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15.06.2022 < Regresar Andrés Rivera Fernández (Chile) 15.06.2022 Obras audiovisuales interdisciplinarias a partir de sensores de presión de tela (Centro de Estudios Musicales Latinoamericanos) El CEMLA es un espacio de estudio de la música latinoamericana, tanto desde las vertientes tradicionales y populares, y de las académicas y experimentales, poniendo un especial énfasis en las nuevas expresiones que surgen del cruce entre estas. Participan artistas, investigadorxs, intérpretes y docentes de Chile y Latinoamérica. La re-incorporación de las tradiciones orales, los instrumentos nativos/populares, las prácticas colectivas y el uso de tecnologías son pilares fundamentales de esta propuesta. Sus ejes principales de trabajo son la Formación Académica, el Fomento a la Creación y la Difusión de las Nuevas Músicas Latinoamericanas. Andrés Rivera Fernández es Mgtr. en Creación Musical UNTREF. Se desarrolla en el campo de la música experimental con raíz latinoamericana, la innovación en didáctica musical y la reflexión filosófica sobre la música como un fenómeno identitario y geoculturalmente situado. Docente de la Cátedra de Etnografía de la Música (Universidad de Valparaíso) y Director del CEMLA Descripción del concierto: Este proyecto de Ciencia, Arte y Tecnología es una colaboración entre el Centro de Estudios Musicales Latinoamericanos y la Escuela de Ingeniería Eléctrica de la PUCV para la creación de obras mediales interdisciplinarias a partir de sensores de presión hechos de tela y fáciles de construir. El sensor está basado en telas conductoras que al contacto transforman la presión en una señal que puede ser enviada de manera inalámbrica, en tiempo real, para ser procesadas según las necesidades del artista. Esto crea una forma de controlar de manera única cualquier señal producida por la interacción sensor/artista. Sobre esta base, lxs artistas vinculadxs al CEMLA buscan explorar y expandir las posibilidades técnicas y de captura de datos del sensor con fines estéticos y expresivos. Blando, vestible, móvil, presionable y virtualmente inalámbrico, el sensor puede potenciar el movimiento, cuerpo y la interacción entre instrumentistas, generando procesamiento en tiempo real e interactivo del sonido y la imagen de maneras novedosas e innovadoras. Las obras del CEMLA ocurren en el área de cruce entre elementos de experimentación y nuevas tecnologías, con tradiciones populares y cultura local, con un fuerte énfasis en la creación colectiva. En este proyecto en particular se piensan relaciones, confluencias y divergencias entre el paradigma de la ciencia y el paradigma del arte, ambos con distintas miradas respecto de lo que es el conocimiento y la producción de este. Las obras creadas fueron registradas y producidas audiovisualmente por Grieta Cine. Previo Siguiente

Ir a cmmas.org < Regresar Sami Klemola y Petri Kumela [FINLANDIA] Artistas: Sami Klemola y Petri Kumela 2 mar 2012 "Este concierto presentará la ejecución en vivo de 15 robots tocando guitarras preparadas especialmente. Los robots estarán controlados por computadora por medio de Arduinos. Petri Kumela estudió en el Conservatorio de Helsinki con Juan Antonio Muro y en Alemania con Franz Halász, graduándose en la Hochschule für Musik Nürnberg-Augsburg en el verano de 2000. Durante dos años consecutivos se le concedió una rara DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico) beca para continuar sus estudios en la clase magistral de Halász. Fue el primer guitarrista en ser aceptado para el prestigioso programa de Meisterklassen. Para complementar estos estudios, también ha asistido a clases magistrales con maestros como Leo Brouwer, Chiglia Oscar, Alirio Díaz, Eduardo Egüez y David Russell. Un músico con un compromiso especial con repertorio contemporáneo, Petri Kumela ha estrenado numerosas obras tanto en Finlandia como en el extranjero. Entre los compositores que han dedicado obras para él, son Paavo Korpijaakko, Uljas Pulkkis, Jan Vainio, Riikka Talvitie, Lotta Wennäkoski y Pehr Henrik Nordgren. Su asociación con Nordgren resultó en seis nuevas incorporaciones al repertorio finlandés para diversas combinaciones instrumentales, desde un trabajo en solitario a un concierto." