VIERNES 27 DE FEBRERO 2026 Ir a cmmas.org < Back Concierto: Festival Arte para Todxs [México] VIERNES 27 DE FEBRERO 2026 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Dana Jessen / Paula Matthusen [USA] Dana Jessen, Paula Matthusen (USA) 14 mar 2014 During the course of the residency, Dana Jessen and I will be developing a new work for bassoon and live-electronics, entitled of an implacable subtraction. The title draws its name from Julio Cortázar’s landmark work Hopscotch, in which multiple, navigable paths are made suggested and made possible, disrupting the linearity of the narrative. Working with Dana Jessen’s wide range of extended techniques for the bassoon, I will explore the range of spectra the instrument can create (through multiphonics and singing) as well as their levels of stability and predictability. The spectra produced by the bassoon at different points will be analyzed in real time, and influence not only the actual live-processing of the sound, but also the potential paths the piece can follow. of an implacable substraction is part of a commissioning project made possible by the New Music Bassoon Commissioning Fund, which include new works by Sam Pluta, Tristan Perich, and Peter V. Swendsen. DANA JESSEN Praised for her diverse talents, bassoonist Dana Jessen is in high demand as a soloist, chamber musician, improviser and new music specialist. Dana is the founder of Splinter, a San Francisco-based reed quintet, and has performed with the San Francisco Contemporary Music Players, Ensemble Dal Niente, Calefax Quintet, Rushes Ensemble, Pamela Z, Lucky Dragons, Amsterdam Contemporary Ensemble, Callithumpian Consort and Harvard Group for New Music, among others. Her strong ambitions to explore free jazz and creative improvisation have led to performances throughout Europe and the United States with Han Bennink, Frank Gratkowski, Joe Morris, Taylor Ho Bynum, Michael Moore, Ab Baars, Anne La Berge, Wilbert de Joode, Fred Lonberg-Holm, Mike Reed and many others. In 2009, Dana created the New Music Bassoon Fund, an ongoing consortium commissioning podium dedicated to large scale works for bassoon. Through this ground-breaking organization, Dana invited 30 bassoonists to participate in the project’s first commission, an hour-long composition titled, Rushes, for seven bassoons by composer and Bang on a Can co-founder, Michael Gordon. Dana premiered Rushes in Fall 2012 with a hand picked ensemble of the most innovative bassoonists in the U.S. and continues to tour it around the world. Hailed as ""fascinating...Gordon's simple transformations achieve, in all their simplicity, a great expressiveness"" (NRC-Dutch National Newspaper), Rushes has been described as an evening length tour-de-force. Recent concert highlights include performances at the Ravinia Music Festival in Highland Park, Belgium’s Concertgebouw Brugge, Berlin's Universität der Künste, San Francisco’s Yerba Buena Center for the Arts, November Music in the Netherlands, Brooklyn’s Roulette, the Huddersfield Contemporary Music Festival and Amsterdam's World Minimal Music Festival at the Muziekgebouw aan' t IJ. She has been artist in residence at the Experimental Media and Performing Arts Center, Atlantic Center for the Arts, Amsterdam's STEIM, De Lindenberg Productiehuis, and the Omi International Arts Center. Her recordings as a bassoonist and improviser can be heard on RIOJA, Evil Rabbit and the New World record labels along with a forthcoming 2014 release on Bang on a Can's Cantaloupe Music. Dana has also been heard on radio programs including NPR's All Things Considered, Chicago Public Radio’s Relevant Tones and the BBC Radio's Hear and Now. Dana is currently a Lecturer at the Oberlin Conservatory of Music and has presented masterclasses and workshops on topics surrounding contemporary music and improvisation for students at the Massachusetts Institute of Technology, University of Michigan, San Francisco Conservatory of Music, the Peabody Institute of the Johns Hopkins University, and University of California at Berkeley among others. She holds a M.M. in Bassoon Performance with academic honors from the New England Conservatory of Music and a M.M. in Improvisation from the Artez Hogeschool voor de Kunsten in the