Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Ensamble f(r)actura [Chile] Constanza García Correa, César Bernal, Andrés González, Renée Rodo Iunnissi, Nicolás Moreno Yager, Rodrigo Acevedo y Enrique Schadenberg Balbontín 2 may 2025 Resonancias de un mundo Ch’ixi es un concierto que fusiona música en vivo, electrónica y proyecciones audiovisuales, explorando las ideas del mundo Ch’ixi de Silvia Rivera Cusicanqui. La presentación cobra vida como un tejido de diferencias que coexisten sin fusionarse. Sonidos acústicos y electrónicos se entrelazan con imágenes en un proceso metaestable, donde cada elemento mantiene su identidad mientras contribuye a una unidad en constante transformación. La obra ha sido creada a través de una metodología de trabajo interdisciplinaria y colaborativa entre los miembros del ensamble. Esta gira de conciertos es parte de la celebración por los 10 años de existencia de ensamble f(r)actura. ensamble f(r)actura es una agrupación dedicada a la interpretación y realización de música contemporánea, nueva y experimental. Fue fundado el año 2015 en el Estudio Modular de Música Actual (EMMA) de Valparaíso. Durante sus 10 años de trayectoria han ejecutado proyectos, montajes de obras, publicaciones de discos y giras por Chile y el extranjero, presentándose en importantes festivales y encuentros. Programa: -Resonancias de un mundo Ch’ixi Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Monolith. [AUSTRIA] Elisabeth Schimana (Austria) 17 oct 2019 Los sistemas están sincronizados, son lentos, comunican superficialmente la unidad. Es un estado de inmovilidad, un espacio monofónico. Una señal mono de innumerables altavoces: un bloque en el medio, desde el techo, los lados, frontalmente y en la parte posterior. Unísono. Las grietas se desarrollan con el tiempo, comienza una nueva vida en las grietas, depósitos de escombros. Se desarrolla un espacio polifónico. Los innumerables oradores cuentan diferentes historias de sonido. Los módulos individuales se vuelven perceptibles, entran en diálogo. ¿Por qué es tan grande el anhelo de la unidad después de los sistemas monolíticos? Elisabeth Schimana Desde la década de 1980, la músico y compositora Elisabeth Schimana ha estado activa como una de las pioneras austriacas de la música electrónica con proyectos marcados por un enfoque radical y una estética poco convencional. Después de completar su entrenamiento vocal, obtuvo títulos en composición, música de computadora, musicología y etnología. Ha trabajado intensamente con el theremin en Moscú y con el sintetizador Max Brand en Viena. No solo ha creado innumerables obras de radio en cooperación con ORF Kunstradio, sino también numerosas instalaciones de sonido y proyectos interdisciplinarios-performativos. Sus conceptos para configuraciones experimentales comprenden el campo social y ponen a prueba nuevas formas de interactuar musicalmente en Internet. En su trabajo artístico, Schimana examina cuestiones de espacio, comunicación o el cuerpo en su presencia o ausencia, especialmente la transmisión de conceptos compositivos (partituras), lo que da lugar a enfoques completamente nuevos que exploran experimentalmente cómo escuchamos y exigimos una presencia musical más elevada por parte del intérprete. Su exploración también la llevó a fundar IMA Institute of Media Archaeology, que se ha dedicado a los medios acústicos en la interfaz analógica / digital y al tema de la mujer, el arte y la tecnología desde 2005. El galardonado trabajo internacional de Schimana abarca la gama de composición y estructuras abiertas, hace referencia a posiciones históricas, pero se resiste a todos los intentos de categorización y se destaca, de manera sorprendente y reducida, con una tremenda intensidad. (Milena Meller) Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Eva Zöllner & Heather Roche. [CANADÁ / ALEMANIA] Clarinete: Heather Roche (Canadá) Acordeón: Eva Zöllner (Alemania) 29 nov 2019 La clarinetista Heather Roche y la acordeonista Eva Zöllner son dos de las voces más versátiles y adaptables de la música contemporánea. Conocidas por sus performances experimentales y el uso de técnicas extendidas, el dúo construye conciertos con esteticas y enfoques en constante cambio. La creación de música aventurera, la toma de riesgos creativos y la