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Prix Russolo 30th anniversary Francia (Annecy), Barcelona, Berlin, Dublin, Genève, Mexico, Moscú, París 21 jul 2016 Desde el inicio Russolo trató de alcanzar estados superiores de conciencia a través de imágenes o sonidos, es en este contexto que el Premio de Russolo 2016 abre su campo de investigación, en esta 30ª edición, a todas las formas de artes (música, cine, performance, instalación) y hacer visible o audible lo inmaterial en este doble movimiento de la materialización del espíritu y la espiritualización de la materia. Las obras seleccionadas serán presentadas en julio en varias ciudades (Berlín, Dublín, Ginebra, México, Moscú, París). Los premios serán otorgados en Octubre del 2016 en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) durante el Festival LEM. Desde su creación en 1979, el Premio Russolo explora nuevos territorios sonoros abiertos por las investigaciones de interfaz del compositor, pintor y metafísico Luigi Russolo (1885-1947). Personaje clave de la renovación musical del siglo XX, Luigi Russolo se hizo famoso en 1913 con su manifiesto El arte de los ruidos, que desarrolla la idea de que todos los sonidos, especialmente los del mundo industrial, tienen su lugar en la orquestación musical. Se pasara de la teoría a la práctica mediante el desarrollo de muchas máquinas de sonido como los famosos objetos que hacen ruido Intonarumori o Russolophone, los primeros sintetizadores, e inventar la música del ruido, presagiando la música electrónica. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: EVOÉ María! [BRASIL] Doriana Mendes (Brasil) 23 nov 2022 Doriana Mendes Singer, Actress-Dancer. PhD and Master in Music and Bachelor in Singing, she has been a singing teacher at UNIRIO (Rio de Janeiro) since 2013. She made her international debut at the Darmstadt Theater singing an opera by Jocy de Oliveira. In 2019, he premiered the multimedia opera “Helena y su ventríloquo” by Daniel Quaranta at the MUSLAB Festival (México-DF) and at the XV Festival Visiones Sonoras, in Morelia, Mexico. In 2016 he starred in the premiere of the opera Medeia by Mario Ferraro at the 1st edition of the “Bienal de Ópera Atual” (Current Opera Biennial), by FUNARTE. Soloist of Abstrai Ensemble dedicated to contemporary music and Codex Sanctissima specialized in medieval music. He performed in Germany, France, Ireland, Portugal, Chile, Bolivia, Argentina, Mexico and in all states of Brazil, on the Sonora Brasil-SESC tour (2011-2012). An expressive performer has made numerous world premieres as a guest soloist for national and international festivals, as well as operatic, musical, theater and dance casts. El concierto online EVOÉ Maria! presenta una propuesta para la creación de quatro obras electrovocales para voz solista y soporte electroacústico. El tema incluye como inspiración el conjunto de obras de la artista Maria Martins (1894-1973). En 2022 estaremos celebrando los 100 años de la Semana de Arte Moderno de 1922 —Maria tenía entonces 28 años— y, a nuestros ojos, el singular surrealismo de la artista representa una fuerza de diálogo con el modernismo brasileño inaugurado en el período.Doriana Mendes, creadora de la propuesta del concierto e intérprete, celebra, en 2022, 25 años de actuación en la música contemporánea brasileña e internacional. Los compositores invitados son creadores brasileños con amplia experiencia en música contemporánea y electrovocal: Arthur Kampela (Rio de Janeiro-New York), Guilherme Ribeiro (São Paulo-Lisboa), Neder Nassaro (Rio de Janeiro) e Ivan Simurra (São Paulo-Rio Branco). La ingeniería de grabación está a cargo del compositor Bryan Holmes (Rio de Janeiro-Santiago), especializado en música y tecnología.El artista digital Clelio de Paula hizo la intersección entre las obras inéditas, proponiendo un diálogo entre la visualidad de las esculturas de Maria Martins y la vocalidad performática de Doriana Mendes. Clelio creó 5 piezas en arte digital, de 1 minuto de duración, que hacen la provocación de la apertura del concierto e interactuán entre cada obra electrovocal hasta la coda final. El conjunto de obras de Maria Martins componen la inspiración para la creación de imágenes y posibles sonidos provenientes del cuerpo de estas esculturas, evocando el grito de las Bacantes como saludo a la contemporaneidad de la Maria modernista: ¡EVOÉ Maria! 