Netherlands. She lived in Amsterdam for three years as the recipient of a2009-2011 HSP Huygens Fellowship and 2008-2009 J. William Fulbright Fellowship where she researched contemporary and improvised music. PAULA MATTHUSEN Paula Matthusen is a composer who writes both electroacoustic and acoustic music and realizes sound installations. In addition to writing for a variety of different ensembles, she also collaborates with choreographers and theater companies. She has written for diverse instrumentations, such as ""run-on sentence of the pavement"" for piano, ping- pong balls, and electronics, which Alex Ross of The New Yorker noted as being ""entrancing"". Her work often considers discrepancies in musical space—real, imagined, and remembered. Paula Matthusen Her music has been performed by Dither, Alarm Will Sound, International Contemporary Ensemble (ICE), orchest de ereprijs, Ballett Frankfurt, The Glass Farm Ensemble, James Moore, Kathryn Woodard, Todd Reynolds, Kathleen Supové, Margaret Lancaster and Jody Redhage. Her work has been performed at numerous venues and festivals in America and Europe, including the Tanglewood Festival of Contemporary Music, the MusicNOW Series of the Chicago Symphony Orchestra, Other Minds Festival, the Ecstatic Music Festival, Merkin Concert Hall, the Aspen Music Festival, Bang on a Can Summer Institute of Music at MassMoCA, the Gaudeamus New Music Week, SEAMUS, International Computer Music Conference and Dither's Invisible Dog Extravaganza. She performs frequently with Object Collection, and through the theater company Kinderdeutsch Projekts. Awards include the Walter Hinrichsen Award from the American Academy of Arts and Letters, a Fulbright Grant, two ASCAP Morton Gould Young Composers' Awards, First Prize in the Young Composers' Meeting Composition Competition, the MacCracken and Langley Ryan Fellowship and recently the ""New Genre Prize"" from the IAWM Search for New Music. Matthusen has also held residencies at The MacDowell Colony, Yaddo, create@iEar at Rensselaer Polytechnic Institute, STEIM, and the Atlantic Center for the Arts. Matthusen completed her Ph.D. at New York University - GSAS. She was Director of Music Technology at Florida International University for four years, where she founded the FLEA Laptop Ensemble. Matthusen is currently Assistant Professor of Music at Wesleyan University, where she teaches experimental music, composition, and music technology. Programa - Improvisation - Dana Jessen + Paula Matthusen - this person would be an animal - Dana Jessen - eden's arch of promise bending - Paula Matthusen - Of an implacable subtraction (work in progress) - Dana Jessen + Paula Matthusen - Dorian Reeds :: - By Terry Riley, performed by Dana Jessen + Paula Matthusen Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto: Hum. [REINO UNIDO] Luci Holland (UK) 8 feb 2019 Hum, una instalación audiovisual dinámica e interactiva creada a partir de sonidos naturales y ambientales recopilados en y alrededor de Morelia. Luci Holland es una compositora, arreglista, diseñadora de sonido, directora de orquesta, oboísta /vocalista, actor de voz y productora de arte escocesa (con sede en Edimburgo) que compone para cine, video juegos y conciertos. Luci se graduó de la Universidad de Edimburgo con una maestría en Composición para Pantalla en 2014, ahora trabaja regularmente como compositora independiente y con la organización de música juvenil Tinderbox Project, la organización de música clásica Absolute Classics, y coordina ocasionalmente seminarios y presentaciones artísticas interactivas como el de Edinburgh Game Symposium y con su banda de música para medios, Mantra Sound. Recientemente compuso música original dinámica / sensible para Murderous Pursuits de Blazing Griffin 2018, y en 2016 también orquestó y produjo un arreglo de Disappearing obra de Jessica Curry para el lanzamiento oficial con el sello Materia Collective. Actualmente, también está componiendo pistas de música para el videojuego Skyrim mod Lordbound. Luci también construye y diseña instalaciones de arte sonoro interactivas: en marzo de 2018 lanzó la experiencia audiovisual interactiva Refraction con el productor artístico Cryptic Nights, en colaboración con Tom Sulat, Ross Blair y