polifónicas, polirrítmicas, generativas; también cuenta con una extensa biblioteca de funciones de patrones, para transformarlos y combinarlos. Llegaremos a algunos polirrítmos simples, para encaminarnos al siguiente módulo donde crearemos música más compleja, pero primero entenderemos que es hacer música con TEXTura. Nivel I Plan de estudio: Capítulo 1. Live Coding – Interfaces conversaciones Sesión 1. Introducción a Live Coding Sesión 2. TydalCycles. Instalación Capítulo 2. Programación funcional en el live coding: marea de ciclos Sesión 1. Sintaxis de Haskell Sesión 2. Tempo y secuencialidad en Tidal Cycles Sesión 3. El tiempo y la secuencialidad en Tidal Cycles Capítulo 3: Secuencias de patrones Sesión 1. Patrones sencillos. Tipos de patrones Sesión 2. Ritmos Euclidianos. Secuencias de samples simples Sesión 3. Secuencias de samples simples Capítulo 4. Personaliza tu sonido en Tidal Cycles Sesión 1. Personalizar samples Sesión 2. Estirar y deformar samples Sesión 3. SythDefs para Tidal Cycles Capítulo 5. Modificación y complejidad al vuelo Sesión 1. Modificar secuencias con funciones. Efectos. Operaciones. Desde 0 con Tidal Cycles Sesión 2. Estrategias de improvisación en vivo Nivel II Plan de estudio: Capítulo 1. Estudio de secuencias Apilar y superponer patrones Funciones para alternar secuencias Crear secuencias con ciclos y secuencias en Loop Capítulo 2. Funciones Funciones nuevas en Tidal Cycles Funciones de aleatoriedad Composición de varias funciones en un patrón Capítulo 3. Manipulación de Synthdefs | Supercollider Aplicación de efectos superdirt a Synthdefs Agregar parámetros desde tidal para sintetizadores en Supercollider Capítulo 4. Notación musical con Tidal cycles Uso de notas aleatorias en una escala Función "scale" para generar secuencias melódicas Agregar estructuras rítmicas con función "struct" Capítulo 5. Expandiendo Tidal cycles Configuración MIDI con Tidal cycles y ableton live Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Copyright © 2021 CMMAS

Regresar Andrés Posada y Teodoro Posada (Colombia) Ghanta | El olvido de lo divino Mesa redonda | Round table Andrés Posada Músico, compositor, docente y gestor musical. B. M. y M. M de Mannes College of Music, N.Y, N.Y. Su música, escrita para casi todos los géneros, se ha interpretado en muchos países, ha recibido varios premios y distinciones y ha participado en diversos festivales internacionales de música. Fue miembro del Consejo Nacional de Música (Mincultura) durante varios años. Co-fundador, en 1989, del Laboratorio Jacqueline Nova, primer laboratorio de música electroacústica en Colombia. Profesor en el Departamento de Música de la Universidad de Antioquia. Co-fundador del Departamento de Música de la Universidad EAFIT (1998) y jefe de dicho Departamento, de 2007 a 2014. Trabajó 22 años en esa institución (1998-2019) en donde realizó una importante labor académica y de proyección. Miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte, desde su creación, en 1999. Teodoro Posada Compositor y estudiante de producción musical en Catalyst Institute for Creative Arts and Technologies en Berlin, Alemania. Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Scott Wilson Ver cursos disponibles Durante las últimas tres décadas, la música y el arte sonoro de Scott Wilson han explorado la intersección de una variedad de prácticas diferentes y a veces contradictorias, combinando aspectos de composición instrumental / vocal, grabación de campo, sonido y visuales electroacústicos multicanal inmersivos, transcultural colaboración, codificación en vivo e improvisación. Ha sido un desarrollador activo del lenguaje SuperCollider, y fue el editor principal de The SuperCollider Book, publicado por MIT Press. También activo como educador y mentor de artistas jóvenes, es codirector del Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre y enseña en la Universidad de Birmingham en el Reino Unido. Desarrollador activo del lenguaje SuperCollider Editor principal de The SuperCollider Book, publicado por MIT Press. Codirector de Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre. Profesor de la Universidad de Birmingham en Reino Unido. Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Copyright © 2021 CMMAS