1. MARIA! (Guilherme Ribeiro)Maria! é uma peça para voz feminina e eletrônica em suporte fixo dedicada à cantora Doriana Mendes e em homenagem à artista Maria Martins (in memoriam). Maria nasce do convite-proposta feito por Doriana Mendes para que eu compusesse uma peça tendo como referência e inspiração o trabalho e vida da artista brasileira Maria Martins (1894-1973). A peça tem em seu texto alguns trechos de dois poemas escritos por Maria Martins: “Explication I” (1946) e “Sem título” (1945?). « ainda muito tempo após minha morte, muito tempo após tua morte, eu quero te torturar, quero que meu pensamento como uma serpente de fogo se enrole no teu corpo sem te queimar, eu quero te ver perdido, asfixiado, errando nas neblinas mal-sãs tecidas por meus desejos, quero pra ti longas noites sem sono acompanhadas pelo tumtum ressoante das tempestades longínquas, invisíveis, desconhecidas, quero que a saudade da minha presença então te paralise. » Este é um dos trechos da poesia de Maria Martins utilizados nesta peça, que traz como tema e resultado o corpo. Mas não qualquer corpo, senão o corpo da mulher dos trópicos, da mulher brasileira e sua existência neste mundo machista e misógino. Neste sentido, não é a minha voz a falar, mas indubitavelmente a voz de Maria, de Maria Martins, de Doriana Mendes, e de muitas outras Marias. Maria!, por fim, se apresenta com muitas vozes, com muitas línguas, com muitas bocas: faladas, mutadas, cantadas, sussurradas, mastigadas, gritadas. 2. O IMPOSSÍVEL (Arthur Kampela)Embora ininterrupta, a obra pode ser dividida, basicamente, em 3 partes ou segmentos:1) A primeira é uma espécie de coral baseado em gravações superpostas da voz da Doriana. Aí já se inscreve um primeiro momento de reflexão e suspense onde o material é inspecionado sob o ponto de vista da harmonia e de suas conexões internas .2) A partir do minuto cinco da peça há uma intervenção rítmica de materiais contrastantes que corta este coral inicial. Faço uso primordialmente além de ruídos obtidos com a voz de Doriana, de um piano distorcido, ou seja, sons gravados em todas as partes de um piano de cauda (em suas teclas e no seu interior). Aos poucos a peça ganha muita ressonância e uma grande variedade dinâmica e rítmica, que, sinto, seria o equivalente sonoro dos "tentáculos" (cabeças) da escultura da Maria Martins – a parte monstro da escultura, mais precisamente.3) Este amálgama de ritmos e sons vocais vai paulatinamente se resolvendo, e o coral inicial retorna em meio ao turbilhão de sons deste segmento. Aos poucos, se escuta a emergência de uma melodia com caráter de modinha e francamente tonal, inicialmente obscurecida pelos ruídos e sons menos comuns que o suporte eletroacústico gera. Tal melodia ainda opaca à escuta, vai-se aos poucos afirmando em várias transposições. Finalmente, a emergência desobstruída desta melodia acontece nos últimos momentos da peça – uma espécie de "reconciliação", eu diria, com as formas mais angulares (cabeças) da escultura de Maria Martins, uma volta às origens vinda da anatomia humana do corpo da escultura. No último instante, esta melodia é abruptamente cortada por sons muito rítmicos e angulares provindos de um piano distorcido, e reminiscentes da parte anterior da composição. – Formalmente, uma espécie de micro-coda de caráter mais agressivo que sutilmente complementa a melodia tonal, enfatizando, assim, a metamorfose estrutural da escultura e da música que nela se baseou. 3. ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT (Ivan Simurra)“predamaquinação” Elaborada como uma criação musical em conjunto, ARIEDARA AMNENIA A DOIVLEMONT retrata as trocas de ideias de contextos, aparentemente, distantes e distintos: a escultura e o som; a música e o gesso, a floresta e o concreto. Contudo, é preciso discutir a desfiguração humana que é, neste contexto, o início de uma outra forma animal, vegetal ou outra. "preda, (má)quina e ação" são termos emprestados das conversas realizadas durante o processo criativo da obra: a ação predatória da máquina e da regeneração da floresta por intermédio dos sons, da interação humana com a natureza. Essa relação deve voltar a um equilíbrio que se perdeu em grande escala nos últimos quatro anos, especificamente, no Brasil. Como a floresta pode se esconder e se proteger? O que devoramos, deglutimos ou nos é socado/estocado “goela abaixo”? O soco no estômago - o vazio - o espaço da voz, do pronunciamento, do grito, da denúncia, do riso deslocado e nervoso. A proximidade da floresta. Passos. Pés que adentram o território. 