Projector Club; y en 2017, Luci presentó su instalación de sonido dinámico CITADEL para el festival Hidden Door. Actualmente también está trabajando en otras grabaciones colaborativas. Seeing Hearing UK México, una colaboración de tres años entre el Reino Unido y México es posible gracias al apoyo de Anglo Arts, el departamento cultural de The Anglo Mexican Foundation A.C; British Council Mexico; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) y Cryptic. Seeing Hearing UK Mexico, a three-year collaboration between the UK and Mexico made possible with the support of Anglo Arts, the cultural department of The Anglo Mexican Foundation A.C; British Council Mexico; CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras) and Cryptic. Previous Next

VIERNES 07 DE AGOSTO 2026 Ir a cmmas.org < Back Concierto:PAROLE, PAROLE, PAROLE… Anna Margules [España/México] VIERNES 07 DE AGOSTO 2026 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Homenaje: Hector Quintanar (México, 1936-2013) Entrevista realizada por Ricardo Dal Farra en febrero de 2005. 1 ene 2014 "Héctor Quintanar (Ciudad de México, Mexico, 1936) es un compositor mexicano con una larga y destacada trayectoria. Su amplia producción cuenta, entre los años '60 y '70, con numerosas obras creadas utilizando medios electroacústicos. En 1967 compuso Aclamaciones para coro, orquesta y cinta por encargo de la Secretaría de Educación Pública de México. Esta obra fue estrenada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México por la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Carlos Chavez, en julio del mismo año. Quintanar compuso en 1968 Sideral I para cinta, y en 1969, Simbolos para grupo de cámara (violín, clarinete, saxo. corno, trompeta, tombón, piano), cinta, diapositivas y luces. En 1970 asumió como Director Artístico del primer Laboratorio de Música Electrónica de México, creado en el Conservatorio Nacional de Música como parte de su Taller de Composición. Quintanar compuso con los instrumentos de aquel laboratorio obras tales como: Opus 1, en 1970; Suite Electrónica, Ostinato y Sideral III, las tres en 1971; Voz para soprano y sonidos electrónicos, y Mezcla para orquesta y cinta, ambas durante 1972. Otras obras de Quintanar son: Play back para violín, piano, percusión, cinta, diapositivas, fotografías y luces, de 1970; Diálogos para piano y electrónica, y Dúo para percusión y electrónica, ambas piezas de 1975." Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Vasos Comunicantes (Communicating vessels). [ARGENTINA / CANADÁ] Ricardo Dal Farra (Canadá) compositores Univ. Concordia (Canadá) 8 ago 2019 El concierto "Vasos Comunicantes" (o "Communicating vessels" en inlgés) reúne obras del compositor Ricardo Dal Farra, junto con piezas de música electroacústica de jóvenes compositores, estudiantes del Departamento de Música de Concordia University en Montreal, Canadá: Jonah Bild Lowrie, Christian Brun del Re, Benjamin Munoz, Alexandre Paradis, Kasey Pocius, Tarek El Hout y Tommy Francisco Ayala. El programa incluye obras para medios electrónicos en diversos formatos, desde composiciones multicanales difundidas en un sistema de audio octofónico (8 canales), hasta piezas interpretadas totalmente en vivo. Este concierto es uno de los resultados destacados del proyecto conjunto realizado entre el CMMAS-UNAM y Concordia University, con el apoyo recibido por los gobiernos de México y Québec (en Canadá): “Puente Artístico entre México y Quebec” (Pont artistique entre le Mexique et le Québec, 2017 - 2019). "Vasos Comunicantes" propone un acercamiento entre creadores y público de diferentes orígenes a través del arte y la cultura, donde todos los interesados en las tecnologías digitales actuales puedan encontrarse y participar de las nuevas expresiones musicales. KASEY POCIUS Originario de St. John (Newfoundland), Kasey Pocius es un artista de audio fluido que creció experimentando con la edición de audio y el software de secuenciación MIDI al mismo tiempo que estudiaba música clásica, tanto en viola como en piano. A finales de 2014, Kasey comenzó a concentrarse más intensamente en la creación de obras de audio digital. Su trabajo explora tanto las obras tonales y post tonales más tradicionales, como la composición electroacústica