innovación caracterizan su trabajo. En cooperación con compositores de diferentes cartes del mundo, crean un repertorio nuevo y emocionante que ponen en escena Nacida en Canada, la clarinetista Heather Roche vive en Londres. Como músico de camara y solista ella aparece regularmente en festivales europeos Es miembro fundador de hand werk, y también ha tocado con Musikfabrik (Colonia), mimitabu (Gotemburgo), Alisios Camerata (Zagreb), Apartment House (Lon- dres) y conjunto Proton (Berna). Ella escribio su Tesis doctoral en la Universidad de Huddersfield, donde se centró en la colaboración entre compositores e intérpretes. Su blog sobre la escritura para el clannete atrae a 90,000 espectadores cada año. Su primer disco en solitario, Ptelea está en HCR/NMC y su CD pre senta las obras de clarinete de Christopher Fox, Headlong Eva Zöllner estudió acordeon clásico en Colonia y Copenhague y se perfila como una de las acordeonistas más activas de su generación. Como solista internacionalmente reconocida, ha participado en multiples proyectos, desde interpretaciones experimentales en solitario hasta en conciertos con ensambles recono- cidos. Una parte importante de su trabajo consiste en la estrecha colaboración con compositores de su generación. Tiene más de 200 nuevas obras para su instrumento. Ha estado especialmente interesacta en explotar el potencial del acordeon en la música electroacústica y el arte multimedia Eva reside en Ale mania y vive como música nómada, viajando por todo el mundo para explorar su instrumento en diferentes culturas y contextos Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Pre-visiones Sonoras. [ARGENTINA/MÉXICO] Dr. Zoppa (Argentina) 3 jun 2016 Dr. Zoppa propone un espectáculo contundente y ecléctico. En sus presentaciones la música y la imagen juegan el mismo papel de importancia. Formado en 2012 como un dúo integrado por Juan Sebastián Lach (México) y Francisco Colasanto (Argentina). Actualmente esta conformado por Francisco Colasanto (composición, arreglos, voz,) y Sebastián Torrella (cuerdas y visuales). Juan Sebastián Lach participa en varias ocasiones como artista invitado. La música propuesta por Doctor Zoppa mezcla diversos estilos: rock, pop, electrónica, electroacústica, avant-garde, etc. Principalmente interpreta música compuesta y arreglada por Francisco Colasanto, aunque también realiza homenajes a diferentes compositores interpretando versiones personales de piezas de músicos tan dispares como Luis Alberto Spinetta, King Crimson, Igor Stravinsky, Morton Feldman, entre otros. Previous Next

< Back Daniel Quaranta (Bra | Arg) - Concierto Daniel Quaranta Nació en Buenos Aires en 1966 y se radicó en Rio de Janeiro en 1995. Graduado en composición musical en la Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO), y en la Universidad del Salvador (US), máster en música en la Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ) y doctorado en música en Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO). Realizó estancia postdoctoral en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). Actualmente es profesor en la Universidad Federal de Juiz de Fora (UFJF). Es profesor permanente en el Programa de Pos-graduación en Música de la Universidad Federal del Estado de rio de Janeiro UNIRIO. Tiene experiencia en el área de artes, con énfasis en música, actuando principalmente en los siguientes temas: composición, análisis musical, teoría musical y procesos de creación e intertextualidad. Su obra fue publicada en Alemania, México y en Brasil y, en 2014 organizó el libro Dez olhares sobre a Música de Hoje. Como compositor, tuvo su obra presentada en diferentes escenarios del mundo. En 2009 y 2004 ganó el premio Residencias en el CDMC del Museo Reina Sofía, de España. En 2015 su obra Resignificamar fue seleccionada en el Art and Climate Sound Art. En 2015 recibió la encomienda para composición de una obra sinfónica con motivo de los festejos de los 450 años de la fundación del Estado de Rio de Janeiro. En 2017 ganó el premio IBERMÚSICAS de Composición Musical. Previous Next