4. FUNDO do POÇO (Neder Nassaro)A obra Fundo do Poço é um exercício de aproveitamento poético das potencialidades sonoras da voz humana. Sua escrita experimental, imersa numa ambientação eletroacústica de sons gravados e sintetizados, privilegia gestos livres, texturas baseadas em fluxos, e o emprego de técnicas não-convencionais de execução. Em um universo de combinações (fusão, contraste, inter-relação e interferência), Fundo do Poço permite à intérprete explorar suas capacidades criativas, gerando novas leituras e novas percepções a cada montagem. Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Ana Maria Romano G. (Virtual) [COLOMBIA] Ana Maria Romano G. (Colombia) 31 ago 2022 Compositora, artista sonora e interdisciplinar colombiana. Sus preguntas creativas se sitúan desde la intersección entre género, sexualidades, sonido y tecnología atravesados por la escucha, paisaje sonoro, espacio, cuerpo y las dimensiones políticas en la creación. En todos los espacios de su vida considera fundamental el trabajo colectivo y colaborativo. Sus obras han sido presentadas y publicadas en Latinoamérica, América del Norte, Europa y Asia. Ha recibido reconocimientos dentro y fuera de Colombia. Ha sido artista en residencia en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). En 2019 fue nominada al CLASSICAL NEXT AWARD INNOVATION por la gestión con el Festival En Tiempo Real en la visibilización del trabajo de artistas mujeres. Ha desarrollado una profunda investigación en torno a la compositora Jacqueline Nova, pionera de la música electroacústica en Colombia. Actualmente es docente en la Universidad El Bosque, coordina la Plataforma Feminista En Tiempo Real y forma parte de la Red de Compositoras Latinoamericanas -redcLa-. Concierto audiovisual. Improvisaciones que exploran espacios y timbres, que anudan paisajes sonoros, sintetizadores, objetos y voces. Transformaciones en tiempo real para escuchar los espíritus de tiempos recónditos. Programa: 1. CANCIONES PARA EL FIN DEL MUNDO (16’15’’) - ir a la velocidad del tiempo (4’55’’) - 2022 Música: Ana María Romano G. - Video: Huntertexas - caudales silenciosos, flujos subterráneos (3’32’’) - 2022 Música: Ana María Romano G. - Video: Marta Cabrera - airear el suelo y respirar el abismo (3’21’’) - 2022 Música: Ana María Romano G. - Efe Ce Ele - invocaciones (4’27’’) - 2022 Música y video: Ana María Romano G. 2. cuando el fuego suena (19’03) - 2022 Ana María Romano G. 3. casi una eternidad (4’45’’) - 2022 Ana María Romano G. Previous Next

Conferencia - Día 3 < Back Tullis Rennie (Reino Unido) - Quiet Activism: listening to the individual Conferencia - Día 3 Descripción | Abstract SPARC members have invited guest artists to engage in conversation in relation to the thematic focus of climate change, and additionally related to the artist-researcher’s background and research interest. Through shared listening activity and dialogue addressing the broad theme and current critical aspects of climate change, the artists co-create sonic documents: threads and traces of dialogue and attention to sound. This collaborative process - detailed in this talk - feeds the recorded outcomes into a new semi-improvised performance, presented by Tullis Rennie. Dr Tullis Rennie with Dr Aaron Einbond Dr Claudia Molitor Dr Joseph Browning https://www.youtube.com/watch?v=HuLMiUJ1jjc Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Diálogo sobre las concepciones de lo sonoro en las gamas que van de los extremos racionalistas a las fronteras de lo poético, hasta sus mezclas posibles: hay una poesía racional y una razón poética. ¿Qué papel juega hoy la tecnología en esos ámbitos? ¿Sigue vigente la idea de la escritura musical? ¿Cederá su puesto la música a las artes sonoras? ¿Son dos caminos sin vasos comunicantes? ¿Son sólo fenomenologías de lo sonoro? ¿Qué papel tiene la educación musical en ese contexto? ¿Qué deberían estudiar hoy en las escuelas los nuevos intérpretes y los nuevos compositores? Cuatro autor@s de distintas generaciones dialogan en torno a estos temas, con la perspectiva de intentar leer el presente. < Back Ir al final | go to botom Lo conceptual y lo poético en los imaginarios sonoros de hoy Diálogo sobre las concepciones de lo sonoro en las gamas que van de los extremos racionalistas a las fronteras de lo poético, hasta sus mezclas posibles: hay una poesía racional y una razón poética. ¿Qué