más experimental y la combinación de estos campos. Actualmente está inscrito en el programa de estudios electroacústicos de la Universidad Concordia en Montreal. Fuera de las obras electrónicas fijas, también han realizado presentaciones de medios mixtos con electrónica en vivo, tanto como solista como miembro de grupos como Writer's Block y Concordia Laptop Orchestra (CLOrk). ALEXANDRE PARADIS Estudiante de 3er. año de electroacústica en la Universidad Concordia. Trabaja desde hace 3 años en múltipleas proyectos de cine y teatro. Ha sido compositor, editor de sonido y mezclador para el Show Kombini de la Foutoukours Company, seleccionado para el Fringe Festival 2019 en Edimburgo, Escocia. Concentra ahora su carrera en diseño de sonido, mezcla y grabación de sonido para cine e instalaciones en vivo. BEN MUÑOZ Artista y músico residente en Montreal. Después de terminar una licenciatura en matemáticas, decidió seguir estudios de electroacústica y se ha preocupado en gran medida de incorporar su formación como pianista en su trabajo. Buscando traducir la lógica performativa del músico a la composición, su trabajo reciente ha girado en torno al uso de lenguajes de programación como SuperCollider y Max para hacer de la creación de sonido electroacústico una práctica incorporada. Dos años de trabajo simultáneo en el activismo por el desperdicio de alimentos en el Reino Unido inspiraron un interés en la ruina producida por las redes globales de la cadena de suministro y los potenciales emergentes para la vida que se encuentran allí. Este es un tema central en la música de Muñoz que ha llevado a una exploración de cómo la música nos afirma o cuestiona, ciertas perspectivas sobre el mundo; Cómo la música puede constituir una intersección entre pensamiento y acción. CHRISTIAN BRUN DEL RE Estudiante de electroacústica en la Universidad de Concordia, donde anteriormente completó el BFA de Estudios de Jazz en la interpretación de batería. Sus instructores de batería privados incluyen luminarias como Johnny Vidacovich, Stanton Moore, Charles Ellison, Chris McCann y Wray Downes.Después de la escuela de Jazz, desarrolló taleres de música con los jóvenes Inuit en Nunavik, donde se reunió con futuros colaboradores, como la autora Juliana Léveillé-Trudel y el músico Saali (Charlie) Keelan. En 2017, escribió e interpretó la banda sonora de las lecturas en vivo de Nirliit (2015), la primera novela de Juliana que apareció impresa por La Peuplade. Su pasión por todas las artes lo llevó a publicar varios libros de prosa, interpretar palabras habladas, contar historias y, eventualmente, como cantante y compositor. Desde 2014, Christian ha estado practicando tanto danza contemporánea como teatro físico en el Studio 303 dirigido por Louis Guillemette (Co-fundador de Tangente) y Pierre Blackburn. 2017 vio a Christian participar en la coreografía de Anna Halprin, Blank Placard Dance, replay (1967) con la directora Anne Collod en el FTA (Festival TransAmériques) de Montreal. En el verano de 2018 compartió el escenario con John Oswald, que abrió para el Sun Ra Orkestra en el Strange Waves Festival en París, Ontario. Desde 2014, Christian ha producido varios álbumes de su propia música, así como también música de hip-hop con jóvenes inuit de Kuujjuaraapik, Québec. JONAH BILD-LOWRY Para mi, la música electroacústica es un arte de perspectivas cyborg; utilizando la tecnología para ampliar nuestra escucha y tal vez trascender nuestras limitaciones perceptivas. Actualmente estoy en el proceso de desarrollar medios fijos (composiciones estéreo y multicanal), así como impreovisación en vivo (acústica y electrónica) en mi practica. Elpaisaje sonoro se escapa, las curvas alargan el momento. TAREK El HOUT Artista sonoro de Beirut, Líbano, que actualmente cursa su licenciatura en Estudios Electroacústicos en la Universidad de Concordia. Encaminado a la música electrónica a la temprana edad de 13 años, busca constantemente nuevas herramientas, conocimientos y tecnologías para evolucionar como un artista expresivo. También es productor y co-anfitrión del podcast de Balance-Unbalance donde los temas de sostenibilidad se discuten entre artistas y científicos. TOMMY FRANCISCO AYALA Tommy es un estudiante de 24 años de la Universidad