Obra < Back Liam Young (Australia) - Planet City and the Return of Global Wilderness Obra Liam Young is a designer, director and BAFTA nominated producer who operates in the spaces between design, fiction and futures. Described by the BBC as ‘the man designing our futures’, his visionary films and speculative worlds are both extraordinary images of tomorrow and urgent examinations of the environmental questions facing us today. As a worldbuilder he visualizes the cities, spaces and props of our imaginary futures for the film and television industry and with his own films he has premiered with platforms ranging from Channel 4, Apple+, SxSW, Tribeca, the New York Metropolitan Museum, The Royal Academy, Venice Biennale, the BBC and the Guardian. His films have been collected internationally by museums such as the New York Met, Art Institute of Chicago, the Victoria and Albert Museum, the National Gallery of Victoria and M Plus Hong Kong and has been acclaimed in both mainstream and design media including features with TED, Wired, New Scientist, Arte, Canal+, Time magazine and many more. Planet City and the Return of Global Wilderness Following centuries of colonisation, globalisation and never-ending economic extraction we have remade the world from the scale of the cell to the tectonic plate. In the storytelling performance ‘Planet City and the Return of Global Wilderness’ we go on a science fiction safari through an imaginary city for the entire population of the earth, where 10 billion people surrender the rest of the world to a global scaled wilderness and the return of stolen lands. Set against the consistent failure of nation states to act in any meaningful way against climate change, Planet City emerges from a global citizen consensus, a voluntary and multi-generational retreat from our vast network of cities and entangled supply chains into one hyper-dense metropolis. https://www.youtube.com/watch?v=rE_c0hmx9Fg Actividad especial con el apoyo de Fundación Telefónica Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Conferencia - Día 3 < Back Myriam Boucher (Canadá) - Presentation of an environment-oriented audiovisual approach Conferencia - Día 3 Descripción | Abstract Nature has always represented an invaluable material world with which and within which human beings have a complex relationship. Throughout the ages, composers have sought to imitate, reproduce and represent nature, often choosing a realistic or idealistic expression of their models. They have also sought to get closer to it and to relate to it, by making nature the metaphor of their feelings and emotions. Today, climate change puts us in a completely different position, inviting us, as artists, to redefine our relationship with a world we used to take for granted. The aim here is to present an audiovisual practice in which the capture of matter from the natural environment is at the heart of the creative process. Because to capture is to observe, to listen, to feel the world which surrounds us. It is especially to keep in memory the physical and aesthetic experience that we make of it. Myriam Boucher Inspired by natural phenomena, Myriam Boucher merges the organic and the synthetic in her mesmerizing videomusic installations, immersive projects and audiovisual performances. Her sensitive and polymorphic work explores the intimate dialogue between music, sound and image—transforming everyday landscapes into fantastical, living phenomena. Elements in her skin-tingling pieces can move in synchronization with waves of sound, and very fluidly shift from solid to liquid, fragment to flood, plastic to plasmic. A keyboardist turned visual artist working on the real-time dialogue between music and images, Boucher initially gravitated towards classical piano, jazz and then post-rock, before learning about, and then academically pursuing electroacoustics. Her research in videomusic composition proposes a classification of image/sound relationships as a building block towards an eventual grammar of the genre. Boucher approaches video much in the same way as she did music composition, through a visual interface that sees her fleshing out digital timelines. Her commission list is varied and distinguished and includes the Orchestre Symphonique de Montréal (OSM), Ensemble Contemporain de Montréal (ECM+), Ars Nova, Nouvel Ensemble Moderne (NEM), Magnitude6, Collectif9 and Architek Percussion. As VJ, she performed with many artists/DJ such as Mind Against (IT), Medasin (US), Deadboy (GB), The Zenker Brothers (GE), Nina