papel juega hoy la tecnología en esos ámbitos? ¿Sigue vigente la idea de la escritura musical? ¿Cederá su puesto la música a las artes sonoras? ¿Son dos caminos sin vasos comunicantes? ¿Son sólo fenomenologías de lo sonoro? ¿Qué papel tiene la educación musical en ese contexto? ¿Qué deberían estudiar hoy en las escuelas los nuevos intérpretes y los nuevos compositores? Cuatro autor@s de distintas generaciones dialogan en torno a estos temas, con la perspectiva de intentar leer el presente. Luis Jaime Cortez Compositor y musicólogo. Autor de los libros “Tabiques rotos: siete ensayos musicológicos”, “Mario Lavista: textos en torno a la música” y “Favor de no disparar sobre el pianista” (novela biográfica de Silvestre Revueltas), entre decenas de artículos y ensayos. Es autor de las óperas “La tentación de San Antonio” y “Luna”, además de la sinfonía “Lluvias” (a partir de un poema de Saint John Perse) y de una numerosa obra camerística. Realizó una intervención orquestal de canciones desconocidas del compositor Chucho Monge, que grabó con el tenor Francisco Araiza. Doctor en Artes, Doctor en Música, Maestro en Filosofía, Licenciado en Historia. Fue director del Centro Nacional de Investigación Musical Cenidim (1988 - 1994), rector del Conservatorio de las Rosas (1994-2004 y 2011-2017). Actualmente es investigador del CENIDIM y miembro del equipo académico del Doctorado en Artes del INBA - Centro Nacional de las Artes. Valeria Jonard Nació en la ciudad de México en 1986. Comenzó sus estudios en música en el Conservatorio de las Rosas en Morelia, donde obtuvo el título en Licenciatura en Composición. Ha participado en el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez, en los festivales SPLICE, Electronic Music Midwest, Electronic Barn Dance y Visiones Sonoras. Ha colaborado con ensambles como Birds on a Wire, Ensamble Liminar, Dúo Alcántara-Terrazas, Ensamble Supercluster, Ensamble SPLICE, Ensamble FonemaConsort, Cuarteto José White y Ensamble CEPROMUSIC. Obtuvo su maestría en Western Michigan University. Asistió al programa de Arte Sonoro en Columbia University. Ha sido beneficiada por el programa Jóvenes Creadores/FONCA. Coordinó la iniciativa Ramificaciones para abrir un espacio para la música contemporánea y con medios electrónicos en Zacatecas. Actualmente es docente de la Universidad Autónoma de Zacatecas. Jorge Alba Compositor y artista sonoro. Estudió composición en el Conservatorio de las Rosas bajo la instrucción de los compositores Germán Romero y Juan Sebastián Lach. Una Maestría en Artes en la Universidad de Guanajuato con el Dr. Roberto Morales. Ha presentado obras en diferentes festivales nacionales e internacionales de música contemporánea como el Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías Visiones Sonoras, Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez y el Festival de Música Contemporánea de Michoacán. En el 2012 presentó “La Selva Sintética” para veinticuatro bocinas en el EES del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM y en 2014 una intervención sonora titulada “Soledades Efímeras” en el Museo de Sitio del Centro Cultural España en La Ciudad de México. Durante cinco años se desempeñó como auxiliar técnico del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Actualmente se dedica a la docencia e imparte talleres de música, nuevas tecnologías, diseño sonoro y música para cine en Morelia, Mich. México. Edmar Soria Profesor investigador en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universidad Autónoma Metropolitana - Unidad Lerma, México, donde también se desempeña como jefe del área de investigación PiATS (Práctica como investigación en el Arte, Transdisciplina y Sonido). Sus obras incluyen música electroacústica multicanal, arte digital (modelado/animación procedural 3D), performance multimedia, música experimental y música para danza contemporánea y sus trabajos han sido seleccionados y presentado en varios foros internacionales en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Button Ir arriba | go to top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Rupturas y Encuentros [MÉXICO] Intérprete (sax): Jorge Hoyo (México) 26 jun 2015 El repertorio seleccionado para este concierto representa la propuesta estética de cuatro compositores internacionales dedicados a la creación contemporánea. Aprovechando las posibilidades técnicas del saxofón, estos