Presentación de la más reciente publicación de la revista Ideas Sónicas, publicada por el CMMAS < Back Ir al final | go to botom Presentación Revista ideas Sónicas - Luis Naon (Argentina) Presentación de la más reciente publicación de la revista Ideas Sónicas, publicada por el CMMAS Luis Segundo NAON La plata, Argentina 1961. Realiza sus estudios musicales en la Universidad Nacional de La Plata, Universidad Católica Argentina en Buenos Aires y luego en el CNSM de París con Guy Reibel, Laurent Cuniot, Daniel Teruggi. Doctor en Estética, Ciencias y tecnología de las Artes de la Universidad Paris 8, bajo la dirección del maestro Horacio Vaggione. Desde 1991 es profesor de composición en el CNSM de Paris. Fue profesor de composición en la ESMuC (Cataluña) entre el 2005 y el 2009 y desde el 2006 es Profesor de Composición Electroacústica en la Haute Ecole de Musique de Ginebra (Suiza). Es codirector artistico del ensamble Diagonal. Ha escrito los ciclos « Urbana » (25 obras para formaciones diversas) entre 1991 y 2013, « Les Princesses », para la inauguración del Teatro Auditorio de Poitiers (TAP) en el 2008. Asi como el ciclo radiofónico sobre “El Psicoanalista” de Leslie Kaplan. Entre sus obras más recientes se pueden citar Around the Bell, Ex Lex, Últimos Movimientos (sobre textos de E. Fogwill) y Paréntesis (sobre textos de Juan Gelman) estrenadas respectivamente en Moscú, Ginebra, Venecia y México DF. “Quebrada/Horizonte”, para la Orchestre Philharmonique de Radio France ha sido estrenada en el Festival Présences 2015. Sus últimas obras para ensamble “Pájaro contra el borde de la noche” (para chelo, ensamble y electrónica) y “Ébano y Metal” (para ensamble encargo del Estado de Francia) fueron estrenadas en el festival Présence 2017 y en el concierto de la sociedad Suiza de composición de Lausanne y en la Universidad McGill de Montréal (Canadá). Prepara actualmente su tercer cuarteto de cuerdas para el Quatuor Diotima, que será estrenado para la reapertura del Espace de Projection de l’IRCAM (junio 22) y en el Festival Archipel de Genève. Sus obras están editadas por Henry Lemoine, Gérard Billaudot y BabelScores. www.luisnaon.com Para poder leer y comprar la revista Ideas Sónicas #24 visita: https://en.cmmas.com/ideassonicas-22/ideassonicas%2Fsonicideas-23 ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto especial: “Intérpretes michoacanos”. [MÉXICO] Abner Jairo Ortiz (Violonchelo solista), Heriberto Cruz (Piano) Invitados: Adriana Lopez (Viola), Fernanda Acosta (Contrabajo) 15 jun 2018 ABNER JAIRO ORTIZ GARCIA - Violonchelista Egresado con Mención Honorífica por la UMSNH (maestros Irene Carrasco y Alan Daowz), ganador del Concurso Nacional de Violonchelo 2014, la Condecoración al Mérito Juvenill Morelia 2014 y el Premio Nacional de la Juventud 2015. Su experiencia en el violonchelo se ha desarrollado en México (Festival Internacional Cervantino y Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil), Alemania (Young Euro Klassik Festival de Berlín), Italia (Accademia Musicale Chigiana), Brasil (Festival de Música de Santa Catarina), Colombia (Festival Internacional de Música TOQUEMUS), Perú (recital de violonchelo en la ciudad de Cuzco), Guatemala (Sistema Nacional de Orquestas Juveniles) y Estados Unidos (TCU Cellofest en Texas, Piatigorsky International Cello Festival en Los Ángeles, Jornadas de Presencia Michoacana en Chicago, Sphinx Connect 2018 en Detroit, New World Symphony Audition Intensive en Miami y recital en St. Cecilia’s Parish de Nueva York). En abril de 2018 obtuvo la beca Anglo Arts para realizar una estancia académica en City Music Foundation de Londres durante el verano próximo. Actualmente radica en Pittsburgh, Pennsylvania: donde fue becado por la Universidad Duquesne para cursar la Maestría en Interpretación bajo la tutela de Adam Liu en el ciclo 2017-2019. HERIBERTO CRUZ CORNEJO - Pianista Ganador del 1er. lugar en el Quinto Concurso de Interpretación en el Conservatorio de las Rosas 2010 y del 3er. lugar en el Concurso Nacional de Jóvenes Pianistas Parnassos 2012, San Pedro Garza Nuevo León. Ha participado como pianista solista con Leeds College of Music Community Symphony Orchestra en Leeds, Inglaterra y anteriormente con la Orquesta Sinfónica de Michoacán y Yakima Symphony Orchestra en Yakima, USA. Ha ofrecido recitales de solo piano y música de cámara en festivales tales como: Festival Ecos y Sonidos, Festival de Música Miguel Bernal Jiménez, Festival Internacional de Música Contemporánea y V Festival Internacional de Piano de Guanajuato. Se ha presentado en distintos foros de los estados de Michoacán, Guanajuato, Querétaro, Nuevo León, Jalisco, Oaxaca y la Ciudad de México así como en Atenas, Grecia, Londres (Steinway Hall), Sheffield, Lincon, Wakefield y Leeds en Inglaterra, donde estudió una Maestría en Interpretación bajo la dirección de Jakob Fichert y Heather Slade-Lipkin en Leeds College of Music. Sus estudios formales de música los inició en la Escuela Popular de Bellas Artes en la ciudad de Morelia, bajo la dirección del Mtro. Eduardo Montes y Arroyo. Posteriormente ingresó al Conservatorio de las Rosas, de donde se graduó en 2011 con Mención Honorífica bajo la tutela del Mtro. Cuauhtémoc Trejo. Previous Next