Concordia en énMontreal, Canadá. Estudió electroacústica, con especial interés en la percepción humana del sonido. Está principalmente presente como guitarrista de sesión en la escena artística de Montreal. Actualmente es estudiante de ingeniería mecánica con la ambición de seguir una carrera como ingeniero aeroespacial. Participó en una investigación de nanotecnología en el campus de Loyola, Concordia, donde el equipo investigó formas de disminuir la conductividad térmica en varios tipos de materiales. Recientemente se convirtió en miembro de Golden Key International Honor Society, una invitación que recibió por sus logros académicos. Recientemente ha invertido su tiempo en la gestión de proyectos y el espíritu empresarial. RICARDO DAL FARRA (ARG/CAN) El Dr. Ricardo Dal Farra es compositor, educador, investigador, curador, e historiador, especializado en música electroacústica y artes electrónicas. Es Profesor en el Departamento de Música de Concordia University, en Canadá http://goo.gl/SeuhUx) y Director Fundador del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIArtE) de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, en Argentina. Ha sido director del Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies de Canadá; coordinador del Área Comunicación Multimedial del Ministerio de Educación de la Nación en Argentina; investigador asociado del Music, Technology and Innovation Research Centre de De Montfort University en Inglaterra; coordinador de la alianza internacional DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage en Canadá; consultor senior del Centro de Arte y Nuevos Medios “Amauta” en Cusco, Perú; e investigador y consultor de la UNESCO, Francia, en temas de media arts. Sus composiciones se han presentado en más de 40 países, y grabaciones con su música aparecen en 23 ediciones internacionales, incluyendo publicaciones del MIT Press (Computer Music Journal, Leonardo Music Journal). Ha recibido premios y encargos de la International Computer Music Association y la Bienal Internacional de Artes de San Pablo, Brasil, entre otros. Dal Farra co-diseñó la Licenciatura en Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), y la Tecnicatura en Producción Musical para la Escuela Técnica ORT, en Argentina. Desde el Ministerio de Educación de la Nación del mismo país, lideró la elaboración de los estándares nacionales para la educación de multimedios, a través de los perfiles para el Trayecto Técnico-Profesional en Comunicación Multimedial, aprobados a nivel federal por los ministerios de educación, consejos profesionales, sindicatos y cámaras empresarias, de Argentina. Desde 2011 dirige el proyecto Understanding Visual Music - UVM con el cual lleva realizados simposios y actividades en Canadá, Argentina, y Brasil. Como parte de la misma iniciativa, su trabajo se ha venido enfocando particularmente sobre el formato fulldome y las posibilidades de presentar proyectos de arte-ciencia, organizando y curando conciertos audiovisuales, ofreciendo conferencias, actuando como jurado en concursos internacionales, y dirigiendo talleres de producción en planetarios de Alemania, Brasil, Colombia, Argentina, e Inglaterra, entre otros. Entre sus principales proyectos están también: la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana (http://www.fondation-langlois.org/html/e/page.php?NumPage=556) de acceso público, que hospeda actualmente la Fondation Daniel Langlois pour l’art, la science et la technologie de Montreal; el proyecto de investigación: Educación de las Artes Electrónicas en América Latina; el concurso de miniaturas sonoras ‘arte! ? clima’ con el Red Cross Climate Centre; y la serie de simposios internacionales Balance-Unbalance ó BunB (http://balance-unbalance2018.org ), dedicado a la búsqueda de soluciones a problemas propios de la crisis ambiental global a través de propuestas transdisciplinarias que integran el trabajo entre artistas y científicos, formadores de opinión, expertos en diversas tecnologías, políticos, abogados, filósofos, y otros actores clave. Balance-Unbalance se ha llevado a cabo en Argentina, Canadá, Australia, Estados Unidos, Colombia, Inglaterra, y Holanda, estando actualmente en preparación la 8va edición internacional. Dal Farra ha sido además, director artístico de la bienal mexicana de artes electrónicas Transitio. El Dr. Dal Farra es miembro del consejo directivo de ISEA International, miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte, y de otras instituciones de prestigio internacional. También es miembro del consejo editorial de numerosas publicaciones, entre ellas: Organised Sound (Cambridge Press, UK) y Leonardo (The MIT Press, USA). Previous Next