cuatro compositores proponen un lenguaje musical para el siglo XXI que combina el saxofón y la electroacústica. Jorge Hoyo, saxofonista Originario de la Ciudad de México, obtuvo el Bachelors of Music en 2001 en el Conservatorio de Boston, Estados Unidos en la cátedra de Ken Radnofsky. Al año siguiente ganó una beca del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para continuar sus estudios en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt en París bajo la dirección de Jean-Michel Goury. Después de conseguir el Premier Prix de saxofón, obtuvo el grado de Perfeccionamiento, profundizando en el repertorio contemporáneo y en Pedagogía. En 2011 obtuvo la maestría en Educación Musical por la Universidad de Granada en España. Como saxofonista, ha sido invitado a participar en varias ediciones del Encuentro Universitario Internacional de Saxofón que organiza la UNAM, en el XV Congreso Mundial de Saxofón en Bangkok, Tailandia, así como en la North American Saxophone Alliance Conference en Columbia, Estados Unidos en 2008. En México se ha presentado en foros como la sala Hermilo Novelo del Centro Cultural Ollin Yoliztli, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y la sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario. Su interés por la música contemporánea lo ha llevado a colaborar con diversos compositores y ha estrenado obras de Dana Brayton, Howard Frazin y John McDonald (Estados Unidos); José Luis García y Joan Riera (España); Alejandro Morales y David Hernández (México); Geoffrey François (Francia), Shih-Hui Chen (China) y Halim El-Dahb (Egipto). En su actividad docente, ha sido profesor de saxofón en el Conservatorio de Nantes y en escuelas municipales de la región de Bretaña en Francia. Ha impartido cursos y clases magistrales en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, el Conservatorio Superior de Málaga en España y la Universidad de Costa Rica. Programa To and fro (male courtship song) (2003) - Sergio Luque (México/España) Couleur sans bout (2005) - Geoffrey François (Francia/Bélgica) Memoria (2015) - Otto Castro (Costa Rica) Rupture (2015) - Pedro Rivadeneira (Argentina/Estados Unidos) Previous Next

Acerca Expertos Cursos Plataforma Precios Contacto Técnicas y Tecnologías para la Espacialización de Sonido Un programa del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras Descripción del curso Desde sus inicios, la música electroacústica y el arte sonoro han puesto un especial énfasis en la cualidad espacial del sonido, y los desarrollos tecnológicos actuales brindan recursos extraordinarios y sutiles de proceso espacial. Pero también es cierto que la aplicación de la cualidad espacial de sonido abarca muchos otros tipos de producción, como los audiovisuales y las instalaciones sonoras y aun los/las intérpretes de música deben tener conocimientos al menos básicos de la espacialidad del sonido y las técnicas/tecnologías que se involucran. Este curso pretende introducir a los conceptos básicos de Audición Espacial, las técnicas que compromete la generación de cualidades espaciales y a algunos recursos tecnológicos (aplicaciones) que se han considerado especialmente relevantes para ese propósito. Por los tanto, sus objetivos son: Que los/las estudiantes: 1-Estudien las bases de la audición espacial. 2-Estudien las principales técnicas digitales de procesamiento espacial de sonido. 3-Exploren el uso de aplicaciones informáticas de procesamiento espacial de sonido. En lo que respecta a las aplicaciones, salvo algunas pocas excepciones, se pondrá énfasis en la selección y uso de aquellas que son de libre uso y distribución y que existen bajo la forma de módulos independientes y combinables (plugins) que pueden ser albergados por estaciones de trabajo digitales (DAWs) Plan de estudio: Capítulo 1: Audición Espacial 1-Introducción a la Audición Espacial. 2-Localización de la dirección de la fuente sonora. 3-Percepción de la distancia de la fuente sonora. 4-Directividad de la fuente sonora. 5-Percepción del entorno acústico. Capítulo 2: Técnicas de Procesamiento de Señal Digital para Localización y Directividad 1-Técnicas para la localización de la señal directa. 2-Introducción a la Técnica Ambisonics: Generalidades y Codificación. 3-Introducción a la Técnica Ambisonics: Decodificación. 