06.04.2022 < Regresar Ricardo de Armas Y Raúl Minsburg (Argentina) 06.04.2022 La escucha incierta Ricardo de Armas y Raúl Minsburg presentan: La escucha incierta Ricardo de Armas Creador acusmático, violoncellista, artista sonoro y gestor cultural. Egresado del Conservatorio Provincial J.J.Castro. Actualmente cursa un posgrado en arte sonoro en la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Su obra se basa en procedimientos como la intervención, apropiación, cita y re-significación. Integró la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca desde 1988. Tiene obras premiadas y programadas en festivales internacionales y grabaciones para los sellos CMMAS y UNTREF Sonoro. Es Fundador de Bahía[in]Sonora y ARS[in]sonora. Obtuvo el Premio Único Categoría Música Electroacústica otorgado por el Gobierno de La Ciudad de Buenos Aires. Descripción del concierto: Concierto con obras acusmáticas y mixtas con video de Raúl Minsburg y Ricardo de Armas. La propuesta conceptual y estética plantea un juego a través de la multisignificación del sonido, utilizando recursos creativos como la intervención, la apropiación, la cita y la re-significación, además de la evocación de imágenes, épocas y lugares. Previo Siguiente

Una noción fundamental de la Música Electroacústica y el Diseño Sonoro es entender al sonido como objeto. No un objeto flotando en un espacio abstracto, inaccesible, filosófico, sobreintelectualizado, sino como objeto de contemplación directa, sensación, expresión, teórico y/o compositivo. Pierre Schaeffer, desde la filosofía y la teoría, renovó el propósito y significado del sonido, y lo entendió como ‘concreto’ en vez de ‘abstracto’ como solían ser los símbolos musicales. Walt Disney, Wilfred Jackson y Ben Burtt, desde la animación y la práctica, aplicaron las primeras interacciones no-literales o de orden simbólico, del sonido con una imagen. < Back Ir al final | go to botom Imbricaciones entre la Música Electroacústica y el Diseño Sonoro - Josué Peregrina (México) Una noción fundamental de la Música Electroacústica y el Diseño Sonoro es entender al sonido como objeto. No un objeto flotando en un espacio abstracto, inaccesible, filosófico, sobreintelectualizado, sino como objeto de contemplación directa, sensación, expresión, teórico y/o compositivo. Pierre Schaeffer, desde la filosofía y la teoría, renovó el propósito y significado del sonido, y lo entendió como ‘concreto’ en vez de ‘abstracto’ como solían ser los símbolos musicales. Walt Disney, Wilfred Jackson y Ben Burtt, desde la animación y la práctica, aplicaron las primeras interacciones no-literales o de orden simbólico, del sonido con una imagen. Si trazamos la genealogía del diseño sonoro, por un lado, comenzando con la tradición de Steamboat Willie de 1928, hasta Star Wars: a New Hope de 1977, y por el otro lado comenzando con el Tratado de los objetos musicales de Pierre Schaeffer hasta Fabsynthesis de Panayiotis Kokoras se notarán ciertos paralelismos entre la música acusmática y el diseño sonoro. La dirección por tomar en esta conferencia será un trazado general teórico en las similitudes y las diferencias en las técnicas de composición acusmática y técnicas de creación de sonidos en el diseño sonoro. Josué Peregrina es compositor y docente. Estudia composición en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León con Ricardo Martínez Leal y Roberto Carlos Flores Gómez y una maestría en música para medios audiovisuales en Berklee College of Music con Laura Karpman, al igual que Síntesis y Diseño Sonoro en Pyramind, San Francisco. Su línea de investigación está orientada hacia la Estética, Tecnología Musical, Composición y Música de Cine. Su versatilidad lo ha llevado a colaborar en proyectos internacionales de diferente índole: Teatro, Documental, Danza, música para Cine, producción y post-producción de audio, Música Académica, Diseño Sonoro así como diferentes proyectos audiovisuales. Su música ha sido interpretada por orquestas y ensambles de México, Bélgica, Estados Unidos, España e Italia. Es encargado del Taller de Electroacústica del Conservatorio Nacional de Música de México. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Concierto | Concert Regresar Concierto | Concert Concierto de la Academia Janacek de Música y Artes Escénicas, JAMU Janacek Academy of Music and Performing Arts JAMU (República checa) Obras escritas por maestros e investigadores de la Academia Janacek de Música y Artes Escénicas JAMU, en Brno, República Checa 1. "Tinkling" by Michal Indrak 2. "Timebreak" by Jiri Suchanek 3. "Fluttering Substance" by Otto Wanke 4. "A Message" by Jan Kavan 5. "Dual 2" for alternative percussion and electronics by Omar Rojas; Percussions: Enrique Nieto 6. "La locandiera Mirandolina" a minisuite by Mario Buzzi Notas de programa: Michal Indrák - Tinkling This piece was written in July 2022 and was inspired by a small experimental musical instrument created by my 9-year-old son at a course for young composers and inventors. The instrument is made of a plastic bottle, short chain and small bells. All the sonic events of the piece were created by sampling and post-processing its possibilities as a kind of recollection stretched in time. The piece was also created as part of testing my new setup of a mobile DAW workflow. I also wanted to test and try out new workflows that would allow me to compose electroacoustic music anywhere and anytime without difficult preparations and technical limitations. Jiří Suchánek : Time.break (2013/2018, 4-channel, 9:17 ) Force applied to a mater causes the rise of internal tension. With increasing intensity and no possibility of relaxation, the situation culminates until the moment of internal integrity collapse. The structure of matter breaks down and with the release of sound energy the new fragments are created. A sound microscopic journey through a series of diverse destructions discovers new worlds emerging from the dust of old ones. The acoustic material used was mainly created during the destruction and disintegration of things, or when tensioning and compressing materials. The studio recordings were then carefully sorted, reassembled and supplemented with a synthetic sound layer. The composition Time.break is not an objective record of all kinds of destruction. It is a sonic representation of cycles of tension, climax, rupture and release. The original composition from 2013 was newly re-composed and mixed into a 4-channel version in 2018. Jan Kavan - A message Composed in July 2022 as a World-premiere for the international festival of contemporary music Visiones Sonoras 18 in Mexico. A Message is a stereo electroacoustic composition inspired by the poem The Waste Land by Thomas Stearns Eliot (1922) but transposed into a post-digital era where the topical wasteland is littered by digital fragments of the civilization. Fragments, polluted by noise and imperfection, analogically to the poem, depict loss of meanings, data, and habitable environment. While the composition reflects upon the current period of uncertainty, it also tries to look into the future with a tiny ray of hope that maybe somewhere in the omnipresent noise a new kind of harmony will be born. Poem fragments were narrated by Kateřina Prášková. Otto Wanke - Fluttering Substance My piece Fluttering Substance deals with short audio excerpts from interviews with the American writer William Burroughs, in which the author describes his Cut-up technique. The internal sonic qualities of the excerpts shape the individual electronic gestures and at the same time they form a tectonic organization that corresponds to the described Cut-up technique. In seeking parallels between the spectral properties of the excerpts and their effects on the formal construction of the piece, my intention was to further develop the technique of the spectral resynthesis. In its classical conception, individual partials of the sound model are assigned to different acoustic instruments, creating a characteristic ambiguity between harmony and timbre. In my conception, however, I used electronic processes such as granular synthesis or waveset distortion to resynthesize the original speech model. While this action results in the loss of the original plasticity of the resynthesis, it also serves as a starting point for the generation of new idiosyncratic material that reflects the original model on the basis of a more abstract spectral correspondence. Subsequently, I linked the resulting resynthesis to vertices (points in 3D space) to create an additional visual plane to these audio processes. Omar Rojas - Dual 2 Esta obra está basada en un ejercicio de instrumentación