Viernes 18 de julio del 2025 Ir a cmmas.org < Back Concierto: Meditation Landscapes. Luis Arévalo [México] Viernes 18 de julio del 2025 Descubre el Acervo CMMAS Previous Next

Ir a cmmas.org < Regresar Concierto Perspectivas Sonoras: Jaime Reis. (Virtual) [PORTUGAL] Jaime Reis (Portugal) 1 jun 2022 Jaime Reis es un compositor portugués que estudió con Karlheinz Stockhausen y con Emmanuel Nunes (su codirector de doctorado), después de estudiar Composición y Música Electrónica con J.P.Oliveira. Es el fundador y director artístico del Festival DME y del Lisboa Incomum. Su música, tanto instrumental como electroacústica, ha sido interpretada en más de 20 países. Ha trabajado con instituciones/ensambles como ZKM, IRCAM, Musik Fabrik, The Vienna Acousmatic Project, Aleph Guitar Quartet, Musiques & Recherches. Es profesor de composición y música electrónica en la Escuela Superior de Música de Lisboa (ESML). Concierto de música acusmática de compositores y compositoras portugueses. Programa: Mariana Vieira: The unexpected encounter with diversity (2021) António de Sousa Dias: A Dama e o Unicórnio - Paisagem (2018) João Castro Pinto: Re-ciclo (2017) Jaime Reis: Fluxus, Lift (2013) Marta Domingues: Yliathim (2019) Cláudio Pina: Temptations (2020) Previous Next

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Concierto - Día 2 < Back Concierto 2 - 07.03.2023 Concierto - Día 2 https://www.youtube.com/watch?v=uAtpO_qo_ms Previous Next Para más información escribir a info@visionessonoras.org | For more information write to info@visionessonoras.org

Conferencia | Lecture Regresar Conferencia | Lecture Interactive gestural software interaction developed in GranuRise and seqMPEror Andrej Kobal (Slovenia) The presentation will be based on the interactive gestural concepts used in the GranuRise and seqMPEror projects, which were developed in Max MSP. You can find more about the projects here http://granurise.com and https://seqmperor.com/ The presentation is going to be based on the gestural concepts with the addition of some other related topics and concepts such as: - how to perceive and develop a virtual instrument to act less as software and more like a musical instrument - as we know, almost the whole of electronic music is developed in a grid-based system, so an interesting approach also presented in the GranuRise project is how to interact in a more natural non-grid-based way using the gesture implementation - an additional concept is also how to use a gesture implementation to build a unique sound design without the use of complex matrices and LFO schematics - GranuRise and seqMPEror features also an MPE integration which evolves even further the concept of an expressive gestural control Andrej Kobal , born in 1981, is a Slovenia composer, sound designer, Max MSP programmer who is active in various fields of contemporary music. He works as a Max MSP programmer for sound art installations and events, and he makes custom build solutions for software and hardware musical instruments and other interactive devices. As an advanced user of Max Msp, Andrej is constantly creating his own virtual instruments, which makes his sound design and composing unique and innovative. With this knowledge and experience, he has created a virtual instrument, GranuRise, which includes an interesting approach to sampling, granular, spectral and other types of sound synthesis. The GranuRise project has obtained a wide response from various important worldwide known sound designers, artists and institutions. Para más información escribir a info@cmmas.org | For more information write to info@cmmas.org Proyecto apoyado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Nacional de las Artes y el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura por medio de la convocatoria: Territorios enlazados.