4-Introducción a la Técnica Ambisonics: Transformadas del campo sonoro. Capítulo 3: Técnicas de Procesamiento de Señal Digital para Producción de Efectos de Entorno 1-Técnicas para la simulación de las reflexiones tempranas. 2-Técnicas para la producción de reverberación mediante Convolución. 3-Técnicas para la producción de reverberación mediante arreglos de filtros IIR. 4-Combinaciones de técnicas y conclusiones. Capítulo 4: Aplicaciones Informáticas para Localización y Directividad 1-Generalidades sobre los entornos y plugins a utilizar. Un ejemplo introductorio: localización con técnicas Binaurales. 2-Ambisonics de Primer Orden (FOA). El ATK-Reaper. 3-Ambisonics de Primer Orden (FOA). Transformadas del ATK-Reaper. 4-Ambisonics de Alto Orden (HOA). Codificación, decodificación y monitoreo visual. Capítulo 5: Aplicaciones Informáticas para imitación de Entornos 1-Aplicaciones de Convolución con IR de Salas 2-Reverberación artificial Ambisonics. 3-Reverberación Ambisonics por convolución. 4-Combinación e integración de técnicas y aplicaciones. Comprar Descuento al obtener dos cursos o más No se aceptan devoluciones en los pagos de los cursos Copyright © 2021 CMMAS

La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. < Back Ir al final | go to botom Audio digital para jóvenes creadores - Raúl Ignacio Moller (México) La conferencia se tratará acerca de la digitalización del sonido, la cadena de eventos, sus parámetros, y la utilización del DAW como herramienta de creación y manipulación sonora. Raúl Ignacio Moller Jensen nació en 1986 en la ciudad de Venado Tuerto, en el interior de Argentina. Comenzó su interés por la música desde pequeño, tocando la guitarra y participando de un coro de música popular. Ya finalizando la secundaria (preparatoria), en las prácticas profesionales de la escuela comenzó a participar en un estudio de grabación local (Del Altillo), donde tuvo las primeras experiencias y aprendizajes relacionados al audio. Luego continuó sus estudios en la ciudad de Buenos Aires, primero con una carrera técnica donde obtuvo el título de Técnico en Producción Musical y Productor en Artes Electroacústicas en los institutos de tecnologías ORT (su primer encuentro con las artes contemporáneas); luego estudió una Licenciatura en Post Producción Audiovisual con orientación en sonido en la Universidad Nacional de Lanús, que conservaba la misma línea técnica y artística de los estudios precedentes. En paralelo continuaba con sus experiencias en audio y producción musical yendo a participar como asistente a diversos estudios de grabación tales como el emblemático Circo Beat. Además de haber trabajado en diversos estudio de grabación; trabajó en la televisión digital argentina como diseñador y post productor de sonido, y también ha realizado diseño y post producción de sonido para series, cortometrajes y largometrajes. Actualmente se dedica a la docencia y a la producción musical. ¿Tienes comentarios o preguntas al artista? participa en nuestro foro Do you have comments or questions to the artist? Participate in our forum Button Ir arriba | Back to Top Previous Next COLABORADORES APOYOS PÚBLICOS

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Nonis Prado. (Virtual) [MÉXICO] Nonis Prado (México) 12 oct 2022 Maestra en composición por la UNAM. Interesada primordialmente en la composición de música para medios audiovisuales. A lo largo de su carrera artística ha participado en múltiples cursos y talleres, y su música se ha presentado en diversos foros dentro y fuera de México. Ha escrito la música para múltiples cortometrajes, de entre los que destacan “Secreto” de Jorge Sistos Moreno, “Squee” de Magali Reyes y “Education Across Borders” de Manuel Arredondo. Seleccionada en 2015 para participar en los Laboratorios de Cine y Creación organizados por Berta Navarro. Formó parte del proyecto interdisciplinar "El gesto", junto con Hayde Lachino y Rosario Romero. Participante del proyecto MUXIC, París 2018, como resultado de la colaboración entre la Facultad de Música de la UNAM y la Sorbonne Université. Beneficiaria en 2019 del programa "Resiliencia sonora" de la UNAM. Ha sido coordinadora, moderadora y organizadora de diversos eventos en instituciones como la UNAM, el CENIDIM y el CMMAS. Fue miembro del comité dictaminador de la convocatoria "Ecos sonoros: red de residencias artísticas", organizada por el CENART. Se ha desempeñado como docente en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, en el Conservatorio de las