que suelo hacer con mis alumnos para concientizar acerca de las dificultades de cambio de instrumento para los percusionistas; dicho ejercicio consiste en escribir e interpretar una obra para lo que traigan en sus bolsillos. Años más tarde, el compositor británico Thomas Daish, quien fue uno de mis alumnos, escribiría una serie de piezas para instrumentos no convencionales, razón por la que decidí retomar el concepto de instrumentación aleatoria y dedicarle esta obra. Dual 2, forma parte de un ciclo de obras en el que utilizo grabaciones de campo de la Ciudad de México y de otras localidades en el extranjero, en este caso específico de Weimar (Alemania) y la CDMX; la parte de la percusión de esta versión es interpretada por Enrique Nieto (MX) y es para monedas, una bolsa de galletas, un juego de llaves, una servilleta y una cartera. Mario Buzzi - La locandiera Mirandolina - Minisuite The music for the production was created to mainly Dadaist texts, consisting of interjections, solmizing syllables and the like. The texts were created in collaboration with director Peter Gábor. Each of the main characters is typified by a certain selection of these syllables. A type of music was created, based on the Italian opera traditions and using its mannerisms; recitative technique, melody and rhythm. The singing parts were recorded by the singers of the NDB opera ensemble, and the musical arrangement was supplemented with parts of granular synthesizers, samplers and finally subjected to various transformations in the style of DJs (scratching, fx processing, etc.). The Minisuite is actually a selection from the scenic music for Mirandolina. Here is a link to the website of the National Theater Brno, which is dedicated to the production and contains other names of the production and acting team: Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

10.08.2022 < Regresar Untrioeléctrico (Ecuador) 10.08.2022 DESDE LA SALA DE EXPERIMENTACION SONORA, Mz14, Uartes, Guayaquil Un trio Eléctrico es un grupo de compositores, ejecutantes e investigadores de música electrónica de Guayaquil y la Universidad de las Artes. COnformado por Adina Izarra (COmpositora, Visuales y síntesis), Meining Cheung (COmpositora, Piano, piano de juguete) y Rubén Riera (COmpositor, Guitarra, Teorba, ukelele y Push). Descripción del concierto: Obras mixtas donde la interactividad se establece entre intérpretes y visuales. Todo es generado en vivo, resampleado y reinterpretado. EL uso de instrumentos tradicionales como la guitarra y el piano se complemente con cantidad de objetos sonoros. Previo Siguiente

Baba Yaga is an exploration of live processing, sample-based music, and processed electroacoustic drumset performance. The character Baba Yaga (often referred to as “Bony-Legged") is a witch and common antagonist in Slavic folklore. The piece features a recitation of a Baba Yaga folk tale, from Politicizing Magic: an Anthology of Russian and Soviet Fairy Tales, in both the English and Russian languages. The tale intertwines and juxtaposes language and rhythm. The electronics of Baba Yaga contain many short samples played on a drum sampler pad, a series of fixed-media sections, and live audio processing for the drumset. The sampled material is constructed from both audio and MIDI instruments. < Back Ir al final | go to botom Baba Yaga – Jacob Ransom (EUA) Baba Yaga is an exploration of live processing, sample-based music, and processed electroacoustic drumset performance. The character Baba Yaga (often referred to as “Bony-Legged") is a witch and common antagonist in Slavic folklore. The piece features a recitation of a Baba Yaga folk tale, from Politicizing Magic: an Anthology of Russian and Soviet Fairy Tales, in both the English and Russian languages. The tale intertwines and juxtaposes language and rhythm. The electronics of Baba Yaga contain many short samples played on a drum sampler pad, a series of fixed-media sections, and live audio processing for the drumset. The sampled material is constructed from both audio and MIDI instruments. Jacob Ransom Jacob Ransom is a percussionist, composer, and educator. This spring, he finished his Doctoral degree in percussion performance at the University of Arizona under the tutelage of Dr. Morris Palter. Ransom specializes in electroacoustic music, video composition, and drumset. He bridges the divide between academic study and folklore, embracing scholarly and colloquial approaches to music and life, savoring the intricate while appreciating simple elegance. Ransom currently performs and collaborates with many groups and artists including Desert Fantasy, Y La Bamba, Darol Anger, Tiburones, Nick Delphs, Megan Diana, Rory James, and Esperanza Spalding. Ransom has held the position of principal percussionist for the University of Arizona Wind Ensemble, the University of the Arizona Symphony Orchestra, Fairbanks Symphony Orchestra, and was assistant director of the Malleus percussion ensemble. He received his Master of Music degree from the University of Alaska, Fairbanks, studying with Dr. Morris Palter, and his Bachelor of Music degree at Southern Oregon University, studying with Dr. Terry Longshore. Social Media: Music Website (Desert Fantasy) https://spark.adobe.com/page/GK2tSaljWbA1M/ IG: https://www.instagram.com/jake__ransom/?hl=en Website: https://jacobransom.wordpress.com/ ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Conferencia - Día 3 < Back Annie Mahtani (Reino Unido) - Hidden Sounds: field recording and responses to climate change Conferencia - Día 3 Descripción | Abstract This talk will focus on Annie’s recent work in environmental field recording, using and developing recording techniques to capture sound inaudible to the naked ear, with a focus on her current project working with BIFoR (Birminhgam Institute of Forest Research) to explore the sonic landscape of this experimental forest. Throughout the talk she will present various creative outputs from the research. Annie Mahtani (UK, 1981) is an electroacoustic composer, sound artist and performer working and living in Birmingham (UK). Her output encompasses electronic music composition from acousmatic music to free improvisation. As a collaborator, Annie Mahtani has worked extensively with dance and theatre, and on site-specific installations. With a strong interest in environmental sound, her work explores the inherent sonic nature and identity of environmental sound, amplifying sonic characteristics that are not normally audible to the naked ear.. Annie works extensively with multichannel audio both in fixed medium works and in live performance. Annie is an Associate Professor in Music at the University of Birmingham. https://www.youtube.com/watch?v=oB67BT9avKo Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

14.09.2022 < Regresar Fredy Vallejos (Colombia | Ecuador) 14.09.2022 TEMPUS / PACHA Fredy Vallejos ha realizado estudios de percusión, composición, informática musical y musicología en Colombia, Francia y Suiza. Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa principalmente en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas de CAC (composición Asistida por computador) y en la relación del sonido con otras formas de arte. Sus obras se han presentado en más de 15 países y participado en festivales como AIMAAKO, Archipel, Charlesroi Danses, DOCK.fest, Escuchar-Sonidos Visuales, Encuentros Sonoros, Experimenta Sur, FICCI, IDFA, Milano Musica, MANIFESTE, o Visiones Sonoras entre otros. Laureado del Multimedia Prize (Milan), del concurso de composición André Jolivet (Francia) y Finalista de los concursos de jóvenes solistas de la Orquesta Filarmónica del Valle del Cauca y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Segundo puesto y Premio a los mejores arreglos en el concurso de música tradicional afro colombiana Petronio Alvarez. Residente en la Cité International des Arts de Paris (2013-2014) y becario de la ciudad de Villeurbanne, de la Fundación Simón Patiño, del Instituto Departamental de Bellas Artes (Cali-Colombia) y de la Ciudad de Ginebra (Suiza). Actualmente es coordinador de la carrera de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad de las Artes del Ecuador. Descripción del concierto: A través de diferentes textos (Guambo: Primavera Nuclear Andina, Lema: Ñuka hatunmamata pachaka imata kan nishpa tapukpika, BIPM: The International System of Units), la obra explora el concepto de identidad, a partir del Tiempo como eje transversal de reflexión, y del sonido en tanto que fenómeno temporal por excelencia. TEMPUS / PACHA juega entonces con los límites entre una temporalidad discursiva y cíclica. Entre una narración y una especie de performance ritual donde el fluir de la existencia da paso a un presente continuo, a una temporalidad difusa acentuada por la multiplicidad de experiencias sensoriales de la propuesta. Composición, programación y video: Fredy Vallejos Textos y voz: Agustín Guambo Asistencia: Mario Rodriguez: Edición de video Jorge Flores: Imágenes de archivo Juanjo Ripalda: Programación Previo Siguiente