El concierto propone 4 obras de estudiantes y docentes de la Universidad de las Artes del Ecuador. Dos de las obras (Enrique Landivar/David Barberán, Diego Benalcazar) fueron compuestas para COMUNA, Programa de Residencias y Estancias Artísticas Internacionales de la Universidad de las Artes, creado para incentivar la movilidad internacional de la comunidad universitaria y el intercambio de experiencias entre artistas de varias latitudes. COMUNA potencia la generación de procesos creativos desvaneciendo fronteras e integrando diversidades culturales en espacios de trabajo colectivo. Las dos obras restantes son fruto de trabajos de investigación de los docentes Juanjo Ripalda y Fredy Vallejos respectivamente. < Back Ir al final | go to botom Concierto de Estudiantes y Docentes de la Universidad de las Artes del Ecuador El concierto propone 4 obras de estudiantes y docentes de la Universidad de las Artes del Ecuador. Dos de las obras (Enrique Landivar/David Barberán, Diego Benalcazar) fueron compuestas para COMUNA, Programa de Residencias y Estancias Artísticas Internacionales de la Universidad de las Artes, creado para incentivar la movilidad internacional de la comunidad universitaria y el intercambio de experiencias entre artistas de varias latitudes. COMUNA potencia la generación de procesos creativos desvaneciendo fronteras e integrando diversidades culturales en espacios de trabajo colectivo. Las dos obras restantes son fruto de trabajos de investigación de los docentes Juanjo Ripalda y Fredy Vallejos respectivamente. 1. Lanoiseforp – Envique Landivar/ David Barberán 2. Homs – Juanjo Ripalda 3. Masuray – Diego Benalcazar 4. TEMPUS / PACHA (extractos) – Fredy Vallejos 1 .“Lanoiseforp” es un proyecto en conjunto de Enrique Landívar y Jodk Barberán, que plantea una puesta en escena performática audiovisual, partiendo del diálogo híbrido entre batería acústica y electrónica, con extensiones para el control paralelo de visuales y luces que experimenten y dialoguen en el espacio físico. Esta obra es el resultado de un proceso exhaustivo de residencia con el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), en el cual se trabajó con diferentes elementos a disposición como la acústica, los timbres de la sonoridad orgánico/digital, la indagación con herramientas de programación musical y técnicas de composición algorítmica. 2. “HOMES” es una obra audiovisual perteneciente a un proyecto interdisciplinario del mismo nombre, que intenta rescatar, documentar, ficcionar y friccionar la memoria viva de la comunidad migrante árabe en Guayaquil; a través de un lenguaje multimedia que cuestione los conceptos de territorialidad, identidad, memoria y cuerpo en los procesos migratorios. La presente pieza de video, interpretada por Nathalie El-Ghoul y re-interpretadas mediante procesamiento visual y sonoro, narra en tres episodios audiovisuales un mapa de rutas en desvanecimiento, de memorias arraigadas, de alientos que surgen de un cuerpo semidestruido, de íconos íntimos que dialogan sobre la muerte, la tierra y el origen. 3. Masuray es una obra realizada durante una residencia en el CMMAS durante el mes de julio de 2021, gracias al apoyo de los incentivos COMUNA de la Universidad de las Artes. Durante la residencia se completará el desarrollo de instrumentos virtuales de objetos sonoros ancestrales grabados en las reservas arqueológicas del Ecuador. Así mismo, realizó una obra inmersiva en torno a la musicalidad de estos instrumentos virtuales, mediante la realización de una interfaz de ejecución a tiempo real. Masuray es un trabajo basado en el archivo sonoro y la virtualización de objetos sonoros ancestrales. La obra se basa en un supuesto descenso de un murciélago desde los andes hasta la costa de Ecuador. Murciélago haciendo alusión a mi objeto sonoro principal, una flauta globular zoomorfa, que claramente distingue la forma de un murciélago. La obra se desarrolla en la conexión de las sonoridades de los objetos y llevarlos a través de la temporalidad y localidad de los paisajes grabados, desde el alto páramo hasta el nivel del mar. 4. A través de diferentes textos (Guambo: Primavera Nuclear Andina, Lema: Ñuka hatunmamata pachaka imata kan nishpa tapukpika, BIPM: The International System of Units), la obra explora los vestigios de una confluencia de varias culturas, alusivas a algunos habitantes de ¨ciudades páramo¨. Lo anterior, a partir del Tiempo como eje transversal de reflexión, del sonido en tanto que fenómeno temporal por excelencia y de un juego de imágenes que advierten una confrontación ante el desamparo en el páramo/ciudad. TEMPUS / PACHA juega entonces con los límites entre una temporalidad discursiva y cíclica. Entre una narración y una especie de performance ritual donde el fluir de la existencia da paso a un presente continuo, a una temporalidad difusa acentuada por la multiplicidad de experiencias sensoriales de la propuesta. 