Rosas, en las Escuelas de Iniciación Artística del INBA y como maestra particular de piano y composición. Actualmente forma parte del equipo editorial de la revista "Sonus Litterarum", dirigida por Luis Jaime Cortez, y se encuentra cursando el doctorado en composición en la UNAM bajo la tutela del doctor Gabriel Pareyón con un proyecto sobre agua y música. Las posibilidades sonoras que nos ofrecen los medios electrónicos pueden llevarnos a una abstracción total del mundo no-digital, pues la generación, grabación y manipulación del audio es como cruzar la puerta en el armario para llegar a otro mundo, paralelo al humano, pero, no obstante, no humano. En este concierto se presentan piezas vinculadas a la voz, el elemento sonoro humano más intrínseco por antonomasia; un recordatorio de que, detrás del mudo digital y las realidades virtuales, los hombres y las mujeres siempre han estado presentes. Programa: Chango Dadá (Diego Tinajero, Andrea Sorrenti y Jorge David García) - Monofonías Lucía Esnaurrizar - Pajormoss Lucía Esnaurrizar - Viords Nonis Prado - La hermana Agua David López - We call upon our sisters Guadalupe Perales - Cada día - 10 Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: José Manuel Berenguer + Oliver Rappoport. [ESPAÑA] José Manuel Berenguer (España), Oliver Rappoport (España) 18 ago 2016 Concierto presentación del Festival Mixtur con una selección de obras de la convocatoria 2016, además de obras propuestas por la dirección artística del Festival Mixtur que incluyen electroacústica y videocreación. José Manuel Berenguer Director la Orquestra del Caos, Director del Festival Música13, organizado por Nau Coclea, Camallera. Profesor y coordinador académico del Máster de Arte Sonoro de la Universitat de Barcelona, Consultor de Sonido en sistemas multimedia en el GMMD-Universitat Oberta de Cataluña y profesor de Sonido Digital en ESDI-Universitat Ramon Llull, también ha colaborado con otras universidades e instituciones de investigación artística como Metrònom, MECAD, IUA-Universidad Pompeu Fabra, Universidad Politécnica de Cataluña, Universidad Autónoma de Barcelona y Elisava. Artista inter-media, fundador de Côclea con Clara Garí, y también de la Orquestra del Caos, colaborador del Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges, fue el diseñador y primer responsable del Laboratorio de sonido y música del CIEJ de la Fundació la Caixa de Pensions, así como profesor de Música Electroacústica en el Conservatorio de Bourges. Ex-Presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España, actualmente es Presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO, miembro de la Académie Internationale de Musique Electroacoustique/Bourges, de la Academia del Consejo Nacional de la Música del CIM/UNESCO, del Patronato de la Fundación Phonos, así como del Patronato de la Fundació AAVC. Oliver Rappoport Bianchi Nace en Málaga, España posteriormente, se traslada a Barcelona donde se titula en la Escola Superior de Música de Catalunya, además de participar en el intercambio Sócrates/Erasmus, durante un año en el Conservatoire National Superieur de Musique de Paris. Amplía sus estudios en el Technische Universität Berlín y en Kings College of London. Estudia con los Compositores: Helmut Lachenmann, Agustín Charles, Luís Naón, Gabriel Brncic, Emmanuel Nunes, Jonathan Harvey, Georges Aperghis, José Manuel López López, Mauricio Sotelo y Magnus Lindberg. Ha recibido diversas becas y premios: Residencia Artística Iberoamericana del FONCA, Festival Illes Balears, Premio Franz Liszt-stipendiat de Weimar, Compositor Residente del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, Premio de Composición otorgado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música y el Colegio de España de París, Compositor residente del Taller de Música Contemporánea de la Joven Orquesta Nacional de España, 1er Premio del Concurso Internacional para Jóvenes Compositores de la SGAE-Fundación Autor, Compositor Residente del Jóvenes Intérpretes de Catalunya, Seleccionado por Société Internationale pour la Musique Contemporaine de Francia, para el 5to Forum de Jóvenes Compositores, entre otros. Además es Director Artístico de SONARTEnsemble y Co-fundador del Festival Mixtur. Con la colaboración de AC/E, Centro Cultural de España en México, Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), Embajada de España en México. Previous Next