Las Vegas (AU), Automatisme (CA), Equiknoxx (JM) and DJ Lag (ZA). Her work has won prizes in the 2015 and 2016 (first prize) JTTP awards, the LUFF 2017 (best experimental short-movie award), the 2015 JIM Electroacoustic Compositions Competition and the Bourse Euterke 2015, and has been presented at many international events and places, including Mutek (CA, AE), Kontakte (DE), Igloofest (CA), Rendez-vous du cinéma québécois (CA), Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (FR), and Akousma (CA). Involved in her community, she has participated in numerous juries and has been a member of the CEC’s board of directors since 2017, the CA / CART of Code d’accès (2017-19), and has directed several artistic events including the first videomusic festival in Montreal (2015). She is President of the Board of Directors of the Canadian Electroacoustic Community since 2019. She is adjoint professor in composition and digital music at the Faculté de musique of Université de Montréal. https://www.youtube.com/watch?v=3vA_HEv_ljg Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

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Conferencia - Día 5 < Back Merlin Campbell (Canadá) - Raising awareness of climate change issues through videomusic Conferencia - Día 5 Descripción | Abstract The videomusic work presented by Merlin Campbell deals with the migration of snow geese, climate change and more particularly the impact of humans on the life of these migratory birds. Campbell's piece seeks to depict the physical, cognitive, and emotional chaos that snow geese experience during their migration process between the Arctic and the eastern seaboard of the United States. As part of this lecture, the artist will briefly discuss his master's research-creation work, the concept of his work and his creative process. Merlin Campbell is an audio.visual artist from Saint-Hyacinthe (Quebec, Canada). He holds a Bachelor of Fine Arts from Concordia University and a D.E.S.S. in digital music from the University of Montreal. Campbell is currently pursuing his master's studies in composition and sound creation at the Faculty of Music of the University of Montreal under the supervision of Myriam Boucher. As an artist and researcher member of the OICRM, his research-creation works take the form of installations and performances. He is interested in monumental in situ audiovisual immersion as well as the physicality of sound, image and space. His works are essentially created to be broadcast in unconventional controlled environments and require the creation of multi-screen and multi-speaker devices that he conceptualizes according to the space where he broadcasts his work. https://www.youtube.com/watch?v=VMlh-uLmma0 Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Mesa redonda < Back 2.- Luciano Rodriguez Arredondo Mesa redonda Mesa redonda con Luciano Rodriguez Arredondo Luciano Rodriguez Arredondo Artista multidisciplinario y académico, su exploración está centrada en la representación de conceptos abstractos y teorías relacionadas con sistemas complejos, la cibernética, psicodelia y el caos. Utiliza para materializar sus ideas diversos soportes,su obra abarca audiovisuales abstractos e interactivos, perfomance audiovisual, música docta y electroacústica, instalaciones interactivas, proyectos de realidad virtual, Render Art y animación3D, ha sido presentada en diferentes recintos físicos y virtuales alrededor del mundo Previous Next

Lic. Arturo Charles Valdez. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM < Regresar Codependencia e independencia: interpretación de movimiento corporal y gestualidad dancística en la composición de música electrónica para danza contemporánea Lic. Arturo Charles Valdez. Escuela Nacional Superior de Estudios Superiores, UNAM Arturo Charles. C Arturo Charles (1996) Compositor y artista transdisciplinario mexicano originario de Monterrey, Nuevo León, México. Su trabajo se ha definido por la interdisciplina con danza contemporánea, la música interactiva minimalista y la exploración sonora en medios audiovisuales e instalaciones. Comenzó sus estudios en la Facultad de Música de la UANL donde estudió un Técnico Medio en Música con acentuación en ejecución de piano y actualmente es egresado de la Licenciatura en Música y Tecnología Artística de la UNAM en la ENES Morelia. Ha sido acreedor de becas como FINANCIARTE 2020, Revisiones de Arte EAP 2022, PECDA Nuevo León 2022, entre otras. Su obra musical lo ha llevado a realizar distintas actividades académicas entre las que destacan una estancia de investigación artística en la Universitat Pompeu Fabra en Barcelona, así como a trabajar con distintos creadores escénicos y sonoros tanto en México como en Cataluña. Codependencia e independencia_ interpretación de movimiento corporal y gestualidad dancíst .pdf Descargar PDF • 7.58MB Anterior Siguiente