1. Enrique Landívar García Artista multimedia, músico-productor, creativo audiovisual y gestor cultural en la ciudad de Guayaquil. Posee una Licenciatura en Producción Musical y Sonora por la Universidad de las Artes. Su trabajo se enfoca en la realización de instalaciones sonoras e interactivas, obras inmersivas multicanal y programación de interfaces para instrumentos musicales. Es fundador de la productora de eventos y sesiones en vivo "Cementerio Club Producciones". Su trabajo ha sido expuesto en festivales y eventos académicos como: Minga Multimedia de Arte y Tecnología (mMAT), Cluster (ILIA), Festival SMOV (ESPOL), FestivalFFF (Ambato), Bienal de Arquitectura de Venecia (Italia). Jodk Barberán Cevallos Productor musical y artista multimedia de nacionalidad ecuatoriana. Licenciado de la Universidad de las Artes en producción musical y sonora. Desde siempre la música ha sido su mayor inspiración, pero antes de ella la tecnología y la ciencia lo fueron primero. Es gracias a esto que ahora logra dialogar entre ellas hacia un solo fin: un arte transhumanista que responde a sus intereses en la exploración por las interacciones humano/máquina, dentro de lo contemporáneo y experimental en un diálogo necesario con la tecnología, el concepto de la computadora como instrumento musical y el arte algorítmico. Su trabajo ha sido presentado en instalaciones, talleres, textos académicos y eventos internacionales como: publicación de la revista Preliminar “AllpaRuna”, Taller “la computadora como instrumento musical” + instalación en Interactitos (2019), Festival mMAT y ha participado en eventos internacionales como el Festival Estéticas Expandidas (Colombia) y Transpiksel (Noruega). 2. Juanjo Ripalda Artista sonoro y multimedia de Guayaquil, Ecuador. Desde 2015 dirige Resonar, un laboratorio artístico dedicado a la creación de obras, proyectos e instalaciones multimedia que combinan arte, tecnología, programación e interactividad. Actualmente, labora como coordinador de la carrera de Tecnología en Sonido y Acústica del Instituto Paradox y docente de la Universidad de las Artes en el itinerario de Diseño Sonoro e Innovación. 3. Diego Benalcazar: Diseñador de sonido, artista sonoro, productor y educador. Obtuvo un BA en Producción Musical y Sonido con un Minor en Música Contemporánea de la Universidad San Francisco de Quito (USFQ). En el 2014 obtuvo un MA Audio Production (with Merit) de University of Westminster (Londres, UK) donde luego trabajó como Docente de posgrado en materias de Audio Interactivo y Post-producción de audio. En 2013 crea dB Audio Lab, un estudio de postproducción de audio que se especializa en audio interactivo, diseño de sonido, mezcla para cine, televisión y multimedia. Desde el 2017 es Docente Titular de la Universidad de las Artes. Su investigación y obra gira alrededor del audio inmersivo, el archivo y memoria sonora, específicamente de paisajes sonoros y objetos sonoros ancestrales. 4. Fredy Vallejos, músico de origen colombiano, ha realizado estudios de percusión, composición, musicología e informática musical en Colombia, Francia y Suiza (Conservatorio Antonio María Valencia, Conservatorio de Lyon, Escuela de Altos Estudios Musicales de Ginebra, IRCAM, Universidad Jean Monnet, Universidad Lumière-Lyon 2…). Sin embargo, considera que su formación definitiva responde a la influencia de diferentes músicas tradicionales y populares, debido a su temprano contacto de manera empírica con las mismas. Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas tecnológicas y en la relación del sonido con otras formas de arte. En este sentido, ha colaborado con artistas de diferentes campos (cine, artes visuales, danza, literatura) y sus obras se han presentado en diversos auditorios y festivales de mas de 15 países. Laureado del Multimedia Prize de la Fundación San Fedele (Milán), del concurso de composición André Jolivet (París) y Finalista de los concursos de jóvenes solistas de la Orquesta Filarmónica del Valle del Cauca y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Segundo puesto y premio a los mejores arreglos en el concurso de música tradicional Petronio Álvarez con el cuarteto de percusión del Conservatorio Antonio María Valencia. Residente en la Ciudad Internacional de las Artes de Paris (2013-2014) y becario de la ciudad de Villeurbanne (Francia), de la Fundación Simón Patiño (Suiza), del Instituto Departamental de Bellas Artes (Colombia) y de la Ciudad de Ginebra (Suiza). Ha realizado una labor pedagógica durante más de 20 años en diversas instituciones de América Latina y Europa. Fue director de la Escuela de Artes Sonoras de la Universidad de las Artes del Ecuador de la cual es actualmente es docente. Do you have comments or questions to the artist? 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