La grabación de campo es una práctica consolidada al interior del arte sonoro, sin embargo, la fonografía como medio técnico, aun en el ámbito del arte sonoro, a menudo tiene aun un estatus de índole instrumental. La fonografía ha sido un medio determinante en la creación de arte sonoro, pero sin llegar a consolidarse, en función de sus posibilidades poéticas y estéticas como un lenguaje artístico en su propio derecho recién hasta en los primeros años del presente siglo. Podemos hablar de obras realizadas o basadas en sonidos grabados o prácticas artísticas en las que el sonido fijado resulta indispensable, sin embargo, el hecho mismo de la grabación como gesto queda muchas veces soslayado. Por otra parte, la noción de paisaje sonoro ha sido un marco para el desarrollo estético de la grabación, pero su sentido se define por el objeto antes que por el acto mismo de grabar. La desmusicologización del paisaje puede permitirnos liberar a la fonografía de su utilidad en la cadena de producción musical o de toda finalidad subsumida en otras áreas del saber (ecología, antropología, comunicaciones, etc) y poder abordarla como práctica artística en sí misma y desde aquí abrirse a la interdisciplinariedad. < Back Ir al final | go to botom La grabación de campo como fonografía poética - Diego Makedonsky (Argentina) La grabación de campo es una práctica consolidada al interior del arte sonoro, sin embargo, la fonografía como medio técnico, aun en el ámbito del arte sonoro, a menudo tiene aun un estatus de índole instrumental. La fonografía ha sido un medio determinante en la creación de arte sonoro, pero sin llegar a consolidarse, en función de sus posibilidades poéticas y estéticas como un lenguaje artístico en su propio derecho recién hasta en los primeros años del presente siglo. Podemos hablar de obras realizadas o basadas en sonidos grabados o prácticas artísticas en las que el sonido fijado resulta indispensable, sin embargo, el hecho mismo de la grabación como gesto queda muchas veces soslayado. Por otra parte, la noción de paisaje sonoro ha sido un marco para el desarrollo estético de la grabación, pero su sentido se define por el objeto antes que por el acto mismo de grabar. La desmusicologización del paisaje puede permitirnos liberar a la fonografía de su utilidad en la cadena de producción musical o de toda finalidad subsumida en otras áreas del saber (ecología, antropología, comunicaciones, etc) y poder abordarla como práctica artística en sí misma y desde aquí abrirse a la interdisciplinariedad. En el fondo de este movimiento se produce un desplazamiento de los lugares tradicionales de la escucha hacia una función poética de ésta. Se trata entonces de una operación que nos dispone y nos sitúa en otra posición desde donde indagaremos las posibilidades de una escucha poética situada en el paisaje que en relación con las las condiciones que implican la grabación de campo permitirían articular un gesto que habilitaría la apertura a una dimensión poética en la fonografía para así considerar el acto fonográfico como un acto artístico no instrumental. Diego Makedonsky Artista sonoro y compositor de la ciudad de La Plata, Argentina. Su obra se encuentra entre la experimentación y la reflexión con distintos soportes en relación a lo sonoro y la escucha. Parte de la propuesta de una escucha poética comprendiéndola como gesto en torno a lo inaudito. Trabaja sobre el desarrollo de una escucha situada dese una perspectiva elaborada a partir del pensamiento del filósofo argentino Rodolfo Kusch. En los últimos años se ha especializado en la temática del paisaje sonoro y la grabación de campo como